Bücher veröffentlicht von DISTANZ Verlag GmbH

Wo Geschichte(n) konserviert werden Andrea Wilmsen (geb. 1970 bei Düsseldorf, lebt und arbeitet in Berlin) richtet in ihren jüngsten Arbeiten ihren fotografischen Blick auf die Ausstellungsräume und nicht öffentlich zugänglichen Bereiche von Museen. Im Zusammenspiel von fragmentarischen Ansichten und ausgestalteten Nahaufnahmen schafft die Fotografin außergewöhnliche Porträts renommierter Museen weltweit. Alice in the Field - inspiriert durch Lewis Carrolls geniale Heldin - versammelt surrealistisch anmutende Einblicke hinter die Kulissen des Field Museum of Natural History in Chicago. Dieses vielschichtige Porträt eines der bedeutendsten Forschungsmuseen in Nordamerika bewegt sich zwischen fotografischer Dokumentation und künstlerischer Narration. Wilmsens Fotografien eröffnen eine ungewöhnliche Sicht auf die Sammlung von rund 40 Millionen Artefakten und Präparaten und stellt ausgewählte Forscher*innen vor. Ergänzt werden die Porträts durch Archivbilder und Aufnahmen aus der Sammlung.   Where (Hi)stories Are Preserved In her most recent works Andrea Wilmsen (b. near Düsseldorf 1970; lives and works in Berlin) directs her photographic perspective to the exhibition spaces and parts of museums that are inaccessible to the public. The interplay between fragmentary views and elaborately composed close-up shots lets the photographer outline remarkable portraits of renowned museums all over the world. Alice in the Field -the title is a nod to Lewis Carroll's brilliant heroine, a key source of inspiration-gathers surrealistic impressions from behind the scenes at the Field Museum of Natural History in Chicago. This multifaceted panorama of one of North America's leading research museums blends photographic documentation with creative narration. Wilmsen's photographs offer unusual insights into the collection of around forty million artifacts and specimens and introduces selected scholars. The portraits are complemented by archival images and photographs from the collection.

Mexiko: Ein Porträt Die Schriftstellerin, Fotografin und Philosophin Janet Sternburg (geb. 1943 in Boston; lebt und arbeitet in Los Angeles und San Miguel de Allende) blickt zurück auf das Land, in dem ihre fotografische Leidenschaft ihren Anfang nahm; vor 23 Jahren machte sie ihre ersten Fotos in Mexiko. In ihrer neuen Fotoserie betrachtet Sternburg Mexiko mithilfe von Low-Tech-Kameras und erzeugt ein poetisches Bild der facettenreichen Kultur des Landes. Im Jahr 2022 lernte Sternburg den mexikanischen Physiotherapeuten Jose Alberto Romero Romano kennen. Ihrer Einladung folgend erzählen beide im Buch ihre Geschichten über die mexikanische Kultur. Neben einem tiefgreifenden kulturellen Austausch erzählt dieses Buch auch die Geschichte zweier Menschen mit unterschiedlichen Hintergründen und Erinnerungen, die durch die Fotografie einen Ort der Begegnung finden. Looking at Mexico / Mexico Looks Back ist Sternburgs dritte Monografie.   Mexico: A Portrait The writer, photographer, and philosopher Janet Sternburg (b. Boston, 1943; lives and works in Los Angeles and San Miguel de Allende) looks back at the land that spawned her love for photography; twenty-three years ago, she took her first photos in Mexico. In her new photo series, Sternburg looks at Mexico using low-tech cameras to create a poetic image of the country's multifaceted culture. In 2022, Sternburg met Jose Alberto Romero Romano, a Mexican physical therapist. Accepting her invitation, both tell their stories of Mexican culture in the book. In addition to a deep cultural exchange, this book tells a story of two people with different backgrounds and memories seeking and finding a place of encounter through photography. Looking at Mexico / Mexico Looks Back is Sternburg's third monograph.

Zwei heimliche Rivalen der Moderne? Pablo Picasso (geb. 1881 in Mälaga, gest. 1973 in Mougins) und Max Beckmann (geb. 1884 in Leipzig, gest. 1950 in New York), die die bewegte Epoche des Fin de Sie`cle und zwei Weltkriege durchlebten, haben die Kunst der Moderne und unseren Blick auf das 20. Jahrhundert entscheidend geprägt. Von unterschiedlichen Voraussetzungen ausgehend, gelangten sie eigenständig zu individuellen Lösungen großer Probleme der Kunst und kreisten mit ihrem Schaffen um Kernfragen der menschlichen Existenz. Trotz verschiedener künstlerischer Auffassungen überschneiden sich ihre Positionen dabei immer wieder auf überraschende Weise. Wenn gleich beide Künstler einander vermutlich nie persönlich begegnet sind, auch nicht während Beckmanns mehrfachen Aufenthalten in Paris, nahmen sie sich gegenseitig wahr und reagierten auf das Werk des anderen. Im Rahmen des internationalen Projekts Ce¿le¿bration Picasso 1973-2023 , das an den 50. Todestag Picassos erinnert, konfrontieren das Von der Heydt-Museum Wuppertal und das Sprengel Museum Hannover die Werke der Künstler erstmalig auf breiter Basis miteinander. Die umfassende Publikation Pablo Picasso | Max Beckmann: Mensch - Mythos - Welt vertieft die Gegenüberstellung beider Künstler mit Essays von Antje Birthälmer, Alexander Leinemann, Roland Mönig, Didier Ottinger, Olaf Peters und Reinhard Spieler.   T wo Secret Modernist Rivals? Pablo Picasso (b. Mälaga, 1881; d. Mougins, 1973) and Max Beckmann (b. Leipzig, 1884; d. New York, 1950), who lived through the eventful years of the fin de sie`cle, two world wars, and the dawn of the postwar era, rank among the most influential modernist artists and have shaped our perspective on the twentieth century like few others. Setting out from different starting points, they independently arrived at individual solutions to major problems in art, producing oeuvres that insistently probed essential questions of human existence. Despite their diverging creative visions, their positions repeatedly intersect in surprising ways. Although Beckmann spent time in Paris on several occasions, the two artists in all likelihood never met in person. Still, each took note of what the other was doing and responded to his work. As part of the international project Ce¿le¿bration Picasso 1973-2023, which commemorates the fiftieth anniversary of Picasso's death, the Von der Heydt-Museum in Wuppertal and the Sprengel Museum in Hannover mount this pioneering exhibition bringing the two artists face to face on a broad basis. The comprehensive publication Pablo Picasso | Max Beckmann: Mensch-Mythos-Welt elaborates on the com- parative study of the two artists' oeuvres with essays by Antje Birthälmer, Alexander Leinemann, Roland Mönig, Didier Ottinger, Olaf Peters, and Reinhard Spieler.

Schönheiten und Wahrheiten der Vielen Im globalen Westen haben wir uns bis heute in der Karriere- und Lebensplanung vorwiegend darauf konzentriert, eine Sache gut zu machen (Spezialisierung), eine konsistente Persönlichkeit zu entwickeln (Individualität) und eine Person zu lieben (Monogamie). In der zeitgenössischen A¿sthetik geht es noch immer darum, eine Form zu verfeinern (Minimalismus). Doch haben gesundheitliche, ökologische, und politische (Poly-)Krisen nachhaltigen Einfluss auf unser Verständnis des Einzigartigen, des Singulären und des Dominanten. Ein Mehr an Optionen und Lösungsansätzen zeigt, dass wir ein breites Spektrum von Liebe, von Handlungs- und Lebensweisen und ökonomischen wie ökologischen Strategien brauchen, um den durch Kriege, Klimawandel und andere Umbrüche der Gegenwart veränderten Gegebenheiten gewachsen zu sein. Die Publikation zu den Ausstellungen POLY. A Fluid Show und Emma Talbot im KINDL und Polychrome, Polymorph sowie Polyharmony in der Galerie Wedding - Raum für Zeitgenössische Kunst geht dem Thema der non-binären Weltanschauungen in der Gegenwartskunst nach. Der Katalog enthält sowohl umfassende künstlerische wie wissenschaftliche Recherchen in Texten von Solvej Helweg Ovesen, Felicia Ewert, Katerina Gregos und Maxi Wallenhorst als auch Kurzinterviews und -texte mit den teilnehmenden Künstler*innen: Cibelle Cavalli Bastos, melanie bonajo, Elolo Bosoka, Kerstin Brätsch, Raquel van Haver, Nile Koetting, Toni Mauersberg, Thomias Radin, Na Chainkua Reindorf, Lorenzo Sandoval, Emma Talbot und MIKEY Woodbridge.   The Beauties and Truths of the Many In the global West, our plans for our careers and lives have typically been focused on being good at one thing (specialization), developing a consistent personality (individuality), and loving one person (monogamy). Contemporary aesthetics are still about refining one form (minimalism). Yet health, ecological, and political (poly)crises have a sustained influence on our conception of the unique, the singular, and dominant. A proliferation of options and potential solutions illustrates that we need a wide spectrum of love, of ways of acting and living and economic as well as ecological strategies to grapple with circumstances changed by wars, climate change, and the other upheavals we face today. The publication accompanying the exhibitions POLY. A Fluid Show and Emma Talbot at the KINDL and Polychrome, Polymorph , and Polyharmony in Galerie Wedding - Raum für Zeitgenössische Kunst, explore the theme of nonbinary worldviews in contemporary art. The catalogue combines essays by Solvej Helweg Ovesen, Felicia Ewert, Maxi Wallenhorst, and Katerina Gregos summarizing extensive artistic and scholarly research with short interviews and texts with and about the participating artists: Cibelle Cavalli Bastos, melanie bonajo, Elolo Bosoka, Kerstin Brätsch, Raquel van Haver, Nile Koetting, Toni Mauersberg, Thomias Radin, Na Chainkua Reindorf, Lorenzo Sandoval, Emma Talbot, and MIKEY Woodbridge.

"Ich stehe Kopf." - Erich-Wolfgang Hartzsch Exzentriker - Dissident - Kopf einer künstlerischen Gegenbewegung: Erich-Wolfgang Hartzsch (geb. 1952 in Chemnitz, lebt und arbeitet ebenda) zählt zu den einflussreichsten Vertreter*innen der oppositionellen nonkonformen Kunstszene in der DDR. Er studierte in Chemnitz Malerei und Grafik, war Mitglied der Musikgruppe Kartoffelschälmaschine und nahm an zahlreichen Aktionen und Performances teil, die vom Regime argwöhnisch beäugt wurden. Sein breites inter- und multimediales Werk umfasst Malerei und Druckgrafik, Plastik und Skulptur, Zeichnungen und Collagen, Fotografie und Film sowie Gedichte und musikalische Experimente. Die Publikation zur Ausstellung Zweite Haut im Francisco Carolinum Linz gibt einen umfassenden U¿berblick zum fotografischen und filmischen Schaffen von Hartzsch. Die erstmals gesammelt dargestellten Werke der Jahre 1979 bis 1990 werden in dem reich bebilderten Katalog durch persönliche Erläuterungen des Künstlers eingeführt.     "I'm Standing on My Head."-Erich-Wolfgang Hartzsch Eccentric-dissident-leader of an artistic countermovement: Erich-Wolfgang Hartzsch (b. Chemnitz, 1952; lives and works in Chemnitz) ranks among the most influential exponents of East Germany's oppositional and nonconformist arts scene. He studied painting and graphic art in Chemnitz, was a member of the music group Kartoffelschälmaschine, and took part in numerous actions and performances that were viewed with suspicion by the regime. His wide-ranging inter- and multimedia oeuvre encompasses paintings and fine art prints, sculptures and other works of plastic art, drawings and collages, photographs and films, as well as poetry and musical experiments. The publication accompanying the exhibition Second Skin at the Francisco Carolinum Linz presents a comprehensive survey of Hartzsch's work in photography and film. The richly illustrated first complete catalogue of his output between 1979 and 1990 is introduced by personal remarks by the artist.

Von Collagen und Räumen Die Formensprache von Frauke Dannert (geb. 1979 in Herdecke, lebt und arbeitet in Köln) basiert auf dem künstlerischen Verfahren der Collage. Aus gefundenem und gesammeltem Material - von Pflanzenscans bis hin zu Architekturfotografien - lässt die Künstlerin zarte Formen tanzender, sich windender, innehaltender Bildelemente entstehen. Diese ordnet sie in variierenden (Bild-)Räumen an, bestehend aus Bildträgern wie Papier, roher Baumwolle oder der reinen Wand. Ihre Collagearbeiten changieren zwischen organisch und architektonisch, zwischen realen und imaginativen Räumen und eröffnen darüber einen Assoziationsraum, ähnlich wie Wolkengebilde, in denen wir immer wieder neue Formen entdecken können. Mit Projektionen und farbigen Teppichen überlagert Dannert die vorhandene Architektur und verfremdet das Raumerlebnis: Die optische Illusion der Collage erweitert sich ins Räumliche. Die zweite Monografie der Künstlerin verbindet Arbeiten, die seit 2016 entstanden, mit neuen Serien von Grafitmalereien, welche ihre Collagetechnik und ihre raumgreifende Gestik zusammenführen. Die Kunsthistorikerin Vanessa Joan Müller beleuchtet in ihrem Essay Schnitte im Raum die charakteristischen Methoden sowie paradigmatischen Arbeiten der Künstlerin. Ein erster Band erschien 2016 ebenfalls im DISTANZ Verlag.   Of Collages and Spaces Frauke Dannert's (b. Herdecke, 1979; lives and works in Cologne) formal idiom is based on the creative technique of the collage. Working with found and collected materials-from scans of plants to photographs of architecture-the artist creates the delicate shapes of dancing, winding, precariously balancing elements she arranges in varying (visual) spaces, on support media such as paper, raw cotton, or the blank wall. Her collage pieces straddle the divisions between organic and architectonic, between real and imaginative spaces, unlocking a space of associations, not unlike cloud formations in which we can identify an unending stream of shapes. Overlaying projections and colorful rugs on the existing architecture, she defamiliarizes the beholder's experience of the space: the optical illusions of the collages extends, into the third dimension. The artist's second monograph combines works made since 2016 with new series of graphite paintings that meld her collage technique and her expansive gestural approach. In her essay Cuts in Space, art historian Vanessa Joan Müller discusses the artist's characteristic methods as well as paradigmatic works. Dannert's first book, also published by DISTANZ Verlag, came out in 2016.

Eine cineastische Autobiografie in Stills Ein Leben in Bildern. Bilder, die dem Leben entnommen sind. Für jeden seiner Filme stellt der international renommierte Regisseur Karim Ai¿nouz (geb. 1966 in Fortaleza, lebt und arbeitet in Berlin) eine Sammlung von Fotografien zusammen, die das fiktionale oder dokumentarische Universum der Filme bereichern: Schnappschüsse von Freund*innen und Fremden, Landschaften und Orte, die zu Schauplätzen werden können, und sehr persönliche Einblicke in Details, Texturen und Materialien, die seine Geschichten inspirieren. Nach drei Jahrzehnten des Filmemachens lädt Ai¿nouz uns ein, sein fotografisches Werk zu entdecken, das zweifellos in einem inspirierenden und lebendigen Dialog mit seinem Kino steht. Der preisgekrönte Regisseur Karim Ai¿nouz zeigt seine Filme auf Festivals wie der Berlinale ( Nardjes A., 2020; Futuro Beach, 2014) und den Filmfestspielen von Cannes ( Firebrand, 2023; The Silver Cliff, 2011; Madame Sata~ , 2002). Neben Dramen umfasst sein filmisches Werk Dokumentationen wie Mariner of the Mountains (2023) und Zentralflughafen THF (2018). Mit der HBO-Serie Alice (2008) feierte Ai¿nouz in Lateinamerika Erfolge. Die Künstlerbuch-Box bestehend aus fünf Einzelheften in einem Schuber gibt erstmals einen Einblick in Ai¿nouz' fotografisches OEuvre.   A Cinephile Autobiography in Stills A life in images. Images taken from life. For each of his films, the internationally acclaimed director Karim Ai¿nouz (b. Fortaleza, 1966; lives and works in Berlin) creates a collection of photographs that will enrich the film's fictional or documentary universe: snapshots of friends and strangers, landscapes and places that might serve as locations, and very personal glimpses of details, textures, and materials that inspire his stories. After three decades of filmmaking, Ai¿nouz invites us to discover his photographic oeuvre, which is indubitably engaged in an inspiring and vibrant dialogue with his cinema. The award-winning director Karim Ai¿nouz has shown his films at festivals including the Berlin International Film Festival ( Nardjes A., 2020; Futuro Beach, 2014) and the Cannes Film Festival ( Firebrand, 2023; The Silver Cliff, 2011; Madame Sata~, 2002). In addition to dramas, his cinematographic work encompasses documentaries such as Mariner of the Mountains (2023) and Central Airport THF (2018). Ai¿nouz enjoyed success in Latin America with the HBO series Alice (2008). The artist book compilation presents for the very first time the photographic oeuvre of Ai¿nouz in a slipcase with five volumes.

Biografische Sedimente und Erzählungen Julius von Bismarck (geb. 1983 in Breisach am Rhein, lebt und arbeitet in Berlin) beschäftigt sich in seiner künstlerischen Praxis mit dem, was gesellschaftlich gemeinhin als Natur verhandelt wird. Immer wieder bedient er sich der Dekonstruktion, um zu hinterfragen, wie wir als Gesellschaft Natur formen und bewerten und wer in diesem Prozess die Deutungshoheit besitzt. In der Verknüpfung von bildender Kunst mit Themen der Natur- und Geisteswissenschaften nimmt sein Werk vielfältige Formen an: Installationen, Happenings, Skulpturen oder Land-Art. Mit Humor und Scharfsinn blickt von Bismarck auf unseren oft zu kurz greifenden Blick auf Natur und auf die damit verbundenen Auswirkungen auf aktuelle politische Diskurse. Als Betrachter*in dieser magisch anmutenden Arbeiten - der Künstler filmte Brände, jagte Hurrikans, malte auf dem Meer - ist man hin- und hergerissen; sie sind schrecklich und schön zugleich. Der Katalog When Platitudes Become Form erweitert von Bismarcks gleichnamige Ausstellung in der Berlinischen Galerie, für die er erstmals einen biografischen Zugang über seine eigene Familiengeschichte wählte, mit Beiträgen internationaler Wissenschaftler*innen sowie zahlreichen Installationsansichten und Werkabbildungen. Neben einer Einleitung von Thomas Köhler, Direktor der Berlinischen Galerie, enthält er u.a. Essays von Literaturwissenschaftler*in und Philosoph*in Timothy Morton, der Landschaftsarchitektin Violeta Burckhardt und dem Kunsthistoriker Paul Farber.   Biographical Sediments and Stories  The practice of Julius von Bismarck (b. Breisach am Rhein, 1983; lives and works in Berlin) probes what is commonly labeled as nature. He insistently deconstructs his chosen objects to inquire into how we as a society shape and value nature and who controls the interpretations involved in this process. Intertwining visual art with concerns in the natural and human sciences, his work takes on richly diverse forms: installations, happenings, sculptures, or land art pieces. Von Bismarck brings a sense of humor and critical acumen to bear on our frequently oversimplified views of nature and explores how these can influence past and present discourse about politics. Beholding his magical creations-the artist filmed fires, chased hurricanes, painted on the high seas-one is deeply conflicted; they are terrifying and beautiful at once. The catalogue When Platitudes Become Form expands on Bismarck's exhibition of the same title at Berlinische Galerie, the first show for which he chose a biographical approach, drawing on his own family's history, with contributions by international scholars as well as numerous installation views and images of his work. It includes an introduction by Thomas Köhler, director of the Berlinische Galerie, and essays by the literary scholar and philosopher Timothy Morton, the landscape architect Violeta Burckhardt, the art historian Paul Farber, and others.

"Die Hölle, das ist ein sozialer Ort. Hier ist man immer unter seinesgleichen."- Elmar Hermann Elmar Hermann (geb. 1978 in Neuwied, lebt und arbeitet ebenda) setzt sich in seiner künstlerischen Arbeit mit der Komplexität zwischenmenschlicher Kommunikation auseinander. In diversen Medien wie Grafiken, Skulpturen, Installationen und Texten kontextualisiert er vorgefundenes Vokabular und verortet es im Umfeld der bildenden Kunst. Neben dem nötigen Handwerk werden dabei auch theoretische Inhalte aus Kunsttheorie und Wahrnehmungspsychologie in die künstlerische Tätigkeit einbezogen. Sprache und Bilder ergänzen sich in einer ganz eigenen Logik, die sich nicht mit wissenschaftlichen Mitteln greifen lässt. So entstehen teils humorvolle, teils seriöse Arrangements, die sich in einer Welt zwischen Kunst, Theorie und Pop behaupten. Das Künstlerbuch INFERNO umfasst Arbeiten aus den letzten drei Jahren, die sich mit digitalen und öffentlichen Räumen auseinandersetzen. Vor dem Hintergrund einer turbulenten Gegenwart wird der Konflikt von Nähe und Distanz verhandelt, mit Gastbeiträgen von Miriam Bettin, Patrick C. Haas, Anne Louise Hoffmann, Timo Krause, Malte van der Meyden, NUANS, Hugo Holger Schneider, Ani Schulze, Olga Vostretsova und Christoph Westermeier. Als Ausgangspunkt dient die Webserie Default Concepts , die in vier Episoden die Geschichte einer besonderen Türklinke erzählt, die der Philosoph Ludwig Wittgenstein 1925 für das Haus seiner Schwester in Wien entworfen hat. INFERNO ist ein Plädoyer für Gemeinschaft, Austausch und Humor in Zeiten, in denen immer kompliziertere Grenzen gezogen werden.    "Hell, that's a social place. Here you're always among your own kind." - Elmar Hermann Elmar Hermann (b. 1978, Neuwied; lives and works in Neuwied) deals with the complexity of interpersonal communication. Using various media such as graphics, sculptures, installations, and texts, he contextualizes found vocabulary and locates it in the environment of the visual arts. In addition to the necessary craftsmanship, theoretical content from art theory and the psychology of perception is incorporated into his artistic practice. Language and image complement each other in a logic of their own that cannot be grasped by scientific means. The result is partly humorous, partly serious arrangements that hold their own in a world between art, theory, and pop. The artist's book INFERNO comprises works from the last three years that deal with digital and public spaces. Against the backdrop of a turbulent present, the conflict between proximity and distance is negotiated with guest contributions by Miriam Bettin, Patrick C. Haas, Anne Louise Hoffmann, Timo Krause, Malte van der Meyden, NUANS, Hugo Holger Schneider, Ani Schulze, Olga Vostretsova, and Christoph Westermeier. The starting point is the web series Default Concepts , which in four episodes tells the story of a special door handle that the philosopher Ludwig Wittgenstein designed in 1925 for his sister's house in Vienna. INFERNO is a plea for community, exchange, and humor in times of increasingly complicated boundaries.

Zukunftsvisionen künstlerisch gedacht Aufgrund immer leistungsfähigerer Rechner erlebt das Thema der Künstlichen Intelligenz (KI) seit geraumer Zeit Hochkonjunktur. Wie wir leben, wohnen, arbeiten, kommunizieren oder uns fortbewegen, verändert sich durch den Einsatz von KI nachhaltig. Im Rahmen des Forschungsprojekts der HafenCity Universität Hamburg untersuchen Kunstschaffende gesellschaftliche Visionen und Anknüpfungspunkte von KI sowie die Frage, inwiefern Kunst zur gesellschaftlichen Debatte über die Entwicklung und Bewertung dieser neuen Technologien beitragen kann. Die Publikation dokumentiert die künstlerischen Forschungsergebnisse und Interventionen zu den Themenblöcken "smart environments" und "smart bodies" und reflektiert das Potential künstlerischer Forschung als Diskursbeitrag durch die wissenschaftlichen Textbeiträge von Regula Valérie Burri, Priska Gisler, Lothar Hotz, Merle Richter und Laura Sigrüner.   Visions of the Future, Conceived by Artists Thanks to ever more powerful computers, artificial intelligence (AI) has been at the top of the agenda for years. The use of AI has a sustained transformative impact on every aspect of our lives-on our homes and workplaces, on how we communicate and travel. As part of the research project at HafenCity University Hamburg, artists explore visions of society and possible openings for AI as well as the question of how art can contribute to the social debate over the development and assessment of these new technologies. The publication documents the fruits of artistic research and interventions under the thematic headings of "smart environments" and "smart bodies" and reflects on the potential of artistic research as a contribution to the discourse, with scholarly essays by Regula Valérie Burri, Priska Gisler, Lothar Hotz , Merle Richter, and Laura Sigrüner.

"Das ,Naive' war ein Stilphänomen, kein ,Schatten' der Avantgarde." - Georges Grosz (1929) Welche Künstler*innen gelten heute noch als die Meister*innen der Moderne? Und wer ist in Vergessenheit geraten und aus der Kanonisierung ausgeschlossen worden? Ausgehend von der 1937 in Paris präsentierten Ausstellung Les mai^tres populaires de la re¿alite¿ zeigen das Sprengel Museum Hannover und die Kunstsammlungen Chemnitz mit Welche Moderne? In- und Outsider der Avantgarde künstlerische Positionen zwischen sogenannter naiver Kunst und Avantgarde. Der Katalog dokumentiert die engen Verbindungen von bis heute ganz unterschiedlich bewerteten Künstler*innen, um das Bild der vermeintlichen Außenseiter*innen zu revidieren und eine neue Lesart der Zeit der klassischen Moderne und der Vielfalt der damals gezeigten Positionen zu ermöglichen. Welche Moderne? In- und Outsider der Avantgarde widmet sich den Werken von Andre¿ Bauchant, Camille Bombois, Adolph Dietrich, Se¿raphine Louis, Henri Rousseau und Adalbert Trillhaase und zeigt bildnerische Verwandtschaften zu Hauptvertretern der klassischen Moderne wie Max Beckmann, Otto Dix, Max Ernst, Felix Nussbaum oder Pablo Picasso. Mit einem Text von Manja Wilkens, einem Essay von Sabine Maria Schmidt sowie einem Vorwort von Fre¿de¿ric Bussmann und Reinhard Spieler.     "The 'nai¿ve' was a stylistic phenomenon, not a 'shadow' of the avant-garde." - Georges Grosz (1929) Which artists are still regarded as masters of modernism today? And who has been forgotten and excluded from canonization? Revisiting the exhibition Les mai^tres populaires de la re¿alite¿ held in Paris in 1937, the Sprengel Museum Hannover and Kunstsammlungen Chemnitz present Which Modernism? In- and Outsiders of the Avant-Garde, an exploration of creative positions between so-called nai¿ve and avantgarde art, and frame an unwonted perspective on the era of classic modernism and the rich diversity of the art that was displayed at the time. The catalogue documents the close ties between artists whose reputations and market values still diverge widely today in an effort to revise accepted ideas about the ostensible outsiders and reveal the manifold affnities between the "nai¿ve" artists and their renowned colleagues. Which Modernism? In- and Outsiders of the Avant-Garde focuses on the oeuvres of Andre¿ Bauchant, Camille Bombois, Adolph Dietrich, Se¿raphine Louis, Henri Rousseau and Adalbert Trillhaase and highlights their affliation with the creations of leading exponents of classic modernism like Max Beckmann, Otto Dix, Max Ernst, Felix Nussbaum or Pablo Picasso. With a text by Manja Wilkens, an essay by Sabine Maria Schmidt as well as a foreword by Fre¿de¿ric Bussmann and Reinhard Spieler.

Traumformen des Technischen  An den Schnittstellen von Kunst, Wissenschaft und Technologie lässt sich die künstlerische Praxis von Ralf Baecker (geb. 1977 in Düsseldorf, lebt und arbeitet in Berlin und Bremen) verorten. In seinen Arbeiten untersucht er die Ästhetik des Digitalen, kybernetischer Systeme, künstlicher neuronaler Netzwerke und des künstlichen Lebens. Die komplexen und poetischen Objekte oszillieren zwischen algorithmisch/künstlich und organisch/naturähnlich. Als Übersetzungen und Verräumlichungen digitaler Prozesse ermöglichen sie einen Blick hinter die Oberflächen zeitgenössischer Technologien und deren Machtstrukturen. Cybernetic Imaginaries - die erste Monografie des Künstlers - beinhaltet eine umfassende Dokumentation seiner experimentellen poetischen Maschinen, Installationen und Performances. Neben Fotografien, Skizzen, technischen Zeichnungen und detaillierten Beschreibungen von Baeckers zentralen Arbeiten kontextualisieren medientheoretische und kunstwissenschaftliche Beiträge von Andreas Broeckmann, Siegfried Zielinski und ein Interview mit der Kuratorin Daria Parkhomenko Baeckers künstlerisches Werk.   Dreamforms of the technical  Located at the intersections of art, science, and technology, the artistic practice of Ralf Baecker (born 1977 in Düsseldorf, lives and works in Berlin and Bremen) explores fundamental mechanisms of the digital, cybernetics, artificial neural networks and artificial life. His complex and poetic objects oscillate between the algorithmic/artificial and the organic/nature-like. As translations and spatializations of digital processes, they offer an alternative sight behind the surfaces of contemporary technology and its power structures. Cybernetic Imaginaries -the first monograph of the artist-is a comprehensive documentation of his experimental poetic machines, installations, and performances. In addition to photographs, sketches, technical drawings, and detailed descriptions of Baecker's central works, media-theoretical and art-historical essays by Siegfried Zielinski, Andreas Broeckmann, and an interview with the curator Daria Parkhomenko contextualize the artistic work of Ralf Baecker.

Schlaffe Ko¿rper unserer Zeit Die Werke von Conny Maier (lebt und arbeitet in Berlin und Baleal, Portugal) reflektieren Polaritäten wie Macht und Unterwerfung, Gleichgewicht und Instabilität, das Menschliche und das Nicht-Menschliche. Maier, die ku¿rzlich als Ku¿nstlerin des Jahres von der Deutschen Bank ausgezeichnet wurde (2021), ist eine der bedeutendsten Malerinnen ihrer Generation. Wie die Kuratorin und Kunsthistorikerin Britta Färber schreibt, "spricht Maiers Werk von der Vertreibung aus dem Paradies, vom Verlust eines Urzustandes, von einem großen, kaum erträglichen Unbehagen an der herrschenden Kultur". Durch die Darstellung formbarer Figuren in extremen Gefu¿hls- und Kampfzuständen werfen Maiers Werke einen schonungslosen Blick auf die Endphase des Anthropozäns und fragen nicht nur, welche Systeme unserer Gesellschaft u¿berholt zu sein scheinen, sondern auch, wie unsere Zukunft aussehen ko¿nnte.Die Monografie Fläcido zeigt erstmals einen Querschnitt von Maiers Arbeiten. Flaccid Bodies of Our Time The works of Conny Maier (lives and works in Berlin and Baleal, Portugal) reflect on polarities like power and submission, equilibrium and instability, the human and the non-human. Recently awarded the Deutsche Bank's Artist of the Year (2021), Maier is one of the foremost painters of her generation. As the curator and art historian Britta Färber writes, "Maier's work speaks of the expulsion from paradise, of the loss of a primordial state, of a great, barely endurable malaise in the prevailing culture." Through depicting malleable figures in states of extreme emotion and struggle, Maier's works take an unflinching look at the final throes of the Anthropocene, asking not only what systems should come to an end but what our future might look like.The monograph Fläcido shows for the first time a cross-section of Maier's works.

Versunken, selbstvergessen, gelangweilt, routiniert Arbeit nimmt im Leben des modernen Menschen einen zentralen Platz ein. Sie teilt uns in soziale Schichten ein, ist identitätsstiftend und Projektionsfläche der eigenen Perso¿nlichkeit, damit großer Teil unserer Biografie und nicht zuletzt dient sie dem Erwerb unseres Lebensunterhalts. Der Fotograf Marvin Zilm (geb. 1973 in Karlsburg, lebt und arbeitet in Zu¿rich und Berlin) zeigt uns diese Facetten und fu¿hrt uns mit der Serie Men at Work zu Fragen nach Status, Klasse und Männlichkeit. Die Fotografien entstanden während Reisen zu Auftragsarbeiten, als Nebenprodukt von Ausflu¿gen oder Spaziergängen innerhalb der letzten sechs Jahre, und zeigen Bauarbeiter, Gärtner, Kellner, Straßenku¿nstler, Bauern, Rettungsschwimmer rund um den Globus. Als Sozialstudie zeigen uns Zilms Arbeiten die Grenzen und das Gefangensein in Alltagstrukturen, aber auch das Erleben beruhigender Routinen in einer sich immer schneller drehenden und in die Krise geratenen postmodernen Welt. Absorbed, Oblivious, Bored, Routined Work occupies a central place in the life of modern man. It assigns us to our place in the social hierarchy, is a source of identity and screen onto which we project our personalities, making it a major chapter in our biographies, and not least importantly, it is how we make a living. Fanning out these different aspects, the photographer Marvin Zilm's (b. Karlsburg, 1973; lives and works in Zurich and Berlin) series Men at Work takes us on a tour to questions of status, class, and masculinity. The photographs were taken as he traveled to various jobs, as byproducts on trips as well as strolls over the past six years, and show construction workers, gardeners, waiters, street artists, farmers, lifeguards around the globe. As a study of contemporary society, Zilm's works draw our attention to the limitations of lives trapped in the structures of the everyday, but also to experiences of comforting routine in an ever more fast-paced postmodern world in crisis.

Transitorische Momente Die ku¿nstlerische Praxis von Olga Holzschuh (lebt und arbeitet in Ko¿ln und Du¿sseldorf) ist von einer intensiven Auseinandersetzung mit den ästhetischen, sozialen und psychologischen Auswirkungen von technologischen Innovationen gekennzeichnet. Ihre Fotografien, Skulpturen und Performances greifen entlang der Fragen von ko¿rperlicher Präsenz und Index eng ineinander. Dabei bildet der transitorische Moment den Kern ihrer Arbeit. Dies zeigt sich nicht nur in ihren Performances - in denen sie Situationen herstellt, die Kontrollpraktiken von Emotionen nachzeichnen -, sondern auch in ihrer Beschäftigung mit formveränderlichen Materialien wie Seife, fotografischen Lo¿sungen und Metall.hold on ist Holzschuhs erste Monografie und zeigt Arbeiten der letzten fu¿nf Jahre. Die Texte schrieben Juliane Duft und Patrizia Dander. Transitional Moments Olga Holzschuh's (lives and works in Cologne and Dusseldorf) practice is informed by a searching engagement with the aesthetic, social, and psychological impact of technological innovation. Her photographs, sculptures, and performances are closely intertwined around questions of bodily presence and indexicality. The transitory constitutes the core of her work, as is evident not only in her performances-in which she stages situations that reconstruct practices of emotional control-but also in her preoccupation with malleable materials such as soap, photographic solutions, and metals.hold on is Holzschuh's first monograph and presents works from the past five years. With essays by Juliane Duft and Patrizia Dander.

"Wir werden niemals wieder schweigen." - SuffragettenJu¿ngste Ereignisse machen die Dringlichkeit der von Frauen*, trans und nicht-binären Personen gefu¿hrten Kämpfe um alltägliche und grundlegende Rechte mehr als deutlich. MANIFESTiert Euch! ist ein Appell und zugleich eine ermächtigende Hymne auf das (queer-)feministische Denken und Handeln als Bestandteil einer andauernden Protestkultur in der zeitgeno¿ssischen Kunst und Kultur.Die Publikation zur Ausstellung zeigt die ungebrochen pulsierende (queer-)feministische Manifestkultur seit den Suffragetten und spiegelt deren schillernde, teils widerspru¿chliche Facetten wider. Dabei richtet sie ihren Fokus auf verschiedene Regionen, kulturelle Zusammenhänge und Medien. Das Buch macht zahlreiche Manifeste zugänglich und dokumentiert und erweitert die titelgebende Ausstellung. Mit Textbeiträgen von Valeria Schulte-Fischedick, Rita Laura Segato und Luise von Nobbe sowie Statements von Lynda Benglis und VNS Matrix.Teilnehmende Ku¿nstler*innen Ouassila Arras, Rufina Bazlova, Lynda Benglis, Monica Bonvicini, Lizzie Borden, Andrea Bowers, Janet Burchill/Jennifer McCamley, VALIE EXPORT, Ulrike Flaig, Ceal Floyer, FRZNTE/Kolbeinn Hugi, Regina Jose¿ Galindo, Guerrilla Girls, Holzinger/Sahihi, Bojana S. Knez¿evic¿/Katarina Petrovic¿ (Femkanje), LASTESIS x Pussy Riot, Lui¿za Luz, Signe Pierce/Alli Coates, Tabita Rezaire, Marinella Senatore, Beth Stephens/Annie Sprinkle, VNS Matrix, Del LaGrace Volcano, Billie Zangewa "We will never be quiet again."-Suffragettes Recent events have thrown into sharp relief the urgency of women*'s, trans, and non-binary persons' struggles for everyday and fundamental rights. MANIFEST Yourself! is a summons and at once an empowering hymn to (queer) feminist thinking and action as an integral part of a vibrant culture of protest in contemporary art and culture.The publication showcases the undiminished vitality of the culture of the (queer) feminist manifesto since the suffragettes and reflects its colorful and sometimes contradictory facets, focusing on a variety of regions, cultural contexts, and media. The book provides access to numerous manifestos and documents and expands on the exhibition of the same title at Ku¿nstlerhaus Bethanien. With essays by Valeria Schulte-Fischedick, Rita Laura Segato, Luise von Nobbe and statements by Lynda Benglis and VNS Matrix.Contributing artists Ouassila Arras, Rufina Bazlova, Lynda Benglis, Monica Bonvicini, Lizzie Borden, Andrea Bowers, Janet Burchill/Jennifer McCamley, VALIE EXPORT, Ulrike Flaig, Ceal Floyer, FRZNTE/Kolbeinn Hugi, Regina Jose¿ Galindo, Guerrilla Girls, Holzinger/Sahihi, Bojana S. Knez¿evic¿/Katarina Petrovic¿ (Femkanje), LASTESIS x Pussy Riot, Lui¿za Luz, Signe Pierce/Alli Coates, Tabita Rezaire, Marinella Senatore, Beth Stephens/Annie Sprinkle, VNS Matrix, Del LaGrace Volcano, Billie Zangewa

Wer sind wir? Mit dem Mord von George Floyd im Jahr 2020 bekommt die weltweite Protestbewegung Black Lives Matter große Aufmerksamkeit. An vielen Orten, so auch in Berlin, demonstrieren Menschen ihre Solidarität. Yero Adugna Eticha (geb. in Oromia, A¿thiopien, lebt und arbeitet in Berlin) beschließt aktiv zu werden und Schwarzes Leben in Berlin zu dokumentieren. Er zieht durch die Straßen Berlins und verteilt Flyer mit dem Aufruf an Schwarze Menschen, sich von ihm fotografieren zu lassen. In den folgenden zwei Jahren porträtiert Adugna Eticha u¿ber 512 Personen, ho¿rt ihre Geschichten und erfährt in den Begegnungen alltägliche und bewegende Details aus ihrem Leben.Black in Berlin zeigt eine Auswahl dieser Begegnungen. Es sind 100 Porträts der Schwarzen Diaspora in Berlin: Von der Autorin u¿ber den Opernsänger, die alleinerziehende Bu¿roangestellte und den Rentner verleiht dieses Buch einen Einblick in die facettenreichen Lebenswirklichkeiten Schwarzer Menschen in Berlin. Who are we? When George Floyd was murdered by a police officer in 2020, the global protest movement Black Lives Matter got high attention. In Berlin, like many other places, people demonstrated their solidarity. Yero Adugna Eticha (b. in Oromia, Ethiopia, lives and works in Berlin) decided to get active and document Black life in Berlin. He walked through the streets of Berlin handing out flyers inviting Black people to be photographed by him. In the following two years, Adugna Eticha portrayed over 512 people, listened to their stories and learned the mundane but moving details of their lives during the encounters.Black in Berlin presents a selection of these encounters. They are 100 portraits of the multifaceted realities of the Black diaspora's life in Berlin: the author, the opera singer, the white-collar single mom, and the pensioner.

Puzzleteile im fotografischen Raum In ihrem Atelier verwendet Erin O'Keefe (geb. 1962 in Bronxville, USA, lebt und arbeitet in New York) geometrische Holzformen und Bretter, die sie schnitzt, bemalt, arrangiert und schließlich fotografiert, um abstrakte Stillleben mit verwirrenden optischen Effekten zu schaffen. Indem sie die glänzende Oberfläche entfernt, die man gemeinhin mit dem gedruckten fotografischen Medium assoziiert, stellt O'Keefe die malerische Textur ihrer Pinselstriche in den Vordergrund, die bei näherem Betrachten der Abzu¿ge sichtbar wird. Dieser komplexe Prozess fu¿hrt Betrachter*innen gekonnt in die Irre; ihre Arbeiten wirken nachbearbeitet und damit digital manipuliert oder gar kreiert. Ständiges Experimentieren und die Suche nach Nebeneinanderstellungen von Form und Farbe durch ästhetische Techniken, die dem Modellbau, der Architektur, der Malerei und Installationskunst entlehnt sind, kennzeichnen ihre ku¿nstlerische Praxis.Die Monografie How are things? gibt einen umfassenden U¿berblick zu O'Keefes Werk und fu¿hrt durch Essays von Emily LaBarge, Richard Paul und Wayne Koestenbaum in ihre mehrschichtige Praxis ein. Puzzle Pieces in Photographic Space The studio of Erin O'Keefe (b. Bronxville, USA , 1962; lives and works in New York) is filled with geometric wooden shapes and boards that she carves, paints, arranges, and finally photographs to produce abstract still lifes featuring stunning optical effects. By removing the glossy surface we ordinarily associate with the printed photographic medium, O'Keefe foregrounds the painterly texture of her brushstrokes, which comes into view when one examines the prints more closely. The complex process deftly leads the beholder astray; her works look like they were subjected to digital postprocessing and manipulated or even outright created on the computer. Continual experimentation and the search for juxtapositions of forms and colors by means of aesthetic techniques borrowed from modelmaking, architecture, painting, and installation art are distinguishing characteristics of her creative practice.The monograph How are things? offers a comprehensive overview of O'Keefe's output. Essays by Emily LaBarge, Richard Paul, and Wayne Koestenbaum introduce the reader to her multilayered practice.

Sprache und Zeichnung als gleichwertige Akteurinnen Cutes ist ein Sammelband zeitgeno¿ssischer Queer- und trans Comics, der die zahlreichen Facetten der LGBTQIA+-Identitäten mit dem Medium der grafischen Erzählung erforscht. Die Anthologie wurde von Nour Hifaoui und Joseph Kai des libanesischen Comic-Kollektivs Samandal und von dem Ku¿nstler Nino Bulling im Rahmen der documenta fifteen zusammengestellt. Mit Beiträgen u. a. aus dem Libanon, Deutschland und Singapur bietet Cutes einen frischen und sehr perso¿nlichen Blick auf unsere Ko¿rper, Gefu¿hle und Wu¿nsche.Das Buch versammelt Kurzgeschichten von zwo¿lf Ku¿nstler*innen, die eine breite Palette von Stilen und Genres der grafischen Erzählung abdecken: von heißer Romantik u¿ber trans Superheld*innen bis hin zu Meditationen u¿ber Geschlecht und Identität. Cutes ist eine zweisprachige Publikation auf Englisch und Arabisch, die sich mit dem Gebrauch von Sprache in Comics und der Politik der U¿bersetzung auseinandersetzt.Teilnehmende Ku¿nstler*innen Aki Hassan, Bär Kittelmann, Barrack Rima, Bilge Emir, Joseph Kai, Michel Esselbru¿gge, Mloukhiyye¿ Al-Fil, Natyada Tawonsri, Nino Bulling, Nour Hifaoui, Nygel Panasco und Romy MatarU¿ber die Herausgeber*innen Das Kollektiv Samandal verlegt Comics in Beirut und Paris. Gemeinsam sammeln und vero¿entlichen die Mitglieder vor allem Comics aus dem arabischen Raum mit dem Ziel, eine Plattform fu¿r den alternativen Ausdruck kultureller und sozialer Themen zu bieten. Nino Bulling arbeitet als Comiczeichner und -autor in Berlin. Ku¿rzere und längere Arbeiten erscheinen seit 2012 in Buchform, online oder in Anthologien.Language and Drawing as Equal Actors Cutes is a collective book of contemporary queer and trans comics that explores the multiple facets of LGBTQIA+ identity through the medium of graphic storytelling. The anthology was co-created by Nour Hifaoui and Joseph Kai of Lebanese comics collective Samandal and artist Nino Bulling in the frame of documenta fifteen. Featuring contributions from Lebanon, Germany, Singapore and beyond, Cutes offers a fresh and deeply personal look at our bodies, emotions and desires.The book includes short stories by twelve artists covering a wide array of styles and genres: From hot romance to trans superheroines and meditations on gender and identity. Cutes is a bilingual publication in English and Arabic, addressing the very use of language in comics and the politics of translation.Participating artists Aki Hassan, Bär Kittelmann, Barrack Rima, Bilge Emir, Joseph Kai, Michel Esselbru¿gge, Mloukhiyye¿ Al-Fil, Natyada Tawonsri, Nino Bulling, Nour Hifaoui, Nygel Panasco, Romy Matar.About the editorial team Samandal is a collective of artists dedicated to comics, based in Beirut and Paris. Samandal collects and publishes comics from the Arab region and beyond with the aim to provide a platform for alternative expressions of graphic storytelling in cultural and social issues. Nino Bulling works as a freelance cartoonist and author in Berlin. Shorter and longer works by Nino have been published in book form, online or in anthologies since 2012.

Odysseen durch entlegene Dimensionen LuYang (geb. in Shanghai, lebt und arbeitet in Tokyo) scho¿pft Inspiration aus der Science-Fiction-, Manga-, Gaming- und Technokultur. Dabei verschwimmen in den installativen Videoarbeiten Verweise auf hypermoderne Technologien mit Ideen zu post- oder transhumanistischen Szenarien unserer Welt. Die non-binären Avatare kreiert LuYang per 3D-Scan des eigenen Ko¿rpers und in Anspielung an die buddhistische Weisheit "Dokusho Dokushi" (dt. alleine sterben, alleine geboren werden). Die fortlaufende Serie DOKU zeigt diese hybriden "Reinkarnationen" der Ku¿nstler*in in ausufernden virtuellen Welten, die mit Computerspiel-Engines erstellt und von intensiven Soundtracks unterlegt sind. Das Kondensat in LuYangs u¿berwiegend digitalen Arbeiten sind fantastische, oft schmerzhafte und schockierende Bilder, die eine interdisziplinäre Mischung aus Religion, Philosophie, Neurowissenschaft, Psychologie und moderner Technologie darstellen.Von der Deutschen Bank als Artist of the Year 2022 ausgezeichnet, zeigte LuYang im gleichen Jahr erstmals monografische Ausstellungen in Deutschland und Großbritannien. Der Katalog LuYang NetiNeti konzentriert sich auf die einzigartige DOKU-Serie, die auf der 59. Biennale von Venedig 2022 präsentiert wurde, und gibt durch die Essays von Livia Monnet und Pao-chen Tang, und das Interview von Nora Gantert einen fundierten Einblick in die Arbeitsweise der aufstrebenden internationalen Ku¿nstler*in. Odysseys Through Multiple Dimensions LuYang (b. Shanghai; lives and works in Tokyo) draws inspiration from science-fiction, manga, gaming, and techno cultures. In their video installations, references to hypermodern technologies blend with ideas for post- or trans-human scenarios for our world. To create their nonbinary avatars, LuYang works with 3D scans of their own body, alluding to the Buddhist wisdom "dokusho dokushi" (you are born alone and you die alone). The ongoing series DOKU features these hybrid "reincarnations" of the artist in sprawling virtual worlds, made using computer game engines and accompanied by intense soundtracks. What emerges from LuYang's predominantly digital works are fantastic, often painful and shocking images that visualize an interdisciplinary mix of religion, philosophy, neuroscience, psychology, and modern technology.The winner of Deutsche Bank's Artist of the Year award in 2022, LuYang presented their first monographic exhibitions in Germany and the United Kingdom that year. The catalogue LuYang NetiNeti puts the focus on the singular DOKU series, which featured prominently at the 59th Venice Biennale in 2022, and includes knowledgeable and insightful essays on the rising international artist's practice by Livia Monnet and Pao-chen Tang, and an interview by Nora Gantert.

Der lebendige Ko¿rper im digitalen Zeitalter Die Performance ist seit Jahren ein wesentliches Ausdrucksmittel in der zeitgeno¿ssischen Kunst. Die Ansätze der Ku¿nstler*innen sind vielfältig und haben das konzeptionelle Verständnis von Performance, das sich in den 1960er- und 1970er-Jahren herausgebildet hat, um neue Formen und Ausdrucksvarianten erweitert. Durch aktuelle technologische Entwicklungen aufgeworfene Fragen, die Dokumentation, Archivierung und das Verhältnis von Performance und digitalen Medien betreffen, sind Ausgangspunkt des Projekts The Non-Fungible Body? Der Katalog erläutert mit umfangreichem Bildmaterial und Texten von Freda Fiala, Geraldine Juärez, Rose Lejeune und Bruce Quek den innovativen Ansatz des Projektes, das Ku¿nstler*innen zusammenbringt, die mit Blick auf das relativ junge Phänomen der NFTs (Non-Fungible Tokens) die kulturelle Bedeutung von Live-Performance und das Verhältnis vom lebendigen Ko¿rper zu den virtuellen O¿konomien unserer Zeit thematisieren. Der Titel The Non-Fungible Body? dient als Leitmotiv fu¿r Spekulationen zum Thema Performance und Digitalisierung. Während der Ko¿rper und die digitalen Werkzeuge, mit denen er arbeitet, immer schwerer zu trennen sind, bleiben ko¿rperliche Identitäten weiterhin wichtige Träger vielfältiger und widerspru¿chlicher sozialer und politischer Prozesse. The Living Body in the Digital Age Performance has been a key medium in contemporary art for years. Artists have charted diverse approaches and added novel forms and variants of expression to the conceptual understanding of performance established by the pioneers of the genre in the 1960s and 1970s. Questions raised by today's technological developments concerning documentation, archiving, and the relation between performance and digital media mark the point of departure for the project The Non-Fungible Body? The catalogue gathers extensive visual materials and writings by Freda Fiala, Geraldine Juärez, Rose Lejeune, and Bruce Quek to explain the project's innovative design: it convenes artists who examine the cultural significance of live performance and the living body's relation to the virtual economies of our time with a view to the fairly recent phenomenon of NFTs (Non-Fungible Tokens). The title The Non-Fungible Body? serves as a leitmotif for speculations on performance and digital technology. While the body and the digital tools it employs are ever more difficult to tell apart, physical identities remain important vehicles of multifaceted and contradictory social and political processes.Teilnehmende Ku¿nstler*innen  / Participating artists Cibelle Cavalli Bastos, Marita Bullmann, Yun-Chen Chang, Beatrice Didier, Jan Hakon Erichsen, Maria Kulikovska, David Henry Nobody Jr. in conversation with Anika Meier, Sara Lanner, Sajan Mani, Boris Nieslony, Yiannis Pappas, Jianan Qu, Xavier Le Roy, Sarah Trouche, and Rong Xie (Echo Morgan)

Die Botschafterin des Lichtes Licht und Raum, Medien und Information sind zentrale Aspekte der vielschichtigen konzeptuellen Arbeit von Brigitte Kowanz (geb. 1957 in Wien, gest. 2022 ebenda). Die Ku¿nstlerin wurde 2009 mit dem Großen O¿sterreichischen Staatspreis ausgezeichnet und bespielte 2017 den O¿sterreichischen Pavillon auf der 57. Biennale von Venedig. Von 1997 bis 2021 hatte sie eine Professur an der Universität fu¿r Angewandte Kunst in Wien inne. Bis kurz vor ihrem Tod arbeitete Kowanz intensiv an der Installation ISTR, die ihren Entwu¿rfen entsprechend im Schlossmuseum Linz posthum realisiert wurde. Die vier Säulen im ersten Raum geben den Auftakt aus Neon, Spiegeln und Glas; jede ist mit einem der vier Buchstaben des Titels in Morsecode versehen: I S T R - I SEEM TO RECALL (Ich scheine mich zu erinnern) lädt dazu ein, Kowanz' ku¿nstlerischen Kosmos zu betreten. In ihrem OEuvre verbindet sich Sprachliches - politische Aussagen und Nachrichtenu¿bertragungen - mit formaler A¿sthetik, was veranschaulicht, dass Licht nicht bloß ein neutrales Vehikel fu¿r Information ist, sondern diese entscheidend mitgestaltet.Der Ausstellungskatalog zeigt neben der Neuproduktion ebenso ältere Werkserien aus den 1980er-Jahren in Gegenu¿berstellung mit der Serie Flashbacks. Mittels QR-Codes werden zudem digitale Inhalte vermittelt. Mit Texten von Adrian Kowanz, Gala Rebane, Sabine Schaschl, Angela Stief und Alfred Weidinger. The Messenger of Light Light and space, media and information are key aspects of Brigitte Kowanz's (b. Vienna, 1957; d. Vienna, 2022) multifaceted conceptual oeuvre. The artist was honored with the Grand Austrian State Prize in 2009 and presented her work in the Austrian pavilion at the 57th Venice Biennale in 2017. From 1997 until 2021, she was a professor at the University of Applied Arts Vienna. Kowanz worked on the installation ISTR with all her energy until shortly before her death, and the work has now been realized posthumously in accordance with her designs at Schlossmuseum Linz. The four pillars in the first room serve as a kind of introduction; executed in the artist's hallmark neon, mirrors, and glass, each bears one of the letters of the title in Morse code: I S T R -I SEEM TO RECALL is an invitation to delve into Kowanz's creative universe. Her art combines linguistic material-political statements and the transmission of messages-with a formal aesthetic, illustrating that light, far from being a mere neutral vehicle for information, is vital to shaping it.The catalogue accompanying the exhibition features the new production as well as earlier series from the 1980s, in juxtaposition with the Flashbacks series. QR codes provide access to additional digital content. With essays by Adrian Kowanz, Gala Rebane, Sabine Schaschl, Angela Stief, and Alfred Weidinger.

"Unsere Filme sind weder fiktional noch dokumentarisch. Sie kommen aus dem Land unserer Vorfahren und kehren in es zuru¿ck. Sie gehen aus dem Leben, das wir mit unseren durlg (Träumen) wirklich leben, hervor und versinken wieder in ihm." - Karrabing Film Collective Das Karrabing Film Collective ist eine basisorientierte indigene Film- und Kunstgruppe, die 2007 gegru¿ndet wurde und gegenwärtig im Top End des Northern Territory in Australien sesshaft ist. Die Filme des Kollektivs wurden u. a. auf der Countour Biennale 8 (2017), den 67. Internationalen Filmfestspielen Berlin - Berlinale (2017), der documenta 14 (2017), und der Sydney Biennale (2016) präsentiert. Die Gruppe besteht aus rund 50 Mitgliedern. Das Kollektiv versteht seine ku¿nstlerische Praxis als Mo¿glichkeit der Selbstorganisation und der sozialen Analyse. Auf lokaler Ebene werden ku¿nstlerische Sprachen entwickelt, die Einblicke in neue Formen der kollektiven indigenen Handlungsfähigkeit gewähren. Die Filme ko¿nnen stilistisch als "improvisierter Realismus" beschrieben werden und versuchen, einen Raum jenseits der Binaritäten von Fiktion und Dokumentation oder Vergangenheit und Gegenwart zu ero¿nen. Der Ausgangspunkt der Ausstellung im Haus der Kunst ist die Frage, was uns die von Karrabing entwickelte einzigartige filmische und methodische Sprache u¿ber die heutige Gesellschaft lehren kann.Der umfangreiche begleitende Reader Wonderland gibt durch Essays, Interviews, freiere Textformen und Polemiken erstmalig einen Einblick in das soziale, kulturelle und historische Umfeld und Schaen des Kollektivs. Mit einem Vorwort von Andrea Lissoni, einem kuratorischen Essay von Damian Lentini sowie gesammelten Beiträgen von Richard Bell, Kirsty Howey, May Adadol Ingawanij, Tess Lea, Elizabeth A. Povinelli, Matariki Williams und Vivian Ziherl "Our films are neither fiction nor nonfiction. They come from and return to our ancestral lands. They emerge from and sink back into the lives we are actually living with our durlg (dreamings)."-Karrabing Film Collective Karrabing Film Collective is a grassroots Indigenous film and arts group founded in 2007 and currently based in the Top End of Australia's Northern Territory. The Collective's films have been presented in exhibitions and at festivals including the 8th Contour Biennale (2017), the 67th International Film Festival Berlin-Berlinale (2017), documenta 14 (2017), and the Sydney Biennial (2016). The group currently numbers around fifty members, who see their collective creative practice as a form of self-organization and social analysis. Artistic languages are developed on the local level, which in turn let the audience understand new forms of collective indigenous agency. The films, whose style is labeled as "improvisational realism," seek to open a space beyond the binaries of fiction and documentary or past and present. The exhibition at the Haus der Kunst is guided by the question of what the unique filmic and methodical language developed by Karrabing can teach us about today's society.

Fundstu¿cke im Wandel Praktiken des Hortens, Sammelns, Leihens und des Archivierens beschäftigen die beiden Ku¿nstler Jurgen Ots (geb. 1978 in Dendermonde, Belgien, lebt und arbeitet in Bru¿ssel) und Christoph Westermeier (geb. 1984 in Ko¿ln, lebt und arbeitet in Du¿sseldorf). Ots findet und sammelt Gegenstände, oftmals auf dem beru¿hmten Flohmarkt auf der Place du Jeu de Balle in Bru¿ssel. In seiner Wohnung bewahrt er Gefundenes auf, bis diese Objekte - einst Sammelobjekt, dann zuru¿ckgelassene Handelsware - in Collagen verarbeitet oder zu Readymades werden. Eine Serie von Fotografien, die Westermeier zwischen 2018 und 2022 in Bru¿ssel aufgenommen hat, dokumentiert diese Fundstu¿cke und andere Dinge in ihrem natu¿rlichen Lebensraum und folgt ihnen in wechselnden Kontexten: Die Kindheitserinnerungen eines Menschen, ein Stu¿ck seines Alltags, das normalerweise unter Verschluss gehalten wird, wandert von Ort zu Ort und gewinnt neue Sichtbarkeit.Das Ku¿nstlerbuch zeigt diese produktive und komplexe Zusammenarbeit, das gemeinsam zusammengetragene Werk, das aus gefundenen Bu¿chern, Kisten, leeren Koern, Rahmen, Scherenschnitten, Fotoalben und ausrangiertem Schnickschnack besteht. Ferner dokumentiert es die gleichnamige und gemeinsame Ausstellung im Empfangspavillon der internationalen Weltausstellung in Bru¿ssel. Mit einem Essay des Herausgebers Haris Giannouras. Trouvailles in Transformation Practices of stockpiling, collecting, lending, borrowing, and archiving are a shared preoccupation of the two artists Jurgen Ots (b. Dendermonde, Belgium, 1978; lives and works in Brussels) and Christoph Westermeier (b. Cologne, 1984; lives and works in Dusseldorf). Ots spots and collects objects, often at the famous flea market on Brussels's Place du Jeu de Balle. He stores these found objects-erstwhile collectibles, now derelict merchandise-in his apartment until he embeds them in collages or turns them into readymades. A series of photographs that Westermeier took in Brussels between 2018 and 2022 documents these trouvailles and other thingsin their natural habitat and shadows them as they move through various contexts: someone's childhood memories, the scattered pieces of their everyday life that are normally kept under wraps, travel from place to place and take on a new visibility.The artists' book illustrates this productive and complex collaboration, surveying the oeuvre the two artists have compiled, which consists of found books, boxes, empty suitcases, frames, silhouettes, photo albums, and discarded bric-a-brac. It also documents their joint exhibition of the same title in the reception pavilion of the Interna- tional World's Fair in Brussels. With an essay by the editor Haris Giannouras.

Natur und Kultur im WettstreitSusanne Kutter (geb. 1971 in Wernigerode, lebt und arbeitet in Berlin) bewegt sich zwischen verschiedenen künstlerischen Medien wie Installation, Performance, Skulptur, Fotografie und Video. In ihren multimedialen Arbeiten untersucht sie das Verhältnis von Natur und Kultur und legt einen Fokus auf das Thema Naturkatastrophen. Dabei schildert sie die Dominanz des Menschen über die Natur wie auch seine Abhängigkeit von ihr, die seinem Bestreben nach Kontinuität und Sicherheit entgegensteht.Die Ausstellung Stille im Auge des Zyklons im Marburger Kunstverein widmet sich neben dem Natur-Kultur-Komplex den Veränderungen in der westlichen Gesellschaft, dem Verlust dauerhafter, tiefer Beziehungen und dem Abhandenkommen einer bürgerlichen Mittelschicht, die vom Modell des sozialen Ausgleichs und einer die Gesellschaft stabilisierenden Form der Lebensführung geprägt ist. Anlässlich der Ausstellung erscheint der Katalog Oh, How I've Tried ... mit einem Essay von Gregor Jansen. The Rivalry between Nature and CultureSusanne Kutter's (b. Wernigerode, 1971; lives and works in Berlin) art spans a range of media including installation and performance art, sculpture, photography, and video. Her multimedia works probe the relation between nature and culture, with a focus on natural disasters. She portrays man's dominance over nature as well as his dependence on it, which foils his desire for continuity and safety.In addition to the nature-culture complex, the exhibition Stille im Auge des Zyklons at Marburger Kunstverein delves into the changes in Western society: the withering of lasting and profound relationships and the vanishing of an educated middle class whose life has been informed by the model of compromise and a preference for choices and conduct that have been sources of social stability. The catalogue Oh, How I've Tried ... with an essay by Gregor Jansen is published on occasion of the exhibition.

Verfremdung zweiter Ordnung Thomas Musehold (geb. 1982 in Mo¿nchengladbach, lebt und arbeitet in Du¿sseldorf) beschäftigt sich in seinen bildhauerischen Arbeiten mit dem Thema der Deutung und Interpretation des Unbekannten und macht sich hierfu¿r das System der Sprache unterschiedlich zunutze. Seinem Ansatz liegt die Idee zugrunde, den Dingen ihre spezifische Sinnhaftigkeit zu entlocken, was an das Spiel der Objektifizierung des franzo¿sischen Philosophen und Soziologen Roger Caillois erinnert.Ausgangspunkt fu¿r die Publikation Larva (lat. bo¿ser Geist, Gespenst, Fratzengesicht, Maske) sind Masken, die als Billigware in Karneval-Discountern verkauft werden. Mittels 3D-Scan und CAD (computer-aided design) bearbeitet Musehold die Masken. Da das Original in der Kopie selten ersichtlich wird, sind seine Arbeiten auch nicht auf die Erkennung dieser Divergenz ausgelegt, sondern verstehen sich als singuläre Werke. Den vermeintlich rituellen Artefakten stellt der Ku¿nstler Texte aus Wissenschaft, Lyrik und Fiktion gegenu¿ber. Durch die Bearbeitung des Bildmaterials und die begleitenden Texte werden die Masken in einen mythischen Kontext u¿berfu¿hrt, der sie zu zeitgemäßen Fetischen macht. Second-Order Defamiliarization Thomas Musehold's (b. Mo¿nchengladbach, 1982; lives and works in Dusseldorf) sculptural works explore the question of how to construe and interpret the unknown, looking at the system of language in a variety of ways. His approach is grounded in the idea of prodding things to reveal their specific meaningfulness, recalling the game of objectification devised by the French philosopher and sociologist Roger Caillois.The publication Larva (in Latin: evil sprite, ghost, grotesque visage, mask) is based on masks sold as cheap merchandise in discount carnival stores. Musehold manipulates the masks using 3D scans and computer-aided design software. The original is typically not recognizable in the reproduction, and so his creations are not designed to draw our attention to the divergence between them; they are intended as stand-alone works. In the artist's installations, the ostensibly ritual artifacts are pairedwith excerpts from academic writing, lyric poetry, or fiction. The editing of the visual material and the accompanying texts transpose the masks into a mythical context that makes them fetishes for our age.

Gesammelte Texte zum Potenzial der Bilder Die Bilder, die uns umgeben, zeigen die Realität nicht nur, sondern gestalten sie selbst mit - Übertragungsfehler, Qualitätsverluste, Hacks und andere Störungen inbegriffen. Seit der Digitalisierung nahezu aller Lebensbereiche wissen wir, dass wir unseren Augen nicht trauen können. Doch auch Sigmar Polke (geb. 1941 in Oels, Niederschlesien; gest. 2010 in Köln) war sich dessen bereits bewusst und verarbeite­te schon in den 1960er-Jahren die massenmedial verbreiteten Bilder seiner Zeit. Das Übertragen und Stören, das Transformieren und Umcodieren wurde in seinen Rasterbildern zu Motiv und frühem Markenzeichen.Zum 80. Geburtstag von Polke beleuchtete die Anna Polke-Stiftung den zentralen Aspekt der Bildstörung bei Polke und aktuellen künstlerischen Positionen mit einem großen Jubiläumsprojekt, bestehend aus einer Ausstellung (Ausstellungskatalog der Kunsthalle Düsseldorf bei DISTANZ erschienen) sowie einem Online-Festival, das die in der Ausstellung aufgeworfenen Fragen vertieft und an aktuelle Bilddiskurse anbindet.Dieses Buch versammelt die Festival-Beiträge von internationalen Wissenschaftler*innen und Künstler*innen wie Bice Curiger, Camille Henrot, Alexander Kluge, Sandra Neugärtner, Magnus Schäfer, Daniel Spaulding, die in Kommentaren, Gesprächen oder Essays Polkes Werk und dessen Bildkontexte untersuchen und Verbindungen zu einer gegenwärtigen Kunstproduktion ziehen. Ergänzt werden diese um Texte u. a. von Lilian Haberer, Adam Jasper und Franziska Kunze, die das unerschöpfliche Potenzial der Bildstörung nicht nur für Polkes Kunst herausstellen.Online-Festival: www.festival-anna-polke-stiftung.com Collected Texts on the Potential of ImagesThe images surrounding us don't just show reality, but also help shape it-with all their transmission errors, lossiness, hacks, and other disruptions. Since almost every area of life has been digitized by now, we know that we can't trust our eyes. Sigmar Polke (b. Oels, Lower Silesia, 1941; d. 2010 in Cologne) already realized this back in the 1960s when he was working through the mass-media images of his time. Transferring and interfering, transforming and recoding became motifs and early trademarks of his raster images.On the occasion of Polke's 80th birthday, the Anna Polke Foundation shed light on the central aspect of image interference in Polke's work and current artistic positions with a major anniversary project which consisted of an exhibition (Kunsthalle Düsseldorf, exhibition catalogue published by Distanz) and an online festival that explored the questions raised in the exhibition in greater depth while linking them to contemporary image discourses.This book brings together the festival contributions by international scholars and artists such as Bice Curiger, Camille Henrot, Alexander Kluge, Sandra Neugärtner, Magnus Schäfer, Daniel Spaulding, who examine Polke's work and its pictorial contexts in commentaries, conversations, or essays, while creating links to contemporary art production. These are supplemented with texts by Lilian Haberer, Adam Jasper, Franziska Kunze, among others, who highlight the inexhaustible potential of image interference, and not just for Polke's art.Online festival: www.festival-anna-polke-stiftung.com

(EN) In By the Highway, Ser Serpas walks through Paris with Rafik Greiss, seeking out the sites that shape her sculptures and installations. In dialogue with Dora Budor, this volume in the KONTEXT series presents new approaches to form, volume, and materiality as well as how Serpas' method updates the tradition of readymades.Whether she is working with discarded trash or hoarded things, Serpas (b. Los Angeles, 1995, lives and works between Los Angeles and Paris) manipulates these materials to create art in ways that complicate our perception of value and inscribe meaning into what would otherwise be trash. Serpas often brings her sculptures back to the street after the exhibition, letting them become trash while playing with what is allowed inside and outside the museum. In his work, the artist Rafik Greiss (b. Dublin, 1997; lives and works in Paris) captures matter in a state oscillating between representational image and factual substance. His photographs are less about specific objects and more about examining these objects in their own lives and how they react with each other. The artist and author Dora Budor (b. Zagreb, 1984; lives and works in New York) contributes an essay to this volume, which examines Serpas's work in relation to the processes of accumulation, obsolescence and scavenging, as well as deriving from their historical precedents; assisted readymades, scatter pieces and combines.KONTEXT, a series by DISTANZ, brings together artists and writers for an exchange between the worlds of writing and contemporary art. With commissioned text, reissued essays, or experimental writing, the publication series seeks to look at and comment on current debates through writing and contemporary art. (DE)In By the Highway spaziert Ser Serpas mit Rafik Greiss durch Paris und sucht die Fundstellen auf, die ihre Skulpturen und Installationen formen. Im Dialog mit Dora Budor zeigt dieser Band der Reihe KONTEXT neue Herngehensweisen an Form, Volumen und Materialität, und wie die Arbeitsweise von Serpas die Tradition der Readymades aktualisiert.Ob sie mit weggeworfenem Mu¿ll oder mit gesammelten Dingen arbeitet - Ser Serpas (geb. 1995 in Los Angeles, lebt und arbeitet in Los Angeles und Paris) manipuliert diese Materialien, um Kunst auf eine Weise zu schaen, die unsere Wahrnehmung von Wert verkompliziert und dem, was sonst Mu¿ll wäre, eine Bedeutung einschreibt. Oft bringt Serpas ihre Skulpturen nach der Ausstellung wieder auf die Straße, lässt sie zu Abfall werden und spielt mit dem, was innerhalb und außerhalb des Museums erlaubt ist. Rafik Greiss (geb. 1997 in Dublin, lebt und arbeitet in Paris) beschäftigt sich in seinen Arbeiten mit dem Einfangen von Materie im Spannungsfeld von wiedergegebenem Bild und faktischer Substanz. In seinen Fotografien geht es weniger um bestimmte Objekte, sondern mehr um die Untersuchung dieser Objekte im eigenen Leben und wie sie miteinander reagieren. Die Ku¿nstlerin und Autorin Dora Budor (geb. 1984 in Zagreb; lebt und arbeitet in New York) steuert diesem Band einen Essay bei, indem sie die Arbeit Serpas entlang der Prozesshaftigkeit von Akkumulation, Obsoleszenz und Verschrottung betrachtet und entlang historischer Vorläufer wie den Readymades, Scatter Pieces (Streustu¿cke) und Combines (Kombinierte Malerei) einordnet.KONTEXT, eine Reihe des DISTANZ Verlags, bringt Künstler*innen und Autor*innen zusammen. Mit neuen Texten, der Wiederveröffentlichung von Essays oder experimentelleren Gattungen betrachtet und kommentiert die Publikationsreihe aktuelle Themen unserer Gesellschaft im Dialog von Text und zeitgenössischer Kunst.

TulipsIn Tulips, artist duo Hannah Quinlan & Rosie Hastings, alongside scholar Christina B. Hanhardt, map a terrain where they explore gestures of authority and obedience in the public space within the urban context of austerity, gentrification and policing.The work of Hannah Quinlan & Rosie Hastings (b. 1991 in Newcastle and 1991 in London, live and working in London) deals with the socio-cultural and political structures that reinforce conservatism and discriminatory practices within and around the LGBTQIA+ community. In their works the artist duo explores how the queer community's "safe spaces" have been displaced by political strategies and how a history of femininity and the colonized body in the transition to capitalism is shaped by rationalization of social reproduction and ownership of the self.Christina B. Hanhardt (lives and works in New York) is Associate Professor in the Department of American Studies. Her research focuses on the historical and contemporary study of U.S. social movements and cities since the mid-20th century, with an emphasis on the politics of stigma, punishment, and uneven development. TulipsIn Tulips kartografieren das Künstlerinnenduo Hannah Quinlan & Rosie Hastings gemeinsam mit Christina B. Hanhardt ein Terrain, auf dem sie sich mit Gesten von Autorität und Gehorsam im öffentlichen Raum im Kontext von Sparmaßnahmen, Gentrifizierung und Polizeiarbeit auseinandersetzen.Hannah Quinlan & Rosie Hastings (geb. 1991 in Newcastle und 1991 in London, leben und arbeiten ebd.) befassen sich in ihrer Arbeit mit den soziokulturellen und politischen Strukturen, die den Konservatismus und diskriminierende Praktiken innerhalb und im Umfeld der LGBTQIA+-Gemeinschaft verstärken. In ihren Arbeiten untersucht das Künstlerinnenduo, wie die "sicheren Räume" der Queer-Community durch politische Strategien nach und nach verdrängt werden und wie die Geschichte der Weiblichkeit und des kolonisierten Körpers im Übergang zum Kapitalismus durch die Rationalisierung der sozialen Reproduktion und des Eigentums am Selbst geprägt ist.Christina B. Hanhardt (lebt und arbeitet in New York) ist Professorin für Amerikastudien. In ihrer Forschung konzentriert sie sich auf die historische und zeitgenössische Untersuchung sozialer Bewegungen und Stadtentwicklung in den USA seit Mitte des 20. Jahrhunderts, mit dem Schwerpunkt auf Politiken der Stigmatisierung, Bestrafung und gesellschaftlicher Unterdrückung.