Bücher veröffentlicht von Hatje Cantz Verlag GmbH

Since its beginnings in Paris in the mid-19th century, the idea of bohemia, an urban community of artists and intellectuals living outside bourgeois norms, has been a potent trope of artistic identity. It was here that the notion of an unconventional, free-spirited life, precarious yet filled with idealism, was codified and romanticized. Bohemia: History of an Idea, 1950 - 2000 shows the continuities and differences between the scenes and subcultures of the second half of the twentieth century, when the mainstream began to appropriate and thereby erode a way of life predicated on its rejection. Nonetheless, as an alternative to conformity the bohemian idea has exerted an enduring fascination. Through works by 39 artists, including Alice Neel, PeterHujar, John Deakin, David Wojnarowicz, Ed van der Elsken, Robert Frank and Alfred Leslie, William Gedney, LibuSe Jarcovjáková, Nan Goldin, Zhang Huan and Wolfgang Tillmans, the publication explores the diversity of expressions in various cities in Europe, North America and Asia and shows that the bohemian idea continues to galvanize and inspire.RUSSELL FERGUSON is a research professor at the University of California's Art Department. During his tenure at the Museum of Contemporary Art and the Hammer Museum in Los Angeles, he curated numerous exhibitions on culture and representation in contemporary art and photography.

Während die deutsche Malerei der Nachkriegszeit wesentlich mit Vergangenheitsbewältigung beschäftigt war und diese in heroischen bis ironischen Gesten präsentierte, geht es bei Daniel Richter um Gegenwartspositionierung. Immer wieder entwickelt er neue Wege, »modern« in einem Medium zu sein, dem seit langem das Etikett des Altmodischen anhaftet. Seine Bilder verlangen den Betrachtern durch ihre malerische und inhaltliche Überforderung immer wieder alles ab, ohne aber je belehrend zu werden. An mehr als 200 Werkbeispielen zeichnet Eva Meyer-Hermann erstmals die chronologische Entwicklung von Richters Schaffen nach. Die bislang eher als abrupt beschriebenen Wenden von abstrakt zu figurativ und wieder zurück erweisen sich dabei als logische Konsequenz und Akte bewussten künstlerischen Handelns.DANIEL RICHTER (*1962, Eutin) gehört seit mehr als zwanzig Jahren zu den wichtigsten und international bekannten Malern seiner Generation. Seine Anfänge im linksautonomen Untergrund und ein erst spät aufgenommenes Studium bei Werner Büttner an der Hochschule der bildenden Künste in Hamburg haben ebenso zu seinem Ruf beigetragen wie seine eloquente Präsenz in der Öffentlichkeit.

Hardly any natural spectacle is as attractive as the setting sun. It is an event that repeats itself every day, and yet each time, it feels like a final act. People pause, are touched, ponder, take photographs-millions of times. In art, too, the sunset has long been a metaphor for life and its finitude. From Caspar David Friedrich and Claude Monet to Fischli/Weiss, Tacita Dean, and Wolfgang Tillmans, Sunset. Ein Hoch auf die sinkende Sonne (Sunset: A Toast to the Setting Sun) is a tour d'horizon between kitsch and art, pathos and phenomenological physics. In an era when theories and images of doom are omnipresent, this volume also illuminates the attitude contemporary artists take when exploring the atmosphere. A literary essay by Ulrike Draesner and new poetry, written especially for eight of the artworks on display, expand the cosmos of thought and the time spent in reflection between sunset and the blue hour.

Ihren eigenen Körper als Rohmaterial einsetzend, dekonstruiertdie französische Künstlerin ORLAN die traditionelleIkonografie des Weiblichen. In den 1990er-Jahren erregteORLAN mit den an ihrem Körper vorgenommenen chirurgischenOperations-Performances großes Aufsehen. IhrFrühwerk ist weniger bekannt: Bereits 1964, mit 17 Jahren,gebiert sie ihr künstlerisches Selbst. Seitdem erschafft siesich immer wieder neu. Ihr Körper wird zugleich Subjektund Objekt, ironisch und provokativ spielt sie mit Identität.Diese Publikation fächert die gesamten sechs Jahrzehntevon ORLANs Werk auf und beleuchtet besonders ihrefrühen Performances. Zu ihren jüngsten Neuerschaffungengehört der Roboter ORLAN-OÏDE, und mit Hilfe einerAugmented Reality App steigen gar ORLAN-Avatare ausdem farbenprächtigen Buch heraus und werden lebendig.Dass der Körper politisch ist, zeigt sich in all ihren Arbeiten:1989 verwandelt sie Gustave Courbets Bild L'originedu monde in L'origine de la guerre, indem sie die Vulvadurch den Phallus ersetzt. Das Statement büßt nicht anAktualität ein.Die französische Künstlerin ORLAN (*1947, Saint-Étienne) ist eine der bedeutendsten Vertreterinnen der Feministischen Avantgarde, der Performance-Kunst und Begründerin L'Art Charnel (der Fleischeskunst). ORLAN setzt seit sechs Jahrzehnten ihren eigenen Körper als künstlerisches Material ein. Sie lebt und arbeitet in Paris.

Diese mit charmantem Witz illustrierte Graphic Novel baut eine Brücke zwischen den Generationen, zwischen dem Heute und der Vergangenheit. Wir begleiten den 11-jährigen Benni und seine Großmutter Bubbe Rosa durch Brooklyn und Manhattan, während sie die Einkäufe für das Freitagabendessen am Schabbat machen. Diese sehr einfühlsame und scheinbar einfache Geschichte erzählt von jüdischer Identität in einer lebendigen Großstadt und zugleich vom Wandel, vom Loslassen und Zueinanderfinden.Bubbe Rosas Beziehung zur Stadt ist vielschichtig - nichts ist mehr so, wie sie es erinnert, grimmig blickt sie auf die Welt um sich herum. Mit dem offenen, liebenswürdigen Blick des kleinen Bennis wirken die Stadt und seine Großmutter ganz anders. Während ihres gemeinsamen Wegs tauchen Bubbes Erinnerungsfetzen an ihre Kindheit in Deutschland auf und ihre Ankunft im Brooklyn der 1950er-Jahre. Stück für Stück ergibt sich aus den Fetzen der Erinnerung ein Bild von Bubbes Leben, das erklärt, warum sie so mürrisch ist. Die Geschichte gipfelt in einem Wiedersehen mit ihrer ersten Liebe, dem Bäcker Gershon. Auf dem gemeinsamen Heimweg zum Abendessen finden Bubbe Rosa und ihr Enkel Benni einen neuen und wunderbaren Zugang zu den je anderen Leben und die Möglichkeit, sich darüber auszutauschen.ZIGGY HANAOR ist Autorin und Verlegerin von Kinderbüchern. Dies ist ihre erste Graphic Novel. Sie lebt in London.BENJAMIN PHILLIPS arbeitet in seinem Atelier in Hastings als Illustrator und Künstler mit verschiedenen Medien. Neben der Illustration von Büchern hat er auch für die New York Times und das British Council gezeichnet. 2023 wurde er von der Bologna Kinderbuchmesse ausgezeichnet.

Der neue Blick auf die »andere Kunstgeschichte«, die weitreichende Digitalisierung von Strukturen und Inhalten, die veränderte Rolle von Museen und Kunstkritik, neue Kräfte von Influencern bis NFT: Kaum ein Marktsystem hat sich in der letzten Dekade so tiefgreifend weiterentwickelt wie die Distribution der Kunst.Mit 25-jähriger Erfahrung in der Kunstindustrie fungiert Dirk Boll als stetiger Chronist und saisonaktueller Kommentator dieser Entwicklungen. Sein Handbuch Kunst ist käuflich ist eine verlässliche Quelle für ein tiefgreifendes Grundlagenwissen über die Funktionsweisen der globalen Marktsysteme. Wie funktionieren Auktion, Galeriesystem, Messen? Wie entstehen Preise, Produktions- oder Sammelmoden? Darüber hinaus liefert die vollständig aktualisierte und erweiterte Neuauflage fundierte Informationen über die praktischen Fragen des Kunsterwerbs: Was sind die Gepflogenheiten und Fallstricke, ökonomische Interdependenzen der verschiedenen Akteure oder gesetzliche Bestimmungen für den Handel mit der Kunst?DIRK BOLL (*1970, Kassel) hat Rechtswissenschaften in Göttingen und Freiburg i.Br. studiert. Nach einem Aufbaustudium Kulturmanagement promovierte er über Strukturen und rechtliche Rahmenbedingungen der Kunstmärkte. 1998 begann er seine Laufbahn bei Christie's in London. Nach Stationen in Deutschland und der Schweiz war er ab 2011 in diversen Managementfunktionen in London tätig und ist seit 2022 Vorstand für die Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts für EMEA (Europe & UK, Middle East & Africa). Boll lehrt als Professor für Kulturmanagement in Hamburg, ist Mitglied des Academic Board von Christie's Education und sowie External Examiner der Kingston University, London.

Georg Baselitz im Dialog mit den Alten Meistern: Das Kunsthistorische Museum Wien hat den Maler und Bildhauer zu einem visuellen Gespräch eingeladen. Er selbst traf die Auswahl der Werke, wobei er sich ausschließlich auf den Akt, auf die nackte Figur konzentriert hat. Um diesen menschlichen Elementarzustand - seit jeher zentrales Thema der europäischen Kunst - kreisen Ausstellung und Katalog.Seit seinem Frühwerk arbeitet Georg Baselitz mit einem ausgeprägten kunstgeschichtlichen Bewusstsein, beeindruckt vor allem vom Manierismus und dessen Regelverstößen. In der hier vorgestellten Begegnung der Werke von Georg Baselitz mit historischen Bildern idealschöner Figuren des Kunsthistorischen Museums ergeben sich spannende Einsichten in die Geschichte der Aktmalerei sowie in die Aktualität von Malerei selbst. Der Künstler wirft so grundsätzliche, uns alle betreffende Fragen auf und öffnet in den Begegnungen der Werke einen herausfordernden Erfahrungsraum.GEORG BASELITZ (*1938, Deutschbaselitz) gehört seit Jahrzehnten zu den bedeutendsten Malern unserer Zeit. Unverwechselbar sind die auf den Kopf gestellten Motive, die sein Werk seit 1969 charakterisieren und mit denen es ihm gelungen ist, Sehgewohnheiten herauszufordern und die Wahrnehmung zu schärfen. Seine Arbeiten entziehen sich festgelegten Kategorien, kreisen dabei aber immer um allgemeine Fragestellungen zu Möglichkeiten und Problemen der Malerei.

Georg Baselitz enters a dialogue with the Old Masters - invited by Kunsthistorisches Museum Vienna, the acclaimed German painter and sculptor engages in a visual conversation. Baselitz himself curated this selection of works, focusing exclusively on nude painting. Both the exhibition and the catalogue revolve around this elemental human state, and its fundamental role in European art.From the beginning of his career, Baselitz's work has been informed by a pronounced awareness of art history, above all he was inspired by Mannerism's break with classical rules. Insights into the history of nude painting, as well into the topicality of painting itself, emerge from this encounter of Baselitz's works with historical paintings of an idealized beauty from Kunsthistorisches Museum. The carefully chosen juxtapositions open up a space in which one can reflect and experience the essence of painting anew.GEORG BASELITZ (*1938, Deutschbaselitz) is without a doubt one of the most influential painters and sculptors of our time. His work eludes easy categorization, but has continuously returned to his search for a new approach to updating classic figurative painting. In a celebrated turning point in 1969, he literally turned his paintings upside down and thereby managed to change the public's viewing habits, and to sharpen their perceptions.

Dramatisch beleuchtete Produktionshallen, kochender Stahl, ein breites Lächeln auf rußverschmierten Gesichtern - hinter diesen geradezu ikonischen Motiven der Industriefotografie steht das wirkmächtige Narrativ von Aufschwung und Fortschritt. Von der Darstellung ökonomischer Potenz bis zum Bild einer neuen Zukunft: Ausstellung und Katalog untersuchen erstmals systematisch die Bildsprache der auftragsgebundenen Industriefotografie in den beiden Systemen des geteilten Deutschlands - in Kapitalismus und Sozialismus - auf Unterschiede und Gemeinsamkeiten in der Darstellung von Fortschritt und zeigen, wie die Fotografie und deren Kontextualisierung diese Aufschwungserzählungen vermittelt. Profilierte Fotohistoriker*innen beleuchten, woran der Fortschrittsbegriff zu verschiedenen Zeiten verhandelt wurde und wie er sich verändert hat. »Vorsprung durch Technik« - Industrie war für Deutschland lange identitätsstiftend. Mit der De-Industrialisierung und den Grenzen des Wachstums stellt sich auch die Frage nach der Zukunft des Genres Industriefotografie.

Dieses heitere Buch ist ein echter Augenschmaus: Steven Guarnaccia erklärt uns mit seinen charmanten Illustrationen endlich die italienischen Namen der Nudeln - von Engelshaar über Fingerhut bis Hahnenkamm - und erzählt ihre Geschichten. Besser noch: Zu jedem Typus Nudel, ob frische Pasta mit Ei oder Hartweizengrieß, lang oder gefüllt, gibt es die passenden Rezepte.Das kleine ABC der Pasta ist eine kulinarische Liebeserklärung an die Nudel: Von Sizilien, über Apulien und die Toskana bis in die Lombardei. Ob in brodo oder in salsa, mit sugo, ragù oder pesto, in diesem Buch findet sich Pasta für alle Lebenslagen. Kurzum: Ein Buch, das den kleinen und doch großen Themen des Lebens gewidmet ist und dabei im Handstreich gute Laune macht - über Nudeltopf und Küchentisch hinaus.Der international bekannte Illustrator und Designer STEVEN GUARNACCIA (*1953) lebt in New York. Er hatte eine Professur für Illustration an der Parsons School of Design und war Art Director der Op-Ed Page der New York Times. Zu seinen zahlreichen Veröffentlichungen und Ausstellungen weltweit zählen auch seine Kinderbücher zum Thema Design The Three Little Pigs: An Architectural Tale und Cinderella: A Fashionable Tale

Wayne Thiebaud's famous, literally candy-colored still lifes of pies, cakes, gumball machines, and lipsticks reflect the promise and abundance of the American way of life¿a society of plenty, where supply exceeds demand.The tactile impression created by his pasty layers of paint brings the objects to life and creates an atmosphere in which irony and melancholy are carefully balanced. Testing the possibilities of painterly expression, Thiebaud's brilliant painting technique explores the boundaries of the real and imagined world. This catalogue presents all aspects of the legendary American artist's oeuvre, including still lifes and portraits, as well as his deserted, multi-perspective cityscapes and river landscapes, in luminous pastels that exude a peculiar summertime sadness.WAYNE THIEBAUD (1920, Mesa, AZ-2021, Sacramento, CA) began his career as a cartoonist and graphic designer, briefly working for Walt Disney Studios. As an artist, Thiebaud was associated with the US Pop Art movement: his still lifes gained nationwide attention as part of the landmark exhibition New Paintings of Common Objects in 1962, which also featured Andy Warhol, Roy Lichtenstein, and Ed Ruscha and is considered a milestone in the critical reception of Pop Art.

In Wayne Thiebauds berühmten Stillleben von Tortenstücken, Kaugummiautomaten oder Lippenstiften spiegeln sich die Verheißungen und der Überfluss des American Way of Life - einer Gesellschaft des Angebots ohne Nachfrage.Der taktile Eindruck, der durch die pastosen, dick wie Sahne aufgetragenen, Farbschichten des legendären amerikanischen Künstlers entsteht, erweckt die Objekte zum Leben und schafft eine Atmosphäre, in der sich Ironie und Melancholie die Waage halten. Seine brillante Maltechnik reizte die Möglichkeiten des malerischen Ausdrucks bis an die Grenzen von gesehener und imaginierter Welt aus.Dieser Katalog zeigt die malerische Qualität in Thiebauds Werk - neben den Stillleben auch Porträts sowie seine multiperspektivischen Städtebilder und Flusslandschaften, die menschenleer in leuchtenden Pastelltönen eine eigentümliche Empfindsamkeit ausstrahlen.WAYNE THIEBAUD (1920, Mesa, Arizona-2021, Sacramento, Kalifornien) begann als Cartoonzeichner, u.a. für die Walt Disney Studios, und Werbegrafiker. Als Künstler steht Thiebaud der US-amerikanischen Pop Art nahe: Seine Stillleben erlangten 1962 große Aufmerksamkeit als Teil der wegweisenden Ausstellung New Paintings of Common Objects, in der auch Andy Warhol, Roy Lichtenstein und Ed Ruscha vertreten waren und die als Meilen- stein für die Rezeption der Pop Art gilt.

Evaporating Suns explores myths from the Arabian Gulfthrough contemporary art. Based on the concept that themythical and the factual are like two sides of the samecoin, the catalogue accompanying the exhibition showsthat myths do not simply convey fictions, but are alsocapable of presenting truth much more vividly than statisticsand facts ever could. The publication showcases thework of 13 contemporary artists from the Arabian peninsula,who explore the folklore and popular myths of theirhomelands, and use cynicism, satire, and fiction to buildtheir universes and rewrite the parallel history of theircontemporary societies. Completed by essays by authorsfrom the region, myths are seen here as opportunitiesfor a new approach to the negotiation of current issuessuch as the environment, gender, and social structures ofpower.Founded in 2018 by the artist Sibylle Piermattei-Geiger and herhusband Rocco Piermattei, KULTURSTIFTUNG BASEL H. GEIGER IKBH.G creates a cultural program with current political or culturalreferences. The Basel exhibition space hosts three topicalart exhibitions a year, each of which goes beyond the conceptsof established institutions.

Robert Motherwell hat als einer der bedeutendsten Abstrakten Expressionisten die Kunst der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts maßgeblich geprägt. Die gestisch-expressive Malerei des amerikanischen Künstlers war sowohl von intuitiven Impulsen und Konzepten von Innerlichkeit geleitet als auch von einer Auseinandersetzung mit politischen Themen.In Robert Motherwell. Pure Painting zeichnen herausragende Kunstwissenschaftler*innen den Weg vom Surrealismus bis zur Hinwendung zur Abstraktion nach und untersuchen die wichtigsten Werkserien, die im Laufe von Motherwells fünfzigjähriger Karriere entstanden sind. Der Katalog beleuchtet den Einfluss der französischen Maltradition des 19. Jahrhunderts auf Motherwells Schaffen, die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Spanischen Bürgerkrieg, aber auch die Verwendung von Ockerpigmenten, die sowohl Archaisches als auch avantgardistische Praktiken symbolisieren.ROBERT MOTHERWELL (*1915, Aberdeen, Washington-1991, Provincetown, Massachusetts) stieß im New York der 1940er-Jahre zu einer Gruppe von Künstlern, deren radikaler neuer Malstil als Abstrakter Expressionismus bekannt wurde. Als Theoretiker der losen Gruppe, zu der Künstler wie Mark Rothko, Jackson Pollock und Willem de Kooning gehörten, unterrichtete er sein Leben lang.

Since the mid-1990s, Annette and Caroline Kierulf have practiced what they themselves call "woodcut as cultural critique". Drawing on the medium's rich history as a means of communication and protest, the Norwegian artists strive to revive woodcut as a discursive tool. With subtle humor, the sisters use the visual reductiveness of the low-tech medium to critically reflect on the social, economic, and cultural changes shaping our high-tech societies. Incorporating references to pop culture and folk art, Caroline Kierulf's work explores the often overlooked aspects of everyday life, Annette Kierulf focuses on a feminist reinterpretation of the landscape genre.The publication provides insights into the artists' production and working methods, as well as their longstanding collaboration.Oslo-born sisters ANNETTE KIERULF (*1964) and CAROLINE KIERULF (*1968) have played a major role the revitalizing of graphic art in Norway. Both studied at the Academy of Art and Design in Bergen, where they also work today. As independent artists they develop their works in an artistic dialog and have for many years collaborated on exhibitions in Norway and beyond.

Before the rise of Pop Art proper, Alex Katz developed an iconic style of figurative painting in the early 1960s- influenced by film, television, and billboard advertising. Seemingly detached and incredibly stylish, he created portraits of the New York scene as well as idyllic landscapes. Printmaking plays an equally central role in Katz's work. He uses lithographs, etchings, silkscreens, woodcuts and linocuts to reproduce, reflect and further reduce his bold aesthetic, while retaining the radiant color characteristic for his paintings. Since the first edition in 2011, Katz has almost doubled his output of prints-this timely new edition includes his complete prints, cutout editions, artists' books, and also lists his works of applied art like book illustrations and public art projects. New essays and interviews with the artist give profound insights into the work of one of the foremost American artists of the present.When ALEX KATZ (*1927, New York City) began his artistic career in the 1950s, Abstract Expressionism was the reigning style. Ahead of his time, he created stylized portraits against flat, monochrome backgrounds. From 1965 onwards, he embarked on a prolific career in printmaking, exhausting all its possibilities: from traditional craftsmanship to state-of-the-art reproduction techniques.

Zhao Gang is a wanderer between two worlds. At the age of just 18, he was the youngest member of legendary avant-garde artist group The Stars, which also included Ai Weiwei. Their 1979 group exhibition, and the protests that followed, are often cast as the birth of contemporary Chinese art. Shortly thereafter Gang left for Europe and the United States. Having acquired American citizenship, he is regarded as one of the few artists of his generation who truly understands the East and the West - yet who looks at both worlds with a certain detachment. In his figurative paintings, however, he merges their different visual languages, increasingly turning toward examinations of his personal history and the historical roots of contemporary China. This monograph provides an overview of six central exhibitions from recent years, and introduces the life and work of this rebellious, sensitive, and mischievous painter.ZHAO GANG (*1961, Beijing) left China in 1983 to study fine arts in Maastricht and at Vasaar College in Upstate New York. After more than two decades in New York he returned to China in 2006. He is one of the most recognized Chinese contemporary painters, and lives between Beijing and New York. Among his recent exhibitions is the major group show Art and China after 1989 at the Guggenheim Museum, New York, in 2017.

Kann ich dieses Bild verwenden oder nicht? An dieser Frage kommt niemand vorbei, der publizieren und Abbildungen dabei verwenden möchte. Ob es um ein Buch, um Zeitschriften oder alle digitalen Formate geht - Bildnutzung ist nicht nur in der kunsthistorischen Praxis eine komplizierte Angelegenheit. Der Deutsche Verband für Kunstgeschichte e.V. hat diesen praktischen und juristisch geprüften Leitfaden erarbeitet. Kurz, bündig und leicht verständlich werden hier bildrechtliche Grundkenntnisse vermittelt und konkrete Hilfestellungen gegeben. Ein Glossar erklärt wichtige Begriffe und übersichtliche Flussdiagramme visualisieren das empfohlene Vorgehen in verschiedenen Szenarien. Seit seiner Gründung im Jahr 1948 ist der DEUTSCHE VERBAND FÜR KUNSTGESCHICHTE E.V. die Interessenvertretung all derjenigen, die in Deutschland kunsthistorisch arbeiten. Als Berufs- und Fachverband bietet die Möglichkeit zur Weiterbildung in vielen praxisrelevanten Themenfeldern.

Wettbewerb ist ein Grundmuster der Gegenwart - alles kann heute plötzlich zur Challenge oder zum Contest werden. Die Kunst hingegen kann, zumindest außerhalb des Kunstmarkts, als ein freier Raum gesehen werden, in dem aus sich selbst heraus Einzigartiges zu entstehen vermag. Dass dieses Konstrukt ein historischer Sonderfall ist, zeigt ein frischer Blick auf die Frühe Neuzeit: Hier wurde das Prinzip des Wettstreits für die künstlerische Arbeit als maßgeblich gedacht. Mehr noch, der kompetitive Habitus der Nachahmung, des Wetteiferns und des Übertreffens - imitatio, aemulatio und superatio - sollte kulturellen Fortschritt insgesamt bewirken. Schon Leonardo wusste, dass der »gute Neid« zu Höchstleistungen anspornt. Tatsächlich sind aus den Konkurrenzkämpfen, die Künstler*innen im frühneuzeitlichen Europa untereinander, aber auch mit lange verstorbenen Vorbildern der Antike ausgetragen haben, einige der bekanntesten Werke der Renaissance und des Barock hervorgegangen. Dieser wunderbare Katalog offenbart gegenseitige Inspiration und Kooperation, aber auch die Schattenseiten der Konkurrenz um prestigeträchtige Aufträge - Neid, Intrigen und Verleumdungen.

Josef Albers' berühmter Werkzyklus Homage to the Square umfasst rund zweitausend Ölgemälde. Die Entwicklung seiner steten »Huldigungen« über 25 Jahre hinweg inspirierte zahlreiche junge Künstler*innen der späteren Minimal Art und Konzeptkunst auf ihrer Suche nach einer sachlichen und reduzierten Formensprache. Josef Albers. Huldigung an das Quadrat führt zum Geheimnis seiner subtilen Ästhetik und ihren Voraussetzungen: Welche Bedeutung hat das Quadrat für Albers? Wie verändert sich in dieser Zeit sein Empfinden für Farbe und der Umgang mit ihr als Material? Es zeigt sich die Entwicklung einer genuinen Sprache der Malerei, unabhängig von allen Ismen.Dieser herausragende Katalog mit rund 300 Abbildungen, inklusive Studien auf Papier und Archivmaterialien, beleuchtet die vielen Impulse, die Albers früh in Europa und später in Amerika empfangen hat, und verdeutlicht die bis heute andauernde Wirkung seiner Kunst.JOSEF ALBERS (1888, Bottrop-1976, New Heaven, Connecticut) war als Künstler, Pädagoge und Farbtheoretiker ein Pionier der künstlerischen Moderne des 20. Jahrhunderts. Er ist bekannt für seine umfassende Werkserie Homage to the Square (1950-1976). Albers lehrte am Bauhaus, am Black Mountain College und an der Yale University. HEINZ LIESBROCK (*1953) war langjähriger Direktor des Josef Albers Museum Quadrat in Bottrop und hat vielfach zu Albers publiziert.

Atelier Kempe Thill sind für ihre innovativen und minimalistischen Entwürfe in Architektur und Städtebau bekannt. Mit ausgefeilten Raumsystemen und einer unkonventionellen Verwendung von Materialien versuchen die Architekten, möglichst resiliente und kostengünstige Lösungen zu finden. Für diese Balance zwischen Gebäuden, die für verschiedene Nutzungen offen sind und sich zugleich durch besondere Entwürfe auszeichnen, haben sie schon in ihrem 2004 veröffentlichten Manifest den Begriff der»Spezifischen Neutralität« geprägt.Vor dem Hintergrund der aktuellen Klima- und Wirtschaftskrise und der daraus resultierenden sich schnell verändernden Nachfrage nach Räumen und deren Nutzung ist dieser Ansatz aktueller denn je. Die beiden Architekten stellen in ihrer zweiten Monografie 23 Projekte aus den letzten 12 Jahren vor, die durch thematische Essays der Autoren und von namhaften Expert*innen aus dem Bereich der Architektur abgerundet werden.ATELIER KEMPE THILL wurde 2000 von den deutschen Architekten André Kempe (*1968) und Oliver Thill (*1971) in Rotterdam gegründet, die auch in Forschung und Lehre tätig sind und aktuell eine Professur an der Leibniz Universität Hannover innehaben. Angefangen mit kollektivem Wohnungsbau und kleinen Aufträgen für öffentliche Gebäude hat sich das Portfolio des Büros um große Renovierungs-, Infrastruktur- und Stadtplanungsprojekte erweitert. Das Büro hat heute mehr als 30 Mitarbeitende.

Dieser prächtige Bildband präsentiert eine Auswahl jener faszinierenden Wohnimmobilien, die in den vergangenen Jahren an exklusiven Adressen in Deutschland entstanden sind - eine Werkschau, die von großzügigen Grundrissen über konsequent-nachhaltige Handwerkskunst und ausdruckstarken Foyers bis zu noblen Interieurs reicht. RALF SCHMITZ steht für Baukultur, die in kompromissloser Qualität für Generationen geschaffen ist. Entwürfe renommierter Architekten, die Klassizismus neu interpretieren, edle Materialien und ausgesuchte Manufakturdetails fügen sich zu eleganten Bauten, die bleiben. Ausnahmeprojekte wie das imposante Wohnpalais»Alexander« in Berlin-Wilmersdorf, das wunderschöneApartmenthaus »Achenbach« in Düsseldorfs Zooviertel oder der neue weiße Prachtbau nahe der Hamburger Außenalster stehen für subtilen Luxus bei höchstem technischen Komfort. Wohnungen, die Rückzugsort und Repräsentation vereinen, errichtet für Menschen, die unverwechselbare Wohnerlebnisse schätzen.Das Erbe fortführen, die Zukunft gestalten: Seit seiner Gründung 1864 am Niederrhein errichtet das Unternehmen RALF SCHMITZ Immobilien in ausgewählten Lagen. Heute setzt die fünfte Generation der Familie diese Tradition an fünf Standorten - Kempen, Düsseldorf, Köln, Hamburg und Berlin - fort und schafft ausdrucksstarke und nachhaltige Wohnunikate, deren Formensprache alle Moden überdauert.

Wie kein anderes Genre spricht die Oper unsere Sinne an: In ihr verbinden sich Musik, Gesang, Poesie, bildende Künste, Theater und Tanz zu einem spektakulären Gesamtkunstwerk. Sie lebt von dramatischen Extremen, vom Magischen und Irrationalen. Als Kunstereignis ist sie einmalig und vergänglich.Der Katalog eröffnet kaleidoskopartig Perspektiven auf Wachstum und Wandel dieser Gattung im 19. und 20. Jahrhundert. Entlang nicht nur architektonisch berühmter Häuser in Mailand, Wien und New York sowie vielfältigen Gemälden und Kostümen, Plakaten und Bühnenbildmodellen, Karikaturen und Programmheften entsteht ein differenziertes Bild von der sich stets neu erfinden- den Institution. Im Fokus stehen die Menschen, die ihren Vorstellungswelten die sinnliche Gestalt verleihen, die das Publikum immer wieder in den Bann schlägt.

The history of the VanhaerentsArtCollection began in the 1970s, when a young Walter Vanhaerents laid the foundation of his now famous collection with works by Andy Warhol. Much has happened since then, but the focus on new and provocative art, often considered radical at the time, remained. From Bruce Nauman, Yoshitomo Nara, and Bill Viola to Cindy Sherman, Jeff Koons, Katharina Fritsch, or Tom Sachs-across different genres and media, the Brussel-based collection reflects a keen sense of the latest developments in current art practices as well as a prescient intuition for emerging artists. The publication Looking Ahead celebrates the 50th anniversary of this unique collection and provides an overview of the exhibitions of the past 15 years.

Since the 1970s, the medium of video and multimedia art practice has been closely linked to the subcultural and countercultural movements. Art and music videos in particular demonstrate great subversive potential: artists and musicians oppose traditional values, exploring and repeatedly transgressing social norms and gender stereotypes.This publication reviews artistic strategies in the context of a history of punk and its offshoots, combining scholarly opinions from the fields of art history, queer theory, media studies, gender studies, postcolonial studies, and cultural studies on an equal footing with field reports from the practice of alternative archives and artistic image essays.

Zerrissene Moderne beleuchtet einen wichtigen Moment der Sammlungsgeschichte des Kunstmuseums Basel. 1937 wurden im Zuge der nationalsozialistischen Kulturpolitik tausende Werke moderner Kunst als »entartet« diffamiert und aus deutschen Museen entfernt. Solche, die das NS-Regime für »international verwertbar« hielt, wurden kurz vor Ausbruch des Zweiten Weltkriegs gegen Devisen ins Ausland verkauft. Aus diesem Konvolut erwarb der damalige Museumsdirektor Georg Schmidt (1896-1965) im Jahr 1939 das Gemälde Tierschicksale von Franz Marc und 20 weitere bedeutende Werke der Klassischen Moderne für Basel.Im Katalog zeichnen ausgewiesene Expert*innen die Geschehnisse ausgehend von den Beschlagnahmungen in deutschen Museen nach und erläutern die historischen Zusammenhänge. Die Akteure der Institutionen und des Handels werden vorgestellt sowie der kulturpolitische Gewaltakt des NS-Regimes offengelegt, der eine künstliche Zersplitterung der Moderne in einerseits »verwertbare« und andererseits der Vernichtung oder dem Vergessen preisgegebene Kunst zur Folge hatte. Beiträge zur Auktion der Galerie Fischer in Luzern, zum Vorgehen Georg Schmidts sowie zur Einordnung der Ankäufe in den Kontext der Basler Sammlungsgeschichte rücken spezifische Schweizer Aspekte in den Fokus.Das KUNSTMUSEUM BASEL ist die älteste öffentliche Kunstsammlung der Welt.

Seit 12 Jahren veranstaltet die Schwarz Foundation unter anderem auf der griechischen Insel Samos regelmäßig Ausstellungen im Art Space Pythagorion sowie das Samos Young Artists Festival. Durch seine Lage an der griechisch- türkischen Grenze steht Samos symbolisch für drängende Themen unserer Zeit wie: Die Flucht über das Mittel- meer nach Europa, geopolitische Auseinandersetzungen an den Grenzen Europas, oder Auswirkungen der durch Menschen verursachten Veränderungen der Weltmeere. A Decade of Cultural Production stellt das Wirken der Schwarz Foundation vor, deren erklärtes Ziel es ist, durch Musik und Kunst Dialog zu fördern und dem europäischen Gedanken Ausdruck zu verleihen. Das Buch beleuchtet, wie sich in den von ihr vorangetriebenen Projekten mit diesen Fragen von Migration, gesellschaftlicher Verant- wortung, Umweltschutz und interkulturellem Zusam- menleben auseinandergesetzt wird.Die Schwarz Foundation wurde als private Stiftung mit Sitz in München im Jahr 2010 mit dem Ziel ins Leben gerufen, durch Musik und Kunst den Dialog zwischen unterschiedlichen Kulturen und Ländern zu fördern. Ihr primäres Ziel bei der Gründung lag darin Brücken zwischen dem Zentrum und der Peripherie unterschiedlichen Regionen Europas zu bauen, und den europäischen Gedanken in seiner geschichtlichen Entwicklung an den Rändern Europas insbesondere der südöstlichen Mittelmeerregion zu fördern.Herausgeberin des Buches ist die Gründerin und Geschäftsführerin der Schwarz Foundation, Chiona Xanthopoulou-Schwarz, eine gebürtige Athenerin und Wahl-Münchnerin. Sie ist Mitglied der Internationalen Psychoanalytischen Assoziation und der Deutschen Psychoanalytischen Gesellschaft und hat lange in München als Psychoanalytikerin gearbeitet, bevor sie sich im Kulturbereich betätigte.Mit-Herausgeberin ist die international renommierte Kuratorin Katerina Gregos, die künstlerische Leiterin des Nationalen Museums für zeitgenössische Kunst (EMST) in Athen. In ihrer kuratorischen Arbeit für die Schwarz Foundation hat sie stets die Beziehung zwischen Kunst, Gesellschaft und Politik erforscht, mit besonderem Blick auf Fragen der Demokratie, der Menschenrechte, der Wirtschaft, der Ökologie.

Sonia Delaunays Werk wirkt heute zeitgemäßer denn je.Die zukunftsweisenden Farbmuster dieser Pionierin derModerne lösten die Grenzen zwischen freier und angewandterKunst auf. Ihre malerischen Experimente entwickeltesie in Mode, Stoffmustern, Inneneinrichtung, Buch- undObjektkunst weiter, in der geometrische Abstraktionund die plastischen Qualitäten reiner Farbe ineinanderfließen.Maison Sonia Delaunay widmet sich der Künstlerin alsMittlerin zwischen künstlerisch-philosophischer Gestaltungund der Schönheit des Alltags. Ein besonderer Fokusliegt auf neuer Forschung zu Textilien, Mode und Raumkunst.Anhand bisher unveröffentlichter Quellen erkundetdie Publikation, mit welchen internationalen Unternehmernund Künstlern sie kollaborierte, wie sie das Verhältniszwischen Kunst und Industrie auslotete und dabei einvisionäres, modernes Leben entwarf.SONIA DELAUNAY (1885, Odessa-1979, Paris) wurde um 1900 inSt. Petersburg, Karlsruhe und Paris ausgebildet und etabliertesich zunächst als Porträtmalerin, bevor sie ihr Werk um 1913der Abstraktion widmete. Mit ihrem Ehemann Robert Delaunayexperimentierte sie mit dem Konzept »Simultané«, basierendauf intensiven Farbkontrasten. Während eines Aufenthalts inPortugal und Spanien im Ersten Weltkrieg weitete sie ihre Kunstauf die Objekte des Lebens aus. Zurück in Paris, verband sie in den1920er-Jahren mit ihrem Mode- und Einrichtungshaus »SoniaDelaunay« ihre Ambitionen in Malerei und Design. Ihr Einflussreicht bis heute und ihre Muster sind nach einem Jahrhundertmoderner denn je.

Berlin baut. Baut auf, baut um, reißt ab - baut neu. Dieses Buch ist ein mitreißender Steckbrief über sieben Jahrzehnte Baugeschichte einer Stadt in ständigem Wandel. Mit frischen Illustrationen im Comicstil und Infokästen voller spannender Fakten erzählt Leander Zerwer anhand eines Bauwerks für jedes Jahr die Geschichte der Stadt und ihrer Architektur von 1946 bis heute. Spielerisch und anregend lässt sich Berlin erkunden: entlang von Beispielen des Wiederaufbaus nach dem Zweiten Weltkrieg, Prestigeprojekten und Architekturikonen im geteilten Ost- und West-Berlin, des Baubooms der Nachwendezeit und jüngsten Projekten, die die Hauptstadt des 21. Jahrhunderts prägen. Ein übersichtlicher Stadtplan in der Innenklappe lädt zu Streifzügen durch unsere Hauptstadt ein.LEANDER ZERWER (*2002) arbeitet als Grafikdesigner und Illustrator in Berlin. Bis 2021 studierte er am Lette-Verein. Mit seiner Abschlussarbeit Berlin baut wurde er für den »Lette Design Award by Schindler« nominiert. Dies ist sein erstes Buch.Erratum:Durch ein Versehen wurde das Objekt "Besucherzentrum Gedenkstätte Berliner Mauer" auf Seite 136/137 das Buchs dem Büro "Mola Architekten" zugeschrieben. Das Projekt wurde 2009 von Mola + Winkelmüller Architekten umgesetzt.

Günter Zachariasen, 1937 auf Sylt geboren und seit Jahrzehnten in Nordfriesland zuhause, fühlt sich stark mit dem Land verbunden, ohne dass die Landschaft selbst zum Motiv seiner Gemälde wird. Der Künstler hat sich von allem Gegenständlichen gelöst. Seine oft monumentalen Werke sind malerische Abstraktionen und zugleich höchst sinnliche Resultate einer Erforschung des inneren Ich. Die von Zachariasen dargestellte farbige Leere spiegelt Weite, Offenheit und Entgrenzung wider. Eine zentrale Rolle spielt das Licht: Woher kommt es? Durchdringt es dichten Nebel? Welche Distanzen hat es zurückgelegt, bevor es unser Auge erreicht? Das sanft gestimmte Kolorit wird von fein nuancierten Farbverläufen getragen - fast scheint es, als würden einige Bereiche das Licht nicht nur sammeln, sondern auch aussenden. In seiner Kunst berührt Zachariasen Aspekte der Malerei, die vermutlich nur sie allein entfalten kann.