Bücher veröffentlicht von Hatje Cantz Verlag GmbH

Den Schweizer Fotografen Guido Baselgia müssteman eigentlich - den Anfängen der Fotografie gemäß- eher einen Lichtbildner nennen, denn er arbeitetausschließlich analog und fertigt meisterhafte,detailreiche Abzüge in austarierter Graustufigkeit an.Thematisch interessiert ihn vor allem die Beschaffenheitder Oberfläche unseres Planeten und ihr Wandel - fündigwird er in peripheren, noch unberührten Landschaftenwie alpinen Hochgebirgen oder etwa dem Polarkreis.Dieses Buch präsentiert zwei seiner Werkgruppen: Dererste Teil zeigt Baselglias Aufnahmen vom ehemaligenGalizien aus dem Jahr 1990, als er unter den erstenReportage-Fotografen im ehemaligen Sperrgebiet derSowjetarmee, der heutigen Westukraine, unterwegs war.Ein Werk mit traurigem Aktualitätsbezug. Der zweite Teilstellt seine jüngsten Farbbilder vor, aufgenommen mit seinerselbst gebauten portablen Camera Obscura. Die verschiedenenWerkgruppen werden im Textteil verknüpftund würdigen die 30-jährige Reisetätigkeit als Fotografund Lichtkünstler mit der Kamera.GUIDO BASELGIA (*1953, Pontresina, Schweiz) fotografiert seit mehr als zwei Jahrzehnten entlang der Rändern der Urnatur. Der Schweizer Fotokünstler hat sich ganz der analogen Fotografie mit all ihren Facetten gewidmet. Er wurde mehrfach ausgezeichnet, davon zeugen auch zahlreiche monografische Buchpublikationen und Ausstellungen im Inland und Ausland. Er lebte heute in Graubünden.

Die Kunstgeschichtsschreibung interessiert sich bei derMalerei im Wesentlichen für die Grundthemen Technik,Kunstepochen und Bildgattungen und kann sich dabeibis in das kleinste Detail vertiefen. »Denk nicht, sondernschau!« verfolgt das gegenteilige Anliegen. Hier ist derVerzicht auf kommentierende Texte Programm. Es gehtum den bewussten Akt des Sehens: das Betrachten derKunstwerke ohne Ablenkung, um das Wesentliche - das»Unerklärbare« - im Kunstwerk zu erkennen.Diese Publikation will eines nicht sein: eine umfassendeKunstgeschichte. Vielmehr möchte die durchaus subjektiveAuswahl von 338 Gemälden aus sieben Jahrhunderteneinen ungetrübten Blick auf die chronologischeEntwicklung der westlichen Malerei ermöglichen.Das Schlüsselbild ist auf dem Umschlag abgebildet: Diegroßen Badenden von Paul Cezanne. Hier ist die Landschaftfrei erfunden und die Darstellung erzählt keine Geschichte:Der Weg zum ungegenständlichen Bild unserer Zeit istgeöffnet.WALTER FEILCHENFELDT jr. (*1939, Amsterdam) ist ein SchweizerKunsthändler, Sammler und Kunstforscher. Nach seinemStudium der Volkswirtschaftslehre an der Universität Zürich ginger zunächst nach London zu Sotheby's als Art Expert im BereichImpressionismus und Moderne, bevor er 1966 in die KunsthandlungWalter Feilchenfeldt eintrat, die sein Vater als Nachfolgefirmades Kunstsalons Paul Cassirer in Zürich gegründethatte. Neben seiner Tätigkeit als Kunsthändler machte er sicheinen Namen als Experte von Paul Cezanne und Vincent vanGogh und war Mitherausgeber zahlreicher Publikationen.

Guy Ben Ner macht aus wenig viel, indem er sich selbstund sein privates Umfeld radikal in seine künstlerischePraxis mit einbezieht. Die Wohnung seiner Familie in TelAviv dient dem Videokünstler genauso als Drehort wie dieFilialen einer Möbelkette. In diesen oft grotesken Settingsoffenbart sich der Einfluss von Wirtschaft und Politik aufdie intimsten menschlichen Beziehungen.Dabei ist es die Diskrepanz zwischen improvisierten Drehsituationenund der Stringenz der künstlerischen Konzepte,die sein Werk auszeichnen. Im Gespräch mit dem engenFreund und Künstlerkollegen Christian Jankowski gibt BenNer Einblick in den Entstehungsprozess seiner Werke. Dennwas im Video improvisiert und zufällig wirkt, basiert aufmonatelangen Recherchen und gründet in einem umfangreichenfilmhistorischen Wissen. Entlang von Begriffen wie»Ästhetik«, »Fantasie«, »Familie« oder »Zitat« entwickeltKuratorin Fanni Fetzer ein Alphabet des Widerstands in BenNers OEuvre. Die Publikation will die klare politische Haltungdes Künstlers und seine Strategie, spielerisch Widerstandzu leisten, vermitteln. Der Videokünstler GUY BEN NER (*1969, Ramat Gan, Israel) lebt und arbeitet in Tel Aviv. 2003 schloss er sein Studium der bildenden Kunst an der Columbia Universität in New York City ab. 2005 bespielte er an der Biennale Venedig den israelischen Pavillon und wurde 2022 mit einer umfassenden Retrospektive im Tel Aviv Museum of Art geehrt.

Platforms of Reality is a multi-layered analysis and interpretationof Heaven Baek's work, which explores how individualsand society interact both in reality and on stage.It ranges from the artist's early works to her most recentpractice, in which she questions the reality of video timelines,instant realities, and collective memories. Her wellscriptedperformances are spatial visualizations of theflood of real information that has somehow lost its purposeand meaning.The book is divided into four chapters, each exploring adifferent sense of reality and bringing together her artisticapproaches. The metaphor of the platform can beimagined as stages for her work, where trains depart fromdifferent tracks with different destinations, crossing pathsas they meet continuously. Baek attempts to permeatesocial collectives with her research and artistic methods-from drawing to video to installation.HEAVEN BAEK (*1984, Busan, South Korea) studied Media Arts in Melbourne, and received her Master's degree from the Glasgow School of Art. She uses staged reality to bring her videos and installations to fruition, magnifying mechanisms of society and social interaction. She lives and works in Seoul and Berlin.

Der österreichische Maler Herbert Brandl hat sich mitseinen großformatigen, gestisch expressiven Arbeitenals einen der wichtigsten Vertreter der zeitgenössischenMalerei etabliert. Seine Bilder oszillieren zwischenAbstraktion und Gegenständlichkeit, Beobachtungen derNatur stehen häufig im Mittelpunkt seiner Arbeiten. Seinunbändiger Schaffensprozess und ein kraftvoller und experimentellerUmgang mit Farbe zeichnen sein faszinierendesWerk aus.Die Publikation dokumentiert Herbert Brandls AusstellungSpirit Lead Me in der Wiener Galerie nächst St. StephanRosemarie Schwarzwälder. Ein Interview von Hans UlrichObrist mit dem Künstler und die Beiträge von CathérineHug und Thomas D. Trummer vertiefen die Auseinandersetzungmit Brandls Werk.HERBERT BRANDL (*1959, Graz) zählt zu den bedeutendstenösterreichischen Künstlern der Gegenwart. Von 2004 bis 2019lehrte er als Professor an der Kunstakademie in Düsseldorf.2007 vertrat er Österreich bei der Venedig-Biennale und nahmneben zahlreichen internationalen Ausstellungen 1992 an derDocumenta IX in Kassel und 1989 an der São Paulo Biennale teil.

Christiane Löhr schafft einen einzigartigen skulpturalen und installativen Kosmos mit Materialien aus der Natur. Organische Elemente wie Flugsamen, Pflanzenstängel, Kletten, Baumblüten, Pferde- und Hundehaar nutzt sie als Konstruktionsmaterial für ihr organisch-abstraktes Formenrepertoire. Auf überraschende Weise transformiert sie die vergänglichen Materialien in präzise konstruierte, zarte Skulpturen, mal filigran, mal raumgreifend. Passend zu der groß angelegten Überblicksausstellung lässt sich der Katalog als eine Art Anthologie verstehen: Neben aktuellen Texten von Julia Wallner, Jutta Mattern, Astrid von Asten und Tiziano Scarpa vereint er Essays diverser Autor*innen zum Werk der Künstlerin aus den vergangenen Jahrzehnten. Ergänzt wird er durch In-Situ-Fotos der Skulpturen im lichtdurchfluteten Bau des Arp Museums Bahnhof Rolandseck von Richard Meier.CHRISTIANE LÖHR (*1965, Wiesbaden), die in Köln und in Prato in der Toskana arbeitet, ist eine der wichtigsten Stimmen im aktuellen Diskurs um neue, zeitbezogene Ansätze in der Skulptur. Ihre Werke sind weltweit zu sehen, u.a. war sie Teilnehmerin der von Harald Szeemann kuratierten 49. Biennale di Venezia. Einzelausstellungen wurden ihr in der Panza Collection, Varese, im Kunsthaus Baselland, im Skulpturenpark Waldfrieden, Wuppertal sowie im Haus am Waldsee, Berlin gewidmet.

The pilot issue of DELUS offers a range of diverse insights into landscape and urban questions. It introduces new methods to unpack multiple worlds and narrate manifold stories. The contributions range from unraveling histories of land-body relations through recipes with Luiza Prado de O. Martins, following living fossils and their mythical counterparts with Christina Gruber, working with communities to examine extractive environments with Karin Reisinger, exploring postnatural aesthetics with the Institute for Postnatural Studies, to recording wastelands with Sandra Jasper and developing speculative curricula engaging with overlooked forms of knowledge with Federico Pérez Villoro. As a collection, these contributions address the complex relations between humans, non-humans and their environment across time and space. DELUS is an annual publication that explores emerging themes, topics and methods from landscape and urban studies. Founded in 2022 by the Institute for Landscape and Urban Studies (LUS) at ETH Zurich, it brings academic knowledge to a broader audience and fosters exchange amongst designers, artists, scientists, scholars and students.

Life in its many forms is intertwined in manifold ways. Making the coexistence of different beings and worlds tangible through an exploration of objects, stories and works of art, this book shows that in many regions of the earth, our co-world is experienced as an animated being. Mountains and rivers are not just resources or backdrops to human endeavors, but powerful sources of life; plants and animals are not just food, but companions; ancestors and spirits influence everyday life. Understood in this way, local perspectives and alternative forms of social coexistence provide pathways to shared futures. A great variety of international authors tell stories of interwoven lives that invite us empathically and informed to rethink our relationships with the world.

Leben hat viele Formen und ist vielfältig verflochten. Das Buch macht die Koexistenz verschiedener Wesen und Welten anhand von Dingen, Geschichten und Kunstwerken sichtbar. Es zeigt, dass die Mitwelt in vielen Regionen der Erde lebendig und aktiv erfahren wird: Berge und Flüsse sind nicht nur Ressource oder Kulisse, sondern wirkmächtige Quellen des Lebens; Pflanzen und Tiere sind nicht allein Nahrung, sondern Gefährten; Ahnen und Geistwesen beeinflussen den lebendigen Alltag. So verstanden, vermitteln lokale Perspektiven und alternative Formen des Miteinanders Wege in gemeinsame Zukünfte. Eine Vielfalt internationaler Autor*innen erzählt hier Geschichten von Geflechten des Lebendigen, die empathisch und informiert dazu einladen, unsere Beziehungen zur Mitwelt zu überdenken und neu zu knüpfen.

The Edizioni Conz of the Italian collector, publisher and photographer Francesco Conz-including portfolios, large silkscreen prints on fabrics and objects-are among the finest and most elaborate art editions of the second half of the 20th century. A friend and patron of Viennese Actionism, Fluxus, Concrete Poetry, and Lettrism, he was an obsessive, knowledgeable enthusiast open to all the arts, for whom hospitality, the magic of community, and respect for the arts were more important than any mercantile aspirations. This publication is the first comprehensive catalogue raisonné of the editions published by Conz between 1972 and 2009. Comprising more than 500 editions, it is both a reflection of his passions and a memorial to the art of the avant-gardes. Texts by contemporaries such as Alison Knowles, Dick Higgins, Milan Knizak, Eugen Gomringer, Emmett Williams, Nicholas Zurbrugg, and others complete the richly illustrated catalogue.FRANCESCO CONZ (1935-2010) grew up in a wealthy family ofAustro-Hungarian descent in the Italian Veneto. After cominginto contact with the art scene in Berlin and New York in the early1970s, he traveled to art festivals around the world and invitedartists to the Palazzo Baglioni in Asolo for happenings and per-formances. Since 2016, the Berlin-based Archivio Conz has beenworking to catalogue, research, and restore his extraordinarycollection for the public, which includes more than 4,000 worksand commissioned editions by over 300 international artists, aswell as 30,000 photographs and ephemera.

Wir ist Zukunft. Visionen neuer Gemeinschaften kreist um die Sehnsucht nach einer idealen Gemeinschaft, eines harmonischen Lebens mit der Natur und miteinander. Das Buch blickt in sechs Kapiteln auf 120 Jahre künstlerische Visionen des Zusammenlebens: Ausgehend von der Lebensreformbewegung um 1900, über die visionären Architekturentwürfe von Bruno Taut oder Wenzel Hablik zu Constants Stadtutopie New Babylon, in deren Zentrum der spielerische Mensch stehen sollte; vom Hippie-Modernismus der 1960er-Jahre, über den Afrofuturismus bis zu zeitgenössischen Positionen, die eine Symbiose aller Lebewesen in und mit der Natur anregen. Die vorgestellten Werke sind Ausdruck eines Strebens nach neuen Lebensentwürfen in Gegenwart und Zukunft. Die künstlerische Perspektive wird in der Publikation durch wissenschaftliche und persönliche Beiträge und ein Künstlerinterview erweitert. In seiner nachhaltigen Gestaltung ist der Katalog ebenfalls einem Ideal auf der Spur.

Jeewi Lee is interested in all the traces-the intimate imprints and distinctive markings-that we leave behind and that inhabit the spaces surrounding us. Abstract compositions of rescued stories, worn-out pavements and stripped down wallpapers, cut out floors, grains of sand that have traveled millions of years around the world, coffee stains or burnt wood. These traces, both human and historical, become vessels of stories and memories, inscribed on various materials, bearing witness to the past, present, and future. This publication offers a comprehensive exploration of the manifold tracings of the Berlin-based Korean artist over the past decade. It provides insight into her highly conceptual way of working and unveils previously unseen documentation of her deeply personal process of creation.JEEWI LEE (*1987, Seoul) is a Berlin-based South Korean-German artist. She studied painting at the Berlin University of the Arts and at Hunter College University in New York, graduating in 2014 with a master in fine arts and since 2018 holds an MFA from the postgraduate program Art in Context. Her multidisciplinary practice encompasses site-specific installations and interventions, video and image series that predominantly deal with traces that question our visual perception, while also reflecting their own production process.

The Prix Ars Electronica is the world's longest-running media art competition. With the award-winning works of international artists as a trend barometer, it offers an inspiring, current and forward-looking insight into the interface between art, technology and society. 3,176 projects from 98 countries were submitted to the Prix Ars Electronica 2023. The competition included the new category "New Animation Art," which focuses on forward-looking animations at the interface of new visualization techniques and new forms of communication, as well as the categories "Digital Musics & Sound Art," "Artificial Intelligence & Life Art" and "u19 - create your world.

Exhibition spaces are physical places of knowledge productionand exchange. Their spatial properties play an importantrole in contextualizing information. Virtual stagings ofexhibitions should therefore retain these properties. TheBeyond Matter research project (2019-23) aims to unravelthe intertwining of physical and virtual structures and theirimpact on spatial aspects in art production, curating, andart education, and thus to identify ways to preserve culturalheritage in the digital age.This publication offers a comprehensive overview of thediverse research activities, exhibition and book projects,and symposia that have taken place or emerged in thecourse of the international Beyond Matter project at thevarious partner institutions.

Brenda Draney's work explores the complex nature of intimacy.Referencing her own memories and experiences, theCanadian artist examines the layered meanings embeddedin everyday motifs and situations. The cumulative portraitthat emerges references a collective self that encompassesnot only her own experience but that of past generationsand current community members. However, instead ofsimply reproducing these elements, she is more interestedin addressing how their meanings can shift whenfiltered through individual interpretation. By deliberatelyleaving blank spaces in her paintings, Draney leaves roomfor viewers to place their own narrative within her imaginaryspaces and to connect to the wide range of emotionsthe artist subtly invokes.This richly illustrated catalogue-published in conjunctionwith Draney's solo exhibition organized by The PowerPlant Art Gallery in Toronto-features a selection of existingand newly commissioned works and original contributionsfrom Canadian scholars and writers.BRENDA DRANEY (*1976, Sawridge First Nation, Treaty 8, with a strong connection to Slave Lake, Alberta, Canada) has been featured in various exhibitions. She is based in Edmonton, Alberta.

Als raumgreifende, oft begehbare Kunstwerke laden Environments zu einem aktiven Ausstellungsbesuch ein und ermöglichen an der Schnittstelle von Kunst, Architektur und Design einzigartige, immersive Erfahrungen. Bislang konzentriert sich die Forschung vor allem auf die aus Happenings und der Fluxus-Bewegung hervorgegangenen Arbeiten männlicher, westlicher Künstler. Die Ausstellung In anderen Räumen. Environments von Künstlerinnen 1956-1976 erweitert den Kanon: Mit 11 Künstlerinnen dreier Generationen aus Asien, Europa, Nord- und Südamerika - Judy Chicago, Lygia Clark, Laura Grisi, Aleksandra Kasuba, Lea Lublin, Marta Minujín, Tania Mouraud, Maria Nordman, Nanda Vigo, Faith Wilding und Tsuruko Yamazaki - verdeutlicht sie erstmals die elementare Rolle von Frauen für die Entwicklung dieser Kunstform.Angesichts ihres experimentellen Charakters wurden die meisten Environments direkt nach ihrer Präsentation abgebaut oder zerstört. Die detailgenauen und Repliken, die auf Archivfotos, Bauplänen und Materiallisten basieren, werden hier erstmals in einem Katalog vorgestellt. Die Publikation ist als grundlegendes Referenzwerk zur Geschichtsschreibung von Environments konzipiert und enthält eine Fülle von Materialien, die die Geschichte(n) des Begriffs nachzeichnen sowie Essays führender Wissenschaftler*innen und umfangreiche Bibliografien zu den Künstlerinnen und Environments, die in der Ausstellung gezeigt werden.

Die weithin sichtbare Heilandskirche am Jungfernseeufer bei Sacrow birgt einen bisher ungeborgenen Schatz: In ihrem blauen Fliesenband finden sich zahlreiche Botschaften für die Ewigkeit. Wer notierte hier 1942 »Carpe Diem«? Wer ritze »Wir standen hier so manche Nacht und keiner hat an uns gedacht«? Auf den blau glasierten Fliesen in Blütenform der von Ludwig Persius 1844 erbauten Sacrower Heilandskirche finden sich 150 Jahre deutsche Geschichte kondensiert in kurzen Nachrichten. Verfasst in Deutsch, Englisch oder Russisch, notiert in Sütterlin oder lateinischer Schrift, reichen sie von alltäglichen Kritzeleien bis zu historischen Wegmarken aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs oder des geteilten Deutschlands.Short Messages bietet eine ebenso detaillierte wie charmante Chronik dieser einzigartigen Einschreibungen. Dokumentiert in den Fotografien von Lars Wiedemann, wird der Zauber dieses Ortes durch Texte von Angelika Kaltenbach und Schauspieler Hanns Zischler erzählt.

Clenched, raw and pressingly urgent: Chaïm Soutine's vivid paintings are testimonies to a sense of human vulnerability and an existence on the margins of society. Intensely colored, his meaty impasto portraits are thrown onto the canvas with broad brushstrokes, while his agitated, frenetic landscapes and paintings of slaughtered animals are expressions of an intense hunger for life and, at the same time, a deep alienation in an unsteady world that offers no support. Despite the recognition his work received, Soutine remained an outsider throughout his life, a stranger to the social manners of his adopted home in France. This catalogue focuses on the early masterpieces and series he created between 1919 and 1925: Under the overarching theme of emigration and uprooting, the contributions reveal the traces of Soutine's Jewish origins in his work, illuminating the significance of his motifs from the fringes of society as well as of blood and animal carcasses as metaphors; and show the influences of Soutine's art up to the present day. CHAÏM SOUTINE (1893 - 1943) grew up in a shtetl near Minsk - a youth marked by poverty, religious rigor and social exclusion. In 1913 he arrived in Paris and moved into the artist residence "La Ruche" (the "Beehive"), working alongside artists such as Chagall and Modigliani. Fleeing the Nazis, he died in 1943, but the international attention his work had received since the 1920s continued to have great influence on post-war art, inspiring Abstract Expressionism, new figurative painting as well as contemporary artists.

Wie kann man sich in einen Klang hineinversetzen? Welche Perspektiven öffnen sich durch das Aufeinandertreffen von Raum, Resonanz und Wahrnehmung? Und wie verändern sich dabei die Beteiligten? Der Künstler und Komponist Jan St. Werner, bekannt als Mitglied des Duos Mouse on Mars, entwirft mit Space Synthesis ein radikal neues Verständnis von Klang und Raum. Das Zusammenspiel von beidem wird zur Methode der Erkundung von Architektur und sozialen Zusammenhängen. Space Synthesis ist der Katalog zur ersten Einzelausstellung von Jan St. Werner und zugleich das Dokument einer Praxis, die sich gegen scheinbar feststehendes Wissen wendet und die produktive Kraft von Klang multiperspektivisch untersucht. Zahlreiche Beiträge vertiefen das Verständnis seiner künstlerischen Arbeit.JAN ST. WERNER (*1969, Nürnberg) bezieht sich in seinen Soundarbeiten stets auch auf den Austausch mit der bildenden Kunst. Werner realisierte Klanginterventionen und Ausstellungen im Rahmen der documenta 14 in Athen und Kassel, dem Haus der Kulturen der Welt in Berlin, Lenbachhaus und ebenso auf der 6. Ural Biennale. Werner lehrte an der Nürnberger Akademie der Bildenden Künste, am Massachusetts Institute of Technology (M.I.T.) in Boston und an der New York University Tisch School of the Arts in Berlin.

In this gorgeous book, Brigitte Lustenberger explores the passing of time, memory and the fragility of life. She transforms flowers dried on glass used for photographic slides into delicate photographs. Celebrating the beauty of decay, Lustenberger leads us into a fascinating world of withered flowers. Her images reveal the incredible details of nature's ingenious constructions. The artist manages to combine both the fleetingness of a drawing made with light and the preservation of a photograph. Four essays by renowned curators provide insight into the artist's process-oriented working method, the interweaving of analogue and digital technology in her practice, and contextualize An Apparition of Memory within Western and Japanese photographic and art history.BRIGITTE LUSTENBERGER (*1969, Zurich) studied Photo Theoryand History at Zurich University and Fine Art Photography atParsons The New School of Design in New York. Lustenbergerexplores the essence of the medium of photography and its closeconnection to themes such as decay, memory and death. Sheworks with large and medium format cameras, scanners, iPhones,overhead and slide projectors. Her work has won numerousawards and has been exhibited internationally. She lives in Bern,Switzerland.

Die koloniale Invasion des Königreichs Benin durch britischeTruppen im Februar 1897 markierte das Ende eines dermächtigsten Reiche in der westafrikanischen Geschichte.Eine der Folgen war die Verstreuung von tausenden Kunstwerkenaus Bronze, Elfenbein und Holz, die aus dem königlichenPalast und der Stadt geraubt wurden.In Anbetracht der Restitution der großen deutschen Benin-Sammlungen wird der Benin-Bestand des MARKK in seinerGesamtheit gezeigt. Der Katalog vermittelt neben Informationenzum britischen Kolonialkrieg und zur aktuellenRestitutionsdebatte verschiedene Perspektiven auf dieursprüngliche Bedeutung der Werke, ihre herausragendekünstlerische Qualität und ihren Stellenwert in der afrikanischenKunst- und Kulturgeschichte. Einen besonderenStellenwert legt das Buch auf die Provenienz derHamburger Sammlung und ihre Verflechtungsgeschichtemit den kolonialen Handelsnetzwerken und offenbart diezentrale Rolle der Hafenstadt in der Geschichte der Benin-Sammlungen in Deutschland.

Bis ins frühe 19. Jahrhundert galt die vom Pathos getragene Historienmalerei als höchste Gattung der Kunst. Mit moralischem Anspruch - im Sinne Schillers erzieherisch auf den Geist zu wirken - verdichten die Zeichnungen herausgehobene Momente religiös-mythologischer Stoffe. Menschliches Empfinden und Handeln wird im wahrsten Sinne des Wortes zu einem künstlerischen Bild von Historie. Mit den hier versammelten Blättern vereint die Albertina herausragende Werke, die den Beginn der heute weltweit bedeutendsten Grafiksammlung markieren. Ihr Gründer Herzog Albert von Sachsen-Teschen sammelte am Puls der Zeit: Seinem besonderen Interesse an Zeichnungen, Studien, Skizzen und großformatigen Arbeiten auf Papier folgend, erwarb er die Werke direkt und oft persönlich in den Ateliers von Künstlern und Künstlerinnen wie Jacques-Louis David, Anton Raphael Mengs, Antonio Canova, Angelika Kauffmann, Heinrich Friedrich Füger und Johann Heinrich Füssli oder bei den großen Akademieausstellungen seiner Zeit.

Cycling is not just a form of locomotion. Bike culture is in constant interaction with fashion, music, design, politics and urban planning. Cycling is a way of life and a form of protest. The Easy Rider Road Book shows the wild, subversive side of cycling and the powerful bond it can create between people. It aims to inspire utopian thinking and show where the bike can take us. The pioneers of this new bike culture can be found in subcultures across the globe. In New York and Berlin, bike punks are building both fantastic and sustainable vehicles out of scrap metal and old bike frames. Riding a bike is a form of emancipation: When thousands of teenagers ride through London during BikeStormz, they are expressing their hope for a better future. Similarly, the Chilangos Lowbike Club's Sunday rides through Mexico City are a symbol against violence. The bicycle is a promise of freedom. This book presents the bicycle as a vehicle for communal action that has the potential to change life in the city and, ultimately, the city itself.The MUSUKU, MUSEUM OF SUBCULTURES, is a Berlin-based project of artists and creatives. IT aims to reflect the enormous relevance of subcultures, to give space to their narratives, and to be a place of experimentation, discussion and discourse. The projects are conceived in collaboration with a diverse community as temporary exhibitions in changing venues as well as in the open street.

Seitdem ihr Großvater in das Haus der Musik, ein Altersheim für Musikerinnen und Musiker, eingezogen ist, sind die Dienstage, an denen Renata ihn besucht, alles andere als erholsam. Der Großvater hat sich in eine Sopranistin mit hunderten Perücken verliebt, der Kontrabassist läuft regelmäßig davon, ein streunender Kater versucht, adoptiert zu werden, und dann ist da noch dieser als Batman verkleidete Junge, der behauptet, Musik klinge für ihn nur wie Lärm ...Zu allem Überfluss hat ihr Großvater sie auf eine Mission geschickt: Renata soll sich ein Instrument aussuchen, um wie alle in ihrer Familie Musikerin zu werden. Aber wie entscheidet man sich zwischen Piccoloflöte und Tuba, zwischen Synthesizer und Schlagzeug, zwischen Cello und Ukulele? Und was wäre, wenn die Lösung darin bestünde, überhaupt nicht zu wählen?Zimmer für Zimmer lernen wir die verschiedenen Instrumente, ihre Eigenschaften und Geschichte kennen. Inspiriert von der wahren Geschichte der Casa Verdi in Mailand, einem Zufluchtsort für mittellose Musikerinnen und Musiker im Alter, für den Komponist Giuseppe Verdi 1889 den Grundstein legte, erzählt dieses charmante Buch von den skurrilen Charakteren, die alle eines verbindet: ihre große Liebe zur Musik.MADDALENA VAGLIO TANET (*1985) ist Lyrikerin, Roman- und Kinderbuchautorin. Sie studierte Literatur an der Universität von Pisa und der Columbia University in New York und arbeitet heute neben ihrer schriftstellerischen Tätigkeit als Literaturscout. Ihr Debütroman Tornare dal bosco ist für den Premio Strega und den Premio Flaiano 2023 nominiert und wird derzeit in fünf Sprachen übersetzt, darunter auch ins Deutsche.GIOVANNI COLANERI (*1991) arbeitet als Autor und Illustrator mit Verlagen in Italien und im Ausland zusammen. Er studierte Grafik und Illustration in Florenz und Urbino. Seine Illustrationen und Kinderbücher sind vielfach ausgezeichnet und werden international ausgestellt.

Palmenblätter, Sonnenuntergänge, Wälder - an der Schnittstelle von Installation und Malerei oszillieren Philipp Fürhofers tropische Landschaften in hybriden Leuchtkästen zwischen Licht und Schatten. Fast grafisch tritt das Blattwerk hervor oder verschwinden Details hinter semitransparenten Flächen. Doch die Naturromantik trügt: Unter aufgeplatzten Schichten seiner Malerei offenbart sich die Frage nach der existenziellen, wechselseitigen Beeinflussung von Mensch und Natur, einer kapitalistischen Zivilisation und der stetigen Zerstörung ihres eigenen Lebensraums.Der Katalog erscheint anlässlich einer konzentrierten Einzelausstellung im Frankfurter Städel Museum, in der neueste Werke und eine raumspezifische Arbeit gezeigt werden, die im Dialog mit den architektonischen wie künstlerischen Elementen des Raumes eine mystische Dschungellandschaft entwirft. Ein kuratorischer Essay von Svenja Grosser und ein Gespräch mit der Opernkritikerin Christine Lemke-Matwey kontextualisieren die Arbeiten in Fürhofers Praxis.Künstler und Bühnenbildner PHILIPP FU¿RHOFER (*1982, Augsburg) ist international bekannt für ein Werk, das mit Acrylglas, Spiegeln und Licht hochästhetische und zugleich hintergründige Effekte erzeugt. Seine Arbeiten sind buchstäblich vielschichtig: sie sind gleichzeitig Bild, Skulptur und Lichtobjekt. Fürhofers Spiel mit der mehrdimensionalen Illusion kommt auch in den Bühnenbildern, die er für die Bayreuther Festspiele oder die Opernhäuser von Amsterdam, London und Kopenhagen entwarf, zum Tragen. Er lebt und arbeitet in Berlin.

The Desert Turned to Glass is a place where the cosmic and chthonic collide. Commemorating the centenary of the planetarium as an architectural type, this book collects a new body of work by acclaimed Canadian artist Charles Stankievech. Thematically, the project explores alternative theories concerning the origin of life, consciousness, and art-bridging the cosmological visions of cave art and the modern technology of the planetarium. Richly illustrated, the book pairs images of Stankievech's installations and cinematic works with newly commissioned writings by geologists, exobiologists, philosophers and archeologists. Spanning the abyss of space and the depths of the earth, The Desert Turned to Glass is an epic meditation on origins, endings, and infinity.CHARLES STANKIEVECH (*1978, Canada) is an artist redefining "fieldwork" at the convergence of geopolitics, deep ecologies, and sonic resonances. From the Arctic's northernmost settlement to the depths of the Pacific Ocean, Stankievech's practice uncovers the paradoxes of our existence on the planet by engaging with the imperceptible. He is Associate Professor at the University of Toronto.

Kohlearbeiter*innen, in dem Moment, in dem sie ihre Kündigung erhalten; Gruppenfotos der letzten Schicht, bevor Arbeiter*innen ihr eigenes Werk demontieren; selbstbewusste Blicke in die Kamera von Kohlefrauen bis zur No-Future-Generation der 2000er-Jahre. Von 1982 bis 2006 begleitete die Fotografin Christina Glanz aus nächster Nähe die teils dramatischen Transformationsprozesse in der Niederlausitz.Erstmals zeigen die fotografischen Serien von Christina Glanz - darunter bislang nie gezeigte Aufnahmen - die heute fast vollständig verschwundenen Lauchhammer Kohle- und Brikettfabriken. Begleitet von einer Einführung von Katalin Krasznahorkai, einem Essay von Sonia Voss und von Stimmen aus den Gesprächen, die Christina Glanz mit Kohlefrauen nach der Wende führte, zeichnet diese Publikation eine Kartografie von Selbstermächtigung, Stärke und Widerstand der Akteur*innen in der Zeit des Übergangs in eine neue Welt.CHRISTINA GLANZ (*1946, Eichsfeld, Thüringen) studierte Architektur in Dresden und an der Kunsthochschule Berlin Weißensee. Ab 1973 arbeitete sie im staatlichen Büro für Städtebau in Berlin und war u. a. mit der Planung des Stadtteils Marzahn betraut. 1976 begann sie zu fotografieren und trat 1979 eine Aspirantur in Architektur/Fotografie an der Kunsthochschule Berlin Weißensee an. 1982 wurde sie in den Verband Bildender Künstler der DDR (VBK) aufgenommen und arbeitete seitdem als freischaffende Fotografin.

Der Emscherkunstweg umfasst aktuell 24 Kunstwerke im öffentlichen Raum entlang des Flusses Emscher mitten im Ruhrgebiet. Einst dreckigster Fluss Europas, wurde die Emscher in den letzten Jahrzehnten vom offenen Abwasserkanal zum sauberen Gewässer umgebaut. Zwischen 2010 und 2016 begleiteten drei Emscherkunst-Ausstellungen diesen ökologischen Kraftakt. Die daraus hervorgegangen permanenten Kunstwerke bilden seit 2019 den Ausgangspunkt für die Erweiterung zum Emscherkunstweg. Dieser Band bietet erstmals einen Überblick aller Arbeiten des Emscherkunstwegs, insbesondere der neuen Werke von Julius von Bismarck/Marta Dyachenko, David Jablonowski, Markus Jeschaunig, Sofía Táboas und Nicole Wermers. Darüber hinaus widmet er sich Fragen zur Erhaltung und dem Potenzial von Kunst im öffentlichen Raum ebenso wie ihrem Verhältnis zur Industriekultur. Das Buch ist idealer Reisebegleiter und Nachschlagewerk für die Entdeckung der Kunst auf über 100 Kilometern Radweg.Der Emscherkunstweg ist eine Kooperation zwischen Urbane Künste Ruhr, Emschergenossenschaft und Regionalverband Ruhr (RVR). Das Projekt wurde von 2019 bis 2023 als permanentes Angebot neu konzipiert und erweitert. Der Emscherkunstweg wird gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen.