Bücher der Reihe L'Art en bref

(texte français/texte allemand)La sculpture nègre de Carl Einstein, parue en 1915 à Leipzig, compte au nombre des ¿uvres maîtresses du XXe siècle. Elaborée en phase avec la naissance du cubisme en France, cette analyse formelle, novatrice et audacieuse, donna à l'art africain ( dit " nègre " à l'époque) son statut définitif d'art à part entière. Pour la première fois un Européen portait sur l'art d'Afrique subsaharienne un regard sans préjugé ni ethnocentrisme.

Depuis la deuxième moitié du XXe siècle, le jeu follet des néons attise le regard des artistes contemporains qui s'en emparent et l'expérimentent .Cet essai évoque leur travail, et confronte aux feux des nocturnes du XVIIe siècle les oeuvres en lumière artificielle, afin d'y lire une nouvelle spiritualité.

Dans Les Mots et les choses, Michel Foucault analysait la composition des Ménines de Vélasquez comme la synthèse de "tout le cycle de la représentation"¿ A sa mesure, l'image photographique apparaît, en elle-même et dans sa relation aux autres arts, comme le résumé d'une esthétique de la visualité, la formulation de ses nouvelles possibilités. Dans cet essai, certains travaux photographiques seront donc étudiés, entre exploration du médium et poétique du visible, comme une critique de l'art par lui-même, et un éloge des passages ouvrant sur une autre image, nomade et hospitalière.

Comment devient-on artiste ? Fanny et Alexandre, que Bergman présentait comme un film testament, retrace le parcours initiatique d'un enfant qui se heurte à la question du signe. De quelle façon l'enfant Ingmar parvient-il à pratiquer le deuil de sa contemplation animiste du monde pour renaître et comprendre que la vérité est ailleurs, comment s'oppose-t-il à un esthète pour devenir un artiste ? telle est la question que nous pose Fanny et Alexandre.

Le sentiment esthétique se présente comme une solution " poétique " au problème de l'existence. Le miracle esthétique nous rappelle incessamment qu'avant d'avoir une signification, le réel a le pouvoir de nous mettre en arrêt devant ce que nous ne pouvons pas expliquer, ni déduire l'état d'être. Ainsi l'Art ne peut se penser en dehors de toute référence à la beauté dont l'épreuve est le simple fait de voir le monde comme explication du monde.

Gilles Deleuze qualifie les films d'Alain Resnais de " topologiques ". Adoptant ce point de vue, l'auteur propose une analyse approfondie des trois premiers longs métrages du cinéaste, L'Année dernière à Marienbad, Hiroshima mon amour et Muriel. Le concept de topologie permet de penser des liens, l'élaboration et le fonctionnement des structures, à travers des notions mathématiques comme celles de continuité et de limite, et les positions relatives des êtres géométriques.

Cet auteur est complexe, ce qui renforce son intérêt. Ses positions vis-à-vis de l'art comportent certaines ambiguïtés comme celle qui fait de lui, à la fois un défenseur d'un art qualifié de moderne, d'idées avant-gardistes et parallèlement, un moraliste prônant un art " rationnel ", éducateur, au service de la collectivité. Cette étude analyse les positions du philosophe vis-à-vis de l'art, des artistes, des critiques d'art, du public de même que ses relations avec Gustave Courbet.

Ce livre se propose d¿interroger le rapport entre sculpture et modernité cinématographique. La jetée de Chris Marker, Une femme mariée de Jean-Luc Godard, Shadows de John Cassavettes, Hiroshima mon amour ou L¿année dernière à Marienbad d¿A. Resnais, Sandra de Visconti, Voyage en Italie de Rossellini : pendant une dizaine d¿années (1954 à 1965), cette petite constellation de films fait une place remarquable à la sculpture et plus singulièrement encore à la visite de musée. La relation de la sculpture et du cinéma sert de révélateur et crée un événement relevant de l¿histoire du cinéma.

L'¿uvre cinématographique d'Andreï Tarkovski est, sans s'y réduire, l'incarnation, le support d'une pensée. A la lumière des écrits du cinéaste, et partant de la triple perspective - ontologie du réel, ontologie de l'art, ontologie du cinéma -il est ici proposé d'entrevoir, en fonction des ressources propres au cinématographe, le déploiement de cette pensée dans la sphère du visible. Et de retracer les contours du mouvement qu'elle dessine, mouvement en deux temps : de l'art au monde (le réel et son mystère), de l'art à l'absolu (l'invisible et ses signes).

Marcel Duchamp est célèbre pour avoir rajouté des moustaches à la Joconde, pour avoir glorifié une pissotière à l'égal d'un objet d'art. Trop célèbre, il ne consacrait à ces dérisions iconoclastes que deux ou trois heures tous les 6 mois. Alors que chaque jour, presqu'en secret, au prix d'un travail de plus de quinze années, ce négateur pesait les mots d'un poème, légende d'un vitrail hérétique - Le Grand Verre - dans la transparence duquel flamboie le soleil du oui. Les écritures de ce recueil sont l'humble miroir de cet éblouissement.

Le désert n'est pas le néant. Il n'est pas inhabité, ni inquiétant. Le cinéma d'Antonioni n'est pas non plus la représentation d'une humanité finissante perdue dans le vide. Antonioni n'est pas le cinéaste de l'incommunicabilité. Cet ouvrage, en laissant se déployer le motif du désert, tend à dégager l'oeuvre du cinéaste de cette interprétation réductrice.

Définir l'art est le propos de ce livre. Définir veut dire : réfléchir sur les conditions réelles de l'existence de l'art. La sociologie fait naturellement candidature pour guider cette tâche. La théorie de Bourdieu, avec sa notion de champ artistique, trace une piste à moitié satisfaisante; elle relègue l'oeuvre au rang d'épiphénomène et l'artiste au statut d'adepte d'une illusion fermée sur elle-même. Le modèle du fait social total, au contraire, ouvre l'horizon d'une définition de l'art qui rend compte à la fois de son rôle social et de sa spécificité comme investissement d'individu dans la promesse de l'oeuvre. Elle conjugue la distance théorique avec le projet de saisir l'objet intérieur, en se mettant à la place de ceux qui y consacrent leur vie. Elle peut, par là même, entrer en dialogue avec la philosophie de l'art.

Fred Forest est le premier artiste à avoir mis en vente, en première mondiale, une oeuvre numérique " Parcelle/ Réseau " sur Internet... Ce livre de réflexion critique sur le devenir de l'art montre que les choses changent. Cet ouvrage livre une réflexion approfondie sur les arts technologiques, les arts en réseaux et la culture en émergence, esquisse les nouvelles perspectives qui s'ouvrent à l'artiste dans le rôle rénové de producteur de sens qui lui est dévolu au seuil du XXIème siècle.