Bücher veröffentlicht von Hatje Cantz Verlag GmbH

Günter Zachariasen, 1937 auf Sylt geboren und seit Jahrzehnten in Nordfriesland zuhause, fühlt sich stark mit dem Land verbunden, ohne dass die Landschaft selbst zum Motiv seiner Gemälde wird. Der Künstler hat sich von allem Gegenständlichen gelöst. Seine oft monumentalen Werke sind malerische Abstraktionen und zugleich höchst sinnliche Resultate einer Erforschung des inneren Ich. Die von Zachariasen dargestellte farbige Leere spiegelt Weite, Offenheit und Entgrenzung wider. Eine zentrale Rolle spielt das Licht: Woher kommt es? Durchdringt es dichten Nebel? Welche Distanzen hat es zurückgelegt, bevor es unser Auge erreicht? Das sanft gestimmte Kolorit wird von fein nuancierten Farbverläufen getragen - fast scheint es, als würden einige Bereiche das Licht nicht nur sammeln, sondern auch aussenden. In seiner Kunst berührt Zachariasen Aspekte der Malerei, die vermutlich nur sie allein entfalten kann.

Following on the widely read The Future of the Museum: 28 Dialogues, which explored how museums are changing through conversations with today's generation of museum directors, New York-based author and cultural strategy advisor András Szántó's new compilation turns its attention to architects. The conclusion of The Future of the Museum was that the "software" of art museums has evolved. Museum leaders are "working to make institutions more open, inclusive, experiential, culturally polyphonic, technologically savvy, attuned to the needs of their communities, and engaged in the defining issues of our time." It follows that the "hardware" of the art museum must also change. Conversations with a carefully selected group of architects survey current thinking in the field, engaging not only architects who have built some of the world's most iconic institutions, but also members of an emerging global generation that is destined to leave its mark on the museum of the future.CONVERSATION PARTNERS:Kunlé Adeyemi (NLÉ), David Adjaye (Adjaye Associates), Paula Zasnicoff Cardoso & Carlos Alberto Maciel (Arquitetos Associados), David Chipperfield (David Chipperfield Architects), Minsuk Cho (Mass Studies), Elizabeth Diller (Diller Scofidio + Renfro), Frida Escobedo, Sou Fujimoto (Sou Fujimoto Architects), Lina Ghotmeh (Lina Ghotmeh - Architecture), Bjarke Ingels (BIG | Bjarke Ingels Group), Kabage Karanja & Stella Mutegi (Cave_bureau), Li Hu & Huang Wenjing (OPEN), Jing Liu & Florian Idenburg (SO - IL), Yansong Ma (MAD Architects), Winy Maas (MVRDV), Roth - Eduardo Neira (Roth Architecture), Stephan Schütz (gmp Architekten), Kerstin Thompson (_KTA), Xu Tiantian (DnA Design and Architecture), Kulapat Yantrasast (WHY), Liam Young (SCI-Arc)ANDRÁS SZÁNTÓ (*1964, Budapest) advises museums, cultural institutions, and leading brands on cultural strategy. An author and editor, his writings have appeared in the New York Times, Artforum, the Art Newspaper, and many other publications. He has overseen the National Arts Journalism Program at Columbia University and the Global Museum Leaders Colloquium at the Metropolitan Museum of Art. Szántó, who lives in Brooklyn, has been conducting conversations with art-world leaders since the early 1990s, including as a frequent moderator of the Art Basel Conversations series.

Nach Autistic Disco ist O Mensch der neue Bildband des Berliner Schauspielers Lars Eidinger. Er vereint mit der Handykamera sowie mit der Spiegelreflexkamera entstandene Fotografien der letzten drei Jahre mit zum Teil wesentlich älteren Aufnahmen. Eidingers Bilder ähneln nur an der Oberfläche scheinbar harmlosen Momentaufnahmen. In einer Gesellschaft der Singularitäten und der verschwindenden Grenzen zwischen Mensch und Maschine erscheint die absurde Realität des Alltags wie eine kolossale Fotomontage. Wohl aus dem Blick eines Schauspielers, der weiß, dass die wechselseitige Präsenz von Gutem und Bösem der Kern einer jeden wahrhaften und berührenden Figur ist, entstehen bei Lars Eidinger Bilder, die die menschliche Ambiguität ins Zentrum rücken.Zu einzelnen Werken hat die japanische, in Berlin ansässige Dichterin Yoko Tawada Kurzgedichte in Form von Haikus geschrieben. Der Interpretationsraum wird dadurch noch um eine poetische Ebene erweitert.LARS EIDINGER (*1976, Berlin) gilt als einer der profiliertesten Schauspieler Deutschlands, gefeiert für seine expressiven Auftritte von großer performativer Kraft als langjähriges Ensemblemitglied der Berliner Schaubühne, sowie für seine abgründigen und zugleich von einer geradezu zärtlichen Sensibilität geprägten Darstellungen im Film. Anknüpfend an seinen ersten Bildband, gibt Eidinger der Fotografie als Ausdrucksform und Mittel der Selbsterkundung zunehmend mehr Raum.

Proprietary algorithms, secret data troves, and inscrutable systems rule the day. How is this registered in art? In Poetics of Encryption Nadim Samman explores works that highlight the hidden dimensions of our technological landscape. Running counter to erroneous claims regarding a new culture of transparency and openness, such artworks address black sites, black boxes, and black holes-all the while, toggling between enlightened concern and occult dreaming.NADIM SAMMAN is Curator for the Digital Sphere at KW Institute for Contemporary Art, Berlin. He read Philosophy at University College London before receiving his PhD from the Courtauld Institute of Art. Widely published, in 2019 he was First Prize recipient of the International Award for Art Criticism (IAAC). Major curatorial projects included the 4th Marrakech Biennale (2012), the 5th Moscow Biennale for Young Art (2015) and the 1st Antarctic Biennale (2017).

Seit den frühen 1970er-Jahren entstand die Sammlung der Karin und Uwe Hollweg Stiftung. Sie umfasst Werke des 20. und 21. Jahrhunderts von Kunstschaffenden wie Wols, Mark Tobey, André Thomkins, John Cage und Dieter Roth. Mit einem anfänglichen Schwerpunkt in der abstrakten Kunst erweiterte die Sammlung sich später - nicht zuletzt durch die Bekanntschaft und Freundschaft mit den Künstlern - auch auf andere Gebiete wie Pop-Art, Nouveau Réalisme oder Fluxus mit Werken von Emmett Williams, Richard Hamilton oder Daniel Spoerri. Diese Publikation, die anlässlich des 50-jährigen Bestehens der Sammlung erscheint, blickt zurück auf die Geschichte und dient als aktualisierter wissenschaftlicher Bestandskatalog aller Werke.Die Karin und Uwe HOLLWEG STIFTUNG wurde 1996 als gemeinnützige Stiftung des bürgerlichen Rechts gegründet. Die ursprünglich private Kunstsammlung, die seit dem Jahre 2012 in die Karin und Uwe Hollweg Stiftung eingegliedert worden ist, befindet sich im Hollweg Haus in Bremen. Nach mehreren umfangreichen Erweiterungen, zeigt die Stiftung seit dem Frühjahr 2013 auf vier Ebenen über 1000 Werke der Kunst des 20. und 21. Jahrhunderts.

Der Abenteurer Paul und seine mutige Freundin Lily machen sich mit ihrem großen Schiff auf die Reise. Unterwegs entdecken sie eine irrlichternde Insel, ein Riesen-Seemonster, ein Sternenschiff und segelnde Städte. Sie tauchen in die Tiefen des Ozeans und begegnen tanzenden Fischen, submarinen Städten und versunkenen Inseln. Sie lernen einen goldenen und einen faulen Fisch, das Geheimnis des Meerschneckenkönigs und vieles mehr kennen! Boris Friedewald kann erzählen und er hat ein sehr gutes Auge - und ein besonders gutes Auge hat er für die Kunst von Paul Klee. Im umfangreichen Werk dieses großen Künstlers des 20. Jahrhunderts findet Friedewald eine magisch zusammenhängende Motivwelt. In diesem Buch versammelt er Werke zum Thema Meer, Fische, Unterwasserwelt und erzählt entlang dieser wunderbaren Kunst eine mitreißende Geschichte. BORIS FRIEDEWALD (*1969) studierte Kunstgeschichte, Pädagogik und Theaterwissenschaften in Bochum und Berlin. Er veröffentlichte zahlreiche Publikationen, mit Schwerpunkten zu den Themen Bauhaus und Fotografie. Mit seinem Buch Die Engel von Paul Klee eröffnete er vielen Menschen einen völlig neuen Blick auf die Kunst des großen Zeichners und Malers.

In the beginning is the woodcut. Holzschnitt. 1400 bis heute (Woodcut: 1400 to the Present) is the first in a series of publications examining the different techniques for making art prints, in all their diversity and centuries of fascination, based on the unique collection of the Berlin Kupferstichkabinett (Museum of Prints and Drawings).Through around one hundred works of art on paper-including masterpieces by Albrecht Dürer, Edvard Munch, and Käthe Kollwitz-the development of the woodcut is traced from its beginnings to the present day. From Lucas Cranach and the chiaroscuro woodcuts of the Renaissance, to the extravagant color prints of the Rococo period and the watercolor-inspired prints of the late nineteenth century, to the radically reduced formal language of Expressionism and the rebirth of woodblock printing in the modern era.The resistant and irregular nature of the material is also appreciated in contemporary art: from photorealistic works to abstract large formats, images are printed as one-offs. Deliberately running counter to the reproductive character of the medium, they lend great currency to the oldest of printmaking processes.

Wolfgang Tillmans: Reader präsentiert erstmals in systematischer Weise die Beiträge des Künstlers als Denker, Autor und Gesprächspartner, der sich in einer großen Vielschichtigkeit kreativer Ausdrucksformen für viele Themen unserer Zeit einsetzt. Von Beginn seiner Karriere an, hinterlässt Wolfgang Tillmans auf der gedruckten Seite ebenso viel Eindruck wie an der Wand - indem er Texte und Bilder in Magazinbeiträgen miteinander verwebt und seine fotografische Praxis schreibend reflektiert. Im Vorfeld seiner großen Werkschau im Museum of Modern Art, New York, vereint diese Anthologie Texte und Interviews aus mehr als drei Jahrzehnten, darunter nie zuvor veröffentlichte Materialien sowie Reproduktionen von Magazinprojekten und Künstlerbüchern. Chronologisch geordnet spiegelt dieses umfassende Panorama Tillmans' Gedanken über Fotografie, Musik, Nachtleben, Astronomie, Spiritualität, Politik und Aktivismus. Die Quellen sind so vielfältig wie ihr Inhalt: ursprünglich in Ausstellungskatalogen veröffentlichte Gespräche werden durch Social-Media-Posts und Songtexte ergänzt. Hochaktuell und einnehmend zeichnet dieser Band Tillmans' Beiträge zur Kunst und Kulturkritik Hand in Hand mit den sozialen und kulturellen Veränderungen der letzten 30 Jahre nach.Das Werk von WOLFGANG TILLMANS (*1968, Remscheid) fordert seit über 30 Jahren immer wieder die Möglichkeiten des Bildermachens heraus. Seine Praxis verbindet Intimität mit Sozialkritik und dem Hinterfragen bestehender Werte und Hierarchien. Nachdem er in den frühen 1990er-Jahren durch seine stilbildenden Fotografien der Jugend- und Populärkultur bekannt wurde, hat sich sein Werk auf die verschiedensten Genres und fotografischen Praktiken hin erweitert. Er wurde 2000 mit dem Turner Prize, 2015 mit dem Hasselblad Award und 2018 mit dem Goslarer Kaiserring ausgezeichnet. Tillmans lebt und arbeitet in London und Berlin.