Bücher veröffentlicht von Hatje Cantz Verlag GmbH

Seit den 1960er-Jahren beschäftigen sich weltweitKünstlerinnen wie Margaret Raspé, Gabriele Voss,Tomaso Binga, Anna Daucíková, Hackney Flashers,Mako Idemitsu, Ana Victoria Jiménez, Mary Sibandeund JinranHa kritisch mit Care-Arbeit. Sie thematisierendie körperlichen Strapazen der täglichen Arbeit, dekonstruierendie Mythen, die sich um die »Arbeit aus Liebe«ranken, führen die Bedingungen vor, die Care-Arbeiterinnen strukturell marginalisieren und machen dieMechanismen sichtbar, unter denen das Kochen, Putzenund Sorgen bis heute abgewertet wird.Der zweisprachige Katalog ist die erste umfassendeÜberblickspublikation zu Care-Arbeit in der bildendenKunst. FRIEDERIKE SIGLER ist Wissenschaftliche Mitarbeiterin am Kunstgeschichtlichen Institut der Ruhr-Universität Bochum. LINDA WALTHER ist Direktorin des Josef Albers Museum Quadrat Bottrop.

Coco und Otto nehmen uns mit auf einen Rundgang, auf dem nichts zu entdecken gibt! Vom mathemathischen Nichts zur geplatzten Seifenblase, vom Knopfloch zum Schwarzen Loch, von der Weiß auf Weißen Komposition von Malevich über Duchamps durchsichtige Pariser Luft bis zur ausradierten De Kooning Zeichnung - das Museum des Nichts ist voller unsichtbarer Attraktionen. Auf dem Weg nach draußen solltet ihr unbedingt im Souvenirladen vorbeischauen und nichts kaufen! Dieses Buch erzählt mit einem Augenzwinkern anhand der kleinen Dinge von den ganz großen Konzepten, von Singularität und Leere - zurück bleibt ein Schmunzeln und sonst nichts.Der international bekannte Illustrator und Designer STEVEN GUARNACCIA (*1953) lebt in New York. Er war Professor für Illustration an der Parsons School of Design und Art Director der Op-Ed Page der New York Times. Seine vielfach ausgezeichneten Illustrationen erschienen in großen internationalen Magazinen und Zeitungen, auf Swatch-Uhren und Grußkarten des New Yorker Museum of Modern Art. Er ist Autor und Illustrator von Büchern über Design und Popkultur sowie Kinderbüchern wie The Three Little Pigs: An Architectural Tale und Cinderella: A Fashionable Tale.

1999 bringt NTT DOCOMO einen Satz von 176 Emojis für Mobiltelefone und Pager heraus, um die aufkommende Praxis der Textnachrichten zu erleichtern. Geschaffen von Shigetaka Kurita, einem jungen Designer des japanischen Telekommunikationsunternehmens, werden die Piktogramme schnell zur neuen digitalen »Körpersprache« in der zutiefst unpersönlichen, abstrakten Welt der elektronischen Kommunikation. Mit mittlerweile mehr als 2.600 Zeichen sind die Bildzeichen (e = Bild, moji = Zeichen) nicht mehr wegzudenken aus unseren Online-Interaktionen und Teil der langen Geschichte der Kommunikation - von der Erfindung der Schrift über die Einführung des Buchdrucks bis zum dramatisch beschleunigten Agieren im Zeitalter des Smartphones. Paul Galloway, Spezialist für die Sammlung digitalen Designs am New Yorker MoMA, zeigt in diesem Buch, dass die DNA der heutigen Emoji bereits in Kuritas pixeligen Entwürfen enthalten ist und zeichnet ihre Entwicklung bis zu ihrem heutigen Status als globales Phänomen nach.PAUL GALLOWAY ist Sammlungsspezialist für Architektur und Design am Museum of Modern Art in New York. Er schreibt regelmäßig für die Publikationen des MoMA und kuratierte 2022 mit Paola Antonelli Never Alone: Video Games and Other Interactive Design.

WORLDBUILDING: Videospiele und Kunst im digitalen Zeitalter untersucht die Beziehung zwischen Gaming und zeitbasierter Medienkunst. Es ist die erste generationenübergreifende Ausstellung dieser Größenordnung, die einen Überblick vermittelt, wie sich zeitgenössische Künstler*innen weltweit Ästhetiken und Technologien aus dem Videospielbereich für ihre Praxis aneignen. Das Projekt präsentiert Arbeiten von mehr als 50 Künstler*innen, darunter Rebecca Allen, Cory Arcangel, LaTurbo Avedon, Meriem Bennani, Ian Cheng, Harun Farocki, Cao Fei, Porpentine Charity Heartscape, Pierre Huyghe, Rindon Johnson, KAWS, Sondra Perry, Jacolby Satterwhite, Sturtevant und Suzanne Treister. Der Katalog zur Ausstellung ist als zukünftiges Standardwerk konzipiert. Neben Werktexten renommierter Theoretiker*innen, Kurator*innen und Kritiker*innen, vermittelt eine Reihe neu in Auftrag gegebener Beiträge unterschiedliche Perspektiven auf das Verhältnis zwischen Gaming und Medienkunst.

Käthe Kollwitz zählt zu den bedeutendsten Positionen der Klassischen Moderne - und ist doch eine Ausnahmeerscheinung. In ihren Zeichnungen, Lithografien, Radierungen, Holzschnitten und Plastiken fand sie zu einer eigenständigen Bildsprache von großer Unmittelbarkeit undverhandelte existenziell menschliche Fragen von hoher politischer Aktualität. Dennoch oder gerade deshalb wurde Kollwitz in Deutschland für viele Haltungen und Themenvereinnahmt. Der Katalog konzentriert sich auf das zeichnerische und druckgrafische Werk und stellt die Modernität der künstlerischen Haltung in den Vordergrund. Die Auswahl der präsentierten Blätter sowie ein neuer, unverstellter Blick bieten eine frische Perspektive auf die Künstlerin und die ungebrochene Ausdruckskraft ihrer Arbeiten.KÄTHE KOLLWITZ (1867-1945) ist eine der herausragendsten Grafiker*innen des 20. Jahrhunderts. 1898 erlangte sie mit ihrem ersten grafischen Zyklus Ein Weberaufstand große Anerkennung und wurde 1919 als erste Frau zur Professorin an der Berliner Akademie der Künste ernannt. Mit unvergleichlicher drastisch-emotionaler Intensität verdichtet sie in ihrem Werk die existentiellen Erfahrungen des Menschseins.

Mit der Suche nach dem im elterlichen Garten vergrabenen Gorilla beginnt Valérie Favres Reise in die Welt der Imagination, der Fantasien, Alpträume, Erinnerungen und Werke der Kunstgeschichte. Eine Welt, die sie auf ihrem Umweg über Theater und Film lebendig und dann als Malerin, die die Abgründe menschlicher Existenz erkundet, sichtbar werden lässt.Woher kommt die Dringlichkeit dieser gemalten Bilder, was ist ihre Verbindung zur Biografie, zu politischen und künstlerischen Diskursen? In ihrem Gespräch verlieren sich die Malerin Valérie Favre und der Schriftsteller Axel Ruoff im Labyrinth der Fragen über Malerei, dieser einzigartigen Praxis, die in einer vom Digitalen bestimmten, von Klimawandel und Krieg bedrohten Welt zu einem Akt des Widerstands wird.VALÉRIE FAVRE (*1959, Evilard, Schweiz) ist bildende Künstlerin und Professorin für Malerei an der UdK Berlin, ging nach Paris - erst als Schauspielerin, dann um in der zeitgenössischen Kunst mitzumischen. 20 Jahre später mischte sie die Karten neu und lebt seit 1999 in Berlin. Ihr malerisches Werk findet seit den frühen 1990er-Jahren große Beachtung und wird in zahlreichen internationalen Ausstellungen in Museen und Galerien gezeigt.AXEL RUOFF (*1971, München) studierte Literaturwissenschaft, Philosophie und Kunstgeschichte in Berlin und Aix-en-Provence. Er schreibt Romane und Essays, dreht Filme und arbeitet als Lektor. 2020 war er als DAAD Writer in Residence in Birmingham. 2021 erschien sein Roman IRRBLOCK. Ruoff lebt in Berlin.

Etwa 50.000 Jüdinnen und Juden überlebten denHolocaust im besetzten Polen und der Ukraine, einigevon ihnen in Verstecken. Aus der Not heraus waren siegezwungen, an unwahrscheinlichen und scheinbarungeeigneten Orten wie Baumhöhlen, Schränken, Kellernoder Abwasserkanälen Zuflucht zu suchen und dort Stunden,Tage, manchmal sogar Jahre zu verbringen.Die Architektin, Politikwissenschaftlerin und KünstlerinNatalia Romik, deren Arbeit erstmals in Deutschland vorgestelltwird, hat einige dieser noch heute existierendenOrte erforscht. Ihre Recherchen würdigen die Verstecke alszerbrechliche Architekturen, die von der Kreativität unddem ungebrochenen Willen derjenigen, die mit minimalenMitteln ihr Überleben sichern mussten zeugen.Der interdisziplinäre Katalog schafft einen Zugang zurfragilen physischen Realität dieser Orte und thematisiertdie grundlegende Frage zum Verhältnis von Architektur,Gewalt und einer Erinnerungskultur, die unsichtbare Ortesichtbar macht.Die Politikwissenschaftlerin NATALIA ROMIK (*1983, Warschau)verbindet akademische Forschung mit Methoden der zeitgenössischenKunst und Architektur. In ihren Kunstprojektenbeschäftigt sie sich vor allem mit der jüdischen Erinnerung unddem Gedenken an den Holocaust in Osteuropa. Romik erhieltzahlreiche Stipendien und wurde 2023 mit dem Dan David Preis,einem der höchstdotierten Preise für historische Forschung ausgezeichnet.Derzeit ist sie Postdoktorantin bei der Stiftung zurErinnerung an die Schoah in Paris.

Die Ausstellungsreihe Kunst um 1800 prägte Debatten überdie Praxis des Kuratierens sowie die gesellschaftliche Relevanzvon Kunst, die bis heute nachwirken, und revidierteNarrative der europäischen Kunstgeschichte. Realisiert inneun Teilen zwischen 1974-81 an der Hamburger Kunsthalleunter der Regie des damaligen Direktors WernerHofmann stellte der Zyklus auf bahnbrechende Weisedie tiefgreifenden Umwälzungen am Beginn des 19. Jahrhundertsin den Mittelpunkt.Kunst um 1800 war Forschungsprojekt, Ausstellungsexperiment,Feier der Bildkünste und politische Stellungnahme.Im Zuge der Etablierung einer streitbaren Demokratiein den 1970er-Jahre arbeitete die Reihe die Wirkmachtvon Kunstwerken im »Zeitalter der Revolutionen« heraus.Im Zentrum standen Künstler, die mit den Konventionenihrer Zeit brachen: Ossian, Caspar David Friedrich, JohannHeinrich Füssli, William Blake, Johan Tobias Sergel,William Turner, Philipp Otto Runge, John Flaxman undFrancisco Goya.Der Band dokumentiert mit großem Detailreichtumalle Ausstellungen von Kunst um 1800 - ein Prozess inneun Etappen, der in den aktuellen Betrachtungen zurGeschichte der Kunstausstellung fehlt. Zahlreiche Autor*innenaus Kunst- und Kulturgeschichte werfen einen kritischenBlick auf die Zeit nach 1968 und bieten neue Sichtweisenauf dieses Jahrzehnt der Experimente.PETRA LANGE-BERNDT ist Professorin für Moderne und zeitgenössischeKunst am Kunstgeschichtlichen Seminar derUniversität Hamburg.DIETMAR RÜBEL ist Professor für Geschichte und Theorieder Kunst an der Akademie der Bildenden Künste München.Gemeinsam haben sie zahlreiche Ausstellungen kuratiert undBücher publiziert.

Ugo Rondinone's 2022 exhibition the water is a poem unwritten by the air / no. the earth is a poem unwritten by the fire at the Petit Palais in Paris explores the theme of transformation. Ugo Rondinone presents three ensembles of sculptures and a monumental video installation. Earth, sky, air, water and fire are invoked in the fullness of their spiritual dimension. Under the museum's painted ceilings, the first ensemble welcomes visitors in a farandole of suspended bodies painted in a clouded sky camouflage, underlining the ephemeral melding of air and water. A second ensemble is composed of seated sculptures of dancers at rest made from a blend of wax and earth collected from seven continents. The centerpiece artwork titled burn to shine, is a film installation presented in a monumental charred wood cylinder. The artwork depicts bodies coming together throughout movement, with dancers and musicians gathered around a fire in the desert from sunset to sunrise. In echo with John Giorno's poem titled You Got To Burn To Shine. This catalogue is a unique document of the dialogue between Rondinone's works confronted with the museum's architecture and its collections.UGO RONDINONE (*1964, Brunnen, Switzerland) is recognized as one of the major voices of his generation, an artist who composes searing meditations on nature and the human condition while establishing an organic formal vocabulary in sculpture, painting, video, and performance. The New York-based artist borrows from ancient and modern cultural sources; his works exude pathos and humor, going straight to the heart of the most pressing issues of our time.

Den Schweizer Fotografen Guido Baselgia müssteman eigentlich - den Anfängen der Fotografie gemäß- eher einen Lichtbildner nennen, denn er arbeitetausschließlich analog und fertigt meisterhafte,detailreiche Abzüge in austarierter Graustufigkeit an.Thematisch interessiert ihn vor allem die Beschaffenheitder Oberfläche unseres Planeten und ihr Wandel - fündigwird er in peripheren, noch unberührten Landschaftenwie alpinen Hochgebirgen oder etwa dem Polarkreis.Dieses Buch präsentiert zwei seiner Werkgruppen: Dererste Teil zeigt Baselglias Aufnahmen vom ehemaligenGalizien aus dem Jahr 1990, als er unter den erstenReportage-Fotografen im ehemaligen Sperrgebiet derSowjetarmee, der heutigen Westukraine, unterwegs war.Ein Werk mit traurigem Aktualitätsbezug. Der zweite Teilstellt seine jüngsten Farbbilder vor, aufgenommen mit seinerselbst gebauten portablen Camera Obscura. Die verschiedenenWerkgruppen werden im Textteil verknüpftund würdigen die 30-jährige Reisetätigkeit als Fotografund Lichtkünstler mit der Kamera.GUIDO BASELGIA (*1953, Pontresina, Schweiz) fotografiert seit mehr als zwei Jahrzehnten entlang der Rändern der Urnatur. Der Schweizer Fotokünstler hat sich ganz der analogen Fotografie mit all ihren Facetten gewidmet. Er wurde mehrfach ausgezeichnet, davon zeugen auch zahlreiche monografische Buchpublikationen und Ausstellungen im Inland und Ausland. Er lebte heute in Graubünden.

Die Kunstgeschichtsschreibung interessiert sich bei derMalerei im Wesentlichen für die Grundthemen Technik,Kunstepochen und Bildgattungen und kann sich dabeibis in das kleinste Detail vertiefen. »Denk nicht, sondernschau!« verfolgt das gegenteilige Anliegen. Hier ist derVerzicht auf kommentierende Texte Programm. Es gehtum den bewussten Akt des Sehens: das Betrachten derKunstwerke ohne Ablenkung, um das Wesentliche - das»Unerklärbare« - im Kunstwerk zu erkennen.Diese Publikation will eines nicht sein: eine umfassendeKunstgeschichte. Vielmehr möchte die durchaus subjektiveAuswahl von 338 Gemälden aus sieben Jahrhunderteneinen ungetrübten Blick auf die chronologischeEntwicklung der westlichen Malerei ermöglichen.Das Schlüsselbild ist auf dem Umschlag abgebildet: Diegroßen Badenden von Paul Cezanne. Hier ist die Landschaftfrei erfunden und die Darstellung erzählt keine Geschichte:Der Weg zum ungegenständlichen Bild unserer Zeit istgeöffnet.WALTER FEILCHENFELDT jr. (*1939, Amsterdam) ist ein SchweizerKunsthändler, Sammler und Kunstforscher. Nach seinemStudium der Volkswirtschaftslehre an der Universität Zürich ginger zunächst nach London zu Sotheby's als Art Expert im BereichImpressionismus und Moderne, bevor er 1966 in die KunsthandlungWalter Feilchenfeldt eintrat, die sein Vater als Nachfolgefirmades Kunstsalons Paul Cassirer in Zürich gegründethatte. Neben seiner Tätigkeit als Kunsthändler machte er sicheinen Namen als Experte von Paul Cezanne und Vincent vanGogh und war Mitherausgeber zahlreicher Publikationen.

Guy Ben Ner macht aus wenig viel, indem er sich selbstund sein privates Umfeld radikal in seine künstlerischePraxis mit einbezieht. Die Wohnung seiner Familie in TelAviv dient dem Videokünstler genauso als Drehort wie dieFilialen einer Möbelkette. In diesen oft grotesken Settingsoffenbart sich der Einfluss von Wirtschaft und Politik aufdie intimsten menschlichen Beziehungen.Dabei ist es die Diskrepanz zwischen improvisierten Drehsituationenund der Stringenz der künstlerischen Konzepte,die sein Werk auszeichnen. Im Gespräch mit dem engenFreund und Künstlerkollegen Christian Jankowski gibt BenNer Einblick in den Entstehungsprozess seiner Werke. Dennwas im Video improvisiert und zufällig wirkt, basiert aufmonatelangen Recherchen und gründet in einem umfangreichenfilmhistorischen Wissen. Entlang von Begriffen wie»Ästhetik«, »Fantasie«, »Familie« oder »Zitat« entwickeltKuratorin Fanni Fetzer ein Alphabet des Widerstands in BenNers OEuvre. Die Publikation will die klare politische Haltungdes Künstlers und seine Strategie, spielerisch Widerstandzu leisten, vermitteln. Der Videokünstler GUY BEN NER (*1969, Ramat Gan, Israel) lebt und arbeitet in Tel Aviv. 2003 schloss er sein Studium der bildenden Kunst an der Columbia Universität in New York City ab. 2005 bespielte er an der Biennale Venedig den israelischen Pavillon und wurde 2022 mit einer umfassenden Retrospektive im Tel Aviv Museum of Art geehrt.

Platforms of Reality is a multi-layered analysis and interpretationof Heaven Baek's work, which explores how individualsand society interact both in reality and on stage.It ranges from the artist's early works to her most recentpractice, in which she questions the reality of video timelines,instant realities, and collective memories. Her wellscriptedperformances are spatial visualizations of theflood of real information that has somehow lost its purposeand meaning.The book is divided into four chapters, each exploring adifferent sense of reality and bringing together her artisticapproaches. The metaphor of the platform can beimagined as stages for her work, where trains depart fromdifferent tracks with different destinations, crossing pathsas they meet continuously. Baek attempts to permeatesocial collectives with her research and artistic methods-from drawing to video to installation.HEAVEN BAEK (*1984, Busan, South Korea) studied Media Arts in Melbourne, and received her Master's degree from the Glasgow School of Art. She uses staged reality to bring her videos and installations to fruition, magnifying mechanisms of society and social interaction. She lives and works in Seoul and Berlin.

Christiane Löhr schafft einen einzigartigen skulpturalen und installativen Kosmos mit Materialien aus der Natur. Organische Elemente wie Flugsamen, Pflanzenstängel, Kletten, Baumblüten, Pferde- und Hundehaar nutzt sie als Konstruktionsmaterial für ihr organisch-abstraktes Formenrepertoire. Auf überraschende Weise transformiert sie die vergänglichen Materialien in präzise konstruierte, zarte Skulpturen, mal filigran, mal raumgreifend. Passend zu der groß angelegten Überblicksausstellung lässt sich der Katalog als eine Art Anthologie verstehen: Neben aktuellen Texten von Julia Wallner, Jutta Mattern, Astrid von Asten und Tiziano Scarpa vereint er Essays diverser Autor*innen zum Werk der Künstlerin aus den vergangenen Jahrzehnten. Ergänzt wird er durch In-Situ-Fotos der Skulpturen im lichtdurchfluteten Bau des Arp Museums Bahnhof Rolandseck von Richard Meier.CHRISTIANE LÖHR (*1965, Wiesbaden), die in Köln und in Prato in der Toskana arbeitet, ist eine der wichtigsten Stimmen im aktuellen Diskurs um neue, zeitbezogene Ansätze in der Skulptur. Ihre Werke sind weltweit zu sehen, u.a. war sie Teilnehmerin der von Harald Szeemann kuratierten 49. Biennale di Venezia. Einzelausstellungen wurden ihr in der Panza Collection, Varese, im Kunsthaus Baselland, im Skulpturenpark Waldfrieden, Wuppertal sowie im Haus am Waldsee, Berlin gewidmet.

The pilot issue of DELUS offers a range of diverse insights into landscape and urban questions. It introduces new methods to unpack multiple worlds and narrate manifold stories. The contributions range from unraveling histories of land-body relations through recipes with Luiza Prado de O. Martins, following living fossils and their mythical counterparts with Christina Gruber, working with communities to examine extractive environments with Karin Reisinger, exploring postnatural aesthetics with the Institute for Postnatural Studies, to recording wastelands with Sandra Jasper and developing speculative curricula engaging with overlooked forms of knowledge with Federico Pérez Villoro. As a collection, these contributions address the complex relations between humans, non-humans and their environment across time and space. DELUS is an annual publication that explores emerging themes, topics and methods from landscape and urban studies. Founded in 2022 by the Institute for Landscape and Urban Studies (LUS) at ETH Zurich, it brings academic knowledge to a broader audience and fosters exchange amongst designers, artists, scientists, scholars and students.

Life in its many forms is intertwined in manifold ways. Making the coexistence of different beings and worlds tangible through an exploration of objects, stories and works of art, this book shows that in many regions of the earth, our co-world is experienced as an animated being. Mountains and rivers are not just resources or backdrops to human endeavors, but powerful sources of life; plants and animals are not just food, but companions; ancestors and spirits influence everyday life. Understood in this way, local perspectives and alternative forms of social coexistence provide pathways to shared futures. A great variety of international authors tell stories of interwoven lives that invite us empathically and informed to rethink our relationships with the world.

Otti Berger created fabrics that fundamentally changed the understanding of what textiles could be and do. A core member of the experimental approach to textiles at the Bauhaus, she was also a female entrepreneur in the frenzied time that was the early 1930s in Berlin. Working closely with architects of the New Objectivity movement such as Lilly Reich, Ludwig Hilberseimer and Hans Scharoun, she designed upholstery and wall tapestries, curtains and floor coverings that responded to novel types of use and production methods, and thereby redefined the relationship between aesthetics and function¿with fascinating results. To date Berger's textile work has only been explored in fragments. This book is the first comprehensive study of its complexity and beauty and makes her hitherto unpublished treatise on fabrics and the methodology of textile production accessible. Raum's research offers an entirely new perspective on Berger's oeuvre.OTTI BERGER (1898-1944) was one of the most important textiledesigners of the 20th century. Born in Zmajevac, in the Austro-Hungarian Empire, present-day Croatia, she studied in Zagreband from 1927 at the Bauhaus in Dessau. Leaving her teachingpost at the Bauhaus, she set up her own business in Berlin in1932 to design fabrics for modern interiors, but was banned fromworking due to her Jewish heritage in 1936. Attempts to escapeto England and the USA failed. She was deported from Croatiato Auschwitz and was murdered there in 1944.In cooperation with the Bauhaus Archive Berlin, visual artistand art historian JUDITH RAUM (*1977) has conducted intensiveresearch in European and North American archives to completethe first comprehensive study of Berger's scattered estate.

Leben hat viele Formen und ist vielfältig verflochten. Das Buch macht die Koexistenz verschiedener Wesen und Welten anhand von Dingen, Geschichten und Kunstwerken sichtbar. Es zeigt, dass die Mitwelt in vielen Regionen der Erde lebendig und aktiv erfahren wird: Berge und Flüsse sind nicht nur Ressource oder Kulisse, sondern wirkmächtige Quellen des Lebens; Pflanzen und Tiere sind nicht allein Nahrung, sondern Gefährten; Ahnen und Geistwesen beeinflussen den lebendigen Alltag. So verstanden, vermitteln lokale Perspektiven und alternative Formen des Miteinanders Wege in gemeinsame Zukünfte. Eine Vielfalt internationaler Autor*innen erzählt hier Geschichten von Geflechten des Lebendigen, die empathisch und informiert dazu einladen, unsere Beziehungen zur Mitwelt zu überdenken und neu zu knüpfen.

To commemorate the 50th anniversary of Picasso's death, this spectacular volume of the artist's early paintings and sculptures is being reissued. The paintings from his so-called Blue and Rose periods to early Cubism, created between 1901 and 1907, are milestones on Picasso's path to becoming the most famous artist of the twentieth century. In 2019, the Fondation Beyeler presented some 80 masterpieces from renowned museums and private collections in its most prestigious exhibition to this date. They are not only among the most valuable works of art ever to exist, but are widely viewed as some of modernism's most beautiful and emotive artworks. This volume brings the early work of this exceptional artist to life in a unique way.PABLO PICASSO (1881-1973) is regarded as the epitome of the twentieth-century artist. In addition to his paintings and sculptures, his graphic works also enjoy special fame.

The Edizioni Conz of the Italian collector, publisher and photographer Francesco Conz-including portfolios, large silkscreen prints on fabrics and objects-are among the finest and most elaborate art editions of the second half of the 20th century. A friend and patron of Viennese Actionism, Fluxus, Concrete Poetry, and Lettrism, he was an obsessive, knowledgeable enthusiast open to all the arts, for whom hospitality, the magic of community, and respect for the arts were more important than any mercantile aspirations. This publication is the first comprehensive catalogue raisonné of the editions published by Conz between 1972 and 2009. Comprising more than 500 editions, it is both a reflection of his passions and a memorial to the art of the avant-gardes. Texts by contemporaries such as Alison Knowles, Dick Higgins, Milan Knizak, Eugen Gomringer, Emmett Williams, Nicholas Zurbrugg, and others complete the richly illustrated catalogue.FRANCESCO CONZ (1935-2010) grew up in a wealthy family ofAustro-Hungarian descent in the Italian Veneto. After cominginto contact with the art scene in Berlin and New York in the early1970s, he traveled to art festivals around the world and invitedartists to the Palazzo Baglioni in Asolo for happenings and per-formances. Since 2016, the Berlin-based Archivio Conz has beenworking to catalogue, research, and restore his extraordinarycollection for the public, which includes more than 4,000 worksand commissioned editions by over 300 international artists, aswell as 30,000 photographs and ephemera.

Wir ist Zukunft. Visionen neuer Gemeinschaften kreist um die Sehnsucht nach einer idealen Gemeinschaft, eines harmonischen Lebens mit der Natur und miteinander. Das Buch blickt in sechs Kapiteln auf 120 Jahre künstlerische Visionen des Zusammenlebens: Ausgehend von der Lebensreformbewegung um 1900, über die visionären Architekturentwürfe von Bruno Taut oder Wenzel Hablik zu Constants Stadtutopie New Babylon, in deren Zentrum der spielerische Mensch stehen sollte; vom Hippie-Modernismus der 1960er-Jahre, über den Afrofuturismus bis zu zeitgenössischen Positionen, die eine Symbiose aller Lebewesen in und mit der Natur anregen. Die vorgestellten Werke sind Ausdruck eines Strebens nach neuen Lebensentwürfen in Gegenwart und Zukunft. Die künstlerische Perspektive wird in der Publikation durch wissenschaftliche und persönliche Beiträge und ein Künstlerinterview erweitert. In seiner nachhaltigen Gestaltung ist der Katalog ebenfalls einem Ideal auf der Spur.

Jeewi Lee is interested in all the traces-the intimate imprints and distinctive markings-that we leave behind and that inhabit the spaces surrounding us. Abstract compositions of rescued stories, worn-out pavements and stripped down wallpapers, cut out floors, grains of sand that have traveled millions of years around the world, coffee stains or burnt wood. These traces, both human and historical, become vessels of stories and memories, inscribed on various materials, bearing witness to the past, present, and future. This publication offers a comprehensive exploration of the manifold tracings of the Berlin-based Korean artist over the past decade. It provides insight into her highly conceptual way of working and unveils previously unseen documentation of her deeply personal process of creation.JEEWI LEE (*1987, Seoul) is a Berlin-based South Korean-German artist. She studied painting at the Berlin University of the Arts and at Hunter College University in New York, graduating in 2014 with a master in fine arts and since 2018 holds an MFA from the postgraduate program Art in Context. Her multidisciplinary practice encompasses site-specific installations and interventions, video and image series that predominantly deal with traces that question our visual perception, while also reflecting their own production process.

The Prix Ars Electronica is the world's longest-running media art competition. With the award-winning works of international artists as a trend barometer, it offers an inspiring, current and forward-looking insight into the interface between art, technology and society. 3,176 projects from 98 countries were submitted to the Prix Ars Electronica 2023. The competition included the new category "New Animation Art," which focuses on forward-looking animations at the interface of new visualization techniques and new forms of communication, as well as the categories "Digital Musics & Sound Art," "Artificial Intelligence & Life Art" and "u19 - create your world.

Exhibition spaces are physical places of knowledge productionand exchange. Their spatial properties play an importantrole in contextualizing information. Virtual stagings ofexhibitions should therefore retain these properties. TheBeyond Matter research project (2019-23) aims to unravelthe intertwining of physical and virtual structures and theirimpact on spatial aspects in art production, curating, andart education, and thus to identify ways to preserve culturalheritage in the digital age.This publication offers a comprehensive overview of thediverse research activities, exhibition and book projects,and symposia that have taken place or emerged in thecourse of the international Beyond Matter project at thevarious partner institutions.

Brenda Draney's work explores the complex nature of intimacy.Referencing her own memories and experiences, theCanadian artist examines the layered meanings embeddedin everyday motifs and situations. The cumulative portraitthat emerges references a collective self that encompassesnot only her own experience but that of past generationsand current community members. However, instead ofsimply reproducing these elements, she is more interestedin addressing how their meanings can shift whenfiltered through individual interpretation. By deliberatelyleaving blank spaces in her paintings, Draney leaves roomfor viewers to place their own narrative within her imaginaryspaces and to connect to the wide range of emotionsthe artist subtly invokes.This richly illustrated catalogue-published in conjunctionwith Draney's solo exhibition organized by The PowerPlant Art Gallery in Toronto-features a selection of existingand newly commissioned works and original contributionsfrom Canadian scholars and writers.BRENDA DRANEY (*1976, Sawridge First Nation, Treaty 8, with a strong connection to Slave Lake, Alberta, Canada) has been featured in various exhibitions. She is based in Edmonton, Alberta.

Als raumgreifende, oft begehbare Kunstwerke laden Environments zu einem aktiven Ausstellungsbesuch ein und ermöglichen an der Schnittstelle von Kunst, Architektur und Design einzigartige, immersive Erfahrungen. Bislang konzentriert sich die Forschung vor allem auf die aus Happenings und der Fluxus-Bewegung hervorgegangenen Arbeiten männlicher, westlicher Künstler. Die Ausstellung In anderen Räumen. Environments von Künstlerinnen 1956-1976 erweitert den Kanon: Mit 11 Künstlerinnen dreier Generationen aus Asien, Europa, Nord- und Südamerika - Judy Chicago, Lygia Clark, Laura Grisi, Aleksandra Kasuba, Lea Lublin, Marta Minujín, Tania Mouraud, Maria Nordman, Nanda Vigo, Faith Wilding und Tsuruko Yamazaki - verdeutlicht sie erstmals die elementare Rolle von Frauen für die Entwicklung dieser Kunstform.Angesichts ihres experimentellen Charakters wurden die meisten Environments direkt nach ihrer Präsentation abgebaut oder zerstört. Die detailgenauen und Repliken, die auf Archivfotos, Bauplänen und Materiallisten basieren, werden hier erstmals in einem Katalog vorgestellt. Die Publikation ist als grundlegendes Referenzwerk zur Geschichtsschreibung von Environments konzipiert und enthält eine Fülle von Materialien, die die Geschichte(n) des Begriffs nachzeichnen sowie Essays führender Wissenschaftler*innen und umfangreiche Bibliografien zu den Künstlerinnen und Environments, die in der Ausstellung gezeigt werden.

Die weithin sichtbare Heilandskirche am Jungfernseeufer bei Sacrow birgt einen bisher ungeborgenen Schatz: In ihrem blauen Fliesenband finden sich zahlreiche Botschaften für die Ewigkeit. Wer notierte hier 1942 »Carpe Diem«? Wer ritze »Wir standen hier so manche Nacht und keiner hat an uns gedacht«? Auf den blau glasierten Fliesen in Blütenform der von Ludwig Persius 1844 erbauten Sacrower Heilandskirche finden sich 150 Jahre deutsche Geschichte kondensiert in kurzen Nachrichten. Verfasst in Deutsch, Englisch oder Russisch, notiert in Sütterlin oder lateinischer Schrift, reichen sie von alltäglichen Kritzeleien bis zu historischen Wegmarken aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs oder des geteilten Deutschlands.Short Messages bietet eine ebenso detaillierte wie charmante Chronik dieser einzigartigen Einschreibungen. Dokumentiert in den Fotografien von Lars Wiedemann, wird der Zauber dieses Ortes durch Texte von Angelika Kaltenbach und Schauspieler Hanns Zischler erzählt.

Clenched, raw and pressingly urgent: Chaïm Soutine's vivid paintings are testimonies to a sense of human vulnerability and an existence on the margins of society. Intensely colored, his meaty impasto portraits are thrown onto the canvas with broad brushstrokes, while his agitated, frenetic landscapes and paintings of slaughtered animals are expressions of an intense hunger for life and, at the same time, a deep alienation in an unsteady world that offers no support. Despite the recognition his work received, Soutine remained an outsider throughout his life, a stranger to the social manners of his adopted home in France. This catalogue focuses on the early masterpieces and series he created between 1919 and 1925: Under the overarching theme of emigration and uprooting, the contributions reveal the traces of Soutine's Jewish origins in his work, illuminating the significance of his motifs from the fringes of society as well as of blood and animal carcasses as metaphors; and show the influences of Soutine's art up to the present day. CHAÏM SOUTINE (1893 - 1943) grew up in a shtetl near Minsk - a youth marked by poverty, religious rigor and social exclusion. In 1913 he arrived in Paris and moved into the artist residence "La Ruche" (the "Beehive"), working alongside artists such as Chagall and Modigliani. Fleeing the Nazis, he died in 1943, but the international attention his work had received since the 1920s continued to have great influence on post-war art, inspiring Abstract Expressionism, new figurative painting as well as contemporary artists.