Bücher veröffentlicht von Hatje Cantz Verlag GmbH

Cycling is not just a form of locomotion. Bike culture is in constant interaction with fashion, music, design, politics and urban planning. Cycling is a way of life and a form of protest. The Easy Rider Road Book shows the wild, subversive side of cycling and the powerful bond it can create between people. It aims to inspire utopian thinking and show where the bike can take us. The pioneers of this new bike culture can be found in subcultures across the globe. In New York and Berlin, bike punks are building both fantastic and sustainable vehicles out of scrap metal and old bike frames. Riding a bike is a form of emancipation: When thousands of teenagers ride through London during BikeStormz, they are expressing their hope for a better future. Similarly, the Chilangos Lowbike Club's Sunday rides through Mexico City are a symbol against violence. The bicycle is a promise of freedom. This book presents the bicycle as a vehicle for communal action that has the potential to change life in the city and, ultimately, the city itself.The MUSUKU, MUSEUM OF SUBCULTURES, is a Berlin-based project of artists and creatives. IT aims to reflect the enormous relevance of subcultures, to give space to their narratives, and to be a place of experimentation, discussion and discourse. The projects are conceived in collaboration with a diverse community as temporary exhibitions in changing venues as well as in the open street.

Seitdem ihr Großvater in das Haus der Musik, ein Altersheim für Musikerinnen und Musiker, eingezogen ist, sind die Dienstage, an denen Renata ihn besucht, alles andere als erholsam. Der Großvater hat sich in eine Sopranistin mit hunderten Perücken verliebt, der Kontrabassist läuft regelmäßig davon, ein streunender Kater versucht, adoptiert zu werden, und dann ist da noch dieser als Batman verkleidete Junge, der behauptet, Musik klinge für ihn nur wie Lärm ...Zu allem Überfluss hat ihr Großvater sie auf eine Mission geschickt: Renata soll sich ein Instrument aussuchen, um wie alle in ihrer Familie Musikerin zu werden. Aber wie entscheidet man sich zwischen Piccoloflöte und Tuba, zwischen Synthesizer und Schlagzeug, zwischen Cello und Ukulele? Und was wäre, wenn die Lösung darin bestünde, überhaupt nicht zu wählen?Zimmer für Zimmer lernen wir die verschiedenen Instrumente, ihre Eigenschaften und Geschichte kennen. Inspiriert von der wahren Geschichte der Casa Verdi in Mailand, einem Zufluchtsort für mittellose Musikerinnen und Musiker im Alter, für den Komponist Giuseppe Verdi 1889 den Grundstein legte, erzählt dieses charmante Buch von den skurrilen Charakteren, die alle eines verbindet: ihre große Liebe zur Musik.MADDALENA VAGLIO TANET (*1985) ist Lyrikerin, Roman- und Kinderbuchautorin. Sie studierte Literatur an der Universität von Pisa und der Columbia University in New York und arbeitet heute neben ihrer schriftstellerischen Tätigkeit als Literaturscout. Ihr Debütroman Tornare dal bosco ist für den Premio Strega und den Premio Flaiano 2023 nominiert und wird derzeit in fünf Sprachen übersetzt, darunter auch ins Deutsche.GIOVANNI COLANERI (*1991) arbeitet als Autor und Illustrator mit Verlagen in Italien und im Ausland zusammen. Er studierte Grafik und Illustration in Florenz und Urbino. Seine Illustrationen und Kinderbücher sind vielfach ausgezeichnet und werden international ausgestellt.

Palmenblätter, Sonnenuntergänge, Wälder - an der Schnittstelle von Installation und Malerei oszillieren Philipp Fürhofers tropische Landschaften in hybriden Leuchtkästen zwischen Licht und Schatten. Fast grafisch tritt das Blattwerk hervor oder verschwinden Details hinter semitransparenten Flächen. Doch die Naturromantik trügt: Unter aufgeplatzten Schichten seiner Malerei offenbart sich die Frage nach der existenziellen, wechselseitigen Beeinflussung von Mensch und Natur, einer kapitalistischen Zivilisation und der stetigen Zerstörung ihres eigenen Lebensraums.Der Katalog erscheint anlässlich einer konzentrierten Einzelausstellung im Frankfurter Städel Museum, in der neueste Werke und eine raumspezifische Arbeit gezeigt werden, die im Dialog mit den architektonischen wie künstlerischen Elementen des Raumes eine mystische Dschungellandschaft entwirft. Ein kuratorischer Essay von Svenja Grosser und ein Gespräch mit der Opernkritikerin Christine Lemke-Matwey kontextualisieren die Arbeiten in Fürhofers Praxis.Künstler und Bühnenbildner PHILIPP FU¿RHOFER (*1982, Augsburg) ist international bekannt für ein Werk, das mit Acrylglas, Spiegeln und Licht hochästhetische und zugleich hintergründige Effekte erzeugt. Seine Arbeiten sind buchstäblich vielschichtig: sie sind gleichzeitig Bild, Skulptur und Lichtobjekt. Fürhofers Spiel mit der mehrdimensionalen Illusion kommt auch in den Bühnenbildern, die er für die Bayreuther Festspiele oder die Opernhäuser von Amsterdam, London und Kopenhagen entwarf, zum Tragen. Er lebt und arbeitet in Berlin.

The Desert Turned to Glass is a place where the cosmic and chthonic collide. Commemorating the centenary of the planetarium as an architectural type, this book collects a new body of work by acclaimed Canadian artist Charles Stankievech. Thematically, the project explores alternative theories concerning the origin of life, consciousness, and art-bridging the cosmological visions of cave art and the modern technology of the planetarium. Richly illustrated, the book pairs images of Stankievech's installations and cinematic works with newly commissioned writings by geologists, exobiologists, philosophers and archeologists. Spanning the abyss of space and the depths of the earth, The Desert Turned to Glass is an epic meditation on origins, endings, and infinity.CHARLES STANKIEVECH (*1978, Canada) is an artist redefining "fieldwork" at the convergence of geopolitics, deep ecologies, and sonic resonances. From the Arctic's northernmost settlement to the depths of the Pacific Ocean, Stankievech's practice uncovers the paradoxes of our existence on the planet by engaging with the imperceptible. He is Associate Professor at the University of Toronto.

Kohlearbeiter*innen, in dem Moment, in dem sie ihre Kündigung erhalten; Gruppenfotos der letzten Schicht, bevor Arbeiter*innen ihr eigenes Werk demontieren; selbstbewusste Blicke in die Kamera von Kohlefrauen bis zur No-Future-Generation der 2000er-Jahre. Von 1982 bis 2006 begleitete die Fotografin Christina Glanz aus nächster Nähe die teils dramatischen Transformationsprozesse in der Niederlausitz.Erstmals zeigen die fotografischen Serien von Christina Glanz - darunter bislang nie gezeigte Aufnahmen - die heute fast vollständig verschwundenen Lauchhammer Kohle- und Brikettfabriken. Begleitet von einer Einführung von Katalin Krasznahorkai, einem Essay von Sonia Voss und von Stimmen aus den Gesprächen, die Christina Glanz mit Kohlefrauen nach der Wende führte, zeichnet diese Publikation eine Kartografie von Selbstermächtigung, Stärke und Widerstand der Akteur*innen in der Zeit des Übergangs in eine neue Welt.CHRISTINA GLANZ (*1946, Eichsfeld, Thüringen) studierte Architektur in Dresden und an der Kunsthochschule Berlin Weißensee. Ab 1973 arbeitete sie im staatlichen Büro für Städtebau in Berlin und war u. a. mit der Planung des Stadtteils Marzahn betraut. 1976 begann sie zu fotografieren und trat 1979 eine Aspirantur in Architektur/Fotografie an der Kunsthochschule Berlin Weißensee an. 1982 wurde sie in den Verband Bildender Künstler der DDR (VBK) aufgenommen und arbeitete seitdem als freischaffende Fotografin.

Der Emscherkunstweg umfasst aktuell 24 Kunstwerke im öffentlichen Raum entlang des Flusses Emscher mitten im Ruhrgebiet. Einst dreckigster Fluss Europas, wurde die Emscher in den letzten Jahrzehnten vom offenen Abwasserkanal zum sauberen Gewässer umgebaut. Zwischen 2010 und 2016 begleiteten drei Emscherkunst-Ausstellungen diesen ökologischen Kraftakt. Die daraus hervorgegangen permanenten Kunstwerke bilden seit 2019 den Ausgangspunkt für die Erweiterung zum Emscherkunstweg. Dieser Band bietet erstmals einen Überblick aller Arbeiten des Emscherkunstwegs, insbesondere der neuen Werke von Julius von Bismarck/Marta Dyachenko, David Jablonowski, Markus Jeschaunig, Sofía Táboas und Nicole Wermers. Darüber hinaus widmet er sich Fragen zur Erhaltung und dem Potenzial von Kunst im öffentlichen Raum ebenso wie ihrem Verhältnis zur Industriekultur. Das Buch ist idealer Reisebegleiter und Nachschlagewerk für die Entdeckung der Kunst auf über 100 Kilometern Radweg.Der Emscherkunstweg ist eine Kooperation zwischen Urbane Künste Ruhr, Emschergenossenschaft und Regionalverband Ruhr (RVR). Das Projekt wurde von 2019 bis 2023 als permanentes Angebot neu konzipiert und erweitert. Der Emscherkunstweg wird gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen.

Architectural patronage was crucial for the thinking of AbyWarburg and his circle. In Hamburg the purpose-designedKulturwissenschaftliche Bibliothek Warburg, completed in1926, organized Warburg's remarkable library. From 1927Warburg developed ideas about orientation in the radicaltransformation of a disused water tower into the HamburgPlanetarium. After the Warburg Institute transferredto London in 1933 this pattern of seminal architecturalcommissioning continued, including projects designed bythe avant-garde practice Tecton during the 1930s, and culminatingin the construction of the library's present homeat Woburn Square, Bloomsbury in 1958. Warburg Models:Buildings as Bilderfahrzeuge follows this history, usingarchive photographs, architectural drawings and a seriesof architectural models to show how the Warburg scholarsprojected a connection between their own physical occupancyof architectural space and their shared ideas aboutintellectual order, cultural survival, and memory.MARI LENDING and TIM ANSTEY are both professors of architecturalhistory at the Oslo School of Architecture and Design.Their continuing archive-based seminar on the relationshipbetween the Warburg Institute and architecture has developedinto an exhibition and a book, not least because of the skilledparticipation of their model-building students.

Zu Lebzeiten für seine emotional aufgeladenen Meereslandschaften mit Schiffen gefeiert und umworben, geriet Anton Melbye nach seinem Tod allmählich in Vergessenheit und wurde erst in den letzten Jahren wiederentdeckt. Insbesondere in seinen ab 1846 entstandenen Bildern des leeren Ozeans entwickelte der dänische Künstler das Seestück zu einem Spiegel der Seele, der Sehnsüchte und Ambitionen seiner Zeit. Erstmals in der Kunstgeschichte ohne Zeichen von Mensch, Schiff oder Küste zielt die bewegte Meeresoberfläche seiner Meereseinsamkeiten in ihrer Gleichförmigkeit, Undurchdringlichkeit und räumlichen Unendlichkeit auf die Verunsicherung der Betrachtenden und wird zur Projektionsfläche existenzieller Reflexion. Von Regine Gerhardt liegt nun das wissenschaftliche Standardwerk zum Leben und Schaffen dieses einzigartigen Malers vor.ANTON MELBYEs (1818, Kopenhagen-1875, Paris) Lebensstationen in Kopenhagen, Hamburg, Paris und Konstantinopel bilden eine Nord-Süd-Achse, anhand derer die europäische Dimension einer erfolgreichen Künstlerkarriere im 19. Jahrhunderts sichtbar wird. Neben seinen in Öl gemalten Seestücken fand er für seine technisch komplexen Kohle- und Kreidezeichnungen Anerkennung und genoss - wie auch seine Künstlerbrüder Vilhelm und Fritz Melbye - die Wertschätzung privater Kunstsammler.REGINE GERHARDT (1969-2018, Hamburg) studierte Geschichte und Kunstgeschichte in Hamburg und Dublin. Sie wirkte bis zu ihrem Tod als freie Kunsthistorikern zur bildenden Kunst des 19. Jahrhunderts. Ihre Promotion zu Leben und Werk Anton Melbyes erfährt mit dieser Veröffentlichung eine späte Würdigung.

Niko Pirosmani ist Entdeckung und Legende zugleich. Vielen (noch) unbekannt, wird er in seiner Heimat Georgien als Nationalkünstler verehrt. Pirosmanis um 1900 in Tbilissi entstandene Porträts und Tierbilder sind von eigentümlicher Ausdruckskraft und großer Empfindsamkeit. Seine Landschaften und Alltagsszenen greifen Elemente mittelalterlicher Ikonografie auf und zeugen von einer tiefen Verbundenheit zu seinen Landsleuten. Zugleich erkannte die Avantgarde in Pirosmanis Werk eine neue, radikale und unbekannte Form von Malerei. Wie Henri Rousseau oder Marc Chagall gehört der Autodidakt zu den außergewöhnlichen, schwer einzuordnenden Künstler*innen der frühen Moderne. Dieser Katalog zeigt Pirosmanis Können in zahlreichen Abbildungen: Wie er mit präzisem, skizzenhaftem Pinselstrich auf schwarzem Wachstuch die sparsam aufgetragenen Farben wie aus dunkler Tiefe glühen lässt. Pirosmani war ein Meister der Konzentration - und ein Geschichtenerzähler. Wie im Katalog von georgischen Kunsthistoriker*innen kenntnisreich dargelegt, war er ein singulärer Künstler, eine widersprüchliche Figur und ein wichtiger Teil der Kunstszene in Tbilissi, das damals als das »Paris des Ostens« galt. In eine Bauernfamilie hineingeboren, kam NIKO PIROSMANI (1862 - 1918) 1870 nach Tbilissi. Gelegenheitsarbeiten und das Malen von Porträts oder Kneipenschildern verhalfen ihm zu einem bescheidenen Einkommen. 1912 erregte er die Aufmerksamkeit georgischer und russischer Avantgardekünstler*innen, die seine Werke ein Jahr später in der Ausstellung Mischén (Zielscheibe) in Moskau gemeinsam mit Natalia Gontscharowa, Michail Larionow, Kasimir Malewitsch und Marc Chagall präsentierten. Eine geplante Ausstellung in Paris wurde durch den Ausbruch des Ersten Weltkrieges verhindert. Pirosmani starb völlig verarmt 1918. Heute gilt er als der berühmteste Künstler Georgiens.

Unknown to many, Niko Pirosmani is revered as a legend in his native Georgia. Conveying a sense of poignant empathy, his portraits, animal paintings, landscapes and scenes from everyday life painted around 1900 in a flourishing Tbilisi draw on medieval iconography and testify to a deeply felt sense of belonging. At the same time, the avant-garde recognised a novel and radically new form of painting in his work. Like Henri Rousseau or Marc Chagall, Pirosmani is one of the exceptional yet difficult to categorize proponents of early modern art. This catalogue demonstrates Pirosmani's qualities in numerous illustrations, showing how his rapid brushstrokes on black oilcloth give the sparsely applied colors a glow as if coming from a dark depth. Pirosmani was a master of concentration¿and a storyteller. As expertly explained in the catalogue by a selection of Georgian art historians, he was a unique artist, a contradictory figure and an important part of the art scene in Tbilisi, then considered the "Paris of the East." Born into a peasant family, NIKO PIROSMANI (1862 - 1918) arrived in Tbilisi in 1870. Painting portraits and tavern signs for room and board, he came to the attention of the Georgian and Russian avant-garde in 1912, who presented him a year later as the "Rousseau of the East" in the Moscow exhibition Mischén alongside works of Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Kazimir Malevich and Marc Chagall. An exhibition in Paris was planned, yet never to happen due to the First World War. Pirosmani died impoverished in 1918. Today he is Georgia's most celebrated artist.

Ash Keating ist bekannt für seine spektakulären Bemalungen ganzer Gebäude und riesiger Wände. Wie kein anderer hat er den Einsatz von Feuerlöschern als Werkzeug für seine abstrakten Arbeiten im öffentlichen Raum perfektioniert und lässt dabei Raum für Zufall und Improvisation. Inspiriert von Licht und Farben seiner Heimat Australien zeigt die energetische Farbigkeit seiner Malerei mit ihren flüssigen, vertikalen Verläufen eine beinahe transzendente Sehnsucht. In einer öffentlichen performativen Aktion verwandelt er im August 2023 das ehemalige Verwalterhaus in der Parkanlage des Museums Langmatt in ein gewaltiges, dreidimensionales Kunstwerk. Er ergänzt seine Präsentation durch neue Bilder im Park und setzt sie in den historischen Innenräumen des Museums in Dialog mit den französischen Impressionisten der Sammlung. Die Publikation gibt einen exemplarischen Einblick in das vielseitige Schaffen des Künstlers und dokumentiert seine Ausstellung im Museum Langmatt.

Caspar David Friedrichs Geburtstag jährt sich 2024 zum 250. Mal. Die Bilder dieses herausragenden Malers gewinnen dabei immer weiter an Aktualität - kaum eine Diskussion um Klima oder Nachhaltigkeit, ohne dass eines seiner ikonischen Gemälde zum stillen Zeugen aufgerufen wird. Barbara Hess blickt in diesem handlichen Band auf das Werk des Malers und sein Leben, von seiner nachhaltigen Brisanz über die großen Themen der Romantik bis zur Zeichnung. Im spielerischen Format eines A-Z Buchs nimmt uns die Autorin mit auf eine Entdeckungsreise und zeigt, wie sich im längst vertraut Geglaubten immer wieder neue Ansichten und Perspektiven gewinnen lassen. CASPAR DAVID FRIEDRICH (1774 - 1840) ist der bedeutendste Künstler der deutschen Romantik. In Greifswald geboren, studierte er an der Kunstakademie in Kopenhagen und ließ sich ab 1798 in Dresden nieder. Seine Landschaftskompositionen zeugen von einer großen Innerlichkeit und Melancholie. Friedrich forderte ein neues Bildbewusstsein der Betrachtenden, zugleich entziehen sich seine Werke einer Eindeutigkeit, sind immer wieder neu interpretierbar. Die Kunsthistorikerin BARBARA HESS (*1964) verfasste Publikationen unter anderem zu Avantgardegalerien, zum Abstrakten Expressionismus, zur documenta, zu Lucio Fontana und Jasper Johns. Bei Hatje Cantz erschien soeben »es gibt im Moment keine besseren Künstler als uns in Deutschland« HP Zimmer, Tagebuch 1957 - 1965, herausgegeben von Barbara Hess, Matthias Mühling und Nina Zimmer.

One of his generation's most popular artists, German Romantic painter Caspar David Friedrich is known for his allegorical landscapes that convey a deep sense of contemplation and melancholy. 2024 marks the 250th anniversary of the birth of this outstanding artist, whose paintings continue to gain in topicality-hardly a discussion on climate change without one of his iconic paintings, such as The Sea of Ice, being invoked as a silent witness. Barbara Hess examines the painter's work and his life, from its lasting poignancy to the great themes of Romanticism and drawing. In the playful format of an A-Z book, the author takes us on a timely journey, showing how new views and perspectives can be gained from what has long been thought familiar. CASPAR DAVID FRIEDRICH (1774-1840) is the most important artist of the German Romantic period. Born in Greifswald, then part of the Kingdom of Sweden, he studied drawing at the Academy of Fine Arts in Copenhagen, before settling in Dresden in 1798. His compositions are visualizations of emotional landscapes that create an instant of sublimity. His works elude lucidity and have therefore continuously been open to new interpretations. Art historian BARBARA HESS (*1964) has published works on avant-garde galleries, Abstract Expressionism, the documenta, Lucio Fontana and Jasper Johns, among others. Most recently, she has co-edited the diary of the German post-war avant-garde artist HP Zimmer, published this spring by Hatje Cantz.

Die Sammlung von Handzeichnungen und Druckgrafiken Albrecht Dürers im Berliner Kupferstichkabinett zählt zu den bedeutendsten weltweit. Anhand von 130 Arbeiten, darunter Meisterwerke wie die Apokalypse oder das Porträt von Dürers Mutter, wird nun die wechselvolle Geschichte der Sammlung selbst vorgestellt: von den Anfängen des Berliner Kabinetts 1831 über Gründerzeit und Nationalsozialismus bis zur Teilung der Bestände und ihrer Wiedervereinigung 1994. Der Katalog beleuchtet die kulturhistorische Bedeutung der Inszenierung Dürers für nationale Identitätsbildung und einen »Dürer- Skandal« 1871, der im Gründungsjahr des Deutschen Kaiserreichs eine der ersten akademischen Zuschreibungskontroversen der deutschen Kunstgeschichte auslöste. Durch spektakuläre Erwerbungen, die die Sammlung des Kupferstichkabinetts in ihren heutigen Weltrang katapultieren, gelang es, sie zu rehabilitieren, Dürers Werk für die Forschung zu erschließen und Meilensteine der Kunstreproduktion zu setzen. Dieser Katalog erlaubt Einblicke in Berlins behütete Schatzkammer.ALBRECHT DÜRER (1471-1528, Nürnberg) ist einer der bedeutendsten Künstler aller Zeiten im deutschen Sprachraum.Er lebte an der Zeitenwende von Spätgotik zu Renaissance und prägte beide Epochen maßgeblich: die Spätgotik als innovativer Vollender, die Renaissance als neugieriger, kreativer und prägender Mitgestalter. Zu seinem umfangreichen Werk gehören mehr als 100 Stiche, ca. 250 Holzschnitte und mehr als 1000 Zeichnungen.

"He doesn't bother me," Picasso commented of the photographerEdward Quinn, after the latter had first photographedhim at work in the ceramics studio in the early1950s. This was undoubtedly one of the reasons why Quinnwas allowed to accompany the artist with his Leica for over20 years from 1951 onwards during his time on the Côted'Azur: in the studio, in private with his family, with artistfriends, at the bullfight, out and about, with lovers or simplyat the hairdresser's. The Quinn Archive holds a largestock of photographs of great intimacy, showing Picassoin everyday life and documenting his idiosyncratic character,his humor, and his enthusiasm in an amiable andlight-hearted way.Edward Quinn did not use a tripod with his camera, nor didhe illuminate the room artificially; his main concern wasto capture genuine pictures. As a viewer, you find yourselfon eye level with the protagonists. Almost like in the streetphotography we know today, there is a captivating senseof the casual moment. This book is a magical selection ofphotographs from Picasso's everyday life and shows thefamous artist in many unexpected situations.From 1949, EDWARD QUINN (1920, Dublin-1997, Altendorf/Switzerland) lived and worked on the Côte d'Azur as a press photographer for international magazines such as Life and Paris Match. During his 20-year friendship with Picasso, he took more than 12,000 photographs of the artist. From the 1960s onwards, Quinn concentrated his work entirely on the art scene, portraying the likes of Max Ernst, Alexander Calder, Francis Bacon, Salvador Dalí, Graham Sutherland, David Hockney and Georg Baselitz.

Neben Produktion und Verbreitung ist die Rezeption das dritte große Forschungsgebiet der Kunstgeschichte. In der Regel erfolgt dabei eine Fokussierung auf die individuelle Rezeption. Das Kunstpublikum. Eine kurze Geschichte untersucht dagegen erstmals die Bedeutung eines notwendigen, aber meist übersehenen Akteurs im Kunstbetrieb. Bildliche und schriftliche Zeugnisse aus allen Zeiten dokumentieren das Verhalten des Publikums und die unterschiedlichen Beurteilungen durch Künstlerinnen und Künstler, Sammlerinnen und Sammler sowie Kritikerinnen und Kritiker.Bätschmann zeigt auf, dass die Sachverständigen im Kunstsystem stets zwischen zwei Extremen schwanken: Sie stehen dem Publikum entweder skeptisch gegenüber und verachten dessen Geschmack oder sie schmeicheln der Masse und wollen ihren Applaus.OSKAR BÄTSCHMANN (*1943) gehört zu den wichtigsten Kunsthistorikern unserer Zeit. Er lehrte in Zürich, Freiburg i.Br., Gießen und Bern und hatte längere Forschungsaufenthalte am Getty Center, Santa Monica, an der Bibliotheca Hertziana, Rom, sowie am Center for Advanced Study in the Visual Arts an der National Gallery of Art, Washington, D.C. Bätschmanns Bücher, darunter Einführung in die kunstgeschichtliche Hermeneutik und Ausstellungskünstler, gelten als Klassiker des Fachs.

Louise Amelie's documentary photo series is an artistic exploration of the global phenomenon of migration and its many facets, which are often ignored in European migration politics. Migration has always been an integral part of human experience and will continue to be. Yet in public discourse it is presented as an aberration, while the existence of nation-state borders is hardly ever questioned. On the globe, Kyrgyzstan nestles inconspicuously next to Kazakhstan and China, but on the ground the vastness and heights of the mountains seem endless. In contrast to the natural beauty, prefabricated housing estates spring up in the capital, Bishkek. Here lives a young population that, despite all the adversities of post-Soviet reality, faces the world with great confidence. In a collection of portraying texts and photographs that foreground the individual stories, the book is an expression of solidarity and empathy, and shows that migration can mean both an opportunity as well as the painful loss of a beloved Missing Member.The artistic focus of director and photographer LOUISE AMELIE (*1991, Berlin) is on documentary and street photography. Her series, shot in the USA between 2016 and 2020, have been exhibited internationally and have been awarded the German Photo Book Prize and the Belfast Photo Festival. Since 2021, she has been exploring the theme of post-Soviet identity and migration in Central Asia, spending two and a half months in Kyrgyzstan for this project.

Im Zentrum Kopenhagens, im sechsten Stock des heutigenRadisson Collection Hotel, Royal Copenhagen, bewahrt eineinziger Raum einen Mikrokosmos der Designgeschichte.Zimmer 606 ist das letzte erhalten gebliebene Original-Interieur des SAS Royal Hotel des dänischen Architektenund Designers Arne Jacobsen. 1960 fertiggestellt, markiertdiese Ikone der Moderne einen Höhepunkt seines Wirkens.Jedes Detail war von Jacobsen selbst entworfen: von dergrün-bläulichen Farbpalette, neuen Möbeln wie den heutelegendären Egg- und Swan-Stühlen, bis zu Textilien, Leuchtenund sogar dem Essbesteck.Dieses Buch bietet einen einzigartigen Einblick inJacobsensWerk, wobei die Zeitkapsel Zimmer 606 alsObjektiv dient, durch das sich die gesamte Spanne seinerKarriere betrachten und anhand dessen sich die Verbindungenzu seinen anderen Werken nachzeichnen lässt.Ein verlorenes Mid-Century Meisterwerk wird hier anhandvon Hunderten von Archivfotos, Originalzeichnungen und-skizzen rekonstruiert.ARNE JACOBSEN (1902 - 1971) war einer der herausragendstenArchitekten des 20. Jahrhunderts, der die Grenzen zwischenArchitektur, Inneneinrichtung und Industriedesign auflöste. DieGebäude des dänischen Architekten sind Gesamtkunstwerke, dieArchitektur und Design, Funktionalismus und ästhetische Qualitätmiteinander verschränken.

Making women in architecture visible-that is the goal of Diversity in Architecture e. V. (DIVIA). Celebrating its debut in 2023, its international award for women architects and urban planners aims to help achieve this goal. Following the announcement of 27 nominees, selected by an international Advisory Board with experts form the six continents, a high-profile jury has chosen the five finalists: May al-Ibrashy, Marta Maccaglia, Noella Nibakuze, Katherine Clarke & Liza Fior and Tosin Oshinowo. Each of them is a pioneer in her field and an embodiment of DIVIA's philosophy, inspired by trailblazing architect Lina Bo Bardi that "architecture is a social discipline." This catalogue retraces their paths and portrays their work. In conversation with them we learn about what drives them, the obstacles they have face(d) along the way, and the opportunities that lie in female leadership. This publication is a tribute to their cultural engagement, ethics, and deep sense of community- it is a recognition of their efforts to create environments that positively affect others and celebrates them as role models for the next generation of female architects.DIVIA-DIVERSITY IN ARCHITECTURE E. V. was founded by UrsulaSchwitalla and Christiane Fath in 2021. The platform's aim is toincrease the visibility of women in architecture and urban planningand to promote equality.

Silent Parties is an artwork based on eight historic legal cases in which animals have been put on trial or robots have been at the centre of legal disputes. benandsebastian's recently completed public commission for the Court of Aarhus focuses on mute, nonhuman participants in legal history, spanning from a 15th century case involving a cock being tried for allegedly laying an egg, to a contemporary case examining whether life-size, singing and dancing robots at an American restaurant chain should be considered live performers. benandsebastian have collaborated with specialists working within the fields of law, robotics, ethics, anthropology and cognitive science, addressing ways in which nonhumans have been silent, but also revelatory, parties in legal history.BEN CLEMENT (*1981, Oxford) and SEBASTIAN DE LA COUR (*1980, Copenhagen) have been working together as the duo benandsebastian since 2006. Their artworks, such as Department of Voids at the 21st Century Museum of Contemporary Art in Kanazawa and at Den Frie in Copenhagen, discover potential within gaps in institutional representation.

In den letzten 20 Jahren hat Camille Henrot eine von der Kritik gefeierte Praxis entwickelt, die sich zwischen Zeichnung, Malerei, Skulptur, Installation und Film bewegt. Mother Tongue ist die erste Publikation der Künstlerin, die sich ausschließlich auf Malerei und Zeichnung konzentriert und über 200 Werke aus den zwischen 2018 und 2022 entstandenen Serien System of Attachment, Wet Job und Soon vereint. Dieses jüngste Werk thematisiert die ambivalente Natur der Fürsorge und die Spannung zwischen dem gleichzeitigen Bedürfnis nach Bindung und Selbstbehauptung, das im Säuglingsalter beginnt und sich durch das ganze Leben zieht. Individuelle, intime Auseinandersetzungen führen dabei immer auch zu umfassenden Fragestellungen, wie den gesellschaftlichen Erwartungshaltungen an Mutterschaft und der Repräsentation des weiblichen Körpers. Der reich bebilderte Katalog wird begleitet von Texten von Emily Labarge, Legacy Russell, Marcus Steinweg, Hélene Cixous, Seamus Kealy und einem Gespräch zwischen Camille Henrot und der Kuratorin Julika Bosch. CAMILLE HENROT (*1978, Paris) gilt als eine der einflussreichsten Stimmen der zeitgenössischen Kunst. Referenzen aus Literatur, Psychoanalyse, Kulturanthropologie und der Banalität des Alltags aufgreifend, hinterfragt sie, was es bedeutet, sowohl privates Individuum als auch globales Subjekt zu sein. Henrots Arbeiten werden weltweit in Einzelausstellungen gezeigt, zuletzt im Munch Museum, Oslo; Palais de Tokyo, Paris; Kunsthalle Wien und New Museum, New York. Sie lebt und arbeitet zwischen Berlin und New York.

In the 1990s, queer youth, outcasts and artists, flocked to San Francisco to find one another and to experiment with art, self-expression, style, and gender. Rent was affordable, paving the way for queer bars, clubs, tattoo shops, galleries, cafes, bookstores, and women-owned businesses to emerge. A new wave of feminism embraced gender bending, and butch/femme culture flourished. The Mission District was the center of this queer cultural renaissance, and the feeling of community was palpable. Chloe Sherman was both a member of this community and an ardent visual chronicler. Her documentary photographic work on 35mm film stems from a commitment to capturing the vibrancy, tenderness, individuality, resilience, and joy within this subculture that was derided by mainstream society. Distilling the spirit of the time, her debut monograph is a candid portrait of a vibrant era that connects current and future generations to the pulse of San Francisco at a pivotal chapter in queer history.CHLOE SHERMAN (*1969, New York City) arrived in San Francisco in 1991 and earned her BFA in Photography at the San Francisco Art Institute. Her work has been exhibited internationally and featured in magazines such as Rolling Stone and Interview. Her documentary photography is deeply influenced by her fine arts training.

Seit dem Jahr 2000 findet während der Art Basel, der weltweit wichtigsten Messe für zeitgenössische und moderne Kunst, Unlimited statt. Unlimited ist die innovative Plattform für großformatige Kunstprojekte, die die Maßstäbe des klassischen Messestandes sprengen - und sich bei Sammler*innen und Publikum großer Beliebtheit erfreuen. Kuratiert von Giovanni Carmine versammelt Unlimited 2023 Arbeiten von über 70 Künstlerinnen und Künstlern. In einer gigantischen, 17.000 Quadratmeter großen Halle werden überdimensionale Kunstwerke, Video-Projektionen, großformatige Installationen und Live-Performances gezeigt. Die aktuelle Ausgabe von Unlimited verspricht - wie ihre Vorgänger - einiges Aufsehen zu erregen. Im Katalog werden alle beitragenden Künstler*innen und ihre präsentierten Werke vorgestellt.

It is estimated that, as a result of climate change, illegal trade, and habitat loss from the encroachments of technology and industrialization, as many as one in eight species of birds is heading towards extinction. Created in close collaboration between Sean Scully and Kelly Grovier, each pairing of poem and drawing is devoted to the beauty and mystery of an individual species of bird. Scully's visual language, at once measured and impassioned, geometric and free-flowing, captures the essence of creatures that are, themselves, on the brink of becoming mere abstractions. Though his first series of iPhone drawings are consistent with his signature style, they reveal a fresh intimacy, playfulness, and exhilaration of gesture, color, and form that is in accord with the wonder of feathered flight. Created on a digital device, the drawings are, as Scully remarked, the ironic embodiment of "technology which is ruining nature turned inside out to protest its demise." Yet taken together, these duets aim to offer something uplifting in the face of an accelerating tragedy. "Hope" is, after all as Emily Dickinson famously wrote, "the thing with feathers / That perches in the soul."Having developed a style over the past five decades that is uniquely his own, SEAN SCULLY (*1945, Dublin) is one of the world's most acclaimed contemporary artists. He is known for his large-scale abstract sculptures, installations and paintings, comprised of vertical and horizontal color bands, blocks and geometrical forms as well as his intellectually engaging writings and lectures.KELLY GROVIER is a poet and cultural critic. Educated at the University of California, Los Angeles and at the University of Oxford, he is a feature writer for BBC Culture and co-founder of the international scholarly journal European Romantic Review.

As the opposition between illusion and reality dissolves and the boundaries between the world we inhabit and its virtual dimensions blur, Immerse! examines how computer-generated public spaces shape our current political and social discourses. What is the potential of virtual reality within the art field, when concepts such as presence and absence, material and immaterial are beginning to lose their validity?Realized as part of the international research project Beyond Matter that explores the shift in the production and mediation of visual art within institutional frameworks. Exhibition spaces are physical locations of knowledge production and exchange, where spatial qualities play an important role in the contextualization of information. One of the goals of the project is to develop virtual productions that maintain these sensual qualities, but add layers of digitized and born-digital content to defy transience and the dependency on geographical locations, and create entirely new immersive experiences.The catalogue offers the reflections on the theme by curators Corina L. Apostol and Lívia Nolasco-Rózsás as well as 19 visual essays by trailblazing artists and four in-depth theoretical texts by Helen Kaplinsky, Matthew Fuller, LukáS Likavcan, Zsolt Miklósvölgyi and Márió Z. Nemes that explore the concept of immersion.

In einem bewusst vielstimmigen Ansatz regt die Ausstellungund der sie begleitende Katalog 1,5 Grad dazu an,neugierig und innovativ, anteilnehmend und handelndder Klimakrise zu begegnen. Mehr als 30 internationaleKünstler*innen, darunter melanie bonajo, Julian Charrière,Olaf Holzapfel, Ernesto Neto, Otobong Nkanga, LaureProuvost und Marianna Simnett untersuchen das komplexeZusammenwirken von Mensch, Natur und Technikund formulieren Lösungsansätze: von der Speicherung großerDatenmengen in der DNA von Pflanzen, zu Algen alsEnergieträgern und Kleinstlebewesen als empathischenGesprächspartnern. Unter Einbeziehung aller Sammlungsbereicheder Mannheimer Kunsthalle sowie neuer Außen-Installationen auf dem Gelände der Bundesgartenschauin Mannheim stellt das Buch Ansätze vor, die mit Mittelnder Kunst die Koexistenz der Spezies neu denken und Hoffnungin einer beschädigten Welt spenden lässt.

Image Cities takes us on a journey through cities the Globalization and World Cities Research Network ranks highest according to their degree of "global interconnectedness." We find them in a process of transformation concealed behind dummy façades onto which a sense of heightened anticipation has been projected. It would be tempting to read these photographs as a polemic against the triumph of consumerism and a slowly numbing global visual-economic order that wraps itself around whatever once felt local and civic. Samoylova's photography is full of masterful refinements of the existing clichés of urban photography: Citizens dwarfed by giant images. Faces and bodies refracted through glass. The Pop-Cubism of visual bricolage. The minuscule human figures that stroll seemingly indifferent through city space while being at least partly somewhere else in their imaginations¿ their existence already a collage of places and times. Yet, Samoylova consciously engages with cliché, takes it apart and reassembles it, gambling that it can be taken to a level of pictorial sophistication that eludes any simple argument or statement. Instead, she invites us to reflect on photography's role in the creation of a gap between these citie's brand identity and their everyday reality.ANASTASIA SAMOYLOVA (*1984) grew up in Moscow. In 2008 she moved to the United States, where she graduated with a master's degree in Interdisciplinary Art from Bradley University, Illinois. Her work explores the tension between the staged perception of a bombastic materialism and reality. Living and working in Miami, Florida has become the backdrop for her combination of collage-like details with the genre of the road trip. Her recent series Flood Zones and Floridas have received great critical acclaim.

L'artiste suisse Miriam Cahn (*1949, Bâle) aborde des thèmes politiques et sociaux dans des peintures à l'huile, des dessins au fusain, à la craie, en couleur et au crayon, des photographies, des films et des installations. Ses oeuvres se caractérisent par des couleurs vives qui forment de forts contrastes avec les motifs récurrents de la violence, de la tendresse, de la guerre, de la dévastation et de l'intégrité physique. Commenter sa propre création par écrit est le fil rouge du parcours artistique de Cahn. Elle examine ses propres travaux, commente l'actualité artistique et mondiale et confronte ses textes à ses oeuvres dans des expositions et des publications.ÉCRIT DE COLÈRE réunit pour la première fois ces textes, notes de journal et échanges de lettres avec des amis, des adversaires, des membres de la famille et des galeristes dans un recueil de textes uniquement. Le livre donne un aperçu très personnel de la vie de Miriam Cahn, de sa famille et du monde de l'art, et fait découvrir au lecteur un esprit contestataire et indépendant.

»Wie ein Besucher aus dem All versuche ich, einen Blick vonaußen auf den Lebensraum des Menschen zu werfen - vollerNeugier, aber auch mit Schrecken.« Die Möglichkeitendes Fotografischen bis an die Grenze des Mediums auslotend,geht Andreas Gefellers Blick dahin, wo das Sichtbaredas Unsichtbare berührt. Von frühen dokumentarischenSerien zu digital konstruierten Perspektiven undmetaphorisch lesbaren Arbeiten vereint die neue Publikationbislang nicht veröffentlichte Fotografien, Schlüsselbilderseiner bekannten Werkreihen und neueste Arbeiten.Die Retrospektive offenbart, wie der Fotokünstler Technikenwie extreme Langzeit- und Überbelichtungen überHighspeed-Blitzlicht-Aufnahmen bis zu digitalen Collagennutzt, um unsere menschlichen Wahrnehmungsgewohnheitenzu hinterfragen. In seiner Auseinandersetzung miteiner vom Menschen dominierten Natur schafft er Bildervon einer fast erhabenen abstrakt-malerischen Qualität,um von dort aus eine Entzauberung zu betreiben, die diewahre Realität des Gezeigten offenbart.ANDREAS GEFELLER (*1970, Düsseldorf) studierte an derFolkwang Universität der Künste Essen und schloss 2000 seinStudium mit Auszeichnung ab. Seine preisgekrönten Fotoarbeiten- darunter die 2012 mit dem Deutschen Fotobuchpreisausgezeichnete The Japan Series (Hatje Cantz) - werden internationalausgestellt und sind in wichtigen Sammlungen vertreten.Gefeller lebt und arbeitet in Düsseldorf.