Bücher veröffentlicht von Hatje Cantz Verlag GmbH

Das Rheinland war das ideale Umfeld, in dem sich das Werk von Gerhard Richter seit seiner Übersiedlung aus Dresden im Jahr 1961 entfalten konnte. Hier traf er auf Gleichgesinnte wie Sigmar Polke und Konrad Lueg, auf Vorbilder und Reizfiguren wie Joseph Beuys und schließlich auch auf eine so neugierige wie umtriebige Sammler*innenschaft, die sich im Umfeld der jungen Galerien in Düsseldorf und Köln gebildet hatte.Im großformatigen Prachtband ermöglichen rund 100 Arbeiten aus 40 privaten Sammlungen einen Einblick in sämtliche Werkgruppen des Künstlers von den frühen Gemälden nach fotografischen Vorlagen bis hin zu den späteren abstrakten Bildern, mit denen Gerhard Richter sein malerisches OEuvre 2017 abgeschlossen hat. Mit Essays von Dietmar Elger, Markus Heinzelmann und Heike van den Valentyn.

Call Me Lola is a moving photo essay by the acclaimed Israeli-American lens-based artist and documentarian Loli Kantor. For over twenty years, she combed through the family archives of her Polish-born father, a doctor and political activist. At the center of her work is her mother, Lola, who died in childbirth: a woman who manifests herself principally through images and stories rather than direct memories. The family documents and photographs that retrace the artist's personal history are shown alongside new camera-based works, resulting in a deeply subjective reflection on the most significant upheavals of the twentieth century: war and displacement, love and loss, trauma and grief. LOLI KANTOR (*1952) is an Israeli-American photographer whose work centers on personal and cultural memory. She lives and works in Fort Worth, Texas.

Between 1532 and 1536/37, the Dutch artist Maarten van Heemskerck traveled to Rome. Most of the drawings created there were made by van Heemskerck in a sketchbook that he filled with motifs as he wandered through the city, and whose original binding has been lost. Thanks to state-of-the-art technology, researchers at the Berlin Kupferstichkabinett have now largely reconstructed the original sequence of the book's pages. This forms the basis of the present facsimile. In his fascinating studies, van Heemskerck captured the ancient sculptures, ruins, and Roman cityscapes. His sketches display a refined eye for composition and perspective as well as an extraordinary sensibility of drawing. In the sketchbook, the artist developed a space for individual experimentation, as well as a valuable trove of motifs from which he would draw throughout his life. MAARTEN VAN HEEMSKERCK (1498-1574) was one of the most famous Dutch painters of the sixteenth century. Today he is best known for his magnificent Roman drawings.

Piet Blanckaert, one of Belgium's most important landscape architects, brings more than forty years of experience and a love of gardens to his work. Inspired by the great English landscape architects, his repertoire ranges from the walled gardens of his hometown of Bruges to magically structured landscape ensembles. With an introductory essay on his working methods, this book presents Blanckaert's gardens from the Baltic to the Mediterranean, from the earliest to the most recent, captured in fantastic photographs by Jean-Pierre Gabriel in every season. PIET BLANCKAERT (*1955) is a landscape architect and has run his own independent studio, Piet Blanckaert Landscape Design, in Bruges since 1979. His commissions include private gardens, the design of open spaces around hotels and industrial facilities, as well as sculpture gardens in Belgium, France, Spain, Austria, the Netherlands, the United Kingdom, Switzerland, and Greece.

The artist duo Michael Elmgreen & Ingar Dragset continues to devise new ways of presenting and perceiving art through their subversive and versatile work. The updated and expanded edition of Elmgreen & Dragset: Sculptures is the most comprehensive study to date of the duo's sculptures from the mid-1990s to the present day. Visually designed to reflect the aesthetic and concep-tual working methods developed by the artist duo over the course of their careers, the book features detailed photographic documentation as well as four seminalessays on the artist duo's oeuvre. MICHAEL ELMGREEN (*Denmark) and INGAR DRAGSET (*Norway) have been working together since 1995. Their work explores socio-cultural and political themes such as the challenges of growing up, queer issues, the construction of identity, consumer culture, and the privatization of public space. The artist duo has received numerous prizes, including the Preis der Nationalgalerie in Berlin (2002) and a Special Mention at the Venice Biennale (2009).

This catalogue is an immersive adventure through the what, how and why of a contemporary art exhibition for children and adults alike. It is a journey through the 2023 exhibition Thoughts Play Hide and Seek by Ephra in Berlin. Curated by Rebecca Raue, the catalogue features works by Paula Anke, Ilit Azoulay, Olafur Eliasson, Ethan Hayes-Chute, Jeppe Hein, Claudia Hill, Christian Jankowski, Anne Duk Hee Jordan, Nadia Kaabi-Linke, Ali Kaaf, Wie-yi T. Lauw, Dafna Maimon, Wolfgang Karl May, Ayumi Paul, Ana Prvacki, Karin Sander, Yorgos Sapountzis, Tomás Saraceno, Nadine Schemmann, Vlado Velkov, Ulrich Vogl and Nicole Wendel.

This publication gives a comprehensive overview of the work of Italian artist Alberto Garutti. His innovative oeuvre, consisting primarily of sculptures, installations, and works in public space, explores site-specificity along with its social realities and historical contexts. With the artistic and methodological strategies he has employed since the 1990s, he has revolutionized the vocabulary of public and site-specific art. ALBERTO GARUTTI (1948-2023) has been a key figure on the Italian and European contemporary art scene of the last forty years. Since the early 1990s, Garutti's practice has evolved into a radical manifesto for public art. His works in the urban context-commissioned by cities and institutions around the world-are meant to be open devices for reimaging. As a practitioner of public art and a teacher at the Academy of Brera in Milan and at the IUAV in Venice who has influenced many generations of Italian artists, Alberto Garutti is considered one of the most influential Italian artists of his generation.

The ALBERTINA modern exhibition presents Alfred Kubin's view of the world of evil, the predominant theme of his life and work. The aesthetics of evil prove to be the antithesis of a tranquil idyll for him, one of the most outstanding drawing artists of the twentieth century. Trapped in his fantasies, he finds himself confronted with uncanny dream apparitions and a pronounced fear of the feminine, the night, and fate. This catalogue explores Kubin's graphic cosmos of the ominous, his nightmares and obsessions and the iconography of evil. ALFRED KUBIN (1877-1959) was an important Austrian draughtsman and graphic artist. In 1898, after a traumatic childhood in Zell am See and a series of mental crises, he began his artistic training in Munich. Kubin worked through his nightmares and obsessions in a large number of fantastic drawings.

Frans Hals is one of the most important portrait painters of all time. Like Rembrandt, the famous Dutch Baroque master's striking portraits of the bourgeoisie and social outsiders are distinguished by their extraordinary vividness and accurate depiction. His sketch-like paintings, executed with bold brushstrokes, had a decisive influence on modernist painting. This comprehensive publication coincides with the first major survey exhibition of Hals' oeuvre in more than thirty years. FRANS HALS (1582/84-1666) was born in Antwerp, the son of a cloth merchant. In 1610 he was accepted into the Haarlem Guild of St. Luke. Hals created hundreds of genre paintings, individual, and group portraits and enjoyed great public prestige. Despite his fame during his lifetime, it was not until the nineteenth century that he was enthusiastically rediscovered by the Impressionists and Realists.

Conceived as an archive, the book brings together the experiences of Frequencies, a global participatory project initiated by multimedia artist Oscar Murillo in 2013. Part of the artist's multimedia practice, Frequencies addresses the notion of community through the lens of its making. For over a decade, it has involved members of Murillo's family, studio team and collaborators, visiting schools around the globe, fixing raw canvas onto classroom desks, and inviting the students to freely mark, write and draw on them for a period of approximately six months. Murillo has collected an archive of canvases, which he presented in various interactive exhibitions. OSCAR MURILLO (*1986, La Paila, Colombia) has developed a multi-faceted and ambitious practice that spans painting, collaborative projects, video, sound and installation. He received his MFA from the Royal College of Art in 2012 and was one of four artists to collectively win the prestigious Turner Prize in 2019.

This book is a comprehensive tribute to the Polish-Belgian artist Tapta (Maria Wierusz-Kowalska). Her work transcends traditional artistic boundaries, captivating audiences with her innovative exploration of fluid spaces and dynamic interactions. Her work, an important contribution to twentieth century sculpture, is essentially divided into two major sections: the textile works of the 1960s to 1980s and the subsequent neoprene works of the last years of her life. Her practice moved away from traditional weaving through experimental techniques and evolved into three-dimensional works-first made of cords, then of neoprene sheets-that interacted with the space and the viewer. TAPTA (*1926-1997) was born in Poland and came to Belgium as a political refugee with her husband, Krzysztof Wierusz-Kowalski, after taking part in the Warsaw Uprising of 1944. She studied weaving at the La Cambre National School of Visual Arts, Brussels, from where she graduated in 1949. Shortly afterwards, the couple moved to the Belgian Congo (now Democratic Republic of the Congo), where they lived from 1950 to 1960. On their return to Belgium in 1960, until her sudden death in 1997, she worked in Brussels as an artist and-from 1976 until 1990-as a professor at La Cambre.

Die Publikation widmet sich Paul Hutchinsons fotografischerArbeit aus den Jahren 2019 bis 2024. Wirsehen Bilder, die auf Fragen von Klasse anspielen,Momente von Fragilität und Rauheit, und eine Stadt,die sich selbst durch Schriftzüge auf Wänden artikuliert. Remnants bezieht sich auf eine Gruppe abstrakterArbeiten, in denen Hutchinson unbeabsichtigte Überresteabbildet, die bei der Entfernung von Graffiti anU-Bahn Wägen entstehen. Der Titel verweist außerdemauf das wachsende Gefühl eines akuten gesellschaftlichenWandels, die zunehmenden sozialen Spannungenund Hutchinsons persönliche Reflexionen, die vondiesenumfassenderen Themen durchdrungen sind. PAUL HUTCHINSON (*1987, Berlin) hinterfragt kritisch die Entwicklung sozialer Prozesse im urbanen Raum. In seiner fotografischen Praxis und in seinen Texten setzt er sich mit innerstädtischer Kultur und Bedingungen sozialer Mobilität auseinander und oszilliert dabei zwischen Dokumentation, Fiktion und Poesie. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, zuletzt in der Kunst-Station Wolfsburg via Städtische Galerie Wolfsburg, während des Europäischen Monats der Fotografie Berlin und im Kunstverein Ulm. Er lebt und arbeitet in Berlin.

Zu sein wie Wasser, ohne Form, fähig sich allen Gegebenheitenanzupassen, ist das Ideal der in Berlin lebendenKünstlerin moki. In ihren Gemälden mäandert sie zwischenzeitlosem Eskapismus und der Konfrontation mitden Themen unserer Zeit. In ihren detailreichen Acrylbildernverschwimmen Fiktion und Realität. Wie eineForscherin erkundet sie die Schattierungen der Farbräumein einem grün-blauen Spektrum und erschafftihren eigenen Kosmos, in dem die Sehnsucht nachSymbiosesichtbar wird.Bereichert durch zahlreiche Texte und ein Interviewvereint Mäander ihre Gemälde der Jahre 2014 bis 2023. MOKI ist bildende Künstlerin und nimmt seit 2004 an internationalen Ausstellungen teil. Der Schwerpunkt ihres Schaffens liegt auf der Malerei. Sie abeitet darüber hinaus mit unterschiedlichen Medien. Für ihre Graphic Novels & Kinderbücher wurde Moki mehrfach ausgezeichnet.

For the Lebanese Pavilion at the 60th Venice Biennale, Mounira Al Solh has been invited to create a bridge between myth and reality. Her installation, A Dance with her Myth , is about the abduction of the Phoenician princess Europa by the god Zeus, who disguised himself as a white bull. The artist reinterprets this ancient myth from a contemporary perspective. The catalogue includes several texts on the significance of the monumental 41-part installation. MOUNIRA AL SOLH (*1978 Beirut, Lebanon) is a multidisciplinary artist, working with painting and drawing, text, embroidery, recorded sound, sculptures, video and performative gestures. Growing up during the Lebanese Civil War in Lebanon, Al Solh's works bear witness to the impact of conflict and displacement in the region. She deals with ongoing social and feminist struggles, while her work can be political and poetically escapist at once. She lives and works between Lebanon and the Netherlands.

Der international bekannte Fotograf Michael Wesely fängt in seinen Fotografien Zeit und Leben ein. In Doubleday erforscht er die archäologische Dimension der Fotografie, indem er seine eigenen Aufnahmen passgenau über historische Ansichten von Berliner Bauten des 19. und 20. Jahrhunderts legt. Er schafft einen Zeitsprung von der Vergangenheit in die Gegenwart: Flaneure des 19. Jahrhunderts treffen am Alexanderplatz auf Reisende von heute, unter Rekonstruktionen werden Ruinen sichtbar und an die Stelle des Schlosses Monbijou tritt - fast wie durch Zauberhand - ein Park. MICHAEL WESELY (*1963) ist gefeierter Meister der Langzeitbelichtung. Sein präziser, dem jeweiligen Gegenstand entsprechender Einsatz dieser fotografischen Technik machte ihn weltbekannt. Seine einzigartige Ästhetik ist in zahlreichen internationalen Ausstellungen und Sammlungen vertreten. Er lebt und arbeitet in Berlin.

In der Arbeit des Künstlers Titus Schade geht es um Malerei und um ihre visuelle Räumlichkeit. In seinen an Kulissen erinnernden Umgebungen entwickelt er Orte, die mal wie ein Modell, mal wie eine Theaterbühne wirken. So erfindet Schade in seinen Bildern eine Reihe verschiedener Architekturen und Ausstattungsstücke, die den Betrachter in private Räume führen. Dabei versucht er nicht, die Wirklichkeit abzubilden. Vielmehr arbeitet er mit Ersatzelementen, die er in einer in sich geschlossenen Umgebung anordnet. Seine Formen und die meist architektonischen Raumstrukturen werden auf geradezu barocke Art beleuchtet. Klassische Landschaften begegnen geometrischen Formen, deren Zeitlosigkeit eine universelle Lesart erlaubt. TITUS SCHADE (*1984, Leipzig), einer der bedeutendsten Künstler der jungen deutschen Malerei, war Schüler der Leipziger Akademie der Bildenden Künste, unter anderem bei Neo Rauch. Er lebt und arbeitet in Leipzig. Seine Arbeit wurde in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland gezeigt. Titus Schade wird vertreten durch die Galerie EIGEN + ART, Leipzig / Berlin.

Die Kulturpolitik der unmittelbaren Nachkriegszeit ist nach wie vor nicht aufgearbeitet. Dabei war das Jahr 1945 auch in diesem Bereich nicht einfach eine Zäsur, wie oft angenommen wird. Die Beiträge dieses Buches stellen scheinbare Unvermeidlichkeiten in Frage und versuchen disziplinenübergreifend Möglichkeitsräume zu erschließen, die nicht frei von Widersprüchen sind. Einerseits werden Kunst und Kulturpolitik in der Nachkriegszeit in ihrer Verschiedenheit und unabhängig von ihrem späteren Erfolg betrachtet. Andererseits ist damit eine kritische Reflexion der Forschung und Erinnerung daran verbunden, die erst dazu beigetragen hat, bekannte Narrative zu tradieren und überdies erklärt, warum eine umfassende Auseinandersetzung mit den Kontinuitäten und Brüchen im Bereich von Kunst und Kultur noch immer aussteht.MARIA NEUMANN ist Historikerin. Sie ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin am documenta Institut und forscht dort zu den NS-Vergangenheiten der documenta-Akteur*innen. FELIX VOGEL ist Professor für Kunst und Wissen an der Universität Kassel und Mitglied des documenta Instituts. Er forscht u. a. zur Theorie und Geschichte der Ausstellung und zur Conceptual Art.

With the first appointment of the outstanding performance artist Marina Abramovic to the Pina Bausch Professorship at the Folkwang University of the Arts, the focus in the 2023-23 academic year was placed on transdisciplinarity, artistic daring and social awareness.The project supervised by Abramovic, entitled "Free Interdisciplinary Performance Laboratory (FIPL)", was realised in a class put together by her, in which she brought together over 20 students from the fields of music (classical and jazz, instrumental, vocal and composition), dance, design, photography, (physical) theatre and directing. The students developed individual or collective concepts for performances and learnt how to develop a long-term performative work form in an experience-based process. In a workshop entitled "Cleaning the House", which was organised according to a method developed by Marina Abramovicmethod developed by Marina Abramovic, the students developed a sense of the presence required in performances, including the exploration of their individual physical and mental limits. The outstanding performance artist Marina Abramovic was the first holder of the new Pina Bausch Professorship at the Folkwang University of the Arts in Essen in 2022/23. She focused on transdisciplinarity, artistic daring and social awareness. In her Free Interdisciplinary Performance Laboratory (FIPL), Abramovic brought together over twenty students from the fields of music, dance, design, photography, (physical) theater and directing. Over two semesters, they realized artistic-performative projects that dealt with agency, resilience and body awareness and explored physical and mental boundaries.

Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs zog sich die Dada-Künstlerin Hannah Höch (1889-1978) in ein abgelegenes Haus am Rande Berlins zurück, um der Verfolgung wegen ihrer radikalen Collagearbeit und ihrer unermüdlichen Opposition gegen den Faschismus zu entgehen. In den folgenden Jahrzehnten wurde der umliegende Garten zu ihrer künstlerischen Muse, aber auch zu einem Mittel zum Überleben: Obst und Gemüse dienten als Nahrungsquellen, der Boden als Versteck für ihre einzigartige Sammlung von Dada-Kunstwerken. Achtzig Jahre später stellt dieses reich illustrierte und gründlich recherchierte Buch Höchs Garten aus der Perspektive einer Künstlerin neu vor. Es vereint Höchs botanische Collagen und Gartenfotografien mit Archivausschnitten, die ihre queere Geschichte mit Til Brugman erforschen; neue Kunstwerke der Künstler*innen Scott Roben und Johanna Tiedtke, die auf Besuchen in Höchs Garten basieren; und einem Essay der Schriftstellerin Alhena Katsof. Zusammen verweben diese Elemente Vergangenheit und Gegenwart, Privates und Öffentliches, Persönliches und Politisches und eröffnen neue Blicke auf Höchs üppiges Refugium. SCOTT ROBEN ist Künstler und Schriftsteller und lebt in Berlin. Er erhielt einen A.B. in Visual and Environmental Studies von der Harvard University und einen M.F.A. von der Milton Avery Graduate School of the Arts am Bard College. Seine Texte erschienen in Frieze, Art in America und Texte zur Kunst. JOHANNA TIEDTKE ist eine bildende Künstlerin und lebt in Berlin. Sie studierte an der Hochschule für bildende Künste Hamburg und an der Milton Avery Graduate School of the Arts am Bard College. Ihre Arbeiten wurden unter anderem in der Villa Romana Florenz, dem Austrian Cultural Center New York und dem Museum Marta Herford ausgestellt. Sie erhielt Stipendien vom DAAD und dem Kunstfonds Bonn.

Der unabhängige Fotojournalismus und die Dokumentarfotografiesind für eine demokratische Gesellschaft einunabdingbares Instrument der politischen Bildung undein wesentlicher Bestandteil der öffentlichen Meinungsbildung- gerade in unseren oft so bezeichneten »postfaktischen« Zeiten. Gar nicht hoch genug kann der Einsatzder internationalen Reporter und Reporterinnen gewertetwerden, die für uns alle von den Krisenherden der Weltberichten.In Anerkennung dieses Umstandes verleiht seit über sechsJahrzehnten die unabhängige Nonprofit-OrganisationWorld Press Photo Foundation mit Sitz in Amsterdam denWorld Press Photo Award für das beste Bild, die beste Story,die beste Langzeitreportage des Jahres. Die preisgekröntenBilder der verschiedenen Kategorien erzählen mutigeGeschichten und vermitteln unschätzbare Einsichten inden Zustand unserer Welt.Das Gewinner-Fotos werden parallel zum Booklaunchbekannt gegeben und in einer Wanderausstellung präsentiert.Es ist und bleibt also äußerst spannend, welcheArbeiten aus tausenden Einreichungen ausgewählt werden- und natürlich dann auch: welches Foto die aktuelleCover-Illustration sein wird!

Independent photojournalism and documentary photographyare indispensable tools of political educationfor a democratic society and an essential part of shapingpublic opinion-especially in our so-called 'post-factual'times. In recognition of this, the independent non-profitorganization World Press Photo Foundation, based inAmsterdam, has been presenting the World Press PhotoAward for the best photo, the best story, the best longtermproject of the year for more than six decades. Thewinning images in the various categories tell bold storiesand provide invaluable insights into the state of our world.The winning photo will be announced alongside the booklaunch and presented in a traveling exhibition. The excitementcontinues as we wait to see which images will bechosen from thousands of submissions-and, of course,which photo will become the cover illustration!

In ihrem ersten Buch Wie eine Ausstellung gemacht wird, haben Doro Globus und Rose Blake die Kinder mit ins Museum genommen - mit Wie Kunst gemacht wird stellen sie die Künstlerinnen und Künstler selbst vor.Dieser unterhaltsame Rundgang durch die Ateliers zeigt kleinen Leserinnen und Lesern die unzähligen Möglichkeiten, Kunst zu machen. Wir besuchen ein Keramikstudio, eine Dunkelkammer und eine Holzwerkstatt, lernen Graffiti-Künstler, Videokünstlerinnen, Maler, Bildhauerinnen, Glasbläser und viele mehr kennen! Was inspiriert sie? Und woher kommt der Wunsch, ihre Arbeit mit der Welt zu teilen? Dieses Buch macht große Lust selbst kreativ zu werden und zeigt auf wunderbar zugängliche Weise, wieviel Spaß es macht, selbst Kunst zu machen.DORO GLOBUS hat sich mit versiertem Blick und langjähriger Erfahrung einen Namen als Verlegerin und Herausgeberin von Kunstbüchern gemacht. Als Autorin schreibt sie Texte zur Kunstgeschichte. Sie leitet den Verlag Zwirner Books von London aus. ROSE BLAKE ist eine vielfach ausgezeichnete Künstlerin und Illustratorin. Ihre Kinderbücher entstehen in Kooperation mit namhaften Institutionen wie der Tate Modern und Künstlern wie David Hockney.

Seit den 1960er-Jahren beschäftigen sich weltweitKünstlerinnen wie Margaret Raspé, Gabriele Voss,Tomaso Binga, Anna Daucíková, Hackney Flashers,Mako Idemitsu, Ana Victoria Jiménez, Mary Sibandeund JinranHa kritisch mit Care-Arbeit. Sie thematisierendie körperlichen Strapazen der täglichen Arbeit, dekonstruierendie Mythen, die sich um die »Arbeit aus Liebe«ranken, führen die Bedingungen vor, die Care-Arbeiterinnen strukturell marginalisieren und machen dieMechanismen sichtbar, unter denen das Kochen, Putzenund Sorgen bis heute abgewertet wird.Der zweisprachige Katalog ist die erste umfassendeÜberblickspublikation zu Care-Arbeit in der bildendenKunst. FRIEDERIKE SIGLER ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin am Kunstgeschichtlichen Institut der Ruhr-Universität Bochum. LINDA WALTHER ist Direktorin des Josef Albers Museum Quadrat Bottrop.

1999 bringt NTT DOCOMO einen Satz von 176 Emojis für Mobiltelefone und Pager heraus, um die aufkommende Praxis der Textnachrichten zu erleichtern. Geschaffen von Shigetaka Kurita, einem jungen Designer des japanischen Telekommunikationsunternehmens, werden die Piktogramme schnell zur neuen digitalen »Körpersprache« in der zutiefst unpersönlichen, abstrakten Welt der elektronischen Kommunikation. Mit mittlerweile mehr als 2.600 Zeichen sind die Bildzeichen (e = Bild, moji = Zeichen) nicht mehr wegzudenken aus unseren Online-Interaktionen und Teil der langen Geschichte der Kommunikation - von der Erfindung der Schrift über die Einführung des Buchdrucks bis zum dramatisch beschleunigten Agieren im Zeitalter des Smartphones. Paul Galloway, Spezialist für die Sammlung digitalen Designs am New Yorker MoMA, zeigt in diesem Buch, dass die DNA der heutigen Emoji bereits in Kuritas pixeligen Entwürfen enthalten ist und zeichnet ihre Entwicklung bis zu ihrem heutigen Status als globales Phänomen nach.PAUL GALLOWAY ist Sammlungsspezialist für Architektur und Design am Museum of Modern Art in New York. Er schreibt regelmäßig für die Publikationen des MoMA und kuratierte 2022 mit Paola Antonelli Never Alone: Video Games and Other Interactive Design.

WORLDBUILDING: Videospiele und Kunst im digitalen Zeitalter untersucht die Beziehung zwischen Gaming und zeitbasierter Medienkunst. Es ist die erste generationenübergreifende Ausstellung dieser Größenordnung, die einen Überblick vermittelt, wie sich zeitgenössische Künstler*innen weltweit Ästhetiken und Technologien aus dem Videospielbereich für ihre Praxis aneignen. Das Projekt präsentiert Arbeiten von mehr als 50 Künstler*innen, darunter Rebecca Allen, Cory Arcangel, LaTurbo Avedon, Meriem Bennani, Ian Cheng, Harun Farocki, Cao Fei, Porpentine Charity Heartscape, Pierre Huyghe, Rindon Johnson, KAWS, Sondra Perry, Jacolby Satterwhite, Sturtevant und Suzanne Treister. Der Katalog zur Ausstellung ist als zukünftiges Standardwerk konzipiert. Neben Werktexten renommierter Theoretiker*innen, Kurator*innen und Kritiker*innen, vermittelt eine Reihe neu in Auftrag gegebener Beiträge unterschiedliche Perspektiven auf das Verhältnis zwischen Gaming und Medienkunst.

Käthe Kollwitz zählt zu den bedeutendsten Positionen der Klassischen Moderne - und ist doch eine Ausnahmeerscheinung. In ihren Zeichnungen, Lithografien, Radierungen, Holzschnitten und Plastiken fand sie zu einer eigenständigen Bildsprache von großer Unmittelbarkeit undverhandelte existenziell menschliche Fragen von hoher politischer Aktualität. Dennoch oder gerade deshalb wurde Kollwitz in Deutschland für viele Haltungen und Themenvereinnahmt. Der Katalog konzentriert sich auf das zeichnerische und druckgrafische Werk und stellt die Modernität der künstlerischen Haltung in den Vordergrund. Die Auswahl der präsentierten Blätter sowie ein neuer, unverstellter Blick bieten eine frische Perspektive auf die Künstlerin und die ungebrochene Ausdruckskraft ihrer Arbeiten.KÄTHE KOLLWITZ (1867-1945) ist eine der herausragendsten Grafiker*innen des 20. Jahrhunderts. 1898 erlangte sie mit ihrem ersten grafischen Zyklus Ein Weberaufstand große Anerkennung und wurde 1919 als erste Frau zur Professorin an der Berliner Akademie der Künste ernannt. Mit unvergleichlicher drastisch-emotionaler Intensität verdichtet sie in ihrem Werk die existentiellen Erfahrungen des Menschseins.

Mit der Suche nach dem im elterlichen Garten vergrabenen Gorilla beginnt Valérie Favres Reise in die Welt der Imagination, der Fantasien, Alpträume, Erinnerungen und Werke der Kunstgeschichte. Eine Welt, die sie auf ihrem Umweg über Theater und Film lebendig und dann als Malerin, die die Abgründe menschlicher Existenz erkundet, sichtbar werden lässt.Woher kommt die Dringlichkeit dieser gemalten Bilder, was ist ihre Verbindung zur Biografie, zu politischen und künstlerischen Diskursen? In ihrem Gespräch verlieren sich die Malerin Valérie Favre und der Schriftsteller Axel Ruoff im Labyrinth der Fragen über Malerei, dieser einzigartigen Praxis, die in einer vom Digitalen bestimmten, von Klimawandel und Krieg bedrohten Welt zu einem Akt des Widerstands wird.VALÉRIE FAVRE (*1959, Evilard, Schweiz) ist bildende Künstlerin und Professorin für Malerei an der UdK Berlin, ging nach Paris - erst als Schauspielerin, dann um in der zeitgenössischen Kunst mitzumischen. 20 Jahre später mischte sie die Karten neu und lebt seit 1999 in Berlin. Ihr malerisches Werk findet seit den frühen 1990er-Jahren große Beachtung und wird in zahlreichen internationalen Ausstellungen in Museen und Galerien gezeigt.AXEL RUOFF (*1971, München) studierte Literaturwissenschaft, Philosophie und Kunstgeschichte in Berlin und Aix-en-Provence. Er schreibt Romane und Essays, dreht Filme und arbeitet als Lektor. 2020 war er als DAAD Writer in Residence in Birmingham. 2021 erschien sein Roman IRRBLOCK. Ruoff lebt in Berlin.

The Romanian-German artist Miron Schmückle is a singular position within contemporary art. Growing up in Romania under Nicolae Ceaüescu, he dreamed of other worlds that seemed forever inaccessible due to the Iron Curtain. From the beginning, Schmückle's uniquely coherent pictorial cosmos has been linked to the idea of primeval forests and jungles, oscillating between hyperrealism and undisguised escapism, precise observation of nature and exuberant imagination. His almost scientific approach belies the fact that his complex creations have not sprung from nature but from imagination. Schmückle's fascinating hybrid creatures intertwine notions of scent and poison, beauty and transience, anatomy and sexuality to create an oeuvre between truth and invention that is both timeless and ostensibly fallen out of time.This monograph comprises works from the past 15 years and gives insights into the artist's concepts and technique through an in-depth interview with art scholar and journalist Simon Elson.MIRON SCHMÜCKLE (*1966 Sibiu, Romania) emigrated toGermany in 1988 and studied from 1991-96 at the MuthesiusUniversity of Fine Arts and Design in Kiel in Renate Anger's classfor experimental painting, and at the HFBK Hamburg in the classfor performance with Marina Abramovic in 1994. He moved intohis first studio in Hamburg in 1997. Since 2008, he has lived andworked in Berlin. He received his doctorate in 2016, with a studyon Joris Hoefnagel's 16th century cabinet miniatures..

Die Ausstellungsreihe Kunst um 1800 prägte Debatten überdie Praxis des Kuratierens sowie die gesellschaftliche Relevanzvon Kunst, die bis heute nachwirken, und revidierteNarrative der europäischen Kunstgeschichte. Realisiert inneun Teilen zwischen 1974-81 an der Hamburger Kunsthalleunter der Regie des damaligen Direktors WernerHofmann stellte der Zyklus auf bahnbrechende Weisedie tiefgreifenden Umwälzungen am Beginn des 19. Jahrhundertsin den Mittelpunkt.Kunst um 1800 war Forschungsprojekt, Ausstellungsexperiment,Feier der Bildkünste und politische Stellungnahme.Im Zuge der Etablierung einer streitbaren Demokratiein den 1970er-Jahre arbeitete die Reihe die Wirkmachtvon Kunstwerken im »Zeitalter der Revolutionen« heraus.Im Zentrum standen Künstler, die mit den Konventionenihrer Zeit brachen: Ossian, Caspar David Friedrich, JohannHeinrich Füssli, William Blake, Johan Tobias Sergel,William Turner, Philipp Otto Runge, John Flaxman undFrancisco Goya.Der Band dokumentiert mit großem Detailreichtumalle Ausstellungen von Kunst um 1800 - ein Prozess inneun Etappen, der in den aktuellen Betrachtungen zurGeschichte der Kunstausstellung fehlt. Zahlreiche Autor*innenaus Kunst- und Kulturgeschichte werfen einen kritischenBlick auf die Zeit nach 1968 und bieten neue Sichtweisenauf dieses Jahrzehnt der Experimente.PETRA LANGE-BERNDT ist Professorin für Moderne und zeitgenössischeKunst am Kunstgeschichtlichen Seminar derUniversität Hamburg.DIETMAR RÜBEL ist Professor für Geschichte und Theorieder Kunst an der Akademie der Bildenden Künste München.Gemeinsam haben sie zahlreiche Ausstellungen kuratiert undBücher publiziert.

Ugo Rondinone's 2022 exhibition the water is a poem unwritten by the air / no. the earth is a poem unwritten by the fire at the Petit Palais in Paris explores the theme of transformation. Ugo Rondinone presents three ensembles of sculptures and a monumental video installation. Earth, sky, air, water and fire are invoked in the fullness of their spiritual dimension. Under the museum's painted ceilings, the first ensemble welcomes visitors in a farandole of suspended bodies painted in a clouded sky camouflage, underlining the ephemeral melding of air and water. A second ensemble is composed of seated sculptures of dancers at rest made from a blend of wax and earth collected from seven continents. The centerpiece artwork titled burn to shine, is a film installation presented in a monumental charred wood cylinder. The artwork depicts bodies coming together throughout movement, with dancers and musicians gathered around a fire in the desert from sunset to sunrise. In echo with John Giorno's poem titled You Got To Burn To Shine. This catalogue is a unique document of the dialogue between Rondinone's works confronted with the museum's architecture and its collections.UGO RONDINONE (*1964, Brunnen, Switzerland) is recognized as one of the major voices of his generation, an artist who composes searing meditations on nature and the human condition while establishing an organic formal vocabulary in sculpture, painting, video, and performance. The New York-based artist borrows from ancient and modern cultural sources; his works exude pathos and humor, going straight to the heart of the most pressing issues of our time.