Bücher veröffentlicht von Hatje Cantz Verlag GmbH

¿ Lebanese Pavilion at the Biennale in Venice¿ Migration, loss, and memory artistically commented¿ One of the currently most interesting artistic positions

Der international bekannte Fotograf Michael Wesely fängt in seinen Fotografien Zeit und Leben ein. In Doubleday erforscht er die archäologische Dimension der Fotografie, indem er seine eigenen Aufnahmen passgenau über historische Ansichten von Berliner Bauten des 19. und 20. Jahrhunderts legt. Er schafft einen Zeitsprung von der Vergangenheit in die Gegenwart: Flaneure des 19. Jahrhunderts treffen am Alexanderplatz auf Reisende von heute, unter Rekonstruktionen werden Ruinen sichtbar und an die Stelle des Schlosses Monbijou tritt - fast wie durch Zauberhand - ein Park. MICHAEL WESELY (*1963) ist gefeierter Meister der Langzeitbelichtung. Sein präziser, dem jeweiligen Gegenstand entsprechender Einsatz dieser fotografischen Technik machte ihn weltbekannt. Seine einzigartige Ästhetik ist in zahlreichen internationalen Ausstellungen und Sammlungen vertreten. Er lebt und arbeitet in Berlin.

In der Arbeit des Künstlers Titus Schade geht es um Malerei und um ihre visuelle Räumlichkeit. In seinen an Kulissen erinnernden Umgebungen entwickelt er Orte, die mal wie ein Modell, mal wie eine Theaterbühne wirken. So erfindet Schade in seinen Bildern eine Reihe verschiedener Architekturen und Ausstattungsstücke, die den Betrachter in private Räume führen. Dabei versucht er nicht, die Wirklichkeit abzubilden. Vielmehr arbeitet er mit Ersatzelementen, die er in einer in sich geschlossenen Umgebung anordnet. Seine Formen und die meist architektonischen Raumstrukturen werden auf geradezu barocke Art beleuchtet. Klassische Landschaften begegnen geometrischen Formen, deren Zeitlosigkeit eine universelle Lesart erlaubt. TITUS SCHADE (*1984, Leipzig), einer der bedeutendsten Künstler der jungen deutschen Malerei, war Schüler der Leipziger Akademie der Bildenden Künste, unter anderem bei Neo Rauch. Er lebt und arbeitet in Leipzig. Seine Arbeit wurde in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in Deutschland gezeigt. Titus Schade wird vertreten durch die Galerie EIGEN + ART, Leipzig / Berlin.

Some of Nick Brandt's subjects are humans, some are animals, but they all are creatures of equal and obvious personhood. The overwhelming sense in the photographer's ongoing global series The Day May Break is that they are all figuring out how to live in a new world.  Both extreme droughts and floods have destroyed people's homes and livelihoods. Victims of habitat destruction and wildlife trafficking, the animals are rescues that can never be released to the wild. People and animals were photographed in the same frame and indeed convey a sense of connectedness through a shared fate. Fog is the unifying visual, symbolic of the natural world rapidly fading from view; and an echo of the smoke from wildfires, intensified by climate change, devastating so much of the planet. But in spite of their loss, these people and animals are survivors, pioneers entering the new phase our world has reached. In The Day May Break they share their powerful stories.   This set includes the volumes The Day May Break, The Day May Break - Chapter Two, and SINK / RISE, The Day May Break, Chapter three. NICK BRANDT (*1964, London) studied painting and film at St.Martin's School of Art, London. In 1992 he moved to California,where he still lives today. Since 2001, he has documented thedestructive impact that humankind is having on the naturalworld and, as a result, on humans themselves. Chapter One ofhis seminal series The Day May Break featured photographstaken in Zimbabwe and Kenya in late 2020. Chapter Two wasshot in Bolivia in 2022. In the third chapter Brandt introducescolor to the series, highlighting the all-encompassing impact ofthe water.

Yoko Ono (*1933) ist eine Künstlerin, deren radikales und innovatives Werk die Kultur und den politischen Aktivismus unserer Zeit nachhaltig geprägt hat. Dieser umfassende und außergewöhnliche Katalog zeichnet die Entwicklung einer Persönlichkeit nach, die mit ihrem visionären Geist Grenzen überschritten und Konventionen infrage gestellt hat. MUSIC OF THE MIND erkundet Yoko Onos Welt, stellt Schlüsselmomente in ihrer Karriere vor und offenbart den tiefgreifenden Einfluss ihrer Kunst auf das kollektive Bewusstsein unserer Zeit. Yoko Ono ist eine Pionierin der frühen konzeptuellen und partizipativen Kunst, des Films und der Performance, eine gefeierte Musikerin und eine beeindruckende Kämpferin für den Weltfrieden. MUSIC OF THE MIND umspannt sieben Jahrzehnte der kraftvollen, multidisziplinären Praxis der Künstlerin von Mitte der 1950er-Jahre bis heute. Die in enger Zusammenarbeit mit Onos Studio konzipierte Ausstellung zeigt mehr als 200 Werke, darunter Anleitungen und Partituren, Installationen, Filme, Musik und Fotografien, und beleuchtet Onos radikalen Ansatz in Bezug auf Sprache, Kunst und Partizipation, der bis in die Gegenwart hineinwirkt. YOKO ONO (*1933, Tokio) lebt und arbeitet in New York. Sie ist eine Pionierin der frühen konzeptuellen und partizipativen Kunst, des Films und der Performance, eine gefeierte Musikerin und eine beeindruckende Kämpferin für den Weltfrieden.

Die Kulturpolitik der unmittelbaren Nachkriegszeit ist nach wie vor nicht aufgearbeitet. Dabei war das Jahr 1945 auch in diesem Bereich nicht einfach eine Zäsur, wie oft angenommen wird. Die Beiträge dieses Buches stellen scheinbare Unvermeidlichkeiten in Frage und versuchen disziplinenübergreifend Möglichkeitsräume zu erschließen, die nicht frei von Widersprüchen sind. Einerseits werden Kunst und Kulturpolitik in der Nachkriegszeit in ihrer Verschiedenheit und unabhängig von ihrem späteren Erfolg betrachtet. Andererseits ist damit eine kritische Reflexion der Forschung und Erinnerung daran verbunden, die erst dazu beigetragen hat, bekannte Narrative zu tradieren und überdies erklärt, warum eine umfassende Auseinandersetzung mit den Kontinuitäten und Brüchen im Bereich von Kunst und Kultur noch immer aussteht.MARIA NEUMANN ist Historikerin. Sie ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin am documenta Institut und forscht dort zu den NS-Vergangenheiten der documenta-Akteur*innen. FELIX VOGEL ist Professor für Kunst und Wissen an der Universität Kassel und Mitglied des documenta Instituts. Er forscht u. a. zur Theorie und Geschichte der Ausstellung und zur Conceptual Art.

Willkommen im Grand Hotel der Gefühle, in dem alle Arten von Gefühlen ein- und ausgehen. Jeder Gast hat seine eigenen Bedürfnisse. Wut zum Beispiel ist sehr laut und braucht viel Platz, um sich Luft zu machen. Ihr ein zu kleines, abgelegenes Zimmer zu geben, ist keine gute Idee. Traurigkeit dagegen spricht mit leiser Stimme und überschwemmt gelegentlich das Badezimmer. Dankbarkeit streift gerne draußen umher; man weiß nie, wann sie kommt und sich an deine Seite setzt.  Manche Gefühle sind pflegeleichte Gäste, angenehm und unterhaltsam, wie Zuversicht, Gemütlichkeit oder Freude, andere sind anspruchsvoll und verlangen viel Aufmerksamkeit, wenn man nicht auf sie eingeht, werden sie kompliziert - aber kein Gefühl wird hier abgewiesen. Die zauberhaften Illustrationen und einfühlsamen Texte regen dazu an, mit Kindern über ihre Gefühle zu sprechen. Wir freuen uns sehr, diese Special Edition mit einem limitierten, signierten Druck anbieten zu können: In dieser zauberhaften Nachtszene mit Vollmond über dem See kommt die Dankbarkeit zu Besuch. Im Grand Hotel der Gefühle gibt es Platz für alle - und für den Druck gibt es Platz überall dort, wo Kinder wohnen! Illustratorin LIDIA BRANKOVIC (*1997, Berlin) machte 2022 ihren Abschluss in visueller Kommunikation an der FH-Potsdam. Inspiriert von ihrer Heimatstadt Berlin entwickelt und zeichnet sie ihre Geschichten mit skurrilem Charme. Das Grand Hotel der Gefühle ist ihr erstes Buch.

Der unabhängige Fotojournalismus und die Dokumentarfotografiesind für eine demokratische Gesellschaft einunabdingbares Instrument der politischen Bildung undein wesentlicher Bestandteil der öffentlichen Meinungsbildung- gerade in unseren oft so bezeichneten »postfaktischen« Zeiten. Gar nicht hoch genug kann der Einsatzder internationalen Reporter und Reporterinnen gewertetwerden, die für uns alle von den Krisenherden der Weltberichten.In Anerkennung dieses Umstandes verleiht seit über sechsJahrzehnten die unabhängige Nonprofit-OrganisationWorld Press Photo Foundation mit Sitz in Amsterdam denWorld Press Photo Award für das beste Bild, die beste Story,die beste Langzeitreportage des Jahres. Die preisgekröntenBilder der verschiedenen Kategorien erzählen mutigeGeschichten und vermitteln unschätzbare Einsichten inden Zustand unserer Welt.Das Gewinner-Fotos werden parallel zum Booklaunchbekannt gegeben und in einer Wanderausstellung präsentiert.Es ist und bleibt also äußerst spannend, welcheArbeiten aus tausenden Einreichungen ausgewählt werden- und natürlich dann auch: welches Foto die aktuelleCover-Illustration sein wird!

Independent photojournalism and documentary photographyare indispensable tools of political educationfor a democratic society and an essential part of shapingpublic opinion-especially in our so-called 'post-factual'times. In recognition of this, the independent non-profitorganization World Press Photo Foundation, based inAmsterdam, has been presenting the World Press PhotoAward for the best photo, the best story, the best longtermproject of the year for more than six decades. Thewinning images in the various categories tell bold storiesand provide invaluable insights into the state of our world.The winning photo will be announced alongside the booklaunch and presented in a traveling exhibition. The excitementcontinues as we wait to see which images will bechosen from thousands of submissions-and, of course,which photo will become the cover illustration!

Independent photojournalism and documentary photographyare indispensable tools of political educationfor a democratic society and an essential part of shapingpublic opinion-especially in our so-called 'post-factual'times. In recognition of this, the independent non-profitorganization World Press Photo Foundation, based inAmsterdam, has been presenting the World Press PhotoAward for the best photo, the best story, the best longtermproject of the year for more than six decades. Thewinning images in the various categories tell bold storiesand provide invaluable insights into the state of our world.The winning photo will be announced alongside the booklaunch and presented in a traveling exhibition. The excitementcontinues as we wait to see which images will bechosen from thousands of submissions-and, of course,which photo will become the cover illustration!

In ihrem ersten Buch Wie eine Ausstellung gemacht wird, haben Doro Globus und Rose Blake die Kinder mit ins Museum genommen - mit Wie Kunst gemacht wird stellen sie die Künstlerinnen und Künstler selbst vor.Dieser unterhaltsame Rundgang durch die Ateliers zeigt kleinen Leserinnen und Lesern die unzähligen Möglichkeiten, Kunst zu machen. Wir besuchen ein Keramikstudio, eine Dunkelkammer und eine Holzwerkstatt, lernen Graffiti-Künstler, Videokünstlerinnen, Maler, Bildhauerinnen, Glasbläser und viele mehr kennen! Was inspiriert sie? Und woher kommt der Wunsch, ihre Arbeit mit der Welt zu teilen? Dieses Buch macht große Lust selbst kreativ zu werden und zeigt auf wunderbar zugängliche Weise, wieviel Spaß es macht, selbst Kunst zu machen.DORO GLOBUS hat sich mit versiertem Blick und langjähriger Erfahrung einen Namen als Verlegerin und Herausgeberin von Kunstbüchern gemacht. Als Autorin schreibt sie Texte zur Kunstgeschichte. Sie leitet den Verlag Zwirner Books von London aus. ROSE BLAKE ist eine vielfach ausgezeichnete Künstlerin und Illustratorin. Ihre Kinderbücher entstehen in Kooperation mit namhaften Institutionen wie der Tate Modern und Künstlern wie David Hockney.

Seit den 1960er-Jahren beschäftigen sich weltweitKünstlerinnen wie Margaret Raspé, Gabriele Voss,Tomaso Binga, Anna Daucíková, Hackney Flashers,Mako Idemitsu, Ana Victoria Jiménez, Mary Sibandeund JinranHa kritisch mit Care-Arbeit. Sie thematisierendie körperlichen Strapazen der täglichen Arbeit, dekonstruierendie Mythen, die sich um die »Arbeit aus Liebe«ranken, führen die Bedingungen vor, die Care-Arbeiterinnen strukturell marginalisieren und machen dieMechanismen sichtbar, unter denen das Kochen, Putzenund Sorgen bis heute abgewertet wird.Der zweisprachige Katalog ist die erste umfassendeÜberblickspublikation zu Care-Arbeit in der bildendenKunst. FRIEDERIKE SIGLER ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin am Kunstgeschichtlichen Institut der Ruhr-Universität Bochum. LINDA WALTHER ist Direktorin des Josef Albers Museum Quadrat Bottrop.

1999 bringt NTT DOCOMO einen Satz von 176 Emojis für Mobiltelefone und Pager heraus, um die aufkommende Praxis der Textnachrichten zu erleichtern. Geschaffen von Shigetaka Kurita, einem jungen Designer des japanischen Telekommunikationsunternehmens, werden die Piktogramme schnell zur neuen digitalen »Körpersprache« in der zutiefst unpersönlichen, abstrakten Welt der elektronischen Kommunikation. Mit mittlerweile mehr als 2.600 Zeichen sind die Bildzeichen (e = Bild, moji = Zeichen) nicht mehr wegzudenken aus unseren Online-Interaktionen und Teil der langen Geschichte der Kommunikation - von der Erfindung der Schrift über die Einführung des Buchdrucks bis zum dramatisch beschleunigten Agieren im Zeitalter des Smartphones. Paul Galloway, Spezialist für die Sammlung digitalen Designs am New Yorker MoMA, zeigt in diesem Buch, dass die DNA der heutigen Emoji bereits in Kuritas pixeligen Entwürfen enthalten ist und zeichnet ihre Entwicklung bis zu ihrem heutigen Status als globales Phänomen nach.PAUL GALLOWAY ist Sammlungsspezialist für Architektur und Design am Museum of Modern Art in New York. Er schreibt regelmäßig für die Publikationen des MoMA und kuratierte 2022 mit Paola Antonelli Never Alone: Video Games and Other Interactive Design.

Käthe Kollwitz zählt zu den bedeutendsten Positionen der Klassischen Moderne - und ist doch eine Ausnahmeerscheinung. In ihren Zeichnungen, Lithografien, Radierungen, Holzschnitten und Plastiken fand sie zu einer eigenständigen Bildsprache von großer Unmittelbarkeit undverhandelte existenziell menschliche Fragen von hoher politischer Aktualität. Dennoch oder gerade deshalb wurde Kollwitz in Deutschland für viele Haltungen und Themenvereinnahmt. Der Katalog konzentriert sich auf das zeichnerische und druckgrafische Werk und stellt die Modernität der künstlerischen Haltung in den Vordergrund. Die Auswahl der präsentierten Blätter sowie ein neuer, unverstellter Blick bieten eine frische Perspektive auf die Künstlerin und die ungebrochene Ausdruckskraft ihrer Arbeiten.KÄTHE KOLLWITZ (1867-1945) ist eine der herausragendsten Grafiker*innen des 20. Jahrhunderts. 1898 erlangte sie mit ihrem ersten grafischen Zyklus Ein Weberaufstand große Anerkennung und wurde 1919 als erste Frau zur Professorin an der Berliner Akademie der Künste ernannt. Mit unvergleichlicher drastisch-emotionaler Intensität verdichtet sie in ihrem Werk die existentiellen Erfahrungen des Menschseins.

Etwa 50.000 Jüdinnen und Juden überlebten denHolocaust im besetzten Polen und der Ukraine, einigevon ihnen in Verstecken. Aus der Not heraus waren siegezwungen, an unwahrscheinlichen und scheinbarungeeigneten Orten wie Baumhöhlen, Schränken, Kellernoder Abwasserkanälen Zuflucht zu suchen und dort Stunden,Tage, manchmal sogar Jahre zu verbringen.Die Architektin, Politikwissenschaftlerin und KünstlerinNatalia Romik, deren Arbeit erstmals in Deutschland vorgestelltwird, hat einige dieser noch heute existierendenOrte erforscht. Ihre Recherchen würdigen die Verstecke alszerbrechliche Architekturen, die von der Kreativität unddem ungebrochenen Willen derjenigen, die mit minimalenMitteln ihr Überleben sichern mussten zeugen.Der interdisziplinäre Katalog schafft einen Zugang zurfragilen physischen Realität dieser Orte und thematisiertdie grundlegende Frage zum Verhältnis von Architektur,Gewalt und einer Erinnerungskultur, die unsichtbare Ortesichtbar macht.Die Politikwissenschaftlerin NATALIA ROMIK (*1983, Warschau)verbindet akademische Forschung mit Methoden der zeitgenössischenKunst und Architektur. In ihren Kunstprojektenbeschäftigt sie sich vor allem mit der jüdischen Erinnerung unddem Gedenken an den Holocaust in Osteuropa. Romik erhieltzahlreiche Stipendien und wurde 2023 mit dem Dan David Preis,einem der höchstdotierten Preise für historische Forschung ausgezeichnet.Derzeit ist sie Postdoktorantin bei der Stiftung zurErinnerung an die Schoah in Paris.

The Romanian-German artist Miron Schmückle is a singular position within contemporary art. Growing up in Romania under Nicolae Ceaüescu, he dreamed of other worlds that seemed forever inaccessible due to the Iron Curtain. From the beginning, Schmückle's uniquely coherent pictorial cosmos has been linked to the idea of primeval forests and jungles, oscillating between hyperrealism and undisguised escapism, precise observation of nature and exuberant imagination. His almost scientific approach belies the fact that his complex creations have not sprung from nature but from imagination. Schmückle's fascinating hybrid creatures intertwine notions of scent and poison, beauty and transience, anatomy and sexuality to create an oeuvre between truth and invention that is both timeless and ostensibly fallen out of time.This monograph comprises works from the past 15 years and gives insights into the artist's concepts and technique through an in-depth interview with art scholar and journalist Simon Elson.MIRON SCHMÜCKLE (*1966 Sibiu, Romania) emigrated toGermany in 1988 and studied from 1991-96 at the MuthesiusUniversity of Fine Arts and Design in Kiel in Renate Anger's classfor experimental painting, and at the HFBK Hamburg in the classfor performance with Marina Abramovic in 1994. He moved intohis first studio in Hamburg in 1997. Since 2008, he has lived andworked in Berlin. He received his doctorate in 2016, with a studyon Joris Hoefnagel's 16th century cabinet miniatures..

Die Ausstellungsreihe Kunst um 1800 prägte Debatten überdie Praxis des Kuratierens sowie die gesellschaftliche Relevanzvon Kunst, die bis heute nachwirken, und revidierteNarrative der europäischen Kunstgeschichte. Realisiert inneun Teilen zwischen 1974-81 an der Hamburger Kunsthalleunter der Regie des damaligen Direktors WernerHofmann stellte der Zyklus auf bahnbrechende Weisedie tiefgreifenden Umwälzungen am Beginn des 19. Jahrhundertsin den Mittelpunkt.Kunst um 1800 war Forschungsprojekt, Ausstellungsexperiment,Feier der Bildkünste und politische Stellungnahme.Im Zuge der Etablierung einer streitbaren Demokratiein den 1970er-Jahre arbeitete die Reihe die Wirkmachtvon Kunstwerken im »Zeitalter der Revolutionen« heraus.Im Zentrum standen Künstler, die mit den Konventionenihrer Zeit brachen: Ossian, Caspar David Friedrich, JohannHeinrich Füssli, William Blake, Johan Tobias Sergel,William Turner, Philipp Otto Runge, John Flaxman undFrancisco Goya.Der Band dokumentiert mit großem Detailreichtumalle Ausstellungen von Kunst um 1800 - ein Prozess inneun Etappen, der in den aktuellen Betrachtungen zurGeschichte der Kunstausstellung fehlt. Zahlreiche Autor*innenaus Kunst- und Kulturgeschichte werfen einen kritischenBlick auf die Zeit nach 1968 und bieten neue Sichtweisenauf dieses Jahrzehnt der Experimente.PETRA LANGE-BERNDT ist Professorin für Moderne und zeitgenössischeKunst am Kunstgeschichtlichen Seminar derUniversität Hamburg.DIETMAR RÜBEL ist Professor für Geschichte und Theorieder Kunst an der Akademie der Bildenden Künste München.Gemeinsam haben sie zahlreiche Ausstellungen kuratiert undBücher publiziert.

Ugo Rondinone's 2022 exhibition the water is a poem unwritten by the air / no. the earth is a poem unwritten by the fire at the Petit Palais in Paris explores the theme of transformation. Ugo Rondinone presents three ensembles of sculptures and a monumental video installation. Earth, sky, air, water and fire are invoked in the fullness of their spiritual dimension. Under the museum's painted ceilings, the first ensemble welcomes visitors in a farandole of suspended bodies painted in a clouded sky camouflage, underlining the ephemeral melding of air and water. A second ensemble is composed of seated sculptures of dancers at rest made from a blend of wax and earth collected from seven continents. The centerpiece artwork titled burn to shine, is a film installation presented in a monumental charred wood cylinder. The artwork depicts bodies coming together throughout movement, with dancers and musicians gathered around a fire in the desert from sunset to sunrise. In echo with John Giorno's poem titled You Got To Burn To Shine. This catalogue is a unique document of the dialogue between Rondinone's works confronted with the museum's architecture and its collections.UGO RONDINONE (*1964, Brunnen, Switzerland) is recognized as one of the major voices of his generation, an artist who composes searing meditations on nature and the human condition while establishing an organic formal vocabulary in sculpture, painting, video, and performance. The New York-based artist borrows from ancient and modern cultural sources; his works exude pathos and humor, going straight to the heart of the most pressing issues of our time.

Den Schweizer Fotografen Guido Baselgia müssteman eigentlich - den Anfängen der Fotografie gemäß- eher einen Lichtbildner nennen, denn er arbeitetausschließlich analog und fertigt meisterhafte,detailreiche Abzüge in austarierter Graustufigkeit an.Thematisch interessiert ihn vor allem die Beschaffenheitder Oberfläche unseres Planeten und ihr Wandel - fündigwird er in peripheren, noch unberührten Landschaftenwie alpinen Hochgebirgen oder etwa dem Polarkreis.Dieses Buch präsentiert zwei seiner Werkgruppen: Dererste Teil zeigt Baselglias Aufnahmen vom ehemaligenGalizien aus dem Jahr 1990, als er unter den erstenReportage-Fotografen im ehemaligen Sperrgebiet derSowjetarmee, der heutigen Westukraine, unterwegs war.Ein Werk mit traurigem Aktualitätsbezug. Der zweite Teilstellt seine jüngsten Farbbilder vor, aufgenommen mit seinerselbst gebauten portablen Camera Obscura. Die verschiedenenWerkgruppen werden im Textteil verknüpftund würdigen die 30-jährige Reisetätigkeit als Fotografund Lichtkünstler mit der Kamera.GUIDO BASELGIA (*1953, Pontresina, Schweiz) fotografiert seit mehr als zwei Jahrzehnten entlang der Rändern der Urnatur. Der Schweizer Fotokünstler hat sich ganz der analogen Fotografie mit all ihren Facetten gewidmet. Er wurde mehrfach ausgezeichnet, davon zeugen auch zahlreiche monografische Buchpublikationen und Ausstellungen im Inland und Ausland. Er lebte heute in Graubünden.

John Sanborn became one of the most prominent protagonistsof the American video art scene in the 1970s and1980s. His work ranges from the beginnings of experimentalvideo art to MTV music videos, interactive art, and digitalmedia art. Consulting with Apple and Adobe, he contributedto shaping the possibilities of new image toolsand was instrumental to the dawning of the digital imagerevolution in California.This monograph brings together a collection of works thatspans over four decades of exploring sound, music, culturalidentity, memory, mythologies, and the human compulsionto tell stories. Essays by video art experts, contributions byhis friends and companions, and a conversation betweenSanborn and acclaimed media artist Dara Birnbaumexplore the tension between mass media and contemporaryart. Sanborn himself traces the unique arc of his careerand talks about a journey that took him from museumsand alternative spaces to television networks, Hollywoodand Silicon Valley before returning to the art world. Fewother artists working with media can claim to have delvedinto so many visual territories.JOHN SANBORN (*1954, Huntington, New York) is a key memberof the second wave of American video artists. His body of workspans the early days of experimental video art in the 1970sthrough the heyday of MTV music/videos and interactive artto the digital media art of today. His work has been exhibitedon television, as video installations, video games, Internetexperiences and in live performances such as God in 3 Persons,a collaboration with The Residents, at MoMA in New York (2020).Sanborn lives and works in Berkeley, California.

Die Kunstgeschichtsschreibung interessiert sich bei derMalerei im Wesentlichen für die Grundthemen Technik,Kunstepochen und Bildgattungen und kann sich dabeibis in das kleinste Detail vertiefen. »Denk nicht, sondernschau!« verfolgt das gegenteilige Anliegen. Hier ist derVerzicht auf kommentierende Texte Programm. Es gehtum den bewussten Akt des Sehens: das Betrachten derKunstwerke ohne Ablenkung, um das Wesentliche - das»Unerklärbare« - im Kunstwerk zu erkennen.Diese Publikation will eines nicht sein: eine umfassendeKunstgeschichte. Vielmehr möchte die durchaus subjektiveAuswahl von 338 Gemälden aus sieben Jahrhunderteneinen ungetrübten Blick auf die chronologischeEntwicklung der westlichen Malerei ermöglichen.Das Schlüsselbild ist auf dem Umschlag abgebildet: Diegroßen Badenden von Paul Cezanne. Hier ist die Landschaftfrei erfunden und die Darstellung erzählt keine Geschichte:Der Weg zum ungegenständlichen Bild unserer Zeit istgeöffnet.WALTER FEILCHENFELDT jr. (*1939, Amsterdam) ist ein SchweizerKunsthändler, Sammler und Kunstforscher. Nach seinemStudium der Volkswirtschaftslehre an der Universität Zürich ginger zunächst nach London zu Sotheby's als Art Expert im BereichImpressionismus und Moderne, bevor er 1966 in die KunsthandlungWalter Feilchenfeldt eintrat, die sein Vater als Nachfolgefirmades Kunstsalons Paul Cassirer in Zürich gegründethatte. Neben seiner Tätigkeit als Kunsthändler machte er sicheinen Namen als Experte von Paul Cezanne und Vincent vanGogh und war Mitherausgeber zahlreicher Publikationen.

Guy Ben Ner macht aus wenig viel, indem er sich selbstund sein privates Umfeld radikal in seine künstlerischePraxis mit einbezieht. Die Wohnung seiner Familie in TelAviv dient dem Videokünstler genauso als Drehort wie dieFilialen einer Möbelkette. In diesen oft grotesken Settingsoffenbart sich der Einfluss von Wirtschaft und Politik aufdie intimsten menschlichen Beziehungen.Dabei ist es die Diskrepanz zwischen improvisierten Drehsituationenund der Stringenz der künstlerischen Konzepte,die sein Werk auszeichnen. Im Gespräch mit dem engenFreund und Künstlerkollegen Christian Jankowski gibt BenNer Einblick in den Entstehungsprozess seiner Werke. Dennwas im Video improvisiert und zufällig wirkt, basiert aufmonatelangen Recherchen und gründet in einem umfangreichenfilmhistorischen Wissen. Entlang von Begriffen wie»Ästhetik«, »Fantasie«, »Familie« oder »Zitat« entwickeltKuratorin Fanni Fetzer ein Alphabet des Widerstands in BenNers OEuvre. Die Publikation will die klare politische Haltungdes Künstlers und seine Strategie, spielerisch Widerstandzu leisten, vermitteln. Der Videokünstler GUY BEN NER (*1969, Ramat Gan, Israel) lebt und arbeitet in Tel Aviv. 2003 schloss er sein Studium der bildenden Kunst an der Columbia Universität in New York City ab. 2005 bespielte er an der Biennale Venedig den israelischen Pavillon und wurde 2022 mit einer umfassenden Retrospektive im Tel Aviv Museum of Art geehrt.

Platforms of Reality is a multi-layered analysis and interpretationof Heaven Baek's work, which explores how individualsand society interact both in reality and on stage.It ranges from the artist's early works to her most recentpractice, in which she questions the reality of video timelines,instant realities, and collective memories. Her wellscriptedperformances are spatial visualizations of theflood of real information that has somehow lost its purposeand meaning.The book is divided into four chapters, each exploring adifferent sense of reality and bringing together her artisticapproaches. The metaphor of the platform can beimagined as stages for her work, where trains depart fromdifferent tracks with different destinations, crossing pathsas they meet continuously. Baek attempts to permeatesocial collectives with her research and artistic methods-from drawing to video to installation.HEAVEN BAEK (*1984, Busan, South Korea) studied Media Arts in Melbourne, and received her Master's degree from the Glasgow School of Art. She uses staged reality to bring her videos and installations to fruition, magnifying mechanisms of society and social interaction. She lives and works in Seoul and Berlin.

Der österreichische Maler Herbert Brandl hat sich mitseinen großformatigen, gestisch expressiven Arbeitenals einen der wichtigsten Vertreter der zeitgenössischenMalerei etabliert. Seine Bilder oszillieren zwischenAbstraktion und Gegenständlichkeit, Beobachtungen derNatur stehen häufig im Mittelpunkt seiner Arbeiten. Seinunbändiger Schaffensprozess und ein kraftvoller und experimentellerUmgang mit Farbe zeichnen sein faszinierendesWerk aus.Die Publikation dokumentiert Herbert Brandls AusstellungSpirit Lead Me in der Wiener Galerie nächst St. StephanRosemarie Schwarzwälder. Ein Interview von Hans UlrichObrist mit dem Künstler und die Beiträge von CathérineHug und Thomas D. Trummer vertiefen die Auseinandersetzungmit Brandls Werk.HERBERT BRANDL (*1959, Graz) zählt zu den bedeutendstenösterreichischen Künstlern der Gegenwart. Von 2004 bis 2019lehrte er als Professor an der Kunstakademie in Düsseldorf.2007 vertrat er Österreich bei der Venedig-Biennale und nahmneben zahlreichen internationalen Ausstellungen 1992 an derDocumenta IX in Kassel und 1989 an der São Paulo Biennale teil.

Christiane Löhr schafft einen einzigartigen skulpturalen und installativen Kosmos mit Materialien aus der Natur. Organische Elemente wie Flugsamen, Pflanzenstängel, Kletten, Baumblüten, Pferde- und Hundehaar nutzt sie als Konstruktionsmaterial für ihr organisch-abstraktes Formenrepertoire. Auf überraschende Weise transformiert sie die vergänglichen Materialien in präzise konstruierte, zarte Skulpturen, mal filigran, mal raumgreifend. Passend zu der groß angelegten Überblicksausstellung lässt sich der Katalog als eine Art Anthologie verstehen: Neben aktuellen Texten von Julia Wallner, Jutta Mattern, Astrid von Asten und Tiziano Scarpa vereint er Essays diverser Autor*innen zum Werk der Künstlerin aus den vergangenen Jahrzehnten. Ergänzt wird er durch In-Situ-Fotos der Skulpturen im lichtdurchfluteten Bau des Arp Museums Bahnhof Rolandseck von Richard Meier.CHRISTIANE LÖHR (*1965, Wiesbaden), die in Köln und in Prato in der Toskana arbeitet, ist eine der wichtigsten Stimmen im aktuellen Diskurs um neue, zeitbezogene Ansätze in der Skulptur. Ihre Werke sind weltweit zu sehen, u.a. war sie Teilnehmerin der von Harald Szeemann kuratierten 49. Biennale di Venezia. Einzelausstellungen wurden ihr in der Panza Collection, Varese, im Kunsthaus Baselland, im Skulpturenpark Waldfrieden, Wuppertal sowie im Haus am Waldsee, Berlin gewidmet.

The pilot issue of DELUS offers a range of diverse insights into landscape and urban questions. It introduces new methods to unpack multiple worlds and narrate manifold stories. The contributions range from unraveling histories of land-body relations through recipes with Luiza Prado de O. Martins, following living fossils and their mythical counterparts with Christina Gruber, working with communities to examine extractive environments with Karin Reisinger, exploring postnatural aesthetics with the Institute for Postnatural Studies, to recording wastelands with Sandra Jasper and developing speculative curricula engaging with overlooked forms of knowledge with Federico Pérez Villoro. As a collection, these contributions address the complex relations between humans, non-humans and their environment across time and space. DELUS is an annual publication that explores emerging themes, topics and methods from landscape and urban studies. Founded in 2022 by the Institute for Landscape and Urban Studies (LUS) at ETH Zurich, it brings academic knowledge to a broader audience and fosters exchange amongst designers, artists, scientists, scholars and students.

Life in its many forms is intertwined in manifold ways. Making the coexistence of different beings and worlds tangible through an exploration of objects, stories and works of art, this book shows that in many regions of the earth, our co-world is experienced as an animated being. Mountains and rivers are not just resources or backdrops to human endeavors, but powerful sources of life; plants and animals are not just food, but companions; ancestors and spirits influence everyday life. Understood in this way, local perspectives and alternative forms of social coexistence provide pathways to shared futures. A great variety of international authors tell stories of interwoven lives that invite us empathically and informed to rethink our relationships with the world.

Otti Berger created fabrics that fundamentally changed the understanding of what textiles could be and do. A core member of the experimental approach to textiles at the Bauhaus, she was also a female entrepreneur in the frenzied time that was the early 1930s in Berlin. Working closely with architects of the New Objectivity movement such as Lilly Reich, Ludwig Hilberseimer and Hans Scharoun, she designed upholstery and wall tapestries, curtains and floor coverings that responded to novel types of use and production methods, and thereby redefined the relationship between aesthetics and function¿with fascinating results. To date Berger's textile work has only been explored in fragments. This book is the first comprehensive study of its complexity and beauty and makes her hitherto unpublished treatise on fabrics and the methodology of textile production accessible. Raum's research offers an entirely new perspective on Berger's oeuvre.OTTI BERGER (1898-1944) was one of the most important textiledesigners of the 20th century. Born in Zmajevac, in the Austro-Hungarian Empire, present-day Croatia, she studied in Zagreband from 1927 at the Bauhaus in Dessau. Leaving her teachingpost at the Bauhaus, she set up her own business in Berlin in1932 to design fabrics for modern interiors, but was banned fromworking due to her Jewish heritage in 1936. Attempts to escapeto England and the USA failed. She was deported from Croatiato Auschwitz and was murdered there in 1944.In cooperation with the Bauhaus Archive Berlin, visual artistand art historian JUDITH RAUM (*1977) has conducted intensiveresearch in European and North American archives to completethe first comprehensive study of Berger's scattered estate.