Bücher der Reihe Critiques Littéraires

Cet ouvrage vise à analyser la mise en texte de l'Histoire et de l'idéologie au moyen d'une pragmatique du discours, dans un univers romanesque qui court de la période immédiatement post-révolutionnaire aux lendemains de la révolution de 1830, et jusqu'aux prémices de celle de 1848, en s'attachant particulièrement au processus de production littéraire en tant qu'il met au jour des pouvoirs d'intervention dans l'histoire et d'invention de l'Histoire.

Depuis les premières Bibliographies publiées sur la littérature du Congo (Kinshasa), il manquait un document général susceptible d'apporter des renseignements concrets sur ce qui s'est édité dans ce pays, particulièrement au cours de ces vingt dernières années. Et préci­sément, contrairement au vide littéraire déploré par de nombreux obser­vateurs au cours de la période coloniale et immédiatement après la proclamation des indépendances politiques, les ouvrages qui ont vu le jour dans le domaine des lettres expriment avec plus de force encore la dynamique d'un véritable discours historique.

Il y a des chefs-d¿¿uvre qui sont des productions poétiques, fondatrices d¿une nouvelle littérature dans la culture d¿un pays ou du monde. L¿Etranger de Camus (1942), Pedro Páramo de Juan Rulfo (1955), Nedjma de Kateb Yacine (1956) et Agadir de Mohammed Khaïr-Eddine (1967), à titre d¿exemple, font partie de ces créations exceptionnelles.    Agadir est une ¿uvre inchoative, hapax et révolutionnaire. Comme les ¿uvres précitées, elle est à la fois inimitable et difficile d¿accès. Il fallait donc l¿expliquer, c¿est-à-dire déplier ses strates et tenter de mettre quelque ordre dans sa lecture pour la soustraire aux discours de la critique qui verse, pour ce genre de chef-d¿¿uvre, dans des poncifs.  Comme Nedjma de Kateb Yacine (Marc Gontard, 1975), Agadir est l¿unique ¿uvre de Mohammed Khaïr-Eddine qui n¿a pas cessé de germer dans ses autres espaces scripturaires. Elle est son image obsédante, son inspiratrice et son trauma.

Là-haut (1891) est un roman ébauché de Joris-Karl Huysmans dont le premier manuscrit ne fut publié intégralement qüen 2021. On y retrouve Durtal, dandy quadragénaire blasé déjà présent dans Là-bas (publié en 1891). Alors que Là-bas reflétait le décadentisme sataniste incarné par Hyacinthe Chantelouve, femme fatale et profanatrice dont l¿étreinte déçoit finalement Durtal, Là-haut met en scène la sensuelle et solaire Florence. La jeune courtisane perverse captive un Durtal irrésistiblement attiré par la splendeur du catholicisme, mais sans volonté pour décider entre la chair et la foi. Là-haut est le récit d¿une lutte à mort entre le désir et le mysticisme. L¿apparition de la Sainte Vierge à La Salette est au centre d¿une tension paroxystique entre religion et sensualité qui déchire Durtal.

Des Pierres aux Livres est une lecture intertextuelle de la production littéraire et de l¿imagerie poétique de l¿auteur, à la fin du XXe siècle. Cette période de travail de Paul Auster se caractérise par une exploration réelle et métaphorique de la scène de l¿écriture et du symbolisme de l¿espace.Selon Des Pierres aux Livres, les mots-pierres sont la substance génétique d¿un monde (re)construit à travers l¿écriture, à l¿intérieur des murs d¿une chambre. Les mots construisent le livre de la même manière que les pierres construisent un mur. Ce mur définit un espace-temps fermé qui permet, néanmoins, une expansion mentale illimitée, comme un livre ou une chambre d¿écriture. L¿¿uvre de Paul Auster est donc révélée comme une réflexion esthétique-littéraire sur l¿écriture, dans une succession infinie d¿images et symboles. Comment Paul Auster se voit en tant qüécrivain, comment regarde-t-il l¿écriture qüil même produit, et comment transpose-t-il cette vision dans le discours littéraire, c¿est ce que Des Pierres aux Livres essaye d¿explorer.

Le rêve occupe une place très importante dans l'organisation du roman marocain de langue française. La polyphonie intérieure, la dramatisation de la conscience, les souvenirs, les fantasmes, les rêves nocturnes, l'hallucination, l'énigme du moi et de l'identité personnelle, les rhétoriques du double, la conscience de soi, la crise du sujet, le rapport de jouissance du récepteur, la déconstruction du genre, tous ces aspects représentés par le rêve sont étudiés avec une méthodologie qui emprunte ses outils à la poétique, à la phénoménologie, à la psychanalyse et à l'esthétique de la réception.

Cet ouvrage en forme de recueil a pu s'articuler à partir de textes de Casanova, Stendhal, Beckett. Quel fil, quelle parenté secrète circule et nous fait signe d'¿uvres si différentes et éloignées dans le temps et dans l'espace que celles de ces trois auteurs ? Trois approches diverses et exemplaires de l'expérience sensible sont ici proposées. Un point commun les relie néanmoins, celui de pousser les catégories de la perception vers leurs extrêmes, vers un au-delà du sensible, point ultime où le sujet s'abîme dans son objet.

En tant qu'elle articule le visible, l'invisible et l'au-delà du visible, la peinture interpelle sans cesse l'écriture stendhalienne. Néanmoins une aporie se dessine au sein de l'¿uvre entre un texte où les appels à la peinture, à l'¿il, au regard et à tout ce qui a trait à la vue sont omniprésents et l'absence de tout «rendu» du visible dans la page.  Si la sécheresse figurative stendhalienne a été si remarquée, c'est parce que son écriture mobilise chez le lecteur le désir de voir, qui advient dans la page et qui ne trouvera pas dans le texte son objet. L'objet de la vue s'inscrit dans l'attente, dans l'imminence. Stendhal ne décrit pas la peinture, elle s'inscrit dans son texte comme relation à une «langue» irréductiblement autre. Inscrire la peinture, renvoie donc plutôt au parcours, à la résistance que la peinture trouve à (ne pas) passer dans la langue, qu'à sa présence paisible dans le texte. Ce qui peut être mis en peinture n'est pas ce qui peut être mis en texte. Texte et peinture n'attendent pas au même endroit le lecteur et le spectateur.  Si la dynamique du déplacement domine l'approche du tableau dans }'Histoire de la peinture en Italie, c'est à l'enseigne de la substitution nodale des «manuscrits italiens» à la place des «petits tableaux» recherchés à l'origine que s'écrivent les Chroniques italiennes. A la poétique de la présence massive du pictural dans les Chroniques , s'oppose l'esthétique de l'absence dans La Chartreuse de Parme, ponctuée d'étranges irruptions du pictural dans l'écriture. Du procédé de la différence aux passages abrupts à des langues étrangères, aux fuites dans les notes en bas de page, à la poétique de l'absence, en passant par la présence terrible de l'autre autour duquel se hérisse le même (Chroniques), le pictural altère la page, la mobilise, témoignant de l'énergie qu'il faut à l'écriture pour se mesurer à la peinture.  La peinture où se perd la voracité de voir stendhalienne, de voir sans être vu, tout en étant regardé de chaque fibre de la toile devient ainsi un objet surdéterminé, réunissant par les fils tendus du désir et par la force symbolique de la substitution, les deux pôles opposés de toute activité psychique et de tout langage déplacement et condensation, métonymie et métaphore.

Ces entretiens auprès de dramaturges et cinéastes qui ont fait du thème psychiatrique une métaphore de l'enfermement dans les années 1960 à 1980 rendent compte d'une fragmentation de l'individu provoquée par une société qui a perdu ses repères. Débats sur : Antonin Artaud, Harold Pinter, John Cassavetes et Milos Forman. Entretiens avec : Ken Loach, David Edgar, Joseph Berke, J.P. Donleavy, Elia Kazan, Judith Malina, Stéphanette Vendeville, Dennis Reardon, Murray Schisgal, Michael Cristopher, John Pielmeier, Loriano della Roca et Krzysztof Zanussi.

Le pari de Jeanne Fouet est d'aborder un écrivain par ses " marges " et depuis cette marginalité revenir au texte même, avec un autre regard, enrichi de l'attention portée aux moindres aspects des choses. L'écrivain retenu dans cette entreprise inhabituelle s'appelle Driss Chraïbi, romancier marocain contemporain parfois facétieux, souvent tragique. Son ¿uvre s'en trouve certes quelquefois singulièrement éclairée.

Amélie Nothomb est présente sur la scène littéraire depuis trente-et-un ans, son ¿uvre est adaptée au cinéma, au théâtre, à l¿opéra, elle est traduite dans le monde entier et a reçu de nombreux prix. D¿un point de vue académique, l¿¿uvre d¿Amélie Nothomb n¿a pourtant fait l¿objet que de très peu de critiques. Ce livre montre la triple marginalite¿ d¿Ame¿lie Nothomb et la manie¿re dont elle fait face aux obstacles que repre¿sentent sa fe¿minite¿, sa nationalite¿ belge et le statut Best-sellers de ses romans. Mais aussi, le caracte¿re hybride de son ¿uvre construit avec une cohe¿rence interne surprenante et nourrie par une recherche de l¿identite¿. Ce livre propose également un nouvel outil d¿analyse  : «¿le roman fictuel¿» afin de cerner au mieux l¿¿uvre inclassable de l¿autrice. Une réflexion originale sur trente et un romans de l¿autrice accompagnée de la participation d¿Amélie Nothomb via une correspondance inédite.

Il est d¿usage d¿aborder l¿écriture de Victor Segalen sous l¿angle du voyage et du rapport de l¿auteur à l¿Exotisme. Or, il s¿est toujours montré attentif à ne pas franchir une certaine limite où l¿identité première risquerait d¿être menacée. Ainsi, un nouveau Segalen se dégage des textes, contredisant avec force l¿image trop simple du poète livré au pouvoir de l¿imagination heureuse, ou celle, erronée, du voyageur comblé. Segalen ou l¿expérience des limites retrace l¿aventure d¿un destin courageux et d¿une ¿uvre véritablement audacieuse.

A travers cette thématique, l'ouvrage tente de montrer que la littérature n'est jamais très éloignée des comportements des hommes et des femmes qui vivent en société, de leur vécu, de leurs aspirations et de leurs rêves. Cet ouvrage donne donc un aperçu fort éloquent de ce thème qui ne cesse de se manifester tout au long des périodes classique, moderne et contemporaine; C'est ainsi qu'apparaît Cervantès, aux côtés de Tirso de Molina, lequel côtoie Ramon de la Cruz, Blasco Ibanez ou encore Garcia Marquez.

Michel Houellebecq croit-il au bonheur ? Les utopies qüil présente sont-elles vraiment une solution au marasme de nos sociétés occidentales ?Notre essai analyse toutes les utopies présentes dans les romans de Houellebecq, tout en faisant des parallèles avec ses textes intermédiaires, sa poésie ou ses productions non littéraires. Son ¿uvre nous montre que la quête d¿immortalité et la quête sexuelle aboutissent au même résultat. Les utopies houellebecquiennes finissent toujours par échouer. La dystopie prend le pas sur l¿utopie, le malheur sur le bonheur. Chez Houellebecq, l¿espoir est vain.

Cet ouvrage représente le fruit d'un dur travail sur de longues années dans le domaine de la littérature policière. Il aborde les grandes questions de technique, d'esthétique, de structure et d'art du roman policier. Il constitue une somme sur l'histoire, la théorie et la pratique de ce genre romanesque et ses différents sous-genres, à savoir le roman à énigme, le roman à suspense, ainsi que le roman noir. Il consiste à définir et à expliciter les idées clés de la composition structurale à travers des exemples tirés du polar québécois. Il propose également au lecteur une compréhension approfondie de l'analyse des personnages prototypes tels que l'enquêteur, le coupable, la victime, etc. Le traitement des stratégies narratologiques et l'analyse du cadre spatio-temporel occupent indubitablement une place importante dans cet ouvrage de référence pour l'étudiant, le chercheur, l'amateur, le praticien, voire le critique du genre policier en général.

"La femme nodale" est pour une bonne part un livre sur l'homosexualité. Il comporte aussi une dimension religieuse car nodale est la femme dont Dieu use pour entrer en relation avec l'humanité. Pour la vérification de cette thèse, l'auteur recours à une étude comparative des ¿uvres romanesques de Thomas Mann et Daniel Cohen, auteur entre autres de "D'humaines conciliations" paru en 2000. Ce nouvel effort de dire la vérité romanesque doit beaucoup aux propositions fondamentales de René Girard quand bien même il en élargit le propos au point de les contredire ou nuancer parce qu'il les fait dépendre d'une base plus large.

De façon très consciente, l'auteure rwandaise Scholastique Mukasonga poursuit à travers son écriture le témoignage de ses expériences vécues et la nécessité de rendre compte de l'existence de ses proches ¿ victimes du génocide des Tutsi au Rwanda. Tout au long de ses oeuvres, elle amorce aussi une enquête pour trouver un sens à sa propre survie. Cet ouvrage est le premier travail monographique portant sur l'oeuvre de Mukasonga publiée entre 2006 et 2018. Il inclut également des textes journalistiques de l'auteure. Ces différentes sources textuelles sont traitées à partir de trois axes de recherche qui s'entrecroisent et se renforcent : le complexe du témoignage littéraire, l'écriture de la mémoire et la prise de position de l'auteure dans le contexte des littératures francophones. Ce travail retrace le champ de tension de la position de Mukasonga dans l'entre-deux à plusieurs niveaux : biographique, sociologique, testimonial, littéraire.

Cet essai se propose de parcourir, de façon exhaustive, la littérature coloniale portugaise des années 1920 en rapport avec le Mozambique. Les récits à l'étude montrent comment la perception morphologique de l'autre, sur la base d'un référentiel géographique, se trouve directement liée aux représentations de la pensée raciale portugaise développées dans une large mesure à partir de la mythologie aryenne et du darwinisme social. Les notions de « lutte des races » et de sélection des communautés les plus aptes contribuent à l'élaboration d'une « stratégie de la cruauté » et au déclenchement de flux de mort d'une grande intensité. Le double processus de déterritorialisation des populations, par le biais des conquêtes, et de leur reterritorialisation, avec la transformation sociale de l'espace, prend place dans un contexte politique totalitaire. L'instauration de la dictature raciale et la généralisation de la terreur engendrent l'astreinte des colonisés à une condition de servitude économique et sexuelle. Le désir colonial permet aussi l'émergence de formes d'hybridité sociale ou culturelle, immédiatement contrées par le développement d'une politique de domesticité coloniale.

Sándor Márai, une voix littéraire de premier plan du XXe siècle, incarne une exploration fascinante de la mémoire humaine. Dans Les Braises, Márai nous entraîne dans une quête introspective, peignant la mémoire non seulement comme une rémanence du passé, mais également comme un composant vital de notre identité. La rencontre des deux protagonistes, après des années de silence, est une danse délicate entre passé et présent, révélant l'influence indéniable de la mémoire sur notre compréhension de nous-mêmes et des autres. À une époque où l'oubli est facilité par la surcharge d'informations, l'écriture de Márai invite à la réflexion et à la valorisation de nos souvenirs. Une étude sur la mémoire dans Les Braises n'est pas simplement une plongée dans la littérature, mais une occasion de comprendre l'importance fondamentale de la mémoire dans notre existence, un hommage à la capacité humaine à se souvenir, à apprendre et à grandir. Cet essai transcende les limites de la littérature pour toucher l'universalité de l'expérience humaine, ce qui rend cette tâche non seulement passionnante, mais aussi essentielle.

Eloges est celui qui, de tous les recueils, répond le moins à la vocation qu'entendait donner Saint-John Perse à une poésie située "hors du lieu et du temps" - recueil "autobiographique" célébrant une enfance créole dans la Guadeloupe de la fin du XIXe siècle. Et pourtant, non seulement les critères stricts de l'écriture de soi ne résistent pas longtemps à l'analyse, mais encore la nostalgie qui domine opère une profonde alchimie d'où la Guadeloupe ressort transfigurée, et dessine les lignes d'une poétique déjà ontologique. Entre les deux ambitions scripturales palpite un secret où l'¿uvre, peut-être, s'origine : Eloges palimpseste.

À l'ère de la pensée positive, la souffrance a-t-elle encore son mot à dire ? Cet ouvrage s'adresse à celles et ceux qui s'intéressent au XIXe siècle, à Edgar Allan Poe, Fédor Dostoïevski ou Charles Baudelaire, ainsi qu'à celles et ceux qui voudraient comprendre la façon dont leurs textes se répondent à travers l'écriture des émotions et leur influence, au sein et hors du texte. Issue d'une thèse de littérature comparée, l'étude est fondée sur une approche systémique des représentations de la souffrance qui entend souligner leur complexité et la pluralité des modes de réflexion auxquels elles invitent. Elle propose une comparaison entre des auteurs issus de différentes cultures, mais aussi entre des ¿uvres de différents formats : romans plus ou moins longs, nouvelles, poèmes en vers ou en prose. Penser la souffrance aujourd'hui, c'est penser les représentations qui nous gouvernent et leurs mécanismes d'influence.

Dans l'univers littéraire de Marcel Pagnol n'est pas une biographie de plus sur un auteur populaire que tout le monde pense bien connaître. Il s'agit plutôt de la « biographie de son ¿uvre ». Cet ouvrage propose une plongée inédite dans le monde de Marcel Pagnol. Pourquoi les gens en général aiment Pagnol et pourquoi a contrario les intellectuels méprisent son ¿uvre ? C'est la toute première question que pose cet essai. Est-il réellement un auteur à rebours de son époque, « un cas » à part comme les rares universitaires qui s'intéressent à son ¿uvre aiment à le définir souvent ? Qui sont ses inspirateurs et ses maîtres ? Comment expliquer ses choix esthétiques ? Qui sont ses personnages ? Comment sont construites ses ¿uvres ? Est-il un auteur d'¿uvres comiques réservées uniquement aux collégiens ? Cette étude remet en question bien des aspects qui semblaient faire consensus et jette une lumière nouvelle sur une ¿uvre que l'on croyait pourtant bien connaître. Il propose une immersion totale dans l'¿uvre pagnolienne pour tenter d'en appréhender toute sa complexité et toute son originalité.

Les découvertes pétrolières et le boom économique des années 1960 ont soufflé des rêves de croissance et de modernisme sur la société saoudienne. Mais le pays sombre, entre les années 1970 et la fin des années 2010, dans la domination des mouvements islamistes radicaux, notamment celui de la Sahwa (Éveil). Ces mouvements ont provoqué d'énormes bouleversements dans la vie individuelle, collective et politique. Cet ouvrage offre un voyage intime au sein de la société saoudienne, à travers l'analyse de quinze romans produits durant ces décennies de la Sahwa.

Les personnages de roman se débattent avec leurs problèmes. Ils cherchent, luttent, construisent, inventent. Ils enquêtent, comme le diraient John Dewey ou Conan Doyle, en s'efforçant de maintenir le problème à l'extérieur d'eux-mêmes. Mais ils sortent rarement indemnes de leurs aventures. D'où l'appel à un deuxième modèle, celui du sens (Lewis Carroll, Gilles Deleuze) pour rendre compte des changements qui affectent leur rapport au réel, aux valeurs, à autrui et à eux-mêmes. L'ouvrage analyse des romans d'auteurs classiques ou contemporains (Umberto Eco, Daniel Defoe, Gustave Flaubert, Michel Houellebecq, Franz Kafka, Éric-Emmanuel Schmitt, Michel Tournier, Jules Verne). Là où la littérature donne à penser, c'est lorsqu'elle ouvre le processus de problématisation au-delà de l'enquête : quand les significations vacillent, quand le rapport au réel s'obscurcit, quand l'enquêteur n'est plus certain de lui-même. Georg Lukács l'avait bien vu : le roman est la forme littéraire du monde problématique qui est le nôtre aujourd'hui.

A l'oeuvre de Jean Rouaud semble s'appliquer l'expression qui sert de titre à l'un des ouvrages de Maeterlinck : "trésor des humbles". Dans Pour vos cadeaux, le narrateur nous dit de sa mère qu'elle a pris "une fois pour toutes le parti des humbles", des plus modestes. Elle participe, à sa façon, à cette "révolution par les humbles" dont parle Gilbert Durand. Et Jean Rouaud déclare : "J'ai trouvé insupportable qu'on parle avec mépris de petites ou de moyennes gens. Il y a une ligne de l'intolérable à ne pas dépasser qui s'appelle la dignité humaine" (Le Monde, 1er octobre 1990).

La pitié sous la plume de Victor Hugo est une notion polysémique. Contrairement à une littérature qui nomme et analyse la pitié, il la dissimule, tour à tour, sous l'apparence d'un mépris arrogant, d'une implacabilité générale, d'une indignation violente, d'une bonté naïve, d'une charité ironisée, voire d'une bienveillance hostile et cruelle. À l'aide des théories des émotions et des approches linguistiques, nous nous proposons de faire émerger les ambiguïtés et la dynamique de la pitié dans l'¿uvre hugolienne et d'en étudier les formes et la valeur morale et littéraire notamment dans quelques-uns de ses romans.

André Pieyre de Mandiargues (1909-1991) affectionne particulièrement le jeu quand il s'agit "d'être transporté plus loin par le jeu de la pensée et du langage". Cet essai explore ce "plus loin" dans ce qu'il a d'outrancier et d'ésotérique. Cette puissance imaginaire louvoie entre règles et transgressions qui construisent le jeu poétique. Ce rapport du jeu et de la poésie est étudié dans le corpus de ses oeuvres narratives qui sont ou s'apparentent à des romans.

Nous sommes, dit Sartre, condamnés à la liberté. Cette affirmation s'appuie sur une ontologie ambitieuse qui place la mise à distance de l'être et du monde au c¿ur de la conscience et de la liberté. Ce pouvoir de distanciation permet de soutenir que chaque personne est amenée à faire un choix fondamental d'elle-même. S'appliquant à lui-même ce postulat, Sartre estime qu'il a choisi l'imaginaire. Cela revient à admettre qu'il s'est investi corps et âme dans ce qu'il nomme son « mandat » littéraire. Mais ce choix finira par devenir embarrassant puisque l'imaginaire, tel qu'il le définit dans ses écrits théoriques, s'oppose frontalement au réel. Au lendemain de la Seconde Guerre mondiale, Sartre convertira sa plume en arme de tribun : ses engagements politiques incarneront, non sans violence, son affrontement au réel. Cet ouvrage tente d'observer comment se dessinent dans ses récits autobiographiques, biographiques et théâtraux le jeu complexe et les remises en jeu de la liberté sans en ignorer bien sûr les fondements philosophiques.

Si l'espace atlantique est le lieu des souvenirs de la violence de l'esclavage et du bouillonnement du colonialisme, il est aussi un objet d'élaboration théorique et conceptuelle qui met en valeur des cultures politiques transnationales et extracontinentales. Ce travail examine les implications sociologique et culturelle de l'histoire de l'Atlantique à travers les textes d'écrivains africains et caribéens des XXe et XXIe siècles. La notion de la transatlanticité que nous définissons comme une donnée identitaire excentrée et asymétrique est caractérisée par la traversée de la traite, les migrations d'individus dans le monde contemporain, les circulations d'idées et les transferts notionnels. Notre corpus est constitué de plusieurs écrivains dits francophones : Édouard Glissant, Maryse Condé, Dany Laferrière et Alain Mabanckou. Partant de la négritude d'Aimé Césaire et de Léopold Sédar Senghor comme mouvement fondateur des cultures politiques transatlantiques, nous nous sommes appuyés sur les écrivains de notre corpus pour démontrer que la transatlanticité est un fait historiquement déterminé qui permet de construire des savoirs, de produire des vocations et des nouvelles formes littéraires, qui échappent aux horizons d'attente des littératures traditionnelles.