Bücher veröffentlicht von Hirmer Verlag

Um Trost in Zeiten von Trauer und Verlust zu finden, griff Frederic Edwin Church (1826-1900) stets auf das Medium der Landschaftsmalerei zurück und schuf so ein unverwechselbares Oeuvre. Erstmalig vereint die Publikation die in memoriam Gemälde des berühmte Hudson River School Mitglieds und bedeutendsten Landschaftsmaler seiner Zeit.Mit seinen berührenden Trauerlandschaften schuf Frederic Edwin Church Zuflucht für die Hinterbliebenen. Die Publikation stellt die eindrucksvollen Werke in den Kontext der materiellen Trauerkultur der Epoche. In Text und Abbildung werden Ikonographie und Praktiken des Gedenkens beleuchtet, die Church sowohl in seinen Gemälden als auch bei der Schaffung seines Wohnsitzes, Olana House (Hudson, NY), anwandte, um dem Verlust eine Stimme zu geben. Die Beiträge verbinden Churchs Werke mit seiner Biografie und zeigen den Bogen der Gedenkkultur auf, der sich durch Churchs Leben und Karriere spannt. Zugleich werden dabei auch die sentimentalen und therapeutischen Aspekte der Landschaftsmalerei in der amerikanischen Kunst des 19 Jahrhunderts betrachtet.

Oft sind Fundstücke aus Stahl für Hex (*1964) das Basismaterial seiner abstrakten Skulpturen. Mit Hilfe von Schweißgerät, Flex, Hammer und Poliermaschine schafft er formschöne und überaus beeindruckende Kunstwerke - mal kleine wie auch monumentale. Heute befinden sich Arbeiten von ihm in Sammlungen aber auch auf öffentlichen Plätzen weltweit. In diesem Buch wird ein Überblick über die Werke der letzten 10 Jahre gegeben.Bereits in jungen Jahren sah sich Hex als Bildhauer und verkaufte seine erste Skulptur mit nur 25 Jahren. Erfolgreiche Ausstellungen und Stipendien folgten, die Hex zu Arbeitsaufenthalten unter anderem nach Italien, England, Namibia, USA oder Kanada führten. Er wurde aufgenommen in die prestigeträchtige Royal Society of Sculptors und fand neben dem Stahl auch zu weiteren Werkstoffen wie Marmor und Bronze. Mit großformatigen Abbildungen führt die Publikation in das vielseitige OEuvre des prämierten Künstlers ein.

Ein Fisch wird zum Messer, ein Alligator zur Säge und der Künstler selbst zum Nokia-Telefon - John Martin ist einer der spannendsten schwarzen US-amerikanischen Künstler unserer Zeit. Der Band will zum besseren Verstehen und zur Wertschätzung seiner einzigartigen Bildsprache und seiner außerhalb der Kunstszene, aber auch außerhalb der Behindertengemeinschaft angesiedelten Arbeiten beitragen.John Martin wurde 1963 in Marks, Mississippi, geboren und lebt und arbeitet jetzt im Creative Growth Art Center in Oakland, Kalifornien. In seinen Zeichnungen, Keramiken und Holzarbeiten verknüpft er Erinnerungen an die Farm seiner Familie in Mississippi mit seinem heutigen Leben in Oakland. Meist bildet er Gegenstände aus seiner Sammlung von Objets trouvés ab, verleiht ihnen aber einen neuen Sinn, der ihre Funktion erkennen lässt, führt aber zugleich ihre Zweckmäßigkeit ad absurdum, indem er etwa skurrile Tiergestalten und überdimensionale Leatherman-Werkzeuge mit rätselhaften Textbruchstücken mixt. Mit schrägem Sinn für Humor übersetzen seine Kompositionen Bilder von Gebrauchsgegenständen in eine lebendige grafische Ästhetik.

Ob mit Silikonschläuchen, Farbe, Papier oder Faden - Monika Fioreschy findet in ihrem über 50-jährigen künstlerischen Schaffen immer wieder neue Ausdrucksformen in der Tradition der Webkunst. Neben den textilen Webstücken führt der Band durch weitere oftmals völlig heterogene Werkgruppen der Künstlerin und präsentiert dabei auch aktuelle aus älteren Werken upgecycelte Arbeiten.Stoff, der gewöhnlich Bildgrund für Gemälde ist, wird bei Monika Fioreschy zum Bildgegenstand. Ihre stets selbst gefärbten, gewebten und daher gerasterten Bildräume durchfließen horizontale Farbströmungen. Mal werden diese Abstraktionen durch Schlitze getaktet oder gewinnen wegen der - auch sinnträchtig mit Blut oder Pflanzenextrakt gefüllten - Silkonschläuche skulpturale Züge. Für ihre neuesten Arbeiten überführt sie ältere Werke mit Nagel und Faden zu etwas Neuem, zieht sie in den Erfahrungszustand von heute.

Welches Bild von China hatten japanische Künstler vom späten 17. Jahrhundert, als ihr Land sich gegen die Welt abschottete, bis zur Öffnung im Zuge der Modernisierung ab der Mitte des 19. Jahrhunderts? Der Band untersucht vorrangig Darstellungen in der japanischen Malerei vom späten 17. bis zum 20. Jahrhundert, die China als realen Ort ebenso wie als imaginäres gelobtes Land zeigen. In drei Essays renommierter japanischer Kunsthistoriker*innen und über fünfzig Katalogeinträgen zu außergewöhnlichen Werken werden die komplexen Reaktionen der Kunst Japans auf die chinesische Kunst, Geschichte und Kultur offenbar.Eine Handvoll wissenschaftlicher Studien hinterfragt in jüngerer Zeit das etablierte Narrativ, das moderne Japan habe sich allein am Westen orientiert. Diese verbreitete Vorstellung von einem ausschließlich westlich inspirierten heutigen Japan thematisiert "Toward Tomorrow". Mit einem nuancierteren Ansatz bemüht sich der Band, die schwierige Aussöhnung zwischen Alt und Neu im Zuge der Neuerfindung des modernen Nationalstaats Japan zu verstehen.

Das Werk der österreichischen Roma-Schriftstellerin, Malerin, Aktivistin, Musikerin und Holocaust-Überlebenden Ceija Stojka (1933-2013) ist Thema dieses Bandes. Seit den 1980er-Jahren schuf sie über tausend Zeichnungen und Gemälde mit Sujets, die von Landschaften und Erinnerungen an ihr glückliches Vorkriegsleben als Teil einer großen Pferdehändlerfamilie bis zur zunehmenden Verfolgung der Roma unter dem Naziregime reichen.Stojka überlebte als Kind die drei Konzentrationslager Ravensbrück, Bergen-Belsen und Auschwitz. In ihren Werken schildert sie ihre persönlichen Erfahrungen mit Verhaftung, Vernichtung, Überleben und Befreiung, die Millionen Menschen teilten. 2023 jährt sich ihr Geburtstag zum 90. Mal und ihr Todestag zum 10. Mal. In diesem Jahr feiern wir zugleich den 30. Jahrestag der offiziellen Anerkennung der Roma als Volksgruppe in Österreich (1993), für die sich Ceija Stojka jahrelang gemeinsam mit anderen österreichischen Roma stark gemacht hatte, um endlich vollwertiger Teil der Gesellschaft zu sein.

Die pulsierende kubanische Hauptstadt begeistert immer wieder mit ihren bunten Fassaden, amerikanischen Oldtimern und karibischem Flair. Über die touristischen Hotspots Havannas hinaus lädt dieser Reiseführer ein zu einem Blick in die Hochburgen des angesagtesten Modedesigns und zu ausgewählten architektonischen Highlights, Bars und Läden, in denen der aktuelle Wandel der quirligen Stadt zur modernen Metropole hautnah spürbar ist.Re- und Upcycling gehören in Havanna seit Jahrzehnten zum Alltag dazu. Die aus der Not geborene Tradition hat jetzt eine junge Generation von Modedesigner*innen neu definiert und produziert kunstvolle Kleidung und Unikate zu erschwinglichen Preisen. Angesichts der drohenden Ressourcenverknappung und der zunehmenden Vermüllung unseres Planeten bietet die karibische Metropole inspirierende Gedankenanstöße für nachhaltige Mode ebenso wie für die sanfte Neugestaltung und Umnutzung historischer Gebäude. Mit Adressen ausgewählter Galerien, Museen, Modelabels, Bars und Trendshops.

Ylla (1911-1955) widmete sich der Tierfotografie zu einer Zeit, als noch niemand daran dachte, ausschließlich Tiere zu fotografieren. Sie schuf etwas gänzlich Neues - sie hielt die individuellen Ausdrucksweisen und Persönlichkeiten der Tiere im Bild fest. Dieses Buch erzählt die spannende Geschichte einer selbstbewussten, abenteuerlustigen Frau, die als Pionierin der Tierfotografie Furore machte.Yllas bewegtes Leben führte sie von Belgrad über die surrealistischen Künstlerkreise von Paris, zu denen auch Brassaï, Kertesz und Moholy-Nagy gehörten, nach New York. Ihre ersten Aufnahmen machte sie im Studio und in Zoos, bevor sie schließlich nach Afrika und Indien reiste, wo sie bei einem tragischen Unfall während eines Wasserbüffelrennens ums Leben kam. Ihre Bücher Animals in Africa und Animals in India gehören zu den ersten dieses Themas. Ylla führte die Tierfotografie auch in die Kinderliteratur ein. Der kleine Löwe und Zwei kleine Bären gehören zu den Klassikern der Jugendliteratur.

Diese Publikation dokumentiert und kontextualisiert erstmals Udondians kreative Auseinandersetzung mit Textilien und wandelbaren kulturellen Identitäten innerhalb eines globalen Handelssystems, dessen Hauptmerkmal grenzüberschreitende Bewegungen von Waren und Menschen von einem Teil der Welt zu einem anderen ist.Die Arbeiten von Victoria-Idongesit Udondian werden bestimmt von ihrem Interesse an Textilien und dem identitätsstiftenden Potenzial unserer Kleidung, das geprägt ist von der Geschichte alltäglicher Materialien und den unbewusst in ihnen mitschwingenden Bedeutungen. Die aus solchen Werkstoffen entstehenden interdisziplinären Projekte hinterfragen die Konzepte kultureller Identität und postkolonialer Haltungen, die sie in ihrer Jugend in Nigeria kennenlernte und in ihrer transnationalen Praxis als Künstlerin mit Sitz in den USA erlebt. Ihre Werke untersuchen komplexe Themen wie Migration sowie ethnische und kulturelle Identität im globalen Kontext.

Der deutsche Expressionismus mit seinen Vertretern Klee, Dix, Kirchner, Feininger, Modersohn-Becker und Kandinsky zählt zu den entscheidenden Bewegungen der Moderne. Eine der größten und renommiertesten Sammlungen Nordamerikas dieser Stilrichtung beherbergt das Saint Louis Art Museum. Die Publikation erzählt die Geschichte des deutschen Expressionismus und seiner Protagonisten anhand der Meisterwerke der Sammlung.Während und nach dem Zweiten Weltkrieg kam eine Vielzahl an Werken des deutschen Expressionismus in die Vereinigten Staaten. Frühzeitig erkannte die Direktion des Saint Louis Art Museums den Stellenwert der Kunst und erweiterte gezielt den Bestand. Erstmalig stellt der Band die Sammlung des Hauses vor: Insgesamt werden Meisterwerke von 25 Künstlern großformatig reproduziert und im Detail betrachtet. Dabei wird sowohl ihre Entstehung als auch der Weg bis zur Ankunft im Museum nachvollzogen. Der Autorin Melissa Venator gelingt die lebhafte Darstellung einer entscheidenden Ära der modernen Kunst.Künster*innen:Albert Bloch, Heinrich Campendonk, Lovis Corinth, Otto Dix, Josef Eberz, Lyonel Feininger, Walter Gramatté, George Grosz, Erich Heckel, Karl Hofer, Alexei Jawlensky, Vasily Kandinksy, Ernst Ludwig Kirchner, Paul Klee, Oskar Kokoschka, August Macke, Franz Marc, Ludwig Meidner, Paula Modersohn-Becker, Otto Mueller, Gabriele Münter, Emil Nolde, Max Pechstein, Karl Schmidt-Rottluff, Georg Tappert

"Moving Pictures" beleuchtet die Hollywood-Karriere des bahnbrechenden Künstlers Karl Struss (1886-1981), der gleichermaßen mit unbewegten und bewegten Bilder zu Starruhm gelangte. Anhand von Fotografien, Filmen und Archivmaterial erzählt der Band seine multimediale Geschichte und zeichnet nach, wie der gefeierte Fotokünstler Struss zu einem der führenden Kameramänner Hollywoods wurde.In den 1920er-Jahren wandte sich Struss vorwiegend bewegten Bildern zu und stand bei Filmen wie "Ben Hur" (1925) und "Sonnenaufgang - Lied von zwei Menschen" (1927) hinter der Kamera. Im Laufe seiner Karriere arbeitete er mit den berühmtesten Leinwandstars und Regisseuren seiner Zeit wie Charlie Chaplin, Mary Pickford, Mae West, D.W. Griffith und Walter Murnau. Vor allem sein technischer und künstlerischer Beitrag zu "Sonnenaufgang" war revolutionär. Bis heute gilt der Film als ein Höhepunkt der Stummfilmkunst, und zu Recht erhielten Struss und sein Kollege an der Kamera, Charles Rosher, für "Sonnenaufgang" den ersten je vergebenen Oscar für die beste Kamera. Erstmals seit dreißig Jahren bietet mit "Moving Pictures" nun eine Monografie ein Gesamtbild von Struss' Schaffen.

Max Beckmann (1884-1950), der herausragende Maler des Expressionismus, zählt zu den wichtigsten Künstlern des 20. Jahrhunderts. Seine figurenstarken und farbintensiven Werke, die voller symbolreicher Botschaften, geheimnisvoll und zeitkritisch sind, zeugen von Beckmanns Ringen um existenzielle Fragen und seiner steten Suche nach der Wahrheit.Max Beckmann ist einer der faszinierendsten Maler der Moderne, der wie kaum ein anderer in seinen zahlreichen Werken und nicht zuletzt durch seine umfangreiche Korrespondenz und Tagebücher die gesellschaftlichen Umbrüche seiner Zeit spiegelte. Der Beobachter, der Gentleman, der Einzelgänger, der reflektierende Zeitzeuge, der Sinnsucher und selbstkritische Zweifler: Besonders in seinen ausdrucksstarken Selbstporträts glaubt man, Beckmanns facettenreichem Wesen ein Stück näher zu kommen und dadurch sein gesamtes metaphernreiches Werk besser verstehen zu können. Sein künstlerischer Werdegang sowie die wichtigsten biografischen Stationen, von den Jahren in Berlin und Frankfurt über das Exil in Amsterdam und Amerika, werden in diesem Band von einer der renommiertesten BeckmannSpezialistinnen, Dr. Christiane Zeiller, nachgezeichnet. Aus dem einzigartigen Max Beckmann Archiv mit seinen umfangreichen Nachlässen, das die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen in München beheimaten, wird in der Publikation bislang nicht veröffentlichtes Material gezeigt - private Fotos ebenso wie Gegenstände aus dem Besitz des Malers.

Die deutsch-schwedische Malerin Lotte Laserstein (1898-1993) zählt zu den aufregendsten Wiederentdeckungen in den vergangenen Jahren. Der reich illustrierte Band vereint Texte zu ihrem Kunstschaffen in Berlin, ihrer Zeit in Schweden sowie bisher unveröffentlichte Briefe und bereichert damit das bisherige Wissen über ihr Leben und Werk.In der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts nimmt Lotte Laserstein heute einen unstrittigen Platz als große Realistin der Weimarer Republik ein. Mit ausdrucksstarken Bildnissen ihrer Zeitgenossen, Selbstporträts und sinnlichen Akten fügte sie der Neuen Sachlichkeit eine gänzlich eigene Facette hinzu. Auch in Schweden, wohin die Künstlerin 1937 emigrieren musste, entstand ein umfangreiches, vielseitiges OEuvre. Werke aus allen Schaffensperioden, darunter zahlreiche bisher unpublizierte Arbeiten, sowie Texte zu aktuellen Themen wie Gender, Queerness oder Exil werfen ein neues Licht auf die Malerin.

Als Meister des grafischen Genres verlegt Michael Flomen seine Dunkelkammer unter den freien Himmel. Ohne Kamera, allein im Einvernehmen mit der Natur, entstehen dort seine großformatigen avantgardistischen Fotogramme. Von den Großstädten bis zur Wildnis Nordamerikas verfolgt die Monografie mit 182 Bildern und acht kritischen Essays den Entwicklungsweg seiner einzigartigen Vision.Um sich in der Fotografie mit Abstraktion auseinanderzusetzen, lässt Michael Flomen die Kamera außen vor und konzentriert sich stattdessen auf lichtempfindliche Materialien. Wasser, Wind, Regen, leuchtende Glühwürmchen und andere Naturphänomene sind typische Komponenten seiner Arbeit. Aus der Natur lässt er monumentale Fotogramme entstehen und offenbart in ihnen Dinge, die sich dem bloßen Auge entziehen. Die Werke berühren uns gerade in der heutigen Zeit, in der wir wieder lernen, in Einklang mit der Umwelt zu bringen.

Die im Band versammelten Beiträge stellen die Geschichte queerer Lebensentwürfe dar - von ersten Emanzipationsbewegungen um die Jahrhundertwende über Selbstermächtigungsversuche in der Weimarer Republik bis hin zu der Zerstörung queerer Subkulturen unter dem nationalsozialistischen Regime und der fortdauernden Diskriminierung von LGBTIQ*-Personen in der Nachkriegszeit.Seit dem späten 19. Jahrhundert traten immer mehr Menschen selbstbewusst für die Anerkennung queerer Lebensweisen ein. Diese Pionier*innen bildeten Kollektive, verschafften sich Gehör und stellten dominante Geschlechterkategorien politisch, wissenschaftlich und künstlerisch infrage. In Form von Essays, Interviews und Kunstwerken beleuchten Autor*innen und Künstler*innen diesen Kampf um Anerkennung, der mit der Machtübernahme der Nationalsozialisten gewaltsam unterbunden, zerstört und nach 1945 kaum erinnert wurde.KÜNSTLER*INNENKatharina Aigner | Maximiliane Baumgartner | Zackary Drucker | Chitra Ganesh | Philipp Gufler | Lena Rosa Händle | Zoltán Lesi | Henrik Olesen | Ricardo Portilho | Karol Radziszewski u. a.

Blumen verkörpern ein seit Jahrhunderten verbreitetes Motiv der Kunst. Seit dem Barock Ausdruck von Naturschönheit und irdischer Vergänglichkeit haben Blumen im 20. und 21. Jahrhundert für Künstlerinnen und Künstler nicht an Faszination verloren. Warum greift die moderne und zeitgenössische Kunst dieses facettenreiche Motiv so intensiv auf?Blumen sind Sinnbild für Liebe und Leben ebenso wie für Vergehen oder Zerstörung. Über 120 Werke verschiedenster Medien, wie Malerei, Fotografie, Video und Installation, zeigen Bedeutungswandel und Aktualität des Motivs: von der Auseinandersetzung mit Farbe und Form über gesellschaftspolitische und genderspezifische Fragestellungen bis hin zum Nachdenken über das Sein, die Umwelt oder neue Technologien. Der reich illustrierte Katalog bietet zudem einen kunsthistorischen Rückblick, Essays zur politischen Dimension wie zu Alltagskultur im Umgang mit Blumen.Künstler*innen: Anita Albus | Max Beckmann | Renate Bertlmann | Joseph Beuys | Felix Dobbert | Quynh Dong | Max Ernst | Hans-Peter Feldmann | Fischli/Weiss | Hannah Höch | David Hockney | Alexej von Jawlensky | Judith Kaminski | Peco Kawashima | Ernst Ludwig Kirchner | Robert Mapplethorpe | Ana Mendieta | Claire Morgan | Gabriele Münter | Heinrich Nauen | Emil Nolde | Meret Oppenheim | Régis Perray | Otto Piene | Odilon Redon | Gerhard Richter | Pipilotti Rist | Christian Rohlfs | Dieter Roth | Ulrike Rosenbach | Martha Rosler | Hito Steyerl | Anaïs Tondeur | Timm Ulrichs | Suzanne Valadon | Andy Warhol | Annette Wehrmann u. a.

Blumen verkörpern ein seit Jahrhunderten verbreitetes Motiv der Kunst. Seit dem Barock Ausdruck von Naturschönheit und irdischer Vergänglichkeit haben Blumen im 20. und 21. Jahrhundert für Künstlerinnen und Künstler nicht an Faszination verloren. Warum greift die moderne und zeitgenössische Kunst dieses facettenreiche Motiv so intensiv auf?Blumen sind Sinnbild für Liebe und Leben ebenso wie für Vergehen oder Zerstörung. Über 120 Werke verschiedenster Medien, wie Malerei, Fotografie, Video und Installation, zeigen Bedeutungswandel und Aktualität des Motivs: von der Auseinandersetzung mit Farbe und Form über gesellschaftspolitische und genderspezifische Fragestellungen bis hin zum Nachdenken über das Sein, die Umwelt oder neue Technologien. Der reich illustrierte Katalog bietet zudem einen kunsthistorischen Rückblick, Essays zur politischen Dimension wie zu Alltagskultur im Umgang mit Blumen.Künstler*innen: Anita Albus | Max Beckmann | Renate Bertlmann | Joseph Beuys | Felix Dobbert | Quynh Dong | Max Ernst | Hans-Peter Feldmann | Fischli/Weiss | Hannah Höch | David Hockney | Alexej von Jawlensky | Judith Kaminski | Peco Kawashima | Ernst Ludwig Kirchner | Robert Mapplethorpe | Ana Mendieta | Claire Morgan | Gabriele Münter | Heinrich Nauen | Emil Nolde | Meret Oppenheim | Régis Perray | Otto Piene | Odilon Redon | Gerhard Richter | Pipilotti Rist | Christian Rohlfs | Dieter Roth | Ulrike Rosenbach | Martha Rosler | Hito Steyerl | Anaïs Tondeur | Timm Ulrichs | Suzanne Valadon | Andy Warhol | Annette Wehrmann u. a.