Bücher der Reihe Esthétiques

Ce livre traite de l'exposition en ¿uvre dans le processus pictural, c'est-à-dire de la façon dont la peinture est réalisée dans et par son exposition. Certains artistes conçoivent la peinture en mettant en question le cadre, l'accrochage, l'espace, la place du spectateur et même leur rôle d'artiste. C'est aussi un rapport au temps présent qui apparaît sur la scène d'exposition à travers la place du spectateur. Il en résulte l'émergence de nouvelles spatialités qui font de l'immersion un paradigme de la relation esthétique du spectateur à l'espace pictural.

Les hommes et les choses de Jean Hélion appartiennent aux "prodiges ordinaires" de la vie quotidenne: une citrouille, un homme au travail, un piéton ... Le regard que Daniel Klébaner porte sur eux en dégage ce qui, fondamentalement, concerne notre présence au monde, ce qu'il nomme "stature humaine". Position menacée dans sa verticalité, et que Jean Hélion, à travers la représentation de ses figures, s'attache à retenir, à relever d'une chute originaire, obtenant en retour une solidité proclamée. Le monde est ici un songe grave, que seule une langue poétique est capable de déclarer. Aussi le texte de Daniel Klébaner se construit-il en glissements comparables à ceux du demi-sommeil. Un regard poétique qui manifeste la bévue nécessaire pour que les heurts, les cassures, les colmatages produisent la juste tension qui fait tenir la peinture.

Dans quelle mesure la pédagogie de Robert Kaddouch interpelle-t-elle la philosophie française contemporaine ? Ce recueil résulte d'une rencontre inédite entre un pédagogue reconnu internationalement dans le domaine de la musique, de l'éducation et de la pédagogie de la création et des philosophes « de métier ». La philosophie française pourrait bien avoir trouvé dans l'¿uvre de Robert Kaddouch son pendant pédagogique. Que nous apprend un tel rapprochement, d'une part sur la pensée de Robert Kaddouch, mais aussi sur celles de ces penseurs français ? Quelles perspectives ce rapprochement ouvre-t-il ?

Ces textes abordent de la manière la plus pertinente et la plus singulière, les rapports que chacun des auteurs aura pu établir entre sa réflexion d'ordre artistique et esthétique articulée la plupart du temps à sa pratique effective et personnelle de l'art et la question du politique, dont on sait l'urgence en nos contextes sociaux et culturels actuels.

Duchamp et Warhol couvrent un siècle (1887 : naissance de l'un, 1987 : mort de l'autre) ; mais ils participent de deux générations nées à l'art dans des périodes et conditions historiques et géopolitiques très différentes. Tout d'un certain point de vue les oppose : l'un se confronte à l'art au temps de l'émergence des avant-gardes en quête d'autonomie esthétique, l'autre au moment où l'art se désautonomise en prélevant des éléments et des formes d'une socialité affichée consumériste. Plus que leurs ¿uvres, c'est la compréhension de leur parcours, à la fois semblable et dissemblable, qui est à l'origine de cet essai.

Les récentes destructions d'¿uvres au sein du musée de Mossoul, les attaques menées devant le Bardo à Tunis et la destruction partielle de Palmyre viennent rompre une certitude ancrée en Europe depuis la fin du XVIIIe siècle : celle de l'irréversibilité du mouvement "d'éducation esthétique de l'humanité". Car le Musée, cette invention européenne, a donné une nouvelle assiette à l'art, qui de cultuel est devenu culturel, qui de communautaire et devenu public, qui de réservé est devenu exposé au jugement de tous. Le musée est cet appareil démocratique qui a inventé l'esthétique moderne.

Éric Vigner, s'il est homme de théâtre, a d'abord une formation de plasticien. Ses ¿uvres théâtrales interrogent, à travers la scénographie, la plasticité sous toutes ses formes et plus particulièrement l'espace dans sa relation à la représentation, quand elles ne questionnent pas directement, à travers la mise en scène, l'élaboration de l'¿uvre et le regard sur l'¿uvre. De la plasticité des ¿uvres exposées au musée, nous passons à une plasticité événementielle liée au modelage de la parole qu'instaure l'acte de théâtre. Théâtre qui s'invente dans l'espace et le temps de la blancheur muséale.

L'ambition de ce livre est d'éclairer les axes majeurs de l'esthétique de Walter Benjamin. Prétexte en a été donné par un certain nombre d'attaques, souvent plus politiques qu'esthétiques, contre un auteur qu'on ferait bien passer pour "totalitaire", "brun" ou "rouge" c'est selon, "idéaliste" et "matérialiste" en même temps. Benjamin constituerait bien la cible commode en vue de la refondation de la droite plurielle. Les textes réunis ici constituent en une mise en perspective de Benjamin, ou mieux, en une communication d'auteurs non contemporains : Lefort, Clastres, Lyotard, Lessing, Descartes, Mapplethorpe, Flüsser, Morin, Blanchot, Adorno, Flaubert, Rang, Bachofen.

Sous son double versant, comme littérature d'art et comme art d'écrire, l'oeuvre des frères Goncourt constitue indéniablement un moment important dans l'histoire des formes littéraires et des sensibilités esthétiques. Les phénomènes qui caractérisent la manière dont les Goncourt écrivent sur l'art doivent être considérés non seulement sous leurs principaux aspects formels et stylistiques, mais également à travers les options théoriques, les constantes thématiques et les dispositifs idéologiques qui leur sont associés.

L'esthétique cinématographique - des avant-gardes du muet (Epstein, Dulac, Man Ray) aux grands réalisateurs contemporains tels que Godard ou Marker - est liée, dans son essence même, à l'idée de flux visuels et sonores. A travers ses propres flux constitutifs, le cinéma peut à son tour donner à percevoir une pluralité de flux, actuels (naturels ou artificiels), virtuels (oniriques, imaginaires, mentaux) mieux que ne le peuvent les autres arts mais en interrelation étroite avec certains d'entre eux.