Bücher der Reihe Histoires et idées des Arts

Le mot design est  pris au sens large comme la conception, la configuration et la production de tous les éléments de culture matérielle en usage dans les sociétés humaines. En puisant dans des ouvrages publiés des deux côtés de l¿Atlantique, souvent négligés en France, l¿auteur met ici en lumière des idées novatrices rarement exploitées en France.Son analyse révèle une déstabilisation irréversible du système technique contemporain. Cette constatation pousse à la nécessité de concevoir dès à présent un système de remplacement. Il souligne également l¿urgence de développer une nouvelle culture matérielle, en adéquation avec les limites de la planète.  Ce livre offre ainsi une vision prospective et innovante, jetant les bases d¿une réflexion cruciale pour l¿avenir de notre planète et de notre société.

Voyager c'est découvrir, être surpris, rencontrer l'autre, s'interroger, se remettre en question, revenir modifié parfois. Ainsi, les artistes ont aimé voyager. La découverte du monde a influencé leur créativité. Ils se sont projetés dans leur art, souvent avec délice, parfois avec appréhension ou doute. Trois axes structurent ce livre qui entend donner une idée et une image de la vie artistique depuis le XVIIe siècle. Les peintres de la mer nous rappellent que, source d'inspiration, la mer fut aussi celle des voyages. Se déplacer, c'était prendre le bateau. Une distinction s'est imposée entre les peintres pour les mers, les peintres de la marine et les peintres officiels de la marine, de Crépin à Gudin ou Le Poittevin. L'orientalisme, avatar des turqueries, des chinoiseries et du style rococo, s'est développé avec Ingres et Delacroix, Matisse et Marquet. Quant aux peintres voyageurs, ils furent si nombreux qu'un choix s'imposa, de Manet à Tissot, de Kandinsky à Klee, de Gauguin à Hopper. Ce livre est un éventail ouvert sur le monde de l'art. C'est une réflexion sur les orientations et les tendances artistiques qui se sont succédé et ont construit notre imaginaire.

La nature fait aujourd'hui l'objet d'une prise de conscience écologique : une impulsion cependant trans-séculaire qui peut en fait inciter à la méditation, s'inscrire dans un rapport à la philosophie, voire au mysticisme. Cet ouvrage traite de la production artistique, littéraire de cinq artistes religieux par vocation (Léon Boudal, Sabine Desvallières, Franz Stock, Émile Legault et Dom Robert) engagés dans un processus créatif prenant appui justement sur un rapport au milieu naturel. Acteurs d'une société imprégnée de mutations socioculturelles, tous les cinq ont été à la recherche d'une esthétisation de la nature que leur connaissance affinée de la Genèse a sacralisée. L'auteure analyse alors pour chacun d'eux la part de dimension esthétique du sacré et la part de subjectivité personnelle (conditionnée par le vécu, l'éducation, les valeurs sociales) en matière de perception esthétique de cette nature, de leur approche de l'Art, déterminant l'intérêt créatif de leurs productions respectives.

Plus qu'aucun autre mouvement de pensée et d'action, le surréalisme s'est voulu le fossoyeur de l'occident capitaliste et guerrier. À sa légitime défense devant l'Innommable a répondu dialectiquement la nécessité de redorer à neuf le langage asservi de l'usage en le rechargeant aux sources vives du rêve et de l'inconscient, mis à disposition de tous et vecteurs de poésie objective par la pratique systématisée du message automatique, coup d'envoi et fil conducteur de sa Révolution. Claude Maillard-Chary en explicite la teneur et l'actualité, à rebours des avancées délétères de l'Anthropocène mais en correspondance avec le « Qui vive ? » d'André Breton ralliant les intervenants de l'Arche reconstruite, humains, non-humains, le merveilleux légendaire inclus, dans le périmètre sensible d'un écosystème relationnel de longue portée.

Dans toute l'Europe, la Renaissance et l'époque qui a suivi se sont plu à composer devises et emblèmes, au point d'en faire un genre littéraire. Plaisante et didactique, l'association d'une image et d'un mot ou d'un texte fait jaillir des significations surprenantes. Après le livre illustré, devises et emblèmes conquirent très vite les murs des édifices, les objets quotidiens, les décors éphémères inventés pour les fêtes. Ils devinrent peu à peu un objet de curiosité, puis de science, les études « emblémistes ». Ils constituent en effet un observatoire privilégié pour une histoire totale, ouverte sur une compréhension renouvelée des modes de pensée, des sensibilités et des événements du passé. Aujourd'hui, toutes sortes de combinaisons proliférantes et erratiques d'objets visibles et d'énoncés ont envahi notre environnement, sollicitant à la fois notre imagination et notre intellect. Plus actuelle que jamais, « L'image pensive », d'après une expression d'Émile Gallé, réunit ici vingt-cinq universitaires français, allemands, italiens, espagnols et japonais.

Dans le paysage chromatique romain, de plus en plus de façades blanches émergent aujourd'hui. Par le contraste qu'elles offrent avec les tons chauds habituels de la ville, elles viennent questionner la définition de la couleur de Rome. Face à la difficulté des institutions à établir pour les façades de la ville une couleur qui préserve l'esthétique urbaine et fasse consensus, diverses représentations de Rome associées à des palettes colorées variées coexistent aujourd'hui. Cet ouvrage s'attache à rendre compte de cette multiplicité d'images colorées et à comprendre en quoi celles-ci peuvent nous éclairer sur les enjeux passés et présents d'une définition de la couleur de la ville. Éminemment subjective et sensible, la question de la couleur est ici étudiée à travers le croisement de sources variées et un travail d'enquête, afin de définir la ou les couleurs de la capitale italienne. Après avoir étudié les changements chromatiques successifs de la ville depuis la Renaissance, les différents enjeux actuels sous-tendant la question d'une définition de la couleur de Rome seront dégagés et explicités, afin de proposer de nouvelles perspectives dans le débat existant.

Né à Montmartre en 1820 dans un milieu modeste, mort en 1889 à Paris, c'est à force de ténacité qu'Eugène Lavieille devint artiste peintre, malgré des réticences familiales, et son manque de ressources. Élève de Corot, il fut peintre paysagiste, épris de la nature qu'il a abordée en véritable poète, et qu'il peignit par tous les temps, en toutes saisons... Admiré pour ses tableaux de « nuits », il est remarquable dans ses peintures printanières ou de plein été, par sa sensibilité aux jeux de lumière et dans le choix et l'harmonie des couleurs¿ Il consacrera toute sa vie à la peinture, essentiellement dans l'Île-de-France et en Normandie. Il fit partie de ce qui a été appelé « l'école de Barbizon ». Cependant, certaines de ses peintures annoncent les impressionnistes. Il a très souvent exposé, lors des Salons et en province. Il fut salué par plusieurs critiques, notamment Baudelaire ou Théophile Gautier. Nombre de ses tableaux sont dans des musées français, ou à l'étranger.

Cet ouvrage aborde la culture du Maniérisme en s'appuyant à la fois sur quelques oeuvres exemplaires de la peinture italienne (Bronzino, Parmigiano, Pontormo) et sur le contexte théâtral et littéraire européen de l'époque. L'artiste devient désormais le traître, un personnage qui joue sur le tourment intérieur, la réserve mentale, la posture oblique, celui qui occupe l'espace de la latéralité et du dédoublement, le lieu inaccessible de la fiction et de la scission entre langage et réalité.

Les arts plastiques et la pensée critique au Portugal, tou tau long de la période que nous délimitons entre le début du Marcellisme (1968) et la fin du XXe siècle (2000), constituent un territoire d'étude fécond. Il est déjà possible de comprendre ce panorama, parfois complexe, en raison des mutations politiques, sociales et culturelles qui à cette époque survenaient dans la vie portugaise, notamment avec la Révolution d'Avril 1974 et la chute de la dictature qui s'ensuivit, mais aussi avec sa propre voie vers la stabilisation de la démocratie. L'objet de cette étude se fonde sur des événements, parcours d'artistes, oeuvres, politiques culturelles, institutions, enseignement artistique, publications périodiques spécialisées, problématisation théorique et critique, et trait d'union, bien sûr, avec la toile de fond internationale.

Un livre récent d'Annie Cohen-Solal porte sur la surveillance constante de la police française qui dès son immigration et tout au long de sa vie à Paris, l'a soupçonné d'anarchie. Cette publication a été suivie d'une grande exposition des oeuvres de Picasso, accompagnée d'un remarquable catalogue rédigé par un collectif d'experts, qui essaient de situer Picasso dans le monde d'aujourd'hui. Il m'a semblé que cette approche historique et sociologique était susceptible d'être complétée par un regard qui porte sur l'autre versant des choses, celui de Picasso. Comment a-t-il vécu cette situation qui aurait pu être embarrassante ? Quel rapport y a-t-il entre sa personnalité et sa créativité exceptionnelle si pas unique dans l'histoire de l'art ? Où se situe- t-il dans la culture de son siècle ?

« Le patrimoine n'est pas un ensemble d'oeuvres, mais un ensemble d'attentions » À quoi sert l'histoire de l'art ? Quelle est la tâche de l'historien de l'art ? Pourquoi les artefacts et les oeuvres sont-ils préservés ? Qu'est-ce qui émeut les communautés et les peuples lorsqu'ils préservent ou détruisent les symboles et les témoignages reçus du passé ? Dans le livre, approfondissant la relation entre patrimoine historique et artistique, personne et communauté, l'auteur réfléchit à la responsabilité sociale de l'historien de l'art et des citoyens européens.

"Du corps au Soi, à l'expression de soi il n'y a qu'un pas ; de l'image du corps à l'image de soi, il n'y a qu'un saut. Ce sont ces petits, mais nombreux et variés déplacements que l'essai de Mathilde Roman réalise, explique et commente, pour faire le point sur l'état de la vidéo contemporaine et pour interroger de nouvelles générations d'artistes qui ont pris "naturellement" en main la vidéo sans avoir, contrairement à leurs aînés, à en explorer les dispositifs techniques et discursifs. Cette histoire du médium s'est transmise d'une génération à l'autre et les représentations du corps ont petit à petit intégré les outils techniques, les appareils et leurs dispositifs."Un DVD, rassemblant des extraits vidéo et des images, permet au lecteur de découvrir les oeuvres analysées.