Bücher der Reihe Zeitgenössische Kunst

Gegen den Strich. Die Kunst und ihre politischen Formen handelt von wegweisenden künstlerischen Projekten, die in den vergangenen Jahren aktuelle gesellschaftliche Themen aufgegriffen und dabei teils heftige Kontroversen ausgelöst haben - oder zumindest missverstanden worden sind. Ziel der Untersuchung in Form exemplarischer Analysen ist es, die verbleibenden Freiräume und Qualitäten der politischen Kunst der Gegenwart auszuloten, die mehr und mehr von Identitätspolitik, Cancel Culture und Zensur geprägt ist. In elf Kapiteln werden Werke von Lothar Baumgarten, Christoph Büchel, Sam Durant, Gelitin, David Hammons, Thomas Hirschhorn, Taring Padi, Wermke/Leinkauf, Mark Wallinger und dem Zentrum für Politische Schönheit diskutiert. Sie repräsentieren das breite Spektrum einer Kunst, die sich kritisch einmischt und sich nicht mit Selbstbezüglichkeit oder Dekoration zufriedengibt. Eine ebenso gründliche wie scharfsinnige Studie zur politischen Ikonografie der Gegenwart.MICHAEL DIERS gehört zu den profiliertesten deutschen Kunsthistorikern und Hochschullehrern. Als Autor und Herausgeber hat er umfangreich zur Geschichte und Theorie der Kunst und des Bildes sowie zur politischen Ikonografie publiziert. Er ist Mitherausgeber der Gesammelten Schriften Aby Warburgs.

Seit dem Jahr 2000 findet während der Art Basel, der weltweit wichtigsten Messe für zeitgenössische und moderne Kunst, Unlimited statt. Unlimited ist die innovative Plattform für großformatige Kunstprojekte, die die Maßstäbe des klassischen Messestandes sprengen - und sich bei Sammler*innen und Publikum großer Beliebtheit erfreuen. Kuratiert von Giovanni Carmine versammelt Unlimited 2023 Arbeiten von über 70 Künstlerinnen und Künstlern. In einer gigantischen, 17.000 Quadratmeter großen Halle werden überdimensionale Kunstwerke, Video-Projektionen, großformatige Installationen und Live-Performances gezeigt. Die aktuelle Ausgabe von Unlimited verspricht - wie ihre Vorgänger - einiges Aufsehen zu erregen. Im Katalog werden alle beitragenden Künstler*innen und ihre präsentierten Werke vorgestellt.

It is estimated that, as a result of climate change, illegal trade, and habitat loss from the encroachments of technology and industrialization, as many as one in eight species of birds is heading towards extinction. Created in close collaboration between Sean Scully and Kelly Grovier, each pairing of poem and drawing is devoted to the beauty and mystery of an individual species of bird. Scully's visual language, at once measured and impassioned, geometric and free-flowing, captures the essence of creatures that are, themselves, on the brink of becoming mere abstractions. Though his first series of iPhone drawings are consistent with his signature style, they reveal a fresh intimacy, playfulness, and exhilaration of gesture, color, and form that is in accord with the wonder of feathered flight. Created on a digital device, the drawings are, as Scully remarked, the ironic embodiment of "technology which is ruining nature turned inside out to protest its demise." Yet taken together, these duets aim to offer something uplifting in the face of an accelerating tragedy. "Hope" is, after all as Emily Dickinson famously wrote, "the thing with feathers / That perches in the soul."Having developed a style over the past five decades that is uniquely his own, SEAN SCULLY (*1945, Dublin) is one of the world's most acclaimed contemporary artists. He is known for his large-scale abstract sculptures, installations and paintings, comprised of vertical and horizontal color bands, blocks and geometrical forms as well as his intellectually engaging writings and lectures.KELLY GROVIER is a poet and cultural critic. Educated at the University of California, Los Angeles and at the University of Oxford, he is a feature writer for BBC Culture and co-founder of the international scholarly journal European Romantic Review.

Since its beginnings in Paris in the mid-19th century, the idea of bohemia, an urban community of artists and intellectuals living outside bourgeois norms, has been a potent trope of artistic identity. It was here that the notion of an unconventional, free-spirited life, precarious yet filled with idealism, was codified and romanticized. Bohemia: History of an Idea, 1950 - 2000 shows the continuities and differences between the scenes and subcultures of the second half of the twentieth century, when the mainstream began to appropriate and thereby erode a way of life predicated on its rejection. Nonetheless, as an alternative to conformity the bohemian idea has exerted an enduring fascination. Through works by 39 artists, including Alice Neel, PeterHujar, John Deakin, David Wojnarowicz, Ed van der Elsken, Robert Frank and Alfred Leslie, William Gedney, LibuSe Jarcovjáková, Nan Goldin, Zhang Huan and Wolfgang Tillmans, the publication explores the diversity of expressions in various cities in Europe, North America and Asia and shows that the bohemian idea continues to galvanize and inspire.RUSSELL FERGUSON is a research professor at the University of California's Art Department. During his tenure at the Museum of Contemporary Art and the Hammer Museum in Los Angeles, he curated numerous exhibitions on culture and representation in contemporary art and photography.

Eric Hattan ist bekannt dafür, listige Eingriffe an Orten vorzunehmen und mit dem Durchkreuzen der bekannten Ordnung für Überraschung zu sorgen. So auch im Museum Langmatt, das den Schweizer Künstler eingeladen hat, seine Räumlichkeiten zu bespielen. Die historische Villa mit ihrem Mahagoni-Parkett, ihren edlen Teppichen, Kronleuchtern und dem gepflegten Garten bildet eine Kontrastfolie für die Installationen Hattans, die sich aus abgetragenen Kleidungsstücken, Metallteilen und weiteren weniger erlesenen Materialien zusammenfügen. Five o'clock Shadow dokumentiert den spannungsreichen Dialog, der dabei entsteht, und macht spürbar, wie das ehrwürdige Gebäude durch Hattans Intervention aufblüht.Der in Basel und Paris lebende ERIC HATTAN (*1955, Wettingen, Schweiz) zählt zu den erfindungsreichsten Konzeptkünstlern der Schweiz. Seine künstlerische Sprache zeigt sich chamäleonartig in diversen Medien und findet seit vielen Jahren internationale Beachtung.

Georg Baselitz enters a dialogue with the Old Masters - invited by Kunsthistorisches Museum Vienna, the acclaimed German painter and sculptor engages in a visual conversation. Baselitz himself curated this selection of works, focusing exclusively on nude painting. Both the exhibition and the catalogue revolve around this elemental human state, and its fundamental role in European art.From the beginning of his career, Baselitz's work has been informed by a pronounced awareness of art history, above all he was inspired by Mannerism's break with classical rules. Insights into the history of nude painting, as well into the topicality of painting itself, emerge from this encounter of Baselitz's works with historical paintings of an idealized beauty from Kunsthistorisches Museum. The carefully chosen juxtapositions open up a space in which one can reflect and experience the essence of painting anew.GEORG BASELITZ (*1938, Deutschbaselitz) is without a doubt one of the most influential painters and sculptors of our time. His work eludes easy categorization, but has continuously returned to his search for a new approach to updating classic figurative painting. In a celebrated turning point in 1969, he literally turned his paintings upside down and thereby managed to change the public's viewing habits, and to sharpen their perceptions.

Blinde, die im Takt prozessieren, Analphabet*innen, die Musik komponieren, Rentner*innen, Skater*innen, Chöre, Aktivist*innen: Sie alle sind Gäste von Marinella Senatore. Ihre kollektiven Arbeiten von gesellschaftspolitischer Sprengkraft verbinden Strategien politischer Protestbewegungen mit künstlerischen Ausdrucksformen in unterschiedlichen Medien wie Performance, Skulptur, Textil, Foto, Collage, Zeichnung und Video. Der Katalog begleitet die bisher größte Ausstellung der Künstlerin im Museum VILLA STUCK und der Sammlung Generali Foundation am Museum der Moderne Salzburg: Internationale Autor*innen erörtern Fragen nach der Spannung zwischen Individuum und Kollektiv, nach Sehnsüchten und Zugehörigkeit, nach gesellschaftspolitischer Exklusion und alternativen Organisationsformen sowie dem transformativen Potenzial der Kunst.MARINELLA SENATORE (*1977) ist eine zentrale Figur der italienischen Gegenwartskunst. Ausgebildet in Film und Musik spezialisierte sie sich auf eine kollaborative künstlerische Praxis. Als vielfach ausgezeichnete Künstlerin, Aktivistin und Dozentin hat Senatore zuletzt auf der Manifesta in Palermo, auf der Bienal de São Paulo und im Palais du Tokyo Aufsehen erregt.

Als autodidaktische Künstlerin und angestellte Büroleiterin in Ost-Berlin nutzte Ruth Wolf-Rehfeldt ihre Schreibmaschine, um Buchstaben und Zeichen zu Grafiken zwischen Konkreter Poesie, Grafikdesign und Konzeptkunst zu verdichten. Ihre ins Abstrakte tendierenden sprachlichen Erkundungen, die sie insbesondere in den 1980er-Jahren zu Collagen erweiterte, beruhen oft auf Mehrdeutigkeiten.Nichts Neues erscheint anlässlich der großen Retrospektive im MINSK Kunsthaus in Potsdam. In thematischen Episoden werden ihre Typewritings, Druckgrafiken, Collagen und Gemälde beleuchtet. Zwar hörte Wolf-Rehfeldt nach dem Fall der Mauer auf, künstlerisch zu arbeiten, doch ihre Kunst hat nichts an Aktualität eingebüßt. Im Gegenteil: Auf poetische, eigenwillige und oft humorvolle Weise setzte sich die nonkonformistische Künstlerin mit Themen wie Naturschutz, geistiger Freiheit, Gemeinschaft und Kommunikation auseinander. In ihrem mal subtilen, mal plakativeren Spiel mit Wörtern, Bedeutungen und Formen offenbart sich bis heute immer wieder Unerwartetes.RUTH WOLF-REHFELDT (*1932, Wurzen, Sachsen) kam 1950 nach Berlin. Seit den 1960er-Jahren schuf sie als Autodidaktin Gemälde, Pastelle, Zeichnungen und ab etwa 1970 sogenannte Typewritings. Aus der DDR heraus beteiligte sie sich aktiv am internationalen Mail-Art-Programm. Erst in den vergangenen Jahren erlebt sie eine Wiederentdeckung - 2017 war sie mit ihren Typewritings Newcomerin und zugleich der älteste Star der documenta 14.

Since the mid-1990s, Annette and Caroline Kierulf have practiced what they themselves call "woodcut as cultural critique". Drawing on the medium's rich history as a means of communication and protest, the Norwegian artists strive to revive woodcut as a discursive tool. With subtle humor, the sisters use the visual reductiveness of the low-tech medium to critically reflect on the social, economic, and cultural changes shaping our high-tech societies. Incorporating references to pop culture and folk art, Caroline Kierulf's work explores the often overlooked aspects of everyday life, Annette Kierulf focuses on a feminist reinterpretation of the landscape genre.The publication provides insights into the artists' production and working methods, as well as their longstanding collaboration.Oslo-born sisters ANNETTE KIERULF (*1964) and CAROLINE KIERULF (*1968) have played a major role the revitalizing of graphic art in Norway. Both studied at the Academy of Art and Design in Bergen, where they also work today. As independent artists they develop their works in an artistic dialog and have for many years collaborated on exhibitions in Norway and beyond.

Zhao Gang is a wanderer between two worlds. At the age of just 18, he was the youngest member of legendary avant-garde artist group The Stars, which also included Ai Weiwei. Their 1979 group exhibition, and the protests that followed, are often cast as the birth of contemporary Chinese art. Shortly thereafter Gang left for Europe and the United States. Having acquired American citizenship, he is regarded as one of the few artists of his generation who truly understands the East and the West - yet who looks at both worlds with a certain detachment. In his figurative paintings, however, he merges their different visual languages, increasingly turning toward examinations of his personal history and the historical roots of contemporary China. This monograph provides an overview of six central exhibitions from recent years, and introduces the life and work of this rebellious, sensitive, and mischievous painter.ZHAO GANG (*1961, Beijing) left China in 1983 to study fine arts in Maastricht and at Vasaar College in Upstate New York. After more than two decades in New York he returned to China in 2006. He is one of the most recognized Chinese contemporary painters, and lives between Beijing and New York. Among his recent exhibitions is the major group show Art and China after 1989 at the Guggenheim Museum, New York, in 2017.

The history of the VanhaerentsArtCollection began in the 1970s, when a young Walter Vanhaerents laid the foundation of his now famous collection with works by Andy Warhol. Much has happened since then, but the focus on new and provocative art, often considered radical at the time, remained. From Bruce Nauman, Yoshitomo Nara, and Bill Viola to Cindy Sherman, Jeff Koons, Katharina Fritsch, or Tom Sachs-across different genres and media, the Brussel-based collection reflects a keen sense of the latest developments in current art practices as well as a prescient intuition for emerging artists. The publication Looking Ahead celebrates the 50th anniversary of this unique collection and provides an overview of the exhibitions of the past 15 years.

Seit 12 Jahren veranstaltet die Schwarz Foundation unter anderem auf der griechischen Insel Samos regelmäßig Ausstellungen im Art Space Pythagorion sowie das Samos Young Artists Festival. Durch seine Lage an der griechisch- türkischen Grenze steht Samos symbolisch für drängende Themen unserer Zeit wie: Die Flucht über das Mittel- meer nach Europa, geopolitische Auseinandersetzungen an den Grenzen Europas, oder Auswirkungen der durch Menschen verursachten Veränderungen der Weltmeere. A Decade of Cultural Production stellt das Wirken der Schwarz Foundation vor, deren erklärtes Ziel es ist, durch Musik und Kunst Dialog zu fördern und dem europäischen Gedanken Ausdruck zu verleihen. Das Buch beleuchtet, wie sich in den von ihr vorangetriebenen Projekten mit diesen Fragen von Migration, gesellschaftlicher Verant- wortung, Umweltschutz und interkulturellem Zusam- menleben auseinandergesetzt wird.Die Schwarz Foundation wurde als private Stiftung mit Sitz in München im Jahr 2010 mit dem Ziel ins Leben gerufen, durch Musik und Kunst den Dialog zwischen unterschiedlichen Kulturen und Ländern zu fördern. Ihr primäres Ziel bei der Gründung lag darin Brücken zwischen dem Zentrum und der Peripherie unterschiedlichen Regionen Europas zu bauen, und den europäischen Gedanken in seiner geschichtlichen Entwicklung an den Rändern Europas insbesondere der südöstlichen Mittelmeerregion zu fördern.Herausgeberin des Buches ist die Gründerin und Geschäftsführerin der Schwarz Foundation, Chiona Xanthopoulou-Schwarz, eine gebürtige Athenerin und Wahl-Münchnerin. Sie ist Mitglied der Internationalen Psychoanalytischen Assoziation und der Deutschen Psychoanalytischen Gesellschaft und hat lange in München als Psychoanalytikerin gearbeitet, bevor sie sich im Kulturbereich betätigte.Mit-Herausgeberin ist die international renommierte Kuratorin Katerina Gregos, die künstlerische Leiterin des Nationalen Museums für zeitgenössische Kunst (EMST) in Athen. In ihrer kuratorischen Arbeit für die Schwarz Foundation hat sie stets die Beziehung zwischen Kunst, Gesellschaft und Politik erforscht, mit besonderem Blick auf Fragen der Demokratie, der Menschenrechte, der Wirtschaft, der Ökologie.

Seit den frühen 1970er-Jahren entstand die Sammlung der Karin und Uwe Hollweg Stiftung. Sie umfasst Werke des 20. und 21. Jahrhunderts von Kunstschaffenden wie Wols, Mark Tobey, André Thomkins, John Cage und Dieter Roth. Mit einem anfänglichen Schwerpunkt in der abstrakten Kunst erweiterte die Sammlung sich später - nicht zuletzt durch die Bekanntschaft und Freundschaft mit den Künstlern - auch auf andere Gebiete wie Pop-Art, Nouveau Réalisme oder Fluxus mit Werken von Emmett Williams, Richard Hamilton oder Daniel Spoerri. Diese Publikation, die anlässlich des 50-jährigen Bestehens der Sammlung erscheint, blickt zurück auf die Geschichte und dient als aktualisierter wissenschaftlicher Bestandskatalog aller Werke.Die Karin und Uwe HOLLWEG STIFTUNG wurde 1996 als gemeinnützige Stiftung des bürgerlichen Rechts gegründet. Die ursprünglich private Kunstsammlung, die seit dem Jahre 2012 in die Karin und Uwe Hollweg Stiftung eingegliedert worden ist, befindet sich im Hollweg Haus in Bremen. Nach mehreren umfangreichen Erweiterungen, zeigt die Stiftung seit dem Frühjahr 2013 auf vier Ebenen über 1000 Werke der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts.

Josef Albers's groundbreaking series Homage to the Square comprises roughly two thousand oil paintings. His continuous reflections and refinements for more than 25 years inspired numerous young minimal and conceptual artists in their search for a reduced formal language. This outstanding catalogue explores the secret of Albers's subtle aesthetic and unearths its preconditions: What is the significance of the square? How does his impression of color and its use as a material change during this period? Featuring studies on paper, archival materials, as well as essays by internationally-leading Albers experts such as Jeannette Redensek and Heinz Liesbrock, this richly illustrated publication sheds light on the various inspirations that influenced Albers early on in Europe and later in America, and illustrates the lasting impact of his art and thinking.As an influential teacher, writer, painter, and color theorist JOSEF ALBERS (1888, Bottrop-1976, New Haven, CT) is one of the leading pioneers of twentieth-century modernism. From 1923 onwards he taught at the Bauhaus, and continued to do so after his emigration to the USA in 1933 at Black Mountain College in North Carolina, and at Yale University, where he worked on his Homage to the Square from 1950 until his death. HEINZ LIESBROCK (*1953) was the long-standing director of the Josef Albers Museum Quadrat in Bottrop. He has written extensively on Albers and his influence on art history.

For 12 years, the Schwarz Foundation has been organizing regular exhibitions on the island of Samos at Art Space Pythagorion as well as the Samos Young Artists Festival. Due to its location on the Greek-Turkish border, Samos symbolizes one of the most pressing humanitarian issues of our time: Migrants crossing the Mediterranean Sea, geopolitical conflicts at the borders of Europe, and the human impact on the oceans around he world. A Decade of Cultural Production presents the work of the Munich-based Schwarz Foundation, whose declared aim is to promote dialogue through music and art. The book highlights how its projects deal with issues of migration, social responsibility and intercultural coexistence.

Wayne Thiebaud's famous, literally candy-colored still lifes of pies, cakes, gumball machines, and lipsticks reflect the promise and abundance of the American way of life¿a society of plenty, where supply exceeds demand.The tactile impression created by his pasty layers of paint brings the objects to life and creates an atmosphere in which irony and melancholy are carefully balanced. Testing the possibilities of painterly expression, Thiebaud's brilliant painting technique explores the boundaries of the real and imagined world. This catalogue presents all aspects of the legendary American artist's oeuvre, including still lifes and portraits, as well as his deserted, multi-perspective cityscapes and river landscapes, in luminous pastels that exude a peculiar summertime sadness.WAYNE THIEBAUD (1920, Mesa, AZ-2021, Sacramento, CA) began his career as a cartoonist and graphic designer, briefly working for Walt Disney Studios. As an artist, Thiebaud was associated with the US Pop Art movement: his still lifes gained nationwide attention as part of the landmark exhibition New Paintings of Common Objects in 1962, which also featured Andy Warhol, Roy Lichtenstein, and Ed Ruscha and is considered a milestone in the critical reception of Pop Art.

In Wayne Thiebauds berühmten Stillleben von Tortenstücken, Kaugummiautomaten oder Lippenstiften spiegeln sich die Verheißungen und der Überfluss des American Way of Life - einer Gesellschaft des Angebots ohne Nachfrage.Der taktile Eindruck, der durch die pastosen, dick wie Sahne aufgetragenen, Farbschichten des legendären amerikanischen Künstlers entsteht, erweckt die Objekte zum Leben und schafft eine Atmosphäre, in der sich Ironie und Melancholie die Waage halten. Seine brillante Maltechnik reizte die Möglichkeiten des malerischen Ausdrucks bis an die Grenzen von gesehener und imaginierter Welt aus.Dieser Katalog zeigt die malerische Qualität in Thiebauds Werk - neben den Stillleben auch Porträts sowie seine multiperspektivischen Städtebilder und Flusslandschaften, die menschenleer in leuchtenden Pastelltönen eine eigentümliche Empfindsamkeit ausstrahlen.WAYNE THIEBAUD (1920, Mesa, Arizona-2021, Sacramento, Kalifornien) begann als Cartoonzeichner, u.a. für die Walt Disney Studios, und Werbegrafiker. Als Künstler steht Thiebaud der US-amerikanischen Pop Art nahe: Seine Stillleben erlangten 1962 große Aufmerksamkeit als Teil der wegweisenden Ausstellung New Paintings of Common Objects, in der auch Andy Warhol, Roy Lichtenstein und Ed Ruscha vertreten waren und die als Meilen- stein für die Rezeption der Pop Art gilt.