Bücher veröffentlicht von Hirmer Verlag GmbH

Die tschechische Künstlerin TOYEN (1902-1980) arbeitete im Herzen des Surrealismus. Pionierin innerhalb der Avantgarde ihrer Heimatstadt Prag wie ihres Pariser Exils, schuf sie ebenso poetische wie provokante Bilder, die mit Realität und Imagination, Verführerischem wie Abgründigem spielen. Einzigartig und farblich virtuos prägen sich ihre Werke tief ins Gedächtnis ein.Die in Prag geborene Marie Cermínová, genannt TOYEN von französisch »Citoyen« (Bürger) schuf ein einzigartiges Werk jenseits gängiger Stile, Themen, Techniken und Geschlechterrollen. Ihr außergewöhnliches Leben und Schaffen trifft im fundiert erzählten, opulenten Band auf Werke und Texte von Weggefährten wie André Breton, Salvador Dalí, Jindrich Heisler, Jindrich styrský oder Yves Tanguy. Mit ihrem beeindruckenden OEuvre gilt sie als Ausnahmeerscheinung des internationalen Surrealismus und der Nachkriegskunst sowie als bedeutendste tschechische Künstlerin des 20. Jahrhunderts.

Keine andere deutsche Künstlerin der Klassischen Moderne hat einen solchen mythischen Status erreicht wie Paula Modersohn-Becker (1876-1907). 120 Werke aus allen Schaffensphasen wie Themenbereichen geben einen Überblick über ihr eigenständiges und selbstbewusstes Werk, das der frühen Vertreterin der Avantgarde in Deutschland schon zu Beginn des 20. Jahrhunderts und vor dem Expressionismus zu ihrer Sonderrolle verhalf.Wie und warum hat Paula Modersohn-Becker zu ikonenhaften Bildern gefunden, die bis heute berühren und faszinieren? Die außerordentliche Radikalität ihrer Haltung und ihrer Arbeiten, stilistische Modernität wie quasi fotografische Ausschnitthaftigkeit zeigen sich in prägnanten Serien und Bildmotiven, ihrem individuellen Umgang mit Farbe und Form wie ihrem Malduktus. Die Bandbreite ihres opulent präsentierten, in nur einem knappen Jahrzehnt entstandenen OEuvres reicht von Selbstporträts, frühen Akten, Porträts, Kinderbildnissen, Mutter-und-Kind- bis hin zu Bauerndarstellungen, Stillleben und Landschaften, die in ihrer zeitlosen Direktheit beeindrucken.

Eine Szene voller Anmut, Eleganz und kultivierter Geschäftigkeit: Mit Antoine Watteaus (1684-1721) "Ladenschild des Kunsthändlers Gersaint" zog 1746 nicht nur eines der ungewöhnlichsten Gemälde des 18. Jahrhunderts, sondern auch die Vorliebe für die verfeinerte Kultur Frankreichs in Preußen ein. Die vielfältigen Konsequenzen für Kunst, Luxusgüter und Handwerk untersucht dieser erlesene Band.Wie kein anderes Bild ist das "Ladenschild" von 1721 zum Symbol für den hoch entwickelten Kunstmarkt des 18. Jahrhunderts geworden. Einst als Werbetafel und »Fingerübung« Watteaus für einen Händler auf der Notre-Dame-Brücke in Paris gemalt, ist es auch ein Sinnbild für den Handel mit den Werken des einzigartigen Künstlers selbst. Das fundierte, reich illustrierte Buch schildert, wie Watteau durch die Begeisterung Friedrichs II. stilbildend für die kulturelle Entwicklung in Preußen werden konnte.

Hans Kemmer (um 1495/1500-1561) gilt als ideenreicher Maler der Reformation in Lübeck. Er war hervorragend vernetzt und erhielt große Aufträge. Anlässlich seines 460. Todesjahrs widmet sich der Band dieser Malerpersönlichkeit im Dialog mit ausgewählten Werken seines Lehrers Lucas Cranach d. Ä., von dem er wichtige Impulse erfuhr.Mit der veränderten Auftragslage im Zuge der Reformation erfanden Lucas Cranach d. Ä. und sein Schüler Hans Kemmer ganz neue Bildthemen. Nach seiner Gesellenzeit in Wittenberg kehrte Kemmer in seine Heimatstadt Lübeck zurück und wurde zum wichtigsten Maler. Das Buch beleuchtet die Beziehung zwischen den beiden Künstlern, stellt die neuen Bildthemen vor, befasst sich mit dem historischen Kontext und präsentiert neue Ergebnisse. Damit stehen die spannenden Veränderungen auf dem Weg vom Mittelalter in die frühe Neuzeit im Mittelpunkt.

Erich Heckel (1883-1970) war Gründungsmitglied der Künstlergruppe Brücke, einer der Pioniere des Expressionismus und bedeutender Vertreter der Klassischen Moderne im Nachkriegsdeutschland. Sein druckgrafisches Werk wird hier auf der Grundlage neuester Forschungen mit großzügigen Abbildungen von den besten Kennern der Materie dokumentiert und kommentiert.Das druckgrafische Werk Heckels besteht aus insgesamt knapp 1100 Holzschnitten, Lithografien und Radierungen aus den Jahren 1903 bis 1968. Der dreibändige OEuvrekatalog bietet eine umfassende, kritisch kommentierte Neubearbeitung des ersten Werkverzeichnisses von Dube von 1964/74 und liefert mit zahlreichen inhaltlichen Erläuterungen, der Nennung und Beschreibung von Einzelabzügen sowie Querverweisen zum übrigen Werk faszinierende Einblicke in das vielschichtige grafische Schaffen des bedeutenden Expressionisten.

Mit Nini und Carry Hess treten zwei herausragende jüdische Fotografinnen der Weimarer Republik in den Fokus, deren Karrieren von den Nationalsozialisten zerstört wurden. Der Band stellt Biografie und Werk der Frankfurter Schwestern vor. Der Schwerpunkt liegt im Bereich von Porträt- und Theaterfotografie, aber auch Tanz-, Mode- und Architekturaufnahmen werden gezeigt.Das 1913 von Nini (1884-1943?) und Carry Hess (1889-1957) gegründete Fotostudio gehörte zu den angesehensten in Deutschland. Das innovative Frankfurter Bühnengeschehen dieser Jahre hielten sie in Szenenfotos und Rollenporträts fest. Eindrucksvolle Bildnisse von Stars wie Heinrich George und Mary Wigman, Thomas Mann, C. G. Jung oder Max Beckmann belegen die Qualität ihrer Arbeit, in der sie sich der Bildsprache des Neuen Sehens annäherten. Das mit Zerstörung des Ateliers in der Reichspogromnacht 1938 vernichtete Werk der Fotografinnen wird anhand von ca. 120 Vintage-Prints umfassend rekonstruiert.

Zwischen Wüsten, Bergketten und Gewässern entwickelte sich im Iran eine faszinierende Kulturlandschaft. 360 Objekte aus der Zeit der ersten Hochkulturen des 3. Jahrtausends v. Chr. bis zum Ende des Safawidenreichs im frühen 18. Jahrhundert veranschaulichen die herausragende Bedeutung des Iran als Impulsgeber und Zentrum interkulturellen Austauschs.Exquisite Kunstwerke aus der Sarikhani Sammlung, London, und den Staatlichen Museen zu Berlin laden zu einer Zeitreise durch das kulturelle Erbe des Iran ein. Höhepunkte sind die vor-islamischen Großreiche der Achämeniden und Sassaniden, die Ausbildung einer persisch-islamischen Kultur, die künstlerischen Meisterleistungen des 9. bis 15. Jahrhunderts und die Glanzzeit der Safawiden. Sie treffen in dichter Bebilderung wie in einem facettenreichen Kaleidoskop aufeinander und gewähren Einblicke in die Kunst der Höfe und städtischen Eliten.

Paul Cézanne, Auguste Renoir, Claude Monet und viele weitere - der Schweizer Industrielle Emil Bührle (1890-1956) baute zwischen 1936 und 1956 eine eindrückliche Sammlung rund um den französischen Impressionismus auf. Als Inhaber der größten Waffenfabrik des Landes war er eng mit den historischen Ereignissen der Zeit vom Zweiten Weltkrieg bis zum Kalten Krieg verbunden.Zunächst erwarb Emil Bührle Arbeiten fast ausschließlich in der Schweiz, ab 1951 folgte eine intensive zweite Phase, die stark von Bührles geschäftlichem Engagement in den USA geprägt war. Der Band beleuchtet die wechselvolle Geschichte der im Gesamten 633 Werke umfassenden Sammlung und untersucht ihre Bedeutung in Bezug auf Kunstsammlungen der Moderne in Deutschland, der Schweiz und den USA. Ergänzt wird die Schau durch Beiträge verschiedener Autoren, die - von alten Meistern bis zu Picasso - 70 Meisterwerke der Sammlung vorstellen.Künstler*innen: Bonnard, PierreBoucher, FrançoisBoudin, EugèneBraque, GeorgesCanal (Il Canaletto), AntonioCassatt, MaryCézanne, PaulChagall, MarcChassériau, ThéodoreCorot, CamilleCourbet, GustaveCuyp, AelbertDaumier, HonoréDegas, EdgarDelacroix, EugèneDerain, AndréDufy, RaoulFantin-Latour, HenriFlinck, GovaertGauguin, PaulGéricault, ThéodoreGogh, Vincent vanGoya y Lucientes (Atelier), Francisco José deGoyen, Jan vanGreuze, Jean-BaptisteGris, JuanGuardi, FrancescoHals, FransHobbema, MeindertIngres, Jean-Auguste-DominiqueKalf, WillemKokoschka, OskarKoninck, PhilipsManet, EdouardMarquet, AlbertMatisse, HenriModigliani, AmedeoMonet, ClaudeMorisot, BertheOchtervelt, JacobPicasso, PabloPissarro, CamillePuvis de Chavannes, PierreRedon, OdilonRenoir, AugusteRouault, GeorgesRubens, Peter PaulRuysdael, Salomon vanSaenredam, Pieter JanszSeurat, GeorgesSignac, PaulSisley, AlfredSoutine, ChaïmSteen, JanStrozzi, BernardoTeniers II, DavidTerborch, GeraertTheotokópoulos, Jorge ManuelTiepolo, GiambattistaTintoretto, (und Werkstatt)Toulouse-Lautrec, Henri deUtrillo, MauriceVincent, François-AndréVlaminck, Maurice deVuillard, EdouardWitte, Emanuel de

Fremdes im Vertrauten, Gegenwärtiges im Vergangenen, Konstruiertes im Wahren erkennen - die vier meisterhaften Fotografen zeigen Ausschnitte unserer Welt, in denen die Grenze zwischen Realität und Imagination verschwimmt. Von flüchtigen Alltagsszenen über rätselhafte Geschehnisse bis hin zu historischen Ereignissen offenbaren sie eine komplexe und vielschichtige Wirklichkeit.Thomas Demand, Philip-Lorca diCorcia, Andreas Gursky und Jeff Wall nutzen die Realitätsnähe und Momenthaftigkeit der Fotografie, um ihre eigenwilligen Sichtweisen auf die Wirklichkeit zu entwerfen. Was ist real? Sie spielen mit der Wahrnehmung durch den Betrachter, irritieren und laden zur individuellen Deutung des Dargestellten ein. Der hochwertig ausgestattete Band präsentiert die Arbeiten der Stars aus der zeitgenössischen internationalen Fotoszene prachtvoll und in anschaulich erzählten Texten.

Stimmungsvoll ins Bild gesetzt: Das wiedererstandene Berliner Schloss in der Mitte der deutschen Hauptstadt ist zugleich ein Denkmal des barocken Gebäudes und ein lebendiger neuer Stadtbau für die Kultur. Kunstgeschichte, Architektur und Skulptur der meisterhaften Fassaden von Andreas Schlüter begegnen in anschaulichen Texten und atemberaubenden Neuaufnahmen.Fünf Jahre lang hat der Berliner Fotograf Leo Seidel die Wiedergeburt des Berliner Schlosses begleitet, mit dem der städtebauliche Bezugspunkt für das historische Zentrum der Hauptstadt zurückkehrt: Der Prachtboulevard Unter den Linden und die historischen Bauten am Lustgarten treten durch das barocke Meisterwerk von Andreas Schlüter wieder in einen sinnvollen Zusammenhang. Die Autoren, alle Beteiligte an diesem Großprojekt, erläutern anhand beeindruckender Fotografien die Bildsprache der barocken Sandsteinfassade, deren technische und handwerkliche Rekonstruktion sowie die architektonische Konzeption des Gebäudes.

August Gaul (1869- 1921) war der Zoologe unter den Künstlern der Moderne. Seine mal monumentalen, mal possierlichen Skulpturen und Plastiken machen wie seine Zeichnungen die Tiere als gerade das sichtbar, was vielen Menschen an ihnen besonders unverständlich ist: ihr Wesen als nach Form und Charakter souveräne Kreaturen.Kaum ein Thema hat in Zeiten ökologischer Neuorientierung eine solche Brisanz wie der Umgang der Menschen mit den Tieren. Gaul, ein Mitbegründer der Berliner Secession, erfasste in seinen formstrengen und die Körper nach Physis und Kontur definierenden Darstellungen mit dem Typischen der Erscheinung das Spezifische ihres Daseins. In verschiedenen Themenkreisen arbeitet der Band mit der Expertise seiner Autoren die bis heute wirksamen Weichenstellungen im Verhältnis von Mensch und Tier anhand exquisiter Werke der Kunst, Wissenschaft und Populärkultur um 1900 heraus.

Die Werke des Schweizer Malers Ferdinand Hodler (1853-1918) zeugen von seiner großen Begeisterung für Blumen. Sein kreativer Umgang mit den vielfältigen Formen und Bedeutungen des Floralen steht am Beginn einer neuen Bildsprache, die den Künstler zu einem der bedeutendsten Vertreter der klassischen Moderne werden ließ.Aus der Kombination von Blumen und Figuren generierte Hodler immer wieder neue Bildfindungen. Die grundlegenden Eigenschaften des Floralen - Symbol für den Lebenszyklus sowie ornamentale Linienführung und expressive Farbigkeit - bestimmte nicht nur die Kunsttheorie des Malers, sondern ebneten ihm auch den Weg, um seine Gemälde an die Schwelle der Abstraktion zu führen. Der Vergleich mit Cuno Amiet, Vincent van Gogh, Gustav Klimt und anderen Künstlern der Moderne bietet erhellende Einsichten in Hodlers Nutzung des floralen Formenrepertoires.

Eine Künstlerin, die die Kunstgeschichte mit neuem Formvokabular aufmischte: Sophie Taeuber-Arp (1889-1943) war eine Pionierin der Abstraktion, deren überraschendes Werk Malerei, Skulptur, Textilien, Perlarbeiten, Kostüme, Wandmalerei, Möbel, Architektur, Grafikdesign und ein Marionettentheater umfasste. Ihre herausragende Bedeutung wird nun international gewürdigt.Die Schweizer Künstlerin Sophie Taeuber-Arp nimmt in der modernen Kunst eine wichtige Stellung ein. In Leichtigkeit variierte sie Kunstformen und Materialien und entwickelte dabei eine einzigartige, dynamische Sprache. In ihrem interdisziplinären OEuvre verbinden sich ihre kunsthandwerkliche Ausbildung und Lehrtätigkeit mit der Experimentierfreude und dem Innovationsdrang der pulsierenden Avantgardezirkel in Zürich und Paris. Der hochwertig ausgestattete Prachtband begeistert durch Taeuber-Arps mitreißendes Schaffen, das mit etwa 400 Arbeiten fundiert und facettenreich vorgestellt wird.

Goethes Haus am Weimarer Frauenplan ist das Herzstück im Pilgerort der deutschen Klassik - seine verschlüsselte Bildsprache aber war bis heute weitgehend unbekannt. Es ist das persönlichste Projekt, das Goethe je verwirklichte oder auch nur plante, und er hat ihm in den Bildprogrammen und in den teilweise nicht verwirklichten architektonischen Entwürfen Wesentliches seiner Kunst wie seines Lebens anvertraut.Goethe stattete das Wohnhaus, das ihm Herzog Carl August 1792 überlassen hatte, mit ikonografisch bedeutsam aufeinander bezogenen Bildwerken aus, die das barocke Bürgerhaus zum klassizistischen »Dichterhaus« machten. Das Buch erschließt mit grundlegenden Analysen die subtilen Bildprogramme der Goethe`schen Repräsentationsräume und zeigt das Konzept einer am Frauenplan unausgeführten Fassade, deren Hauptmotive jedoch an anderer Stelle eine überraschende Realisierung erfuhren.

In weniger als zwei Jahrzehnten hat Jacoba van Heemskerck (1876-1923) ein kraftvolles OEuvre geschaffen, das Gemälde, Holzschnitte, Glasarbeiten und Mosaike umfasst. Leuchtkraft und zunehmende Transparenz, rhythmische Kompositionen des Bildraums, schwarze Umrisslinien und ein intensiver Farbeinsatz charakterisieren ihre expressiven Landschafts-, Stadt- und Hafenmotive.Nach künstlerischen Anfängen u. a. im Umfeld von Mondrian gehörte Jacoba van Heemskerck zum Zentrum der avantgardistischen Bewegung des "Sturm" von Herwarth Walden in Berlin, Galerist und Verleger, der Künstler wie Marc, Kandinsky oder Jawlensky bekannt machte. Ihre Hinwendung zur Anthroposophie prägte ihr Werk, das von ihrem Interesse für die elementare Wirkung von Licht und Farbe auf die Betrachter zeugt. Durch ihr Verständnis der Natur und des Kosmos im Sinne einer als Ganzes betrachteten Welt ist ihr Schaffen heute höchst aktuell.

1503 fälschte der Nürnberger Bildhauer Veit Stoß einen Schuldschein und beging damit ein Kapitalverbrechen. Nach der schmählichen Strafe der Brandmarkung mit glühenden Eisen floh Stoß entehrt nach Münnerstadt, wo er im Zeichen einer tiefen persönlichen Krise die Flügel des Hochaltares bemalte. Eindrucksvoll widmet sich der Band der brisanten Frage nach dem Verhältnis von Kunst und Verbrechen.1490/92 schuf Tilman Riemenschneider den Hochaltar für die Kirche von Münnerstadt. 1504 bemalte Veit Stoß dessen Flügel mit farbenprächtigen Szenen aus der Legende des heiligen Kilian. Für den virtuosen, aber straffälligen und entehrten Bildschnitzer war es eine Gelegenheitsarbeit, die seine Doppelbegabung erhellt. Bedeutende Kunstwerke sowie spektakuläre Objekte der Rechtsgeschichte und der Alltagskultur beleuchten eine spannende Episode von Kriminalität und Kunst in der Epoche der Spätgotik.

Kein anderes Bildthema wurde in der italienischen Kunst der Renaissance so oft dargestellt wie die Madonna mit Kind. Raffaels Bilder zählen noch heute - 500 Jahre nach seinem Tod - zu den innovativsten Kompositionen. Ihre bahnbrechende Bedeutung wird in diesem Band durch Vergleiche mit anderen Hauptwerken der Zeit, u.a. von Botticelli und Mantegna, erhellt.Raffaels Sixtinische Madonna gehört zu den berühmtesten Gemälden der Kunstgeschichte. Wie der Maler zu dieser bahnbrechenden Komposition gelangte, welche theologische Aussage das Bild besitzt und welche originellen Lösungen er schon in seinen frühen Madonnenbildern fand, zeichnet dieses Buch nach. Gegenüberstellungen mit Zeitgenossen aus Bologna, Florenz, Mantua und Venedig machen die bevorzugten Bildtypen der Epoche, aber auch Raffaels ganz eigene Bildsprache deutlich.Mit Werken vonPietro PeruginoPinturicchioSandro BotticelliAndrea MantegnaAndrea Della RobbiaAndrea della Robbia-WerkstattVincenzo di Biaggio, genannt Vincenzo CatenaPesellinoDonatelloPiero del PollaiuoloFrancesco FranciaFrancesco di Stefano, genannt PesellinoJacopo di Antonio Negretti, genannt Jacopo Palma il VecchioTiziano Vecellio, genannt TizianLorenzo LottoRembrandt Harmensz. vHugo van der Goesan RijnParmigianinoTizianGiovanni BelliniMichelangeloAnton Raphael MengsGiambolognaHans Holbein der JüngereBattista und Dosso DossiCorreggio

Georges Braque (1882-1963) ist einer der bedeutendsten französischen Künstler des 20. Jahrhunderts. Reich bebildert führt der monografische Band in die vielgestaltige Welt seiner Malerei ein, darunter farbkräftige Arbeiten aus dem Umfeld der Fauves um Matisse und André Derain wie bahnbrechende Werke des Kubismus.Seit über 30 Jahren war der große Maler, Grafiker und Bildhauer Georges Braque nicht so präsent in Deutschland wie jetzt zur Retrospektive seines malerisches Werkes in Hamburg, einer Kooperation mit dem Pariser Centre Pompidou. Zusammen mit Picasso gilt er als Begründer des Kubismus. Der Band spürt seiner erstaunlichen schöpferischen Vielfalt nach und beleuchtet die stilistischen Veränderungen sowie formalen Brüche in seinem Schaffen - vom Fauvismus seiner Anfänge bis zu den letzten, nahezu abstrakten Serien der Nachkriegszeit.

Als der junge Maler Rembrandt van Rijn (1606-1669) im Jahr 1631 von Leiden in die florierende Kunst- und Kulturmetropole Amsterdam zog, gelang ihm zügig der Durchbruch. Mit seiner erstaunlich breiten Bildproduktion von Historienbildern, Porträts, Landschaften, Genreszenen und Stillleben erlangte er internationalen Ruhm und fand seinen unverwechselbaren dramatisch erzählenden Stil.In Amsterdam wetteiferte um die Mitte des 17. Jahrhunderts eine Vielzahl talentierter Künstler um die Gunst des potenten und kunstliebenden Bürgertums. Die anregende Atmosphäre machte im Dialog mit den Meisterwerken der Zeitgenossen aus einem jungen Maler den weltberühmten Meister: Rembrandt. In wenigen Jahren war er berühmt, bildete selbst aus und betrieb erfolgreich den Handel seiner Gemälde und Druckgrafiken. Der Band zeigt zudem prachtvoll Rembrandts radikalen Wandel von kleinen, präzis gemalten Bildern der Leidener Frühzeit zu großen mit Licht und Schatten spielenden Leinwandbildern der Amsterdamer Zeit auf.

John Heartfield (1891-1968) zählt mit seinen politischen Collagen zu den innovativsten Grafikern der Weimarer Republik. Seine Fotomontagen und collagierten Buchumschläge, die ihre Herkunft in der Berliner Dada-Szene haben und sich gegen den Faschismus richten, sind noch heute von großer Sprengkraft.John Heartfield ist international berühmt für seine politischen Collagen. Mit scharfer Beobachtungsgabe, Witz und Kompromisslosigkeit stellte er den ursprünglich dokumentarischen Charakter der verwendeten Pressefotos auf den Kopf und setzte seine Kunst bildgewaltig und mit pointiertem Humor aktiv gegen Krieg und Faschismus ein. Auch seine Trickfilme und seine Theaterarbeit werden im Kontext von Kunstwerken, Archivalien und Arbeitsmaterialien besprochen, ergänzt um Statements zeitgenössischer Künstlerinnen und Künstler, die Heartfields Werk im Zeitalter von Fake News beleuchten."Man ist sich bei den Henkern im Lande genau darüber im klaren, was für eine unschätzbare Waffe Heartfields Montage ist. Sie wissen welchen Feind sie in dem kleinen, unscheinbaren Johnny haben. Sie hassen ihn wie kaum einen anderen, und wehe, wenn sie seiner habhaft werden!"Oskar Maria Graf 1938 in der Exilzeitung Deutsche Volkszeitung

David Hockney (*1937) ist einer der bedeutendsten zeitgenössischen Künstler der Welt. Seine unvergesslichen Bilder erreichen stets ein breites Publikum. Sein vielseitiges Schaffen als Maler, Zeichner und Grafiker präsentiert der vorliegende Band aus Anlass einer retrospektiv angelegte Ausstellung im Bucerius Kunst Forum Hamburg.In seinem facettenreichen Schaffen ist der britische Künstler David Hockney seit den 1960er-Jahren auf der ständigen Suche nach neuen Ausdrucksformen. Er lotet die Möglichkeiten der Perspektive aus oder befasst sich mit Wahrnehmung oder Realitätsdarstellung. Seine einfühlsamen Porträts und intimen Aktdarstellungen zeigen Hockneys feines Gespür für zwischenmenschliche Beziehungen und sein Interesse am männlichen Körper. Zentrale Aspekte seiner langjährigen künstlerischen Arbeit werden am Beispiel von Hauptwerken aus der Tate London vorgestellt.

Sinnlichkeit, Magie, tiefgründige Bedeutsamkeit und Irrationalität sind die Kennzeichen der neuen Kunstströmung des belgischen Symbolismus, die sich in den 1880er-Jahren formiert. Von George Minne und Félicien Rops zu Fernand Khnopff und James Ensor zeigt sich in Porträt, Figurenbild und Landschaft eine Faszination für Unheimliches wie Verruchtes, für Thanatos und Eros.Die Besonderheit des belgischen Symbolismus ist seine Vorliebe für das Morbide und Skurrile, Tod und Verfall werden zu Leitmotiven in der Kunst. In Malerei und Bildhauerei versuchen die Künstler um 1900, eine neue Mystik mit einem extravaganten und kostbaren Stil zu verbinden. Zur zentralen Gestalt avanciert in diesem Kontext die Femme fatale als Ausdruck von Überfluss und Wollust, oft gepaart mit esoterischen und dämonischen Anklängen. Von Belgien gingen viele Impulse für den europäischen Symbolismus aus. Der umfangreiche und großzügig illustrierte Band geht diesen auf den Grund.Künstler:JEAN DELVILLE | JAMES ENSOR | ÉMILE FABRY | LÉON FRÉDÉRIC | FERNAND KHNOPFF | XAVIER MELLERY | GEORGE MINNE | FÉLICIEN ROPS | LÉON SPILLIAERT | CHARLES VAN DER STAPPEN U. A.sowie Referenzwerke des europäischen Symbolismus vonARNOLD BÖCKLIN | GUSTAV KLIMT | EDVARD MUNCH | ODILON REDON | DANTE GABRIEL ROSSETTI | FRANZ VON STUCK U. A.

Frida Kahlo war nur eine von ihnen: Zwischen 1930 und den 1960er-Jahren trugen weit mehr Künstlerinnen als bisher angenommen zur surrealistischen Bewegung bei. Von den männlichen Surrealisten rund um André Breton meist nur als Partnerin oder Modell wahrgenommen, zeigt der Band, wie viel mehr die Künstlerinnen zu bieten hatten.Die Frau als Göttin, Teufelin, Puppe, Fetisch, Kindfrau oder Traumwesen war das vorherrschende Thema der männlichen Surrealisten. Die Künstlerinnen des Surrealismus hingegen waren auf der Suche nach einer neuen weiblichen Identität und entdeckten so ihre eigene Formensprache. Hinzu kam die Auseinandersetzung mit politischen Themen, Literatur oder fremden Mythen. Malerei, Zeichnung, Objekte, Fotografien und Filme ergänzen sich zu einem Gesamtbild des surrealen und fantastischen Schaffens von avantgardistischen Künstlerinnen aus aller Welt.

30 Jahre nach 1989 wird mit diesem Band erstmals die Perspektive der bildenden Künste auf Friedliche Revolution, Wende und Umbruch umfassend dargestellt. Das Spektrum reicht von staatlicherseits herausgehobenen Positionen über kritisch-loyale und nonkonforme bis zu offen dissidentischen. Zudem sind Künstler mit Arbeiten vertreten, die noch in der DDR geboren, aber vom sozialistischen Kunstsystem nicht mehr berührt wurden. Im 30. Gedenkjahr ist die Schau Point of No Return im MdbK Leipzig die zentrale Ausstellung, die sich mit der ostdeutschen Kunst im Epochenübergang in aller Breite befasst.Künstler: Micha Brendel, Kurt Buchwald, Hartwig Ebersbach, Lutz Fleischer, Thomas Florschuetz, Lutz Friedel, Ellen Fuhr, Sighard Gille, Wasja Götze, Klaus Hähner-Springmühl, Angela Hampel, Eberhard Havekost, Johannes Heisig, Sabine Herrmann, Frenzy Höhne, Via Lewandowsky, Walter Libuda, Peggy Meinfelder, Henrike Naumann, Roland Nicolaus, Gudrun Petersdorff, Wolfgang Petrovsky, Wolfgang Peuker, Neo Rauch, Arno Rink, Einar Schleef, Christine Schlegel, Cornelia Schleime, Annette Schröter, Volker Stelzmann, Strawalde, Hans Ticha, Werner Tübke, Ulla Walter, Trak Wendisch, Doris Ziegler u. a.

Der Einfluss von volkstümlichen Traditionen auf die Pioniere der Moderne bei der Entwicklung ihrer neuen künstlerischen Sprache wird grundlegend untersucht. Objekte aus dem Kunsthandwerk und der Volkskunst treffen auf Meisterwerke von Avantgarde-Künstlern wie Josef Albers, Sonia Delaunay, Johannes Itten, Wassily Kandinsky, Ernst Ludwig Kirchner, Pablo Picasso, Charles Sheeler oder Sophie Taeuber-Arp.Ein Jahrhundert nach Entstehung der Moderne in Europa und Amerika strebt dieses Standardwerk eine Neubewertung der Epoche an. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts zogen viele Künstler und Architekten Inspirationen aus lokaler Volkskunst. Privatsammler, Museen und Künstler begannen sie zu sammeln und auszustellen. Die Begeisterung für traditionelle Handwerkstechniken verstärkte sich durch deren drohende Verdrängung durch die Industrialisierung. Im Fokus stehen die Rezeption afrikanischer, volkstümlicher und bäuerlicher Kunst und textilen Kunsthandwerks. Das Phänomen wird von internationalen Autoren beleuchtet und anhand von 350 Abbildungen veranschaulicht.

Goya, Fragonard und Tiepolo eroberten als Schlüsselfiguren des 18. Jahrhunderts mit ihrer innovativen, teils radikalen Kunst eine neue Freiheit. Mit herausragenden Werken präsentiert der Band die folgenreichen künstlerischen Umbrüche, mit denen in Madrid, Paris und Venedig die Grundlagen der Moderne geschaffen wurden.Einschneidende Veränderungen prägten das 18. Jahrhundert und schlugen sich auch in Kunst und Künstlerdasein nieder. Francisco José de Goya y Lucientes, Jean-Honoré Fragonard und Giovanni Battista Tiepolo entwarfen eine neuartige Bildsprache. Freie Pinselführung, unkonventionelle Figuren und kühne Farbigkeit verbinden sich darin zu teils radikalem künstlerischem Ausdruck. Als Vor- und Wegbereiter der Moderne werden die Künstler und ihr Schaffen erstmals gemeinsam präsentiert: Der reich bebilderte Band führt das Atmosphärisch-Ideale, das Unheimlich-Groteske und Theatralische in deren Werken vor Augen und lässt die faszinierenden Facetten einer Bildwelt im Wandel entdecken.

Die Designerinnen der Deutschen Werkstätten Hellerau stellen ein zentrales Kapitel deutscher Designgeschichte dar. Erstmals seit den 1990er Jahren wird die Geschichte dieses Unternehmens in einer umfassenden Untersuchung komplettiert. Eine Vielzahl begabter Frauen und die exzellente Qualität ihrer Arbeiten erhalten ihre berechtigte Sichtbarkeit. Die gern weiblich besetzten Bereiche Kunstgewerbe, Textil oder Tapeten erfahren ebenso Anerkennung wie frühe Entwürfe für Möbel- und Gebrauchsgegenstände, welche die Designerinnen mit Feingefühl für Proportion, Konstruktion und Material gestalteten. Mit opulenten Abbildungen bildet der Band eine Fundgrube weiblicher Gestaltungsqualität.Mit Werken von Margarethe von Brauchitsch, Marie von Geldern-Egmond, Ruth Hildegard Geyer-Raack, Margarete Junge, Gertrud Kleinhempel, Charlotte Krause, Margaret Leischner, Clara Möller-Coburg, Else Wenz-Vietor u. a.

Der Band gibt einen umfassenden Einblick in die spannende Geschichte des Aztekenreichs und berücksichtigt aktuellste Forschungs- und Grabungsergebnisse. Renommierte Experten erzählen von den politischen, gesellschaftlichen und ökonomischen Strukturen, von kulturellen Errungenschaften wie dem komplexen Kalendersystem und der aztekischen Sprache sowie von religiösen Riten. Vom hohen Niveau aztekischer Kunst- und Handwerksproduktion zeugen kostbare Objekte aus der prachtvollen Ausstattung des Palastes von Kaiser Moctezuma sowie des Haupttempels Templo Mayor, darunter erst kürzlich entdeckte, noch nie gezeigte Opfergaben.

Lee Krasner zählt zu den wichtigsten Vertreterinnen des Abstrakten Expressionismus in den USA. Dennoch stand ihre Kunst lange im Schatten ihres Ehemannes Jackson Pollock. Ihr vielfältiges Werk wird nun erstmals in einer um fassenden Retrospektive in Europa gewürdigt. Es erzählt die Geschichte von einer der unbeirrbarsten Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts.Als Tochter einer aus Russland eingewanderten Familie wurde Lee Krasner 1908 in Brooklyn, New York geboren. Bereits zu High-School-Zeiten nahm sie Kunstunterricht, studierte an der National Academy of Design und ging später an die Hans Hofmann School of Fine Arts. Anders als viele Künstler ihrer Zeit, die ebenfalls ungegenständlich malten, entwickelte Krasner nie einen signature style, sondern reflektierte ihre Praxis mit dem Anspruch, ihre Bildsprache stets weiterzuentwickeln. In großzügigen Abbildungen werden Werke aus 40 internationalen Sammlungen präsentiert, die fast ein halbes Jahrhundert umspannen, darunter Gemälde, Collagen und Zeichnungen sowie Filme und Fotografien.