Bücher veröffentlicht von Hatje Cantz Verlag GmbH

Occasionally, when something seems very familiar you lose sight of what makes it so special: Flemish Masters. From van Eyck to Bruegel sets out to counteract this effect and opens our eyes once again to the revolution that took place in the Low Countries in the 15th and 16th centuries that shaped the course of European art. In 48 lavishly illustrated analyses, Matthias Depoorter explores how painters such as Van Eyck, Van der Weiden, Massys, Bosch, and Bruegel reached unprecedented heights, and are rightfully considered innovators to this day.The defining factor was their perfecting and mastery of the oil painting technique as well as their groundbreaking attention to optical lighting effects. The new technical possibilities offered a different way of looking at the world and ultimately a new way of painting. No less innovative was the level of detail. These painters were thoroughly acquainted with each other's work-this volume shows the fundamental artistic cross-fertilization. A must-read for anyone who wants to fall in love with the old master- pieces anew.MATTHIAS DEPOORTER (*1980) is a writer and an art historian. He was one of the curators of the seminal exhibition Van Eyck: An Optical Revolution at the Museum of Fine Arts in Ghent and coordinated the accompanying scholarly publication.

Das Rheinland war das ideale Umfeld, in dem sich das Werk von Gerhard Richter seit seiner Übersiedlung aus Dresden im Jahr 1961 entfalten konnte. Hier traf er auf Gleichgesinnte wie Sigmar Polke und Konrad Lueg, auf Vorbilder und Reizfiguren wie Joseph Beuys und schließlich auch auf eine so neugierige wie umtriebige Sammler*innenschaft, die sich im Umfeld der jungen Galerien in Düsseldorf und Köln gebildet hatte.Im großformatigen Prachtband ermöglichen rund 100 Arbeiten aus 40 privaten Sammlungen einen Einblick in sämtliche Werkgruppen des Künstlers von den frühen Gemälden nach fotografischen Vorlagen bis hin zu den späteren abstrakten Bildern, mit denen Gerhard Richter sein malerisches OEuvre 2017 abgeschlossen hat. Mit Essays von Dietmar Elger, Markus Heinzelmann und Heike van den Valentyn.

Call Me Lola is a moving photo essay by the acclaimed Israeli-American lens-based artist and documentarian Loli Kantor. For over twenty years, she combed through the family archives of her Polish-born father, a doctor and political activist. At the center of her work is her mother, Lola, who died in childbirth: a woman who manifests herself principally through images and stories rather than direct memories. The family documents and photographs that retrace the artist's personal history are shown alongside new camera-based works, resulting in a deeply subjective reflection on the most significant upheavals of the twentieth century: war and displacement, love and loss, trauma and grief. LOLI KANTOR (*1952) is an Israeli-American photographer whose work centers on personal and cultural memory. She lives and works in Fort Worth, Texas.

Between 1532 and 1536/37, the Dutch artist Maarten van Heemskerck traveled to Rome. Most of the drawings created there were made by van Heemskerck in a sketchbook that he filled with motifs as he wandered through the city, and whose original binding has been lost. Thanks to state-of-the-art technology, researchers at the Berlin Kupferstichkabinett have now largely reconstructed the original sequence of the book's pages. This forms the basis of the present facsimile. In his fascinating studies, van Heemskerck captured the ancient sculptures, ruins, and Roman cityscapes. His sketches display a refined eye for composition and perspective as well as an extraordinary sensibility of drawing. In the sketchbook, the artist developed a space for individual experimentation, as well as a valuable trove of motifs from which he would draw throughout his life. MAARTEN VAN HEEMSKERCK (1498-1574) was one of the most famous Dutch painters of the sixteenth century. Today he is best known for his magnificent Roman drawings.

Caspar David Friedrich gilt heute als der bedeutendste Künstler der deutschen Romantik. Johann Wolfgang von Goethe wiederum war seinerzeit einer der besten Kenner von Friedrichs Werken. Dieser Band widmet sich der bislang kaum beachteten gegenseitigen Anziehungskraft beider Persönlichkeiten und zeigt die zentrale Rolle Weimars für die Kunst um 1800. Erstmals präsentiert er den herausragenden Bestand an Werken Friedrichs aus der Sammlung der Museen der Klassik Stiftung Weimar. Neueste kunsttechnologische Untersuchungen schärfen zudem das Bewusstsein für den kulturellen Wert dieses Bilderschatzes. ANETTE LUDWIG ist Kunsthistorikerin und Direktorin der 21 Museen der Klassik Stiftung Weimar, darunter auch das Goethe-Nationalmuseum. CHRISTOPH ORT ist Kunsthistoriker und bei der Klassik Stiftung Weimar als Kustode für die Graphischen Sammlungen tätig.

Piet Blanckaert, one of Belgium's most important landscape architects, brings more than forty years of experience and a love of gardens to his work. Inspired by the great English landscape architects, his repertoire ranges from the walled gardens of his hometown of Bruges to magically structured landscape ensembles. With an introductory essay on his working methods, this book presents Blanckaert's gardens from the Baltic to the Mediterranean, from the earliest to the most recent, captured in fantastic photographs by Jean-Pierre Gabriel in every season. PIET BLANCKAERT (*1955) is a landscape architect and has run his own independent studio, Piet Blanckaert Landscape Design, in Bruges since 1979. His commissions include private gardens, the design of open spaces around hotels and industrial facilities, as well as sculpture gardens in Belgium, France, Spain, Austria, the Netherlands, the United Kingdom, Switzerland, and Greece.

The artist duo Michael Elmgreen & Ingar Dragset continues to devise new ways of presenting and perceiving art through their subversive and versatile work. The updated and expanded edition of Elmgreen & Dragset: Sculptures is the most comprehensive study to date of the duo's sculptures from the mid-1990s to the present day. Visually designed to reflect the aesthetic and concep-tual working methods developed by the artist duo over the course of their careers, the book features detailed photographic documentation as well as four seminalessays on the artist duo's oeuvre. MICHAEL ELMGREEN (*Denmark) and INGAR DRAGSET (*Norway) have been working together since 1995. Their work explores socio-cultural and political themes such as the challenges of growing up, queer issues, the construction of identity, consumer culture, and the privatization of public space. The artist duo has received numerous prizes, including the Preis der Nationalgalerie in Berlin (2002) and a Special Mention at the Venice Biennale (2009).

This catalogue is an immersive adventure through the what, how and why of a contemporary art exhibition for children and adults alike. It is a journey through the 2023 exhibition Thoughts Play Hide and Seek by Ephra in Berlin. Curated by Rebecca Raue, the catalogue features works by Paula Anke, Ilit Azoulay, Olafur Eliasson, Ethan Hayes-Chute, Jeppe Hein, Claudia Hill, Christian Jankowski, Anne Duk Hee Jordan, Nadia Kaabi-Linke, Ali Kaaf, Wie-yi T. Lauw, Dafna Maimon, Wolfgang Karl May, Ayumi Paul, Ana Prvacki, Karin Sander, Yorgos Sapountzis, Tomás Saraceno, Nadine Schemmann, Vlado Velkov, Ulrich Vogl and Nicole Wendel.

In 1931, the English designer Gerald Summers and his partner Marjorie Butcher opened their business, Makers of Simple Furniture, in London. Until 1940, the company produced hundreds of ingenious plywood designs that helped define the idea of the modern interior in Great Britain. Based on Marjorie Butcher's vivid recollections and a wealth of unpublished material-including photographs, personal correspondence, designs and workshop documents-the book traces the groundbreaking achievements of the furniture company best known for the iconic Bent Plywood Armchair .  The publication was supported in part by the Graham Foundationfor Advanced Studies in the Fine Arts. GERALD SUMMERS (1899-1967) is one of the foremost furniture designers of the twentieth century. Born in Alexandria, Egypt, he worked as an engineer before starting his design career. In 1931, he and his partner, MARJORIE BUTCHER (1909-1996), opened Makers of Simple Furniture in London. They managed the firm for almost ten years, producing hundreds of pieces for the modern home. In 1940, wartime exigencies brought an end to the enterprise. They redirected their energy to Gerald Summers Ltd., a supplier of engineering parts. MARTHA DEESE is an authority on Gerald Summers. She earned a master's degree in decorative art history from Cooper-Hewitt Museum/Parsons School of Design, New York, and worked for three decades as an administrator at The Metropolitan Museum of Art, New York. Her groundbreaking article on Summers and his firm, Makers of Simple Furniture, published in the Journal of Design History in 1992, remains the principal source on the designer.

This publication gives a comprehensive overview of the work of Italian artist Alberto Garutti. His innovative oeuvre, consisting primarily of sculptures, installations, and works in public space, explores site-specificity along with its social realities and historical contexts. With the artistic and methodological strategies he has employed since the 1990s, he has revolutionized the vocabulary of public and site-specific art. ALBERTO GARUTTI (1948-2023) has been a key figure on the Italian and European contemporary art scene of the last forty years. Since the early 1990s, Garutti's practice has evolved into a radical manifesto for public art. His works in the urban context-commissioned by cities and institutions around the world-are meant to be open devices for reimaging. As a practitioner of public art and a teacher at the Academy of Brera in Milan and at the IUAV in Venice who has influenced many generations of Italian artists, Alberto Garutti is considered one of the most influential Italian artists of his generation.

The ALBERTINA modern exhibition presents Alfred Kubin's view of the world of evil, the predominant theme of his life and work. The aesthetics of evil prove to be the antithesis of a tranquil idyll for him, one of the most outstanding drawing artists of the twentieth century. Trapped in his fantasies, he finds himself confronted with uncanny dream apparitions and a pronounced fear of the feminine, the night, and fate. This catalogue explores Kubin's graphic cosmos of the ominous, his nightmares and obsessions and the iconography of evil. ALFRED KUBIN (1877-1959) was an important Austrian draughtsman and graphic artist. In 1898, after a traumatic childhood in Zell am See and a series of mental crises, he began his artistic training in Munich. Kubin worked through his nightmares and obsessions in a large number of fantastic drawings.

Frans Hals is one of the most important portrait painters of all time. Like Rembrandt, the famous Dutch Baroque master's striking portraits of the bourgeoisie and social outsiders are distinguished by their extraordinary vividness and accurate depiction. His sketch-like paintings, executed with bold brushstrokes, had a decisive influence on modernist painting. This comprehensive publication coincides with the first major survey exhibition of Hals' oeuvre in more than thirty years. FRANS HALS (1582/84-1666) was born in Antwerp, the son of a cloth merchant. In 1610 he was accepted into the Haarlem Guild of St. Luke. Hals created hundreds of genre paintings, individual, and group portraits and enjoyed great public prestige. Despite his fame during his lifetime, it was not until the nineteenth century that he was enthusiastically rediscovered by the Impressionists and Realists.

Frans Hals ist einer der bedeutendsten Porträtmaler aller Zeiten. Der neben Rembrandt und Vermeer berühmteste Meister des holländischen Barock schuf eindrucksvolle Darstellungen des Bürgertums wie auch gesellschaftlicher Außenseiter, die sich durch eine ungewöhnliche Lebendigkeit und treffende Charakterisierung auszeichnen. Seine mit kühnem Pinselstrich ausgeführten, skizzenhaft wirkenden Gemälde beeinflussten nicht zuletzt maßgeblich die Malerei der Moderne. Die um-fassende Publikation erscheint anlässlich der ersten großen Übersichtsschau zu Hals' Schaffen seit mehr als dreißig Jahren. FRANS HALS (1582/83-1666) wurde als Sohn eines Tuchhändlers in Antwerpen geboren. Möglicherweise ging er bei Karel van Mander in die Lehre. Sicher ist, dass er 1610 in die Haarlemer Lukasgilde aufgenommen wurde. Er schuf Hunderte Einzel- und Gruppenporträts und genoss großes gesellschaftliches Ansehen. Trotz seiner Berühmtheit zu Lebzeiten wurde er erst im 19. Jahrhundert von den Impressionist*innen und Realist*innen begeistert wiederentdeckt.

This catalogue pays tribute to the artist Sven Drühl as a collector and theorist. For more than twenty years, he has been exhibiting his conceptual landscape paintings, neons and bronzes in institutional exhibitions. Now, for the first time, the Hans Erni Museum Lucerne and the Museum Wiesbaden are showing Drühl's collection of nineteenth-century paintings alongside his works: from Eugen Bracht to Janus La Cour and Carl Spitzweg. Another key aspect is Drühl's theoretical work, in which he has made a name for himself, as a guest editor of Kunstforum International and as the author of numerous articles on art history. SVEN DRÜHL (*1968, Nassau) studied art and mathematics. He became internationally known through his compilations of famous landscape paintings. With a PhD in art theory, he is also an author and editor of publications on contemporary art.

Conceived as an archive, the book brings together the experiences of Frequencies, a global participatory project initiated by multimedia artist Oscar Murillo in 2013. Part of the artist's multimedia practice, Frequencies addresses the notion of community through the lens of its making. For over a decade, it has involved members of Murillo's family, studio team and collaborators, visiting schools around the globe, fixing raw canvas onto classroom desks, and inviting the students to freely mark, write and draw on them for a period of approximately six months. Murillo has collected an archive of canvases, which he presented in various interactive exhibitions. OSCAR MURILLO (*1986, La Paila, Colombia) has developed a multi-faceted and ambitious practice that spans painting, collaborative projects, video, sound and installation. He received his MFA from the Royal College of Art in 2012 and was one of four artists to collectively win the prestigious Turner Prize in 2019.

This book is a comprehensive tribute to the Polish-Belgian artist Tapta (Maria Wierusz-Kowalska). Her work transcends traditional artistic boundaries, captivating audiences with her innovative exploration of fluid spaces and dynamic interactions. Her work, an important contribution to twentieth century sculpture, is essentially divided into two major sections: the textile works of the 1960s to 1980s and the subsequent neoprene works of the last years of her life. Her practice moved away from traditional weaving through experimental techniques and evolved into three-dimensional works-first made of cords, then of neoprene sheets-that interacted with the space and the viewer. TAPTA (*1926-1997) was born in Poland and came to Belgium as a political refugee with her husband, Krzysztof Wierusz-Kowalski, after taking part in the Warsaw Uprising of 1944. She studied weaving at the La Cambre National School of Visual Arts, Brussels, from where she graduated in 1949. Shortly afterwards, the couple moved to the Belgian Congo (now Democratic Republic of the Congo), where they lived from 1950 to 1960. On their return to Belgium in 1960, until her sudden death in 1997, she worked in Brussels as an artist and-from 1976 until 1990-as a professor at La Cambre.

Die Publikation widmet sich Paul Hutchinsons fotografischerArbeit aus den Jahren 2019 bis 2024. Wirsehen Bilder, die auf Fragen von Klasse anspielen,Momente von Fragilität und Rauheit, und eine Stadt,die sich selbst durch Schriftzüge auf Wänden artikuliert. Remnants bezieht sich auf eine Gruppe abstrakterArbeiten, in denen Hutchinson unbeabsichtigte Überresteabbildet, die bei der Entfernung von Graffiti anU-Bahn Wägen entstehen. Der Titel verweist außerdemauf das wachsende Gefühl eines akuten gesellschaftlichenWandels, die zunehmenden sozialen Spannungenund Hutchinsons persönliche Reflexionen, die vondiesenumfassenderen Themen durchdrungen sind. PAUL HUTCHINSON (*1987, Berlin) hinterfragt kritisch die Entwicklung sozialer Prozesse im urbanen Raum. In seiner fotografischen Praxis und in seinen Texten setzt er sich mit innerstädtischer Kultur und Bedingungen sozialer Mobilität auseinander und oszilliert dabei zwischen Dokumentation, Fiktion und Poesie. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen gezeigt, zuletzt in der Kunst-Station Wolfsburg via Städtische Galerie Wolfsburg, während des Europäischen Monats der Fotografie Berlin und im Kunstverein Ulm. Er lebt und arbeitet in Berlin.

Zu sein wie Wasser, ohne Form, fähig sich allen Gegebenheitenanzupassen, ist das Ideal der in Berlin lebendenKünstlerin moki. In ihren Gemälden mäandert sie zwischenzeitlosem Eskapismus und der Konfrontation mitden Themen unserer Zeit. In ihren detailreichen Acrylbildernverschwimmen Fiktion und Realität. Wie eineForscherin erkundet sie die Schattierungen der Farbräumein einem grün-blauen Spektrum und erschafftihren eigenen Kosmos, in dem die Sehnsucht nachSymbiosesichtbar wird.Bereichert durch zahlreiche Texte und ein Interviewvereint Mäander ihre Gemälde der Jahre 2014 bis 2023. MOKI ist bildende Künstlerin und nimmt seit 2004 an internationalen Ausstellungen teil. Der Schwerpunkt ihres Schaffens liegt auf der Malerei. Sie abeitet darüber hinaus mit unterschiedlichen Medien. Für ihre Graphic Novels & Kinderbücher wurde Moki mehrfach ausgezeichnet.

For the Lebanese Pavilion at the 60th Venice Biennale, Mounira Al Solh has been invited to create a bridge between myth and reality. Her installation, A Dance with her Myth , is about the abduction of the Phoenician princess Europa by the god Zeus, who disguised himself as a white bull. The artist reinterprets this ancient myth from a contemporary perspective. The catalogue includes several texts on the significance of the monumental 41-part installation. MOUNIRA AL SOLH (*1978 Beirut, Lebanon) is a multidisciplinary artist, working with painting and drawing, text, embroidery, recorded sound, sculptures, video and performative gestures. Growing up during the Lebanese Civil War in Lebanon, Al Solh's works bear witness to the impact of conflict and displacement in the region. She deals with ongoing social and feminist struggles, while her work can be political and poetically escapist at once. She lives and works between Lebanon and the Netherlands.

Der international bekannte Fotograf Michael Wesely fängt in seinen Fotografien Zeit und Leben ein. In Doubleday erforscht er die archäologische Dimension der Fotografie, indem er seine eigenen Aufnahmen passgenau über historische Ansichten von Berliner Bauten des 19. und 20. Jahrhunderts legt. Er schafft einen Zeitsprung von der Vergangenheit in die Gegenwart: Flaneure des 19. Jahrhunderts treffen am Alexanderplatz auf Reisende von heute, unter Rekonstruktionen werden Ruinen sichtbar und an die Stelle des Schlosses Monbijou tritt - fast wie durch Zauberhand - ein Park. MICHAEL WESELY (*1963) ist gefeierter Meister der Langzeitbelichtung. Sein präziser, dem jeweiligen Gegenstand entsprechender Einsatz dieser fotografischen Technik machte ihn weltbekannt. Seine einzigartige Ästhetik ist in zahlreichen internationalen Ausstellungen und Sammlungen vertreten. Er lebt und arbeitet in Berlin.

In der Arbeit des Künstlers Titus Schade geht es um Malerei und um ihre visuelle Räumlichkeit. In seinen an Kulissen erinnernden Umgebungen entwickelt er Orte, die mal wie ein Modell, mal wie eine Theaterbühne wirken. So erfindet Schade in seinen Bildern eine Reihe verschiedener Architekturen und Ausstattungsstücke, die den Betrachter in private Räume führen. Dabei versucht er nicht, die Wirklichkeit abzubilden. Vielmehr arbeitet er mit Ersatzelementen, die er in einer in sich geschlossenen Umgebung anordnet. Seine Formen und die meist architektonischen Raumstrukturen werden auf geradezu barocke Art beleuchtet. Klassische Landschaften begegnen geometrischen Formen, deren Zeitlosigkeit eine universelle Lesart erlaubt. TITUS SCHADE (*1984, Leipzig), einer der bedeutendsten Künstler der jungen deutschen Malerei, war Schüler der Leipziger Akademie der Bildenden Künste, unter anderem bei Neo Rauch. Er lebt und arbeitet in Leipzig. Seine Arbeit wurde in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland gezeigt. Titus Schade wird vertreten durch die Galerie EIGEN + ART, Leipzig / Berlin.

Die Kulturpolitik der unmittelbaren Nachkriegszeit ist nach wie vor nicht aufgearbeitet. Dabei war das Jahr 1945 auch in diesem Bereich nicht einfach eine Zäsur, wie oft angenommen wird. Die Beiträge dieses Buches stellen scheinbare Unvermeidlichkeiten in Frage und versuchen disziplinenübergreifend Möglichkeitsräume zu erschließen, die nicht frei von Widersprüchen sind. Einerseits werden Kunst und Kulturpolitik in der Nachkriegszeit in ihrer Verschiedenheit und unabhängig von ihrem späteren Erfolg betrachtet. Andererseits ist damit eine kritische Reflexion der Forschung und Erinnerung daran verbunden, die erst dazu beigetragen hat, bekannte Narrative zu tradieren und überdies erklärt, warum eine umfassende Auseinandersetzung mit den Kontinuitäten und Brüchen im Bereich von Kunst und Kultur noch immer aussteht.MARIA NEUMANN ist Historikerin. Sie ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin am documenta Institut und forscht dort zu den NS-Vergangenheiten der documenta-Akteur*innen. FELIX VOGEL ist Professor für Kunst und Wissen an der Universität Kassel und Mitglied des documenta Instituts. Er forscht u. a. zur Theorie und Geschichte der Ausstellung und zur Conceptual Art.

With the first appointment of the outstanding performance artist Marina Abramovic to the Pina Bausch Professorship at the Folkwang University of the Arts, the focus in the 2023-23 academic year was placed on transdisciplinarity, artistic daring and social awareness.The project supervised by Abramovic, entitled "Free Interdisciplinary Performance Laboratory (FIPL)", was realised in a class put together by her, in which she brought together over 20 students from the fields of music (classical and jazz, instrumental, vocal and composition), dance, design, photography, (physical) theatre and directing. The students developed individual or collective concepts for performances and learnt how to develop a long-term performative work form in an experience-based process. In a workshop entitled "Cleaning the House", which was organised according to a method developed by Marina Abramovicmethod developed by Marina Abramovic, the students developed a sense of the presence required in performances, including the exploration of their individual physical and mental limits. The outstanding performance artist Marina Abramovic was the first holder of the new Pina Bausch Professorship at the Folkwang University of the Arts in Essen in 2022/23. She focused on transdisciplinarity, artistic daring and social awareness. In her Free Interdisciplinary Performance Laboratory (FIPL), Abramovic brought together over twenty students from the fields of music, dance, design, photography, (physical) theater and directing. Over two semesters, they realized artistic-performative projects that dealt with agency, resilience and body awareness and explored physical and mental boundaries.

Zu Beginn des Zweiten Weltkriegs zog sich die Dada-Künstlerin Hannah Höch (1889-1978) in ein abgelegenes Haus am Rande Berlins zurück, um der Verfolgung wegen ihrer radikalen Collagearbeit und ihrer unermüdlichen Opposition gegen den Faschismus zu entgehen. In den folgenden Jahrzehnten wurde der umliegende Garten zu ihrer künstlerischen Muse, aber auch zu einem Mittel zum Überleben: Obst und Gemüse dienten als Nahrungsquellen, der Boden als Versteck für ihre einzigartige Sammlung von Dada-Kunstwerken. Achtzig Jahre später stellt dieses reich illustrierte und gründlich recherchierte Buch Höchs Garten aus der Perspektive einer Künstlerin neu vor. Es vereint Höchs botanische Collagen und Gartenfotografien mit Archivausschnitten, die ihre queere Geschichte mit Til Brugman erforschen; neue Kunstwerke der Künstler*innen Scott Roben und Johanna Tiedtke, die auf Besuchen in Höchs Garten basieren; und einem Essay der Schriftstellerin Alhena Katsof. Zusammen verweben diese Elemente Vergangenheit und Gegenwart, Privates und Öffentliches, Persönliches und Politisches und eröffnen neue Blicke auf Höchs üppiges Refugium. SCOTT ROBEN ist Künstler und Schriftsteller und lebt in Berlin. Er erhielt einen A.B. in Visual and Environmental Studies von der Harvard University und einen M.F.A. von der Milton Avery Graduate School of the Arts am Bard College. Seine Texte erschienen in Frieze, Art in America und Texte zur Kunst. JOHANNA TIEDTKE ist eine bildende Künstlerin und lebt in Berlin. Sie studierte an der Hochschule für bildende Künste Hamburg und an der Milton Avery Graduate School of the Arts am Bard College. Ihre Arbeiten wurden unter anderem in der Villa Romana Florenz, dem Austrian Cultural Center New York und dem Museum Marta Herford ausgestellt. Sie erhielt Stipendien vom DAAD und dem Kunstfonds Bonn.

Willkommen im Grand Hotel der Gefühle, in dem alle Arten von Gefühlen ein- und ausgehen. Jeder Gast hat seine eigenen Bedürfnisse. Wut zum Beispiel ist sehr laut und braucht viel Platz, um sich Luft zu machen. Ihr ein zu kleines, abgelegenes Zimmer zu geben, ist keine gute Idee. Traurigkeit dagegen spricht mit leiser Stimme und überschwemmt gelegentlich das Badezimmer. Dankbarkeit streift gerne draußen umher; man weiß nie, wann sie kommt und sich an deine Seite setzt.  Manche Gefühle sind pflegeleichte Gäste, angenehm und unterhaltsam, wie Zuversicht, Gemütlichkeit oder Freude, andere sind anspruchsvoll und verlangen viel Aufmerksamkeit, wenn man nicht auf sie eingeht, werden sie kompliziert - aber kein Gefühl wird hier abgewiesen. Die zauberhaften Illustrationen und einfühlsamen Texte regen dazu an, mit Kindern über ihre Gefühle zu sprechen. Wir freuen uns sehr, diese Special Edition mit einem limitierten, signierten Druck anbieten zu können: In dieser zauberhaften Nachtszene mit Vollmond über dem See kommt die Dankbarkeit zu Besuch. Im Grand Hotel der Gefühle gibt es Platz für alle - und für den Druck gibt es Platz überall dort, wo Kinder wohnen! Illustratorin LIDIA BRANKOVIC (*1997, Berlin) machte 2022 ihren Abschluss in visueller Kommunikation an der FH-Potsdam. Inspiriert von ihrer Heimatstadt Berlin entwickelt und zeichnet sie ihre Geschichten mit skurrilem Charme. Das Grand Hotel der Gefühle ist ihr erstes Buch.

Der unabhängige Fotojournalismus und die Dokumentarfotografiesind für eine demokratische Gesellschaft einunabdingbares Instrument der politischen Bildung undein wesentlicher Bestandteil der öffentlichen Meinungsbildung- gerade in unseren oft so bezeichneten »postfaktischen« Zeiten. Gar nicht hoch genug kann der Einsatzder internationalen Reporter und Reporterinnen gewertetwerden, die für uns alle von den Krisenherden der Weltberichten.In Anerkennung dieses Umstandes verleiht seit über sechsJahrzehnten die unabhängige Nonprofit-OrganisationWorld Press Photo Foundation mit Sitz in Amsterdam denWorld Press Photo Award für das beste Bild, die beste Story,die beste Langzeitreportage des Jahres. Die preisgekröntenBilder der verschiedenen Kategorien erzählen mutigeGeschichten und vermitteln unschätzbare Einsichten inden Zustand unserer Welt.Das Gewinner-Fotos werden parallel zum Booklaunchbekannt gegeben und in einer Wanderausstellung präsentiert.Es ist und bleibt also äußerst spannend, welcheArbeiten aus tausenden Einreichungen ausgewählt werden- und natürlich dann auch: welches Foto die aktuelleCover-Illustration sein wird!

In ihrem ersten Buch Wie eine Ausstellung gemacht wird, haben Doro Globus und Rose Blake die Kinder mit ins Museum genommen - mit Wie Kunst gemacht wird stellen sie die Künstlerinnen und Künstler selbst vor.Dieser unterhaltsame Rundgang durch die Ateliers zeigt kleinen Leserinnen und Lesern die unzähligen Möglichkeiten, Kunst zu machen. Wir besuchen ein Keramikstudio, eine Dunkelkammer und eine Holzwerkstatt, lernen Graffiti-Künstler, Videokünstlerinnen, Maler, Bildhauerinnen, Glasbläser und viele mehr kennen! Was inspiriert sie? Und woher kommt der Wunsch, ihre Arbeit mit der Welt zu teilen? Dieses Buch macht große Lust selbst kreativ zu werden und zeigt auf wunderbar zugängliche Weise, wieviel Spaß es macht, selbst Kunst zu machen.DORO GLOBUS hat sich mit versiertem Blick und langjähriger Erfahrung einen Namen als Verlegerin und Herausgeberin von Kunstbüchern gemacht. Als Autorin schreibt sie Texte zur Kunstgeschichte. Sie leitet den Verlag Zwirner Books von London aus. ROSE BLAKE ist eine vielfach ausgezeichnete Künstlerin und Illustratorin. Ihre Kinderbücher entstehen in Kooperation mit namhaften Institutionen wie der Tate Modern und Künstlern wie David Hockney.

Seit den 1960er-Jahren beschäftigen sich weltweitKünstlerinnen wie Margaret Raspé, Gabriele Voss,Tomaso Binga, Anna Daucíková, Hackney Flashers,Mako Idemitsu, Ana Victoria Jiménez, Mary Sibandeund JinranHa kritisch mit Care-Arbeit. Sie thematisierendie körperlichen Strapazen der täglichen Arbeit, dekonstruierendie Mythen, die sich um die »Arbeit aus Liebe«ranken, führen die Bedingungen vor, die Care-Arbeiterinnen strukturell marginalisieren und machen dieMechanismen sichtbar, unter denen das Kochen, Putzenund Sorgen bis heute abgewertet wird.Der zweisprachige Katalog ist die erste umfassendeÜberblickspublikation zu Care-Arbeit in der bildendenKunst. FRIEDERIKE SIGLER ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin am Kunstgeschichtlichen Institut der Ruhr-Universität Bochum. LINDA WALTHER ist Direktorin des Josef Albers Museum Quadrat Bottrop.

1999 bringt NTT DOCOMO einen Satz von 176 Emojis für Mobiltelefone und Pager heraus, um die aufkommende Praxis der Textnachrichten zu erleichtern. Geschaffen von Shigetaka Kurita, einem jungen Designer des japanischen Telekommunikationsunternehmens, werden die Piktogramme schnell zur neuen digitalen »Körpersprache« in der zutiefst unpersönlichen, abstrakten Welt der elektronischen Kommunikation. Mit mittlerweile mehr als 2.600 Zeichen sind die Bildzeichen (e = Bild, moji = Zeichen) nicht mehr wegzudenken aus unseren Online-Interaktionen und Teil der langen Geschichte der Kommunikation - von der Erfindung der Schrift über die Einführung des Buchdrucks bis zum dramatisch beschleunigten Agieren im Zeitalter des Smartphones. Paul Galloway, Spezialist für die Sammlung digitalen Designs am New Yorker MoMA, zeigt in diesem Buch, dass die DNA der heutigen Emoji bereits in Kuritas pixeligen Entwürfen enthalten ist und zeichnet ihre Entwicklung bis zu ihrem heutigen Status als globales Phänomen nach.PAUL GALLOWAY ist Sammlungsspezialist für Architektur und Design am Museum of Modern Art in New York. Er schreibt regelmäßig für die Publikationen des MoMA und kuratierte 2022 mit Paola Antonelli Never Alone: Video Games and Other Interactive Design.

WORLDBUILDING: Videospiele und Kunst im digitalen Zeitalter untersucht die Beziehung zwischen Gaming und zeitbasierter Medienkunst. Es ist die erste generationenübergreifende Ausstellung dieser Größenordnung, die einen Überblick vermittelt, wie sich zeitgenössische Künstler*innen weltweit Ästhetiken und Technologien aus dem Videospielbereich für ihre Praxis aneignen. Das Projekt präsentiert Arbeiten von mehr als 50 Künstler*innen, darunter Rebecca Allen, Cory Arcangel, LaTurbo Avedon, Meriem Bennani, Ian Cheng, Harun Farocki, Cao Fei, Porpentine Charity Heartscape, Pierre Huyghe, Rindon Johnson, KAWS, Sondra Perry, Jacolby Satterwhite, Sturtevant und Suzanne Treister. Der Katalog zur Ausstellung ist als zukünftiges Standardwerk konzipiert. Neben Werktexten renommierter Theoretiker*innen, Kurator*innen und Kritiker*innen, vermittelt eine Reihe neu in Auftrag gegebener Beiträge unterschiedliche Perspektiven auf das Verhältnis zwischen Gaming und Medienkunst.