Bücher veröffentlicht von Hatje Cantz Verlag GmbH

Life in its many forms is intertwined in manifold ways. Making the coexistence of different beings and worlds tangible through an exploration of objects, stories and works of art, this book shows that in many regions of the earth, our co-world is experienced as an animated being. Mountains and rivers are not just resources or backdrops to human endeavors, but powerful sources of life; plants and animals are not just food, but companions; ancestors and spirits influence everyday life. Understood in this way, local perspectives and alternative forms of social coexistence provide pathways to shared futures. A great variety of international authors tell stories of interwoven lives that invite us empathically and informed to rethink our relationships with the world.

Otti Berger created fabrics that fundamentally changed the understanding of what textiles could be and do. A core member of the experimental approach to textiles at the Bauhaus, she was also a female entrepreneur in the frenzied time that was the early 1930s in Berlin. Working closely with architects of the New Objectivity movement such as Lilly Reich, Ludwig Hilberseimer and Hans Scharoun, she designed upholstery and wall tapestries, curtains and floor coverings that responded to novel types of use and production methods, and thereby redefined the relationship between aesthetics and function¿with fascinating results. To date Berger's textile work has only been explored in fragments. This book is the first comprehensive study of its complexity and beauty and makes her hitherto unpublished treatise on fabrics and the methodology of textile production accessible. Raum's research offers an entirely new perspective on Berger's oeuvre.OTTI BERGER (1898-1944) was one of the most important textiledesigners of the 20th century. Born in Zmajevac, in the Austro-Hungarian Empire, present-day Croatia, she studied in Zagreband from 1927 at the Bauhaus in Dessau. Leaving her teachingpost at the Bauhaus, she set up her own business in Berlin in1932 to design fabrics for modern interiors, but was banned fromworking due to her Jewish heritage in 1936. Attempts to escapeto England and the USA failed. She was deported from Croatiato Auschwitz and was murdered there in 1944.In cooperation with the Bauhaus Archive Berlin, visual artistand art historian JUDITH RAUM (*1977) has conducted intensiveresearch in European and North American archives to completethe first comprehensive study of Berger's scattered estate.

Leben hat viele Formen und ist vielfältig verflochten. Das Buch macht die Koexistenz verschiedener Wesen und Welten anhand von Dingen, Geschichten und Kunstwerken sichtbar. Es zeigt, dass die Mitwelt in vielen Regionen der Erde lebendig und aktiv erfahren wird: Berge und Flüsse sind nicht nur Ressource oder Kulisse, sondern wirkmächtige Quellen des Lebens; Pflanzen und Tiere sind nicht allein Nahrung, sondern Gefährten; Ahnen und Geistwesen beeinflussen den lebendigen Alltag. So verstanden, vermitteln lokale Perspektiven und alternative Formen des Miteinanders Wege in gemeinsame Zukünfte. Eine Vielfalt internationaler Autor*innen erzählt hier Geschichten von Geflechten des Lebendigen, die empathisch und informiert dazu einladen, unsere Beziehungen zur Mitwelt zu überdenken und neu zu knüpfen.

To commemorate the 50th anniversary of Picasso's death, this spectacular volume of the artist's early paintings and sculptures is being reissued. The paintings from his so-called Blue and Rose periods to early Cubism, created between 1901 and 1907, are milestones on Picasso's path to becoming the most famous artist of the twentieth century. In 2019, the Fondation Beyeler presented some 80 masterpieces from renowned museums and private collections in its most prestigious exhibition to this date. They are not only among the most valuable works of art ever to exist, but are widely viewed as some of modernism's most beautiful and emotive artworks. This volume brings the early work of this exceptional artist to life in a unique way.PABLO PICASSO (1881-1973) is regarded as the epitome of the twentieth-century artist. In addition to his paintings and sculptures, his graphic works also enjoy special fame.

The Edizioni Conz of the Italian collector, publisher and photographer Francesco Conz-including portfolios, large silkscreen prints on fabrics and objects-are among the finest and most elaborate art editions of the second half of the 20th century. A friend and patron of Viennese Actionism, Fluxus, Concrete Poetry, and Lettrism, he was an obsessive, knowledgeable enthusiast open to all the arts, for whom hospitality, the magic of community, and respect for the arts were more important than any mercantile aspirations. This publication is the first comprehensive catalogue raisonné of the editions published by Conz between 1972 and 2009. Comprising more than 500 editions, it is both a reflection of his passions and a memorial to the art of the avant-gardes. Texts by contemporaries such as Alison Knowles, Dick Higgins, Milan Knizak, Eugen Gomringer, Emmett Williams, Nicholas Zurbrugg, and others complete the richly illustrated catalogue.FRANCESCO CONZ (1935-2010) grew up in a wealthy family ofAustro-Hungarian descent in the Italian Veneto. After cominginto contact with the art scene in Berlin and New York in the early1970s, he traveled to art festivals around the world and invitedartists to the Palazzo Baglioni in Asolo for happenings and per-formances. Since 2016, the Berlin-based Archivio Conz has beenworking to catalogue, research, and restore his extraordinarycollection for the public, which includes more than 4,000 worksand commissioned editions by over 300 international artists, aswell as 30,000 photographs and ephemera.

Wir ist Zukunft. Visionen neuer Gemeinschaften kreist um die Sehnsucht nach einer idealen Gemeinschaft, eines harmonischen Lebens mit der Natur und miteinander. Das Buch blickt in sechs Kapiteln auf 120 Jahre künstlerische Visionen des Zusammenlebens: Ausgehend von der Lebensreformbewegung um 1900, über die visionären Architekturentwürfe von Bruno Taut oder Wenzel Hablik zu Constants Stadtutopie New Babylon, in deren Zentrum der spielerische Mensch stehen sollte; vom Hippie-Modernismus der 1960er-Jahre, über den Afrofuturismus bis zu zeitgenössischen Positionen, die eine Symbiose aller Lebewesen in und mit der Natur anregen. Die vorgestellten Werke sind Ausdruck eines Strebens nach neuen Lebensentwürfen in Gegenwart und Zukunft. Die künstlerische Perspektive wird in der Publikation durch wissenschaftliche und persönliche Beiträge und ein Künstlerinterview erweitert. In seiner nachhaltigen Gestaltung ist der Katalog ebenfalls einem Ideal auf der Spur.

Ars Electronica 2023 is dedicated to the complex questions of truth and the concept of ownership in this digital age. In doing so, the festival navigates the central questions of our time. The focus is on how our perception of "authentic" and "original" is being transformed and whether truth can be owned, and how this relates to digitalization and the rapidly developing performance of artificial intelligence. How can the achievements of a tool that is so much based on the globally collective "raw material" of knowledge and creativity be made accessible to everyone and be harnessed to the benefit of all? This comprehensive volume brings together the works of artists, scientists, developers, designers, entrepreneurs and activists from around the world and delves deep into the themes of the festival, offering insights, perspectives, and thought-provoking content that reflect on the intersection of art, technology, and society.

Jeewi Lee is interested in all the traces-the intimate imprints and distinctive markings-that we leave behind and that inhabit the spaces surrounding us. Abstract compositions of rescued stories, worn-out pavements and stripped down wallpapers, cut out floors, grains of sand that have traveled millions of years around the world, coffee stains or burnt wood. These traces, both human and historical, become vessels of stories and memories, inscribed on various materials, bearing witness to the past, present, and future. This publication offers a comprehensive exploration of the manifold tracings of the Berlin-based Korean artist over the past decade. It provides insight into her highly conceptual way of working and unveils previously unseen documentation of her deeply personal process of creation.JEEWI LEE (*1987, Seoul) is a Berlin-based South Korean-German artist. She studied painting at the Berlin University of the Arts and at Hunter College University in New York, graduating in 2014 with a master in fine arts and since 2018 holds an MFA from the postgraduate program Art in Context. Her multidisciplinary practice encompasses site-specific installations and interventions, video and image series that predominantly deal with traces that question our visual perception, while also reflecting their own production process.

The Prix Ars Electronica is the world's longest-running media art competition. With the award-winning works of international artists as a trend barometer, it offers an inspiring, current and forward-looking insight into the interface between art, technology and society. 3,176 projects from 98 countries were submitted to the Prix Ars Electronica 2023. The competition included the new category "New Animation Art," which focuses on forward-looking animations at the interface of new visualization techniques and new forms of communication, as well as the categories "Digital Musics & Sound Art," "Artificial Intelligence & Life Art" and "u19 - create your world.

Exhibition spaces are physical places of knowledge productionand exchange. Their spatial properties play an importantrole in contextualizing information. Virtual stagings ofexhibitions should therefore retain these properties. TheBeyond Matter research project (2019-23) aims to unravelthe intertwining of physical and virtual structures and theirimpact on spatial aspects in art production, curating, andart education, and thus to identify ways to preserve culturalheritage in the digital age.This publication offers a comprehensive overview of thediverse research activities, exhibition and book projects,and symposia that have taken place or emerged in thecourse of the international Beyond Matter project at thevarious partner institutions.

Brenda Draney's work explores the complex nature of intimacy.Referencing her own memories and experiences, theCanadian artist examines the layered meanings embeddedin everyday motifs and situations. The cumulative portraitthat emerges references a collective self that encompassesnot only her own experience but that of past generationsand current community members. However, instead ofsimply reproducing these elements, she is more interestedin addressing how their meanings can shift whenfiltered through individual interpretation. By deliberatelyleaving blank spaces in her paintings, Draney leaves roomfor viewers to place their own narrative within her imaginaryspaces and to connect to the wide range of emotionsthe artist subtly invokes.This richly illustrated catalogue-published in conjunctionwith Draney's solo exhibition organized by The PowerPlant Art Gallery in Toronto-features a selection of existingand newly commissioned works and original contributionsfrom Canadian scholars and writers.BRENDA DRANEY (*1976, Sawridge First Nation, Treaty 8, with a strong connection to Slave Lake, Alberta, Canada) has been featured in various exhibitions. She is based in Edmonton, Alberta.

Als raumgreifende, oft begehbare Kunstwerke laden Environments zu einem aktiven Ausstellungsbesuch ein und ermöglichen an der Schnittstelle von Kunst, Architektur und Design einzigartige, immersive Erfahrungen. Bislang konzentriert sich die Forschung vor allem auf die aus Happenings und der Fluxus-Bewegung hervorgegangenen Arbeiten männlicher, westlicher Künstler. Die Ausstellung In anderen Räumen. Environments von Künstlerinnen 1956-1976 erweitert den Kanon: Mit 11 Künstlerinnen dreier Generationen aus Asien, Europa, Nord- und Südamerika - Judy Chicago, Lygia Clark, Laura Grisi, Aleksandra Kasuba, Lea Lublin, Marta Minujín, Tania Mouraud, Maria Nordman, Nanda Vigo, Faith Wilding und Tsuruko Yamazaki - verdeutlicht sie erstmals die elementare Rolle von Frauen für die Entwicklung dieser Kunstform.Angesichts ihres experimentellen Charakters wurden die meisten Environments direkt nach ihrer Präsentation abgebaut oder zerstört. Die detailgenauen und Repliken, die auf Archivfotos, Bauplänen und Materiallisten basieren, werden hier erstmals in einem Katalog vorgestellt. Die Publikation ist als grundlegendes Referenzwerk zur Geschichtsschreibung von Environments konzipiert und enthält eine Fülle von Materialien, die die Geschichte(n) des Begriffs nachzeichnen sowie Essays führender Wissenschaftler*innen und umfangreiche Bibliografien zu den Künstlerinnen und Environments, die in der Ausstellung gezeigt werden.

Die weithin sichtbare Heilandskirche am Jungfernseeufer bei Sacrow birgt einen bisher ungeborgenen Schatz: In ihrem blauen Fliesenband finden sich zahlreiche Botschaften für die Ewigkeit. Wer notierte hier 1942 »Carpe Diem«? Wer ritze »Wir standen hier so manche Nacht und keiner hat an uns gedacht«? Auf den blau glasierten Fliesen in Blütenform der von Ludwig Persius 1844 erbauten Sacrower Heilandskirche finden sich 150 Jahre deutsche Geschichte kondensiert in kurzen Nachrichten. Verfasst in Deutsch, Englisch oder Russisch, notiert in Sütterlin oder lateinischer Schrift, reichen sie von alltäglichen Kritzeleien bis zu historischen Wegmarken aus der Zeit des Zweiten Weltkriegs oder des geteilten Deutschlands.Short Messages bietet eine ebenso detaillierte wie charmante Chronik dieser einzigartigen Einschreibungen. Dokumentiert in den Fotografien von Lars Wiedemann, wird der Zauber dieses Ortes durch Texte von Angelika Kaltenbach und Schauspieler Hanns Zischler erzählt.

Drängend, dringlich, geballt: Chaïm Soutines ausdrucksstarke Gemälde sind Zeugnisse eines zerrissenen Lebensgefühls und einer Existenz am Rand der Gesellschaft. Seine farbintensiven, pastos-fleischigen, mit grobem Pinselstrich auf die Leinwand geworfenen Porträts, seine wankenden Landschaften und die Bilder geschlachteter Tiere zeugen von einem intensiven Lebenshunger und zugleich einer großen Befremdung in einer schwankenden Welt, die keinen Halt gibt. Trotz aller Anerkennung, die sein Werk fand, blieb Soutine zeitlebens ein Außenseiter, dem viele gesellschaftliche Gepflogenheiten Frankreichs fremd blieben. Der Katalog legt den Fokus auf die frühen Meisterwerke und Serien, die zwischen 1919 und 1925 entstanden sind: Mit dem gemeinsamen Thema Emigration und Entwurzelung offenbaren die Textbeiträge die Spuren von Soutines jüdischer Herkunft in seiner Malerei, beleuchten die Bedeutung von Randexistenzen als Bildmotiv sowie die Darstellung von Blut und von geschlachteten Tieren als Metapher. Vor allem aber zeigen sie die zentralen Einflüsse der Kunst Soutines bis in die Gegenwart.CHAÏM SOUTINE (1893 - 1943) wuchs in einem Schtetl nahe Minsk auf - eine Jugend geprägt von Armut, religiöser Strenge und gesellschaftlicher Ausgrenzung. 1913 kam er nach Paris und bezog ein Atelier im »La Ruche«, dem »Bienenstock«, in dem zahlreiche Künstler arbeiteten, darunter Marc Chagall und Amedeo Modigliani. Auf der Flucht vor den Nationalsozialisten starb er 1943. Die internationale Beachtung, die sein Werk in der Kunstszene seit den 1920er-Jahren gefunden hatte, wirkt bis heute nach: Künstler*innen des Abstrakten Expressionismus und der Neuen Figuration berufen sich auf ihn, ebenso wie die Malerei der Gegenwart.

Clenched, raw and pressingly urgent: Chaïm Soutine's vivid paintings are testimonies to a sense of human vulnerability and an existence on the margins of society. Intensely colored, his meaty impasto portraits are thrown onto the canvas with broad brushstrokes, while his agitated, frenetic landscapes and paintings of slaughtered animals are expressions of an intense hunger for life and, at the same time, a deep alienation in an unsteady world that offers no support. Despite the recognition his work received, Soutine remained an outsider throughout his life, a stranger to the social manners of his adopted home in France. This catalogue focuses on the early masterpieces and series he created between 1919 and 1925: Under the overarching theme of emigration and uprooting, the contributions reveal the traces of Soutine's Jewish origins in his work, illuminating the significance of his motifs from the fringes of society as well as of blood and animal carcasses as metaphors; and show the influences of Soutine's art up to the present day. CHAÏM SOUTINE (1893 - 1943) grew up in a shtetl near Minsk - a youth marked by poverty, religious rigor and social exclusion. In 1913 he arrived in Paris and moved into the artist residence "La Ruche" (the "Beehive"), working alongside artists such as Chagall and Modigliani. Fleeing the Nazis, he died in 1943, but the international attention his work had received since the 1920s continued to have great influence on post-war art, inspiring Abstract Expressionism, new figurative painting as well as contemporary artists.

We quite rightly celebrate human creativity, innovation, and entrepreneurship, but too often our triumphs in science, engineering and technology come at monumental cost. The human story is more often a tale of conflict and despair than of nurture, love, and coexistence. It would be easy to read the human story as one of tragic hubris. Yet it does not end here. We stand on the threshold of the future wondering which way the dice will fall. Our wager with posterity is that human ingenuity, intelligence, and resilience of spirit are powerful enough to insist upon a very different future for the human story. Prix Pictet. Human features over 100 outstanding works of contemporary photography by many of the world's most acclaimed photographers.The PRIX PICTET aims to harness the power of photography to draw global attention to issues of sustainability, especially those concerning the environment. Founded in 2008 by the Pictet Group, the Prix Pictet has become the world's leading award for photography and sustainability. To date, there have been ten cycles of the award, each with its own specific theme.

Evaporating Suns explores myths from the Arabian Gulfthrough contemporary art. Based on the concept that themythical and the factual are like two sides of the samecoin, the catalogue accompanying the exhibition showsthat myths do not simply convey fictions, but are alsocapable of presenting truth much more vividly than statisticsand facts ever could. The publication showcases thework of 13 contemporary artists from the Arabian peninsula,who explore the folklore and popular myths of theirhomelands, and use cynicism, satire, and fiction to buildtheir universes and rewrite the parallel history of theircontemporary societies. Completed by essays by authorsfrom the region, myths are seen here as opportunitiesfor a new approach to the negotiation of current issuessuch as the environment, gender, and social structures ofpower.Founded in 2018 by the artist Sibylle Piermattei-Geiger and herhusband Rocco Piermattei, KULTURSTIFTUNG BASEL H. GEIGER IKBH.G creates a cultural program with current political or culturalreferences. The Basel exhibition space hosts three topicalart exhibitions a year, each of which goes beyond the conceptsof established institutions.

Wie kann man sich in einen Klang hineinversetzen? Welche Perspektiven öffnen sich durch das Aufeinandertreffen von Raum, Resonanz und Wahrnehmung? Und wie verändern sich dabei die Beteiligten? Der Künstler und Komponist Jan St. Werner, bekannt als Mitglied des Duos Mouse on Mars, entwirft mit Space Synthesis ein radikal neues Verständnis von Klang und Raum. Das Zusammenspiel von beidem wird zur Methode der Erkundung von Architektur und sozialen Zusammenhängen. Space Synthesis ist der Katalog zur ersten Einzelausstellung von Jan St. Werner und zugleich das Dokument einer Praxis, die sich gegen scheinbar feststehendes Wissen wendet und die produktive Kraft von Klang multiperspektivisch untersucht. Zahlreiche Beiträge vertiefen das Verständnis seiner künstlerischen Arbeit.JAN ST. WERNER (*1969, Nürnberg) bezieht sich in seinen Soundarbeiten stets auch auf den Austausch mit der bildenden Kunst. Werner realisierte Klanginterventionen und Ausstellungen im Rahmen der documenta 14 in Athen und Kassel, dem Haus der Kulturen der Welt in Berlin, Lenbachhaus und ebenso auf der 6. Ural Biennale. Werner lehrte an der Nürnberger Akademie der Bildenden Künste, am Massachusetts Institute of Technology (M.I.T.) in Boston und an der New York University Tisch School of the Arts in Berlin.

In this gorgeous book, Brigitte Lustenberger explores the passing of time, memory and the fragility of life. She transforms flowers dried on glass used for photographic slides into delicate photographs. Celebrating the beauty of decay, Lustenberger leads us into a fascinating world of withered flowers. Her images reveal the incredible details of nature's ingenious constructions. The artist manages to combine both the fleetingness of a drawing made with light and the preservation of a photograph. Four essays by renowned curators provide insight into the artist's process-oriented working method, the interweaving of analogue and digital technology in her practice, and contextualize An Apparition of Memory within Western and Japanese photographic and art history.BRIGITTE LUSTENBERGER (*1969, Zurich) studied Photo Theoryand History at Zurich University and Fine Art Photography atParsons The New School of Design in New York. Lustenbergerexplores the essence of the medium of photography and its closeconnection to themes such as decay, memory and death. Sheworks with large and medium format cameras, scanners, iPhones,overhead and slide projectors. Her work has won numerousawards and has been exhibited internationally. She lives in Bern,Switzerland.

Die koloniale Invasion des Königreichs Benin durch britischeTruppen im Februar 1897 markierte das Ende eines dermächtigsten Reiche in der westafrikanischen Geschichte.Eine der Folgen war die Verstreuung von tausenden Kunstwerkenaus Bronze, Elfenbein und Holz, die aus dem königlichenPalast und der Stadt geraubt wurden.In Anbetracht der Restitution der großen deutschen Benin-Sammlungen wird der Benin-Bestand des MARKK in seinerGesamtheit gezeigt. Der Katalog vermittelt neben Informationenzum britischen Kolonialkrieg und zur aktuellenRestitutionsdebatte verschiedene Perspektiven auf dieursprüngliche Bedeutung der Werke, ihre herausragendekünstlerische Qualität und ihren Stellenwert in der afrikanischenKunst- und Kulturgeschichte. Einen besonderenStellenwert legt das Buch auf die Provenienz derHamburger Sammlung und ihre Verflechtungsgeschichtemit den kolonialen Handelsnetzwerken und offenbart diezentrale Rolle der Hafenstadt in der Geschichte der Benin-Sammlungen in Deutschland.

Bis ins frühe 19. Jahrhundert galt die vom Pathos getragene Historienmalerei als höchste Gattung der Kunst. Mit moralischem Anspruch - im Sinne Schillers erzieherisch auf den Geist zu wirken - verdichten die Zeichnungen herausgehobene Momente religiös-mythologischer Stoffe. Menschliches Empfinden und Handeln wird im wahrsten Sinne des Wortes zu einem künstlerischen Bild von Historie. Mit den hier versammelten Blättern vereint die Albertina herausragende Werke, die den Beginn der heute weltweit bedeutendsten Grafiksammlung markieren. Ihr Gründer Herzog Albert von Sachsen-Teschen sammelte am Puls der Zeit: Seinem besonderen Interesse an Zeichnungen, Studien, Skizzen und großformatigen Arbeiten auf Papier folgend, erwarb er die Werke direkt und oft persönlich in den Ateliers von Künstlern und Künstlerinnen wie Jacques-Louis David, Anton Raphael Mengs, Antonio Canova, Angelika Kauffmann, Heinrich Friedrich Füger und Johann Heinrich Füssli oder bei den großen Akademieausstellungen seiner Zeit.

Cycling is not just a form of locomotion. Bike culture is in constant interaction with fashion, music, design, politics and urban planning. Cycling is a way of life and a form of protest. The Easy Rider Road Book shows the wild, subversive side of cycling and the powerful bond it can create between people. It aims to inspire utopian thinking and show where the bike can take us. The pioneers of this new bike culture can be found in subcultures across the globe. In New York and Berlin, bike punks are building both fantastic and sustainable vehicles out of scrap metal and old bike frames. Riding a bike is a form of emancipation: When thousands of teenagers ride through London during BikeStormz, they are expressing their hope for a better future. Similarly, the Chilangos Lowbike Club's Sunday rides through Mexico City are a symbol against violence. The bicycle is a promise of freedom. This book presents the bicycle as a vehicle for communal action that has the potential to change life in the city and, ultimately, the city itself.The MUSUKU, MUSEUM OF SUBCULTURES, is a Berlin-based project of artists and creatives. IT aims to reflect the enormous relevance of subcultures, to give space to their narratives, and to be a place of experimentation, discussion and discourse. The projects are conceived in collaboration with a diverse community as temporary exhibitions in changing venues as well as in the open street.

Seitdem ihr Großvater in das Haus der Musik, ein Altersheim für Musikerinnen und Musiker, eingezogen ist, sind die Dienstage, an denen Renata ihn besucht, alles andere als erholsam. Der Großvater hat sich in eine Sopranistin mit hunderten Perücken verliebt, der Kontrabassist läuft regelmäßig davon, ein streunender Kater versucht, adoptiert zu werden, und dann ist da noch dieser als Batman verkleidete Junge, der behauptet, Musik klinge für ihn nur wie Lärm ...Zu allem Überfluss hat ihr Großvater sie auf eine Mission geschickt: Renata soll sich ein Instrument aussuchen, um wie alle in ihrer Familie Musikerin zu werden. Aber wie entscheidet man sich zwischen Piccoloflöte und Tuba, zwischen Synthesizer und Schlagzeug, zwischen Cello und Ukulele? Und was wäre, wenn die Lösung darin bestünde, überhaupt nicht zu wählen?Zimmer für Zimmer lernen wir die verschiedenen Instrumente, ihre Eigenschaften und Geschichte kennen. Inspiriert von der wahren Geschichte der Casa Verdi in Mailand, einem Zufluchtsort für mittellose Musikerinnen und Musiker im Alter, für den Komponist Giuseppe Verdi 1889 den Grundstein legte, erzählt dieses charmante Buch von den skurrilen Charakteren, die alle eines verbindet: ihre große Liebe zur Musik.MADDALENA VAGLIO TANET (*1985) ist Lyrikerin, Roman- und Kinderbuchautorin. Sie studierte Literatur an der Universität von Pisa und der Columbia University in New York und arbeitet heute neben ihrer schriftstellerischen Tätigkeit als Literaturscout. Ihr Debütroman Tornare dal bosco ist für den Premio Strega und den Premio Flaiano 2023 nominiert und wird derzeit in fünf Sprachen übersetzt, darunter auch ins Deutsche.GIOVANNI COLANERI (*1991) arbeitet als Autor und Illustrator mit Verlagen in Italien und im Ausland zusammen. Er studierte Grafik und Illustration in Florenz und Urbino. Seine Illustrationen und Kinderbücher sind vielfach ausgezeichnet und werden international ausgestellt.

Palmenblätter, Sonnenuntergänge, Wälder - an der Schnittstelle von Installation und Malerei oszillieren Philipp Fürhofers tropische Landschaften in hybriden Leuchtkästen zwischen Licht und Schatten. Fast grafisch tritt das Blattwerk hervor oder verschwinden Details hinter semitransparenten Flächen. Doch die Naturromantik trügt: Unter aufgeplatzten Schichten seiner Malerei offenbart sich die Frage nach der existenziellen, wechselseitigen Beeinflussung von Mensch und Natur, einer kapitalistischen Zivilisation und der stetigen Zerstörung ihres eigenen Lebensraums.Der Katalog erscheint anlässlich einer konzentrierten Einzelausstellung im Frankfurter Städel Museum, in der neueste Werke und eine raumspezifische Arbeit gezeigt werden, die im Dialog mit den architektonischen wie künstlerischen Elementen des Raumes eine mystische Dschungellandschaft entwirft. Ein kuratorischer Essay von Svenja Grosser und ein Gespräch mit der Opernkritikerin Christine Lemke-Matwey kontextualisieren die Arbeiten in Fürhofers Praxis.Künstler und Bühnenbildner PHILIPP FU¿RHOFER (*1982, Augsburg) ist international bekannt für ein Werk, das mit Acrylglas, Spiegeln und Licht hochästhetische und zugleich hintergründige Effekte erzeugt. Seine Arbeiten sind buchstäblich vielschichtig: sie sind gleichzeitig Bild, Skulptur und Lichtobjekt. Fürhofers Spiel mit der mehrdimensionalen Illusion kommt auch in den Bühnenbildern, die er für die Bayreuther Festspiele oder die Opernhäuser von Amsterdam, London und Kopenhagen entwarf, zum Tragen. Er lebt und arbeitet in Berlin.

The Desert Turned to Glass is a place where the cosmic and chthonic collide. Commemorating the centenary of the planetarium as an architectural type, this book collects a new body of work by acclaimed Canadian artist Charles Stankievech. Thematically, the project explores alternative theories concerning the origin of life, consciousness, and art-bridging the cosmological visions of cave art and the modern technology of the planetarium. Richly illustrated, the book pairs images of Stankievech's installations and cinematic works with newly commissioned writings by geologists, exobiologists, philosophers and archeologists. Spanning the abyss of space and the depths of the earth, The Desert Turned to Glass is an epic meditation on origins, endings, and infinity.CHARLES STANKIEVECH (*1978, Canada) is an artist redefining "fieldwork" at the convergence of geopolitics, deep ecologies, and sonic resonances. From the Arctic's northernmost settlement to the depths of the Pacific Ocean, Stankievech's practice uncovers the paradoxes of our existence on the planet by engaging with the imperceptible. He is Associate Professor at the University of Toronto.

The Emscherkunstweg (Emscher Art Trail) currently comprises 24 works of public art on the banks of the Emscher River in the heart of the Ruhr region in western Germany. Once the most polluted river in Europe, the Emscher has been dramatically transformed from a drainage system into a natural river landscape. Between 2010 and 2016, three Emscher art exhibitions accompanied this ecological tour de force. Since 2019, the permanent works of art resulting from these exhibitions have formed the starting point for the expansion into the Emscher Art Trail.This volume is the first to offer an overview of all the works, in particular the new works by Julius von Bismarck/Marta Dyachenko, David Jablonowski, Markus Jeschaunig, Sofía Táboas and Nicole Wermers. It also addresses questions surrounding the preservation and potential of art in public space and its relationship to the region's industrial culture. The book is an ideal travel companion and reference work for discovering art on over 100 kilometers of cycle paths.