Bücher der Reihe Champs visuels

Personnalité artistique de premier plan, Françoise Rosay (1891-1974) a marqué durablement le cinéma français par ses qualités de comédienne et son volontarisme. L'objectif de cet ouvrage est d'étudier son travail d'actrice dans six films ¿ Gribiche (1926), Le Grand Jeu (1934), Pension Mimosas (1935), La Kermesse héroïque (1936), Les Gens du voyage (1938), Macadam (1946) ¿ tournés sous la direction de son époux, Jacques Feyder. En s'appuyant sur l'analyse des ¿uvres et sur l'examen des archives disponibles, on se propose ici d'essayer de comprendre de quelle manière cette artiste a pu évoluer dans le cadre des contraintes qui pesaient sur les femmes à son époque et comment s'est construite son image dans les médias au fil des ans.

Selon Jean-Louis Leutrat, « les larmes sont un sujet éminemment cinématographique ». Connues pour leur faculté de purification, d'échange et d'union, les larmes permettent aux personnages de communiquer leurs désirs d'être accueillis les uns dans les autres. Mais de même, dans certains films, un combat constant entre les larmes et la séparation sert de moteur narratif et de référent visuel. Ces larmes peuvent être parfois dans l'incapacité de surgir. Une dynamique propre aux larmes permet ainsi de mieux saisir cette tension entre le besoin des personnages d'établir une union et une stratégie dominante de la séparation. Chez Douglas Sirk, Krzysztof Kieslowski et Ingmar Bergman, Dévoilement, communion et conversion sont les trois étapes de la dynamique engendrée. Dans cette dynamique, et dans la mise en crise des larmes, un transfert des larmes devient indispensable et se matérialise de différentes manières chez les trois cinéastes dont les oeuvres offrent à cette donnée filmique une dimension visuelle et dramatique supplémentaire.

Buster Keaton a une particularité : certains de ses gags douloureux sont de véritables exploits. Nous établirons une réflexion rythmique selon différentes approches en insérant des croquis pour comprendre la chorégraphie de Buster Keaton. Le dessin permet donc, de notre point de vue, une « réduction à l'essentiel », une mise en valeur esthétique des lignes acrobatiques, plus rapide qu'un photogramme. Relier et analyser le rôle de l'exploit physique réel dans le discours comique : par rapport au corps contrarié, mais aussi face à la temporalité du gag et du récit lui-même est notre but. Établir une définition particulière de l'exploit physique réel afin d'ouvrir quelques pistes utiles pour bien comprendre l'univers de Buster Keaton en espérant pouvoir inspirer d'autres analyses est le but de cet ouvrage.

À propos du premier tome paru en 2021, Jacques Demange écrivait : « Aux descriptions de caractère qui rappellent par moment l'écriture satyrique de Mark Twain s'ajoute une capacité de mise à distance qui n'est pas sans renvoyer à la méthode autobiographique initiée par Rousseau. » (CineChronicle, 16 avril 2021). Dans ce second tome, le transfuge, passé cinquante ans, s'acharne à faire oublier son statut de « pape du formalisme », dû à la notoriété de Praxis du cinéma, ceci par le biais d'une demi-douzaine de livres engagés, dont certains écrits en collaboration, ainsi que quelques documentaires. En même temps, de façon certes plus discrète, il deviendra, grâce à l'Internet, le « viragophile » le plus célèbre de la planète, par des petites fictions, des diaporamas ainsi que la première étude sérieuse de cette perversion masculine, L'Amour des femmes puissantes.

Tout cinéphile connaît la signification du mot rosebud et son origine, Citizen Kane : une faille secrète qui imprègne toute une existence. Mais se peut-il qu'il possède une dimension, une transversalité et une universalité qui excèdent le film d'Orson Welles pour se constituer en phénomène à part entière ? Le rosebud peut être compris comme un événement négatif qui correspond à des blessures ouvertes, des secrets destructeurs et des obsessions noires. Reconnaissables par la présence d'une rose, les rosebuds manifestent leur puissance dans les films d'Alfred Hitchcock, Francis Ford Coppola, David Lynch, Blake Edwards, Martin Scorsese et bien d'autres. Lerosebud n'est pas seulement un phénomène esthétique car il existe dans nos vies qui en comptent beaucoup. Heureux sont ceux qui peuvent tant bien que mal les éviter. Ce livre se situe ainsi au croisement de l'analyse cinématographique, de la philosophie, de la botanique et de la pornographie. Il existe en effet une forme de rosebud, nommée comme telle par les pornstars. Elle repousse les limites du corps et de ce que peut supporter le regard. Un grand puzzle fi nit par s'assembler et c'est loin d'être un hasard.

Qui n'a jamais entendu parler des Hobbits, de la Comté et de la quête de l'Anneau ? Pour beaucoup, ces noms n'évoquent pas directement les romans du Hobbit et du Seigneur des Anneaux de l'écrivain britannique John Ronald Reuel Tolkien, mais plutôt l'adaptation cinématographique, en six films, qu'en a fait Peter Jackson. Le travail du réalisateur néo-zélandais semble en effet s'être imposé comme l'adaptation pour l'instant indépassable de l'¿uvre de Tolkien. Cependant, toute adaptation agit inévitablement comme un prisme déformant plus ou moins l'¿uvre originale. Évaluer ce qu'il reste de celle-ci après son passage par le prisme de Peter Jackson est l'objectif de ce livre. En adoptant une grille de lecture littéraire permettant de mettre en lumière les divergences et concordances entre les livres et les films, Flavien Olry touche ici à la forme comme au fond, au « corps » et à « l'esprit », de l'¿uvre de Tolkien. Une approche qui permet d'aborder certaines notions importantes de l'univers du père des Hobbits, tout en offrant aux lecteurs des romans la possibilité de redécouvrir avec un nouvel ¿il les adaptations de Peter Jackson. En naviguant sans cesse entre les films et les livres, cette monographie inédite s'emploie à saisir l'essence de l'¿uvre de Tolkien afin d'observer le relief qu'elle prend dans l'adaptation cinématographique ; l'histoire d'un aller et retour pour chercher à lire Tolkien à travers Jackson.

Pendant les deux dernières décennies, des changements notables se sont produits dans le rapport à la réalité sociale et à l'identité. Ils ont engendré un questionnement des valeurs héritées de la modernité reflété par le cinéma actuel : le présentéisme, la peur de l'avenir qui se traduit en visions post-apocalyptiques, la redécouverte du corps, son exploration, les changements dans le couple, le néo-existentialisme, qui se manifeste dans la relation à l'autre et au contexte social, la révision des valeurs et des mythes collectifs ayant alimenté le rêve américain, l'assomption de l'horreur comme partie intégrante de la réalité humaine, les jeux avec la vérité. Cette crise suscite de nouveaux imaginaires. Elle affecte non seulement les valeurs sociales et morales mais aussi les catégories structurant notre perception du monde et de l'autre. Elle apporte de nouvelles représentations, qui se caractérisent par un regard cru, exacerbé, impliquent une plus grande proximité, recourent à d'autres formes narratives et indiquent un changement de paradigme, une hypervisibilité qui, en se jouant des limites, enfreint les règles du politiquement correct, de l'esthétique et parfois même de la morale.

Pendant les deux dernières décennies, des changements notables se sont produits dans le rapport à l'identité qui entraînent une crise des valeurs reflétée par le cinéma actuel. Cette crise suscite de nouveaux imaginaires qui apportent d'autres représentations du sujet et de la réalité. Elles se caractérisent par un regard cru, exacerbé, impliquent une plus grande proximité, recourent à d'autres formes narratives et indiquent un changement de paradigme, une hypervisibilité qui, en se jouant des limites, enfreint les règles du politiquement correct, de l'esthétique et parfois même de la morale. Dans ce deuxième tome, on appliquera la réflexion aux valeurs collectives à travers la remise en question du rêve américain, des figures et valeurs qui l'incarnent. On abordera enfin deux thèmes majeurs : l'horreur glacée, la banalisation du mal sur laquelle elle repose, et le rapport à la vérité, clé de voûte des systèmes de valeurs. Dans la conclusion, qui porte sur les deux tomes, on reviendra sur le jeu avec les limites pour s'interroger sur la mutation des valeurs et l'émergence d'une approche qui se situe au-delà des dichotomies et rompt avec les catégories héritées de la modernité.

Les aventures d'Alice au pays des merveilles et De l'autre côté du miroir et ce qu'Alice y trouva sont deux histoires imaginées par Lewis Carroll. Mais il ne faut pas oublier leur première mouture, Les Aventures d'Alice sous terre. Ce monde mortifère peu visite est ici étudié au cinéma. Partant du poétique Alice au pays des merveilles de Disney, les Alices les plus opposées se succèdent sous les angles fantastiques, esthétiques, philosophiques, psychologiques, érotiques, politiques et maçonniques. Ce sont celles de Tim Burton (Alice au pays des surprises), Claude Chabrol (Alice au purgatoire), Louis Malle (Alice au pays des Morts jeunes et vieilles), Roman Polanski (Alice au pays des obsédés sexuels), Guillermo Del Toro (Alice et ses démons intérieurs), Jorge Feliu (Les Alices jeunes et âgées), Jan Svankmajer (Alice au pays des marionnettes fanto mes), les fre res et s¿urs Wachowski (Alice au pays des virus), Marilyn Manson (Alice phantasmée).

Le cinéma s'est emparé de San Francisco dans de multiples fi lms. Ville mythique dans l'imaginaire américain, c'est un espace singulier, fait de déclivités, et limite ultime du grand Ouest. Alfred Hitchcock et Delmer Daves y ont situé l'intrigue de fi lms aux étranges parentés : Sueurs froides et Les passagers de la nuit. C'est l'occasion, pour ces deux réalisateurs, d'explorer les possibilités esthétiques qu'off re le cinéma, lorsqu'il s'agit de décrire la vie intérieure de personnages en crise.

Faire un film, c'est jeter un sort. C'est ainsi que le cinéaste américain Kenneth Anger (né en 1927) conçoit son travail. Ses courts-métrages expérimentaux et visionnaires ont laissé leur empreinte sur le cinéma contemporain. Pourtant, ses créations peinent encore à être connues du grand public. Le style Anger c'est d'abord une expérience onirique et hypnotique. Ébranler la perception, filmer le rêve et côtoyer l'ésotérisme sont là ses obsessions. Mais c'est aussi et surtout ses mécanismes visuels dignes d'un illusionniste que différents cinéastes se réapproprient. Parmi eux, David Lynch. De quelle façon le cycle de courts-métrages de la « lanterne magique » du premier a influencé le Twin Peaks: The Return (2017) du second ? Comment leur terrain esthétique commun met au jour la possibilité d'un cinéma incantatoire ? Entretenir un potentiel d'envoûtement exige de développer tout un éventail d'expérimentations esthétiques. Si Kenneth Anger en a impulsé, David Lynch s'en est imprégné. Faire une série c'est peut-être aussi jeter un sort¿

Au début des années cinquante, André Cayatte s'attaque frontalement aux m¿urs judiciaires, à la peine de mort, à la corruption et dresse un portrait féroce de la société d'après-guerre. Dans le public et l'opinion, ses films sont ressentis comme des électrochocs.En France, il semblait jusque-là que le cinéma et la politique fussent inconciliables. C'était l'avis de ceux qui voulaient que le cinéma soit reconnu comme un art véritable. Ainsi André Bazin et François Truffaut dénigrèrent les films de Cayatte comme étant des « films à thèse », une étiquette infondée dont Cayatte a particulièrement pâti.Aujourd'hui un cinéaste engagé est perçu favorablement. Il est devenu possible d'apprécier le cinéma de Cayatte à sa juste valeur. Parmi la trentaine de films que compte sa filmographie, plusieurs, dont Nous sommes tous des assassins (1951) et Le passage du Rhin (1960), justifient pleinement que Cayatte figure au panthéon des cinéastes.

Il existe dans la nature des structures fractales très variées: les ramifications d'un végétal, un nuage, un cyclone ou un simple flocon de neige, par exemple. L'art contemporain international s'en inspire depuis les années 1980, donnant lieu à un véritable courant d'art "fractaliste". Ce livre constitue la première synthèse théorique, en France, de la pensée artistique fractaliste, dans ses rapports avec les sciences modernes de la complexité fractale.

Ladislas Starewitch, inclassable réalisateur de films d'animation et de films en prises de vues réelles, créateur de la ciné marionnette, aurait pu tomber dans l'oubli. Aujourd'hui le patient travail de collecte et de restauration de sa petite fille Léona Béatrice et de son époux François Martin permet d'accéder à ses films. Son univers merveilleux plein d'humour rappelle celui de Méliès. Mais il présente aussi un caractère d'étrangeté. D'où vient cette dimension énigmatique et cette originalité ? Le mystère Starewitch est celui de sa création. Son appartenance à une double culture européenne et slave pourrait-elle en donner les clés? La pertinence de cet ouvrage réside dans l'exploration de cette double culture dans laquelle s'ancre l'¿uvre du réalisateur. Entre archaïsme et modernité, elle puise ses racines dans le monde slave, mais renvoie aussi à la culture française et européenne qui l'a nourrie.

Grâce à de nouvelles sources accessibles, ce livre raconte les 64 films réalisés par Ladislas Starewitch à Kaunas, Moscou et Yalta, ainsi que les 41 réalisés en France en ajoutant les collaborations avec d'autres réalisateurs. Le lecteur suivra l'essor de la trajectoire de ce grand maître de la stop motion (pionnier des ciné-marionnettes, du grattage et de la peinture sur pellicule, de la clay motion et du go motion), ses mélanges d'animation, de vues réelles, d'effets spéciaux et d'images composites. Ce premier volume est suivi par Le vingtième siècle de Ladislas Starewitchchez le même éditeur.

Diffusés dans le monde entier lors de leur sortie, les chefs-d'¿uvre réalisés par Ladislas Starewitch dans les années 1910-1930 tombent dans un presque oubli dans les décennies suivantes, quand ses nouveaux films sont moins bien perçus. Ce livre retrace la réception de cette ¿uvre dans différents pays, ainsi que sa redécouverte à partir des années 1970-1980. Toute la trajectoire d'une ¿uvre devenue une référence pour nombre de réalisateurs comme Tim Burton, Henry Sellik, Terry Gilliam, les Frères Quay ou Jan vankmajer, et d'autres¿ Le récit de cette trajectoire commence avec La filmographie raisonnée de Ladislas Starewitch chez le même éditeur.

Les ressorts de la peur déclinés par Alfred Hitchcock, la maison isolée (The Birds), la pièce interdite (Notorious), la clef enchantée (Dial M for Murder), le miroir omniscient (Vertigo) ou le portrait maléfique (Rebecca), ravivent nos terreurs enfantines. Doubles et troubles, les tueurs charment leurs victimes. Selon Hitchcock, « les contes pour enfants nous mettent en garde contre les fausses apparences » : l'avenante belle-mère qui empoisonne sa bru (Notorious) n'est-elle pas une sorcière comme la charmante petite vieille aux pommes dans Blanche-Neige et les Sept Nains ? Défunts et malins hantent leur entourage, ourdissant des plans démoniques dans un contexte où horreur et merveilleux sont appariés. Par quels prodiges le quotidien bascule-t-il dans la féérie ? Comment le cinéaste confère-t-il aux images un pouvoir d'envoûtement comparable à celui des mots ?

Le cinéma est ici visité comme un pays que composent plusieurs territoires répartis sur autant de chapitres. Dans le premier chapitre, on rencontre Le Mépris, associé à L'Amour fou, M et Allemagne, année zéro. Les chapitres 2 et 3 abordent trois questions : le cinéma comme champ culturel, objet théorique, matière d'enseignement. Le chapitre 4 est une réflexion sur la nuit au cinéma. Sombre de Philippe Grandrieux y est longuement exploré. Chapitre 5 : de Louis Lumière à Panah Panahi, sont abordées des figures du transport, en train, en bateau, en voiture, en avion. Le dernier chapitre évoque deux films contemporains traversés par l'idée de la fin du voyage en cinéma : It must be Heaven, et La Dérive des continents (au sud). À la fois essai et rétrospective cinéphilique, cette construction d'un « pays du cinéma » suit ainsi une ligne singulière.

1er novembre 1954. La guerre commence en Algérie. Des milliers de jeunes de 20 ans y sont envoyés pour le « maintien de l ordre ». Leurs résistances butent contre les murs de la propagande, du mensonge. L image, alliée, asservit le visible aux sons ordonnés. Dans ce contexte où tout mine la relation des faits, des consciences s élèvent. Les mobilisés témoignent. Malgré la censure, l interdit, la crainte, quelques cinéastes agissant en lanceurs d alerte, tentent de transmettre des vues différentes des réalités. 1962. La guerre est officiellement finie, mais toujours pas reconnue. Dix ans après, la fiction emplit l écran de quelques aspects du visage des mobilisés. Avec le temps, beaucoup d entre eux brisent le silence. Au gré des nécessités, des circonstances, ils livrent à la presse, et aux différents formats du septième art : documentaires, reportages, émissions, qui leur ouvrent leur lucarne, quelques bouts inédits de leur histoire, de l Histoire, de la guerre d Algérie.

Les images d'art envahissent le web: sites d'art personnels ou collectifs, galeries et musées en ligne, bases de données iconographiques. Elles sont couramment imprimées au moyen de procédés numériques. En raison de l'exigence qualitative particulière qu'imposent les images d'art, il est difficile de bien maîtriser les technologies numériques destinées à obtenir des reproductions optimales, aussi bien sur écran vidéo que par impression papier "photoréaliste". Les problèmes sont variés: définition et résolution, type de compression, format de fichiers, dynamique, contraste, etc.

Les films du cinéaste grec Théo Angelopoulos (1935-2012) incarnent un cinéma politique qui remet en question l'idéologie totalitaire. A travers la fiction, ils évoquent l'histoire de la Grèce contemporaine et celle de la seconde moitié du XXè siècle en Europe. Mais c'est une esthétique poétique qui donne à cette réflexion politique toute sa puissance de suggestion. Le livre de Michel Estève est le premier en France à proposer une réflexion approfondie sur toute l'oeuvre de Théo Angelopoulos.

La Seconde Guerre mondiale fut autant une guerre militaire qüune guerre d¿images ¿ une guerre de communication, dirait-on aujourd¿hui. Dès 1942, de grands réalisateurs hollywoodiens comme John Ford, John Huston et William Wyler s¿engageaient dans l¿armée et devenaient des cinéastes-militaires reconnus pour leurs films documentaires. À côté des films de guerre hollywoodiens, les documentaires produits par l¿Armée ont montré la réalité des combats, sublimé l¿étrange beauté des champs de bataille et raconté la guerre comme une grande aventure nationale.Les documentaires de guerre réalisés par Ford, Huston et Wyler ont défini les formes d¿apparition cinématographique de la nation et du peuple américains, avec ce que cela implique pour l¿historiographie, l¿esthétique et la politique. Gilles Deleuze faisait l¿hypothèse que l¿invisible de la Seconde Guerre mondiale marquait la transition du classicisme à la modernité cinématographique ; or les images de la guerre tournées pendant les combats constituent aussi une matrice thématique et formelle pour le cinéma moderne.