Manual for young designers. Essential principles and rules for good design. Designed by Massimo Vignelli.
Zum Zeitpunkt seiner Präsentation 1955 war der Citroën DS gleichermassen Sensation und Faszination für Designer, Philosophen und Politiker. Kein anderes Fahrzeug vermochte Form und Technologie scheinbar mühelos so stimmig zu vereinen. Radikal in seiner Ausführung und revolutionär in Sachen Komfort und Sicherheit, ist der DS einer der innovativsten Design-Ikonen des 20. Jahrhunderts.In Kollaboration mit Lars Müller Publishers, veröffentlichte der Schweizer Architekt Christian Sumi 2001 eine neue Edition "AS in DS" (Alison Smithson in DS). In diesem neuen Werk, untersucht er die Charakteristiken dieses vollendeten Automobils anhand sorgfältig arrangierter Fotoserien und Zeichnungen von Falminio Bertoni und dem Citroën Designteam, die Innen und Aussenkonstruktion des DS detailliert aufzeigen. Mit Hilfe von Fotoessays der damaligen Werbekampagnen zum Citroën DS, analysiert Sumi dessen Ikonisierung, Wahrnehmung und Theorien, welche das Phänomen in einem zeitgenössischen und philosophischen gleichermassen kontextualisieren.
Initially published in 1969, and one of Fuller's most popular works, Operating Manual for Spaceship Earth is a brilliant synthesis of his world view. In this very accessible volume, Fuller investigates the great challenges facing humanity, and the principles for avoiding extinction and "exercising our option to make it."
First portrait of the internationally renowned and award-winning Indian architect. Anupama Kundoo has European ties and teaches as Professor of Affordable Habitat at the UCJC Madrid. Advocates an architecture with low environmental impact and respect for the socio-economic context.
If you liked Poemotion, you will love Moiremotion. Optical perception taken to the extreme. The long-awaited sequel to the bestsellers Poemotion 1-3.
«Die ältesten Dinge sind die neuesten» - dieses Motto zieht sich als paradoxe Idee durch das Werk des zeitgenössischen japanischen Künstlers und Fotografen Hiroshi Sugimoto. 2008 gründete er mit dem Architekten Tomoyuki Sakakida das New Material Research Laboratory: ein Architekturbüro, das durch die Anwendung unkonventioneller Ansätze und Interpretationen von bekannten Stoffen und Techniken «neue Materialien» entwickelt. Ziel des Labors ist es, die Verwendung alter Materialien aus der Antike, dem Mittelalter und der Neuzeit neu zu überdenken. Es setzt sich dafür ein, die Gegenwart mit vergangenen Epochen zu verbinden und diese Verbindung mittels Architektur in die Zukunft zu tragen.Old Is New taucht tief in das Verständnis von Kunst und Architektur, der archäologischen Philosophie und der gegenwärtigen Praxis des New Material Research Laboratory ein. Das reich bebilderte Buch illustriert anschaulich die Materialauswahl jedes Projekts. Fotografische Kompositionen zeigen Szenen, die ein Gleichgewicht zwischen Gegenwart und Vergangenheit darstellen. In den Haupttexten des Buches diskutieren Sugimoto und Sakakida die Praxis und den Ansatz ihrer Arbeit. Weitere Textbeiträge erläutern den Ursprung und den historischen Kontext ihrer Designprinzipien, die in der japanischen Tradition und Ästhetik wurzeln. Ein kommentiertes Verzeichnis von Materialien und klassischen japanischen Techniken wurde ergänzt mit Informationen aus den Forschungserkenntnissen des Labors.
This book is a tool kit to create new forms. It deals with grid-based design and gives the reader techniques to develop new forms, fonts, logos, and patterns. The concept represents a design process in which individual decisions follow much larger and deeper principles than immediate and spontaneous-intuitive actions. Using a wide variety of examples, each chapter contains a detailed description of the procedure from form analysis to setting up design rules and their application. Both a workbook and a source of inspiration, this publication provides designers and architects with the tool they need to find analytical forms-analog, algorithm-based, exploratory but never of arbitrary origin. The procedures described allow an almost infinite number of possibilities. The designer is thus transformed from inventor to interpreter or curator, who assesses individual forms for logos, fonts or patterns on the fly and ensures that the design process is always efficient and goal-oriented.
Die Wurst ist eines der ersten vom Menschen aktiv gestalteten Lebensmittel: Sie wurde vor über 5000 Jahren entwickelt, um in Zeiten des Mangels das Maximum aus tierischen Proteinen herauszuholen. Bist heute ist sie ein wichtiger Bestandteil unserer Esskultur. Allein in England gibt es über 470 verschiedene Arten von Würsten, die zum Frühstück serviert werden! Und in Deutschland definieren Gesetze die Machart von Würsten.Gemäss der Ernährungs- und Landwirtschaftsorganisation der Vereinten Nationen droht der Menschheit zurzeit ein akuter Mangel an proteinreicher Nahrung. Insbesondere Fleisch wird immer knapper. Ein Grund dafür ist der übermässige Verzehr von tierischen Produkten. Kann die Wurst eine Lösung bieten, um den globalen Fleischkonsum zu reduzieren? Zum Beispiel, indem das Fleisch in der Wurst durch andere, ebenso proteinreiche Nahrungsmittel ersetzt wird?Um diese Fragen zu beantworten, haben ein Molekularkoch, ein Metzger und eine Designerin die Produktionsweise von Würsten sowie mögliche neue Zutaten - wie Insekten, Nüsse und Hülsenfrüchte - unter die Lupe genommen und eine «Wurst der Zukunft» entwickelt. In diesem Buch nehmen sie uns mit auf eine Reise durch die einzelnen Bausteine der Wurst. Sie untersuchen Aspekte wie Konsistenz und Geschmack, katalogisieren verschiedene Wurstarten und untersuchen neue Bestandteile auf ihre Wursttauglichkeit.
Honoring the fiftieth anniversary of the death of Louis Kahn in March 1974, this facsimile edition exquisitely reproduces the notebook in which the renowned American architect sketched and wrote during his travels in the last year of his life.Anchored by a magnificent set of drawings illustrating the final design of the Franklin D. Roosevelt Four Freedoms Park in New York City (1973/74, posthumously completed in 2012), "Louis I. Kahn: The Last Notebook" provides an intimate glimpse into the architect's mind and design process. These private sketches and poetic reflections reveal Kahn's spiritual understanding of architecture as inclusive of our total environment and shed new light on the architect's influential philosophy for designing, building and conceiving architecture.The facsimile pays close attention to the material qualities of the original notebook, replicating its delicate, transparent paper. Made widely available for the first time, the publication includes transcriptions of Kahn's handwriting by Sue Ann Kahn and a commentary by architectural critic and historian Michael J. Lewis.Continuing on from earlier investigations into the importance of drawing in the iconic architect's work at Lars Müller Publishers, "Louis I. Kahn: The Last Notebook" replicates sketching in its most raw, pure form.
In der Geschichte der Architektur erscheinen die Städte Rom und Las Vegas in starkem Kontrast: Während die ehemalige Hauptstadt des Römischen Reiches als antik, vornehm und vielschichtig wahrgenommen wird, gilt "Sin City", die Stadt der Sünde, als schrill, vulgär und künstlich. Und doch befinden sich beide Städte historisch und zeitgenössisch an der Schnittstelle von Macht und Spiel.Fünfzig Jahre nach dem Erscheinen von Denise Scott Brown und Robert Venturis ikonischem Buch "Lernen von Las Vegas" (1972) offenbaren die Aufnahmen in diesem Buch ungeahnte Übereinstimmungen und Zusammenhänge der beiden Städte, aus der Luft bis zum Fussboden; das Spektakel Las Vegas wird auf Roms Strassen wiederentdeckt. Iwan Baans Fotografien kontrastieren und untergraben herkömmliche Auffassungen von Authentizität und Künstlichkeit und stellen solche polaren Kategorisierungen letztendlich infrage. Auf diese Weise erörtern die Aufnahmen Scott Browns und Venturis Plädoyer, zuerst zu schauen, zu verstehen und erst dann zu urteilen.
1960 wurde in Brasilia die Verwirklichung einer städtebaulichen Vision nach Entwürfen von Lúcio Costa und Oscar Niemeyer gefeiert, gleichzeitig wurde nach Plänen von Le Corbusier die Sektoren-Stadt Chandigarh gebaut. Der Export der Moderne, die Retorten-Stadt, entsprang einer westlichen Planungseuphorie mit utopischen Zügen. In beiden Städten ist die fremde Architektur mit den einheimischen Kulturen in Einklang gekommen und eigenständige Identitäten haben sich gebildet. Das Buchprojekt geht der Frage nach, wie in den beiden Städten die Aneignung der Moderne erfolgt ist, wie die Menschen damit leben und umgehen. Es werden Gemeinsamkeiten und Unterschiede aufgespürt und ein Bild des urbanen Alltags gezeigt. Auf Initiative des Verlegers hat der junge Fotograf Iwan Baan eine aktuelle Bestandesaufnahme des Lebens in den beiden Städten vorgenommen.
Das Buch Joy and Fear ist eine Fortsetzung von Otto Neuraths Buch Modern Man in the Making (1939). Joy and Fear hinterfragt, wie die Moderne durch ihre Versprechen und ihre Fehlschläge den Menschen immer wieder neu formt. Die Versprechen wurden vor allem für die Menschen im Westen eingelöst: Hygiene, moderne Medizin und Bildung haben im gesamten Westen zu einem steilen Anstieg der Gesundheit, der Lebenserwartung und der Alphabetisierungsrate geführt.Für grosse Teile der Menschheit haben sich diese Versprechen jedoch nicht erfüllt. So entspricht die derzeitige durchschnittliche Lebenserwartung im Tschad derjenigen der USA in den 1920er Jahren und liegt mit 52 Jahren acht Jahre unter dem dortigen Rentenalter. Der gesamte Globus ist ungefragt und unumkehrbar in das moderne Projekt eingebunden, dessen Vorzüge sind jedoch sehr ungleich verteilt. Durch die Darstellung dieser Asymmetrien bringt Joy and Fear Klarheit in die heutige moderne Welt. Piktogramme, Illustrationen und Texte berühren globale Themen, die von der Landwirtschaft über die Kriegsführung bis hin zum Sozialstaat reichen. Die Bildsprache macht komplexe Sachverhalte sofort zugänglich. Zusammengehalten werden die verschiedenen Themen durch eine kohärente Erzählung.
The Austrian typographer Helmut Schmid was a master of his craft. He put his own spin on Emil Ruder's teachings at the Basel School of Design while remaining faithful to the principles of clarity, simplicity and elegance. Blending eastern and western influences, Schmid honed his skills and put them into practice in the fields of editorial design, packaging of ethical drugs and visual identity of brands such as Pocari Sweat sports drink (Otsuka Pharmaceutical), Maquillage (Shiseido) and IPSA. He also produced independent publications in parallel, such as Typographic Reflections.Helmut Schmid Typography explores the typographer's oeuvre in its entirety. The book's generous design allows each image to breathe, and the accompanying texts narrate Schmid's life and career in an informative and pleasant manner. Complementing the publications Weingart: Typography and Ruder Typography, Ruder Philosophy, this bilingual monograph completes the Basel school of typographic thought.
Dieses Buch schlägt eine Brücke zwischen den Themen Energie und Wasser. Es ist eine kunstvoll gestaltete visuelle Ode, die die komplizierte Verbindung zwischen den Menschen, die auf Staudämme für Energie und Wasser zählen, und der Quelle, die diesen Reichtum speist, vorstellt und reflektiert. Es ist eine Hommage an die grossartige Ingenieursleistung, die die Schweiz zu einem gefragten Energiezentrum machte und den lebenserhaltenden Strom liefert, der unsere moderneWelt antreibt.Unangestrengt und neugierig gilt die Aufmerksamkeit dieser Publikation nicht nur der Erscheinung und Bedeutung von Staudamm und Kraftwerk, sondern auch der Würdigung des Bauwerkes als eindrückliches Manifest von Zivilisation und Kultur im Einklang mit der spektakulären Natur und Umgebung. Mit Interviews und atemberaubenden Ansichten taucht dieses Buch ein in die Geschichte der Talschaft und schliesst Erinnerungen und Meinungen von Beteiligten mit ein. Fachkundige Einblicke erweitern den Kontext und betrachten Emosson als Beispiel einer intakten Symbiose von Natur und Kultur und geben einen Ausblick auf das, was noch kommen wird.
Von 1970 bis 1973 unternahm Chile ein politisches Experiment, das den friedlichen sozialistischen Wandel unter Wahrung der bestehenden demokratischen Institutionen zum Ziel hatte. Dieser «chilenische Weg zum Sozialismus», wie er oft genannt wurde, bot auf dem Höhepunkt des Kalten Krieges einen einzigartigen politischen dritten Weg - einen, der sich von den gegensätzlichen Modellen der Vereinigten Staaten und der Sowjetunion absetzte. Diese kurze und abrupt beendete Periode der chilenischen Geschichte führte zu einem Produkt- und Kommunikationsdesign, das eindrucksvoll zeigt, wie Design soziales Verhalten und Identität beeinfl ussen und Solidarität und Zusammenhalt fördern kann.How to Design a Revolution dokumentiert diese chilenische Bildsprache, die aus aussergewöhnlichen Umständen entstanden ist. Die Publikation bereichert die Diskussion zu den einflussreichen und folgenreichen visuellen Sprachen der sozialen (Protest)Bewegungen der 1960er und 1970er Jahre - darunter jene der kubanischen Revolution, des Vietnamkrieges und des Pariser Mais - und veranschaulicht, wie Design politische Dynamiken widerspiegelt und gleichzeitig zu einem Instrument des politischen Wandels wird.
Bodies act as powerful signs, as cultural settings: How are bodies represented and how are they looked at? Which types of bodies are never shown or only shown in a particular way or context? Normative ideas of beauty and the body shape our perception of ourselves and the world - and the bodies shown manifest inequalities and reflect the prevailing relations of power and violence.Talking Bodies questions the body images propagated by our visual culture through the medium of the poster. Masterpieces of art history, contemporary self-dramatizations in social media, gender stereotypes, images of black bodies, and the representation of disabled and non-normative bodies are juxtaposed and critically analyzed. With its focus on the construction and impact of body images, but also on possible strategies of resistance, the publication sees itself as a critical contribution to current debates.
Cleanliness is a core value of societies around the globe. So much so that cleaning seems to be an inherent part of human nature and an expression of how we interact with and domesticate our environment. This book explores the concept of cleaning in its various aspects. Illustrations from various cleaning methods expand our conception of an activity that is such a big part of our daily lives. From a child sorting its toys and the meticulous work of a clockmaker to an impressive deep-clean of a ship: each process is treated with the same calm fascination while short texts add a semi-poetic dimension. The book's handy size invites readers to take it out into the world as they look at everyday processes with fresh eyes. Flipping through the pages of Cleaning is as enlightening as it is entertaining.
Körper wirken als machtvolle Zeichen: Welche Körper werden wie repräsentiert, welcher Blick bestimmt sie, welche Körper werden nicht oder nur in besonderer Weise und in einem bestimmten Kontext gezeigt? Normative Körper- und Schönheitsvorstellungen prägen Selbst- und Weltbilder. Es sind Körper, an denen sich Ungleichheiten manifestieren und an denen sich die herrschenden Macht- und Gewaltverhältnisse widerspiegeln.Talking Bodies untersucht Repräsentationsmechanismen des Körpers in medialen Kulturen und illustriert diese mit Plakaten. Meisterwerke der Kunstgeschichte werden ebenso behandelt wie zeitgenössische Selbstinszenierungen in sozialen Medien, Geschlechterstereotypen, Bilder Schwarzer Körper und die Darstellung behinderter und nicht-normativer Körper. Mit ihrem Fokus auf der Konstruktion und Wirkungsmacht von Körperbildern, aber auch möglichen Widerstandsstrategien,versteht sich die Publikation als kritischer Beitrag zu aktuellen Debatten.
Über die Jahre hinweg ist Annelies strba (*1947) ihren Lebensthemen auf der Spur und entwickelt dabei unermüdlich ihre ganz spezifische künstlerische Ausdrucksweise weiter. In ihrer ersten Einzelausstellung, 1990 in der Kunsthalle Zürich, überraschten und provozierten ihre Fotografien: Sie zeigten ihre Kinder in einer intimen Häuslichkeit, im Spiel und im Schlaf; aber nicht wie im Familienalbum, sondern auf grossformatigen Leinwänden mit rauen, fleckigen Oberflächen. 1997 erschien bei Lars Müller Publishers der gesamte Werkzyklus unter dem Titel Shades of Time. Dieses Epos, der das Erwachsenwerden der Kinder begleitet, macht eine Veränderung der Bildsprache sichtbar. Farbe und Bewegung gewinnen an Bedeutung. In den Videos und daraus extrahierten Stills wird die Auflösung des Bildes in konsequenter Weise fortgeführt, bis Annelies strba 2015, ebenfalls bei Lars Müller Publishers, mit Noonday einen neuen Werkzyklus publiziert. Dieser kehrt in den Kreis der Familie zurück und vereint unprätentiöse Aufnahmen von den Enkelkindern - Gruppenfotos, Schnappschüsse sowie kleine Inszenierungen, die in der Folge zu den märchenhaften Tableaus der schlafenden Prinzessinnen verfremdet werden. Die Publikation, deren Titel ein Gedicht von Emmy Hennings zitiert, erscheint zur Ausstellung Annelies strba - «Bunt entfaltet sich mein Anderssein» in der Fotostiftung Schweiz. Bildgruppen und damit Zeiten und Stile greifen ineinander und vermitteln so einen aktuellen Einblick in den Kosmos der Künstlerin.
Der Titel beleuchtet die Architektur des neuen Experimenta-Science Centre in Heilbronn unter drei Gesichtspunkten: Aus stadtgeschichtlicher Perspektive ist der von Sauerbruch Hutton entworfene Neubau Ikone und Werkzeug des Wandels zugleich, der die Stadt in den Aufbruch zur Wissensgesellschaft begleitet. Als Konstruktion steht der Bau selbst für einen experimentellen Pfad - sowohl in funktionaler, struktureller wie ökologischer Hinsicht. Zuletzt erweitert das Projekt eine typologische Grossfamilie spiralförmig angelegter Bauwerke, die von der Antike bis in die Moderne und die unmittelbare Gegenwart reicht.Diese drei Blickwinkel werden von Florian Heilmeyer sehr konzentriert in übersichtlichen Texten erfasst und durch zahlreiche Illustrationen bebildert. Sowohl für Besucher:innen der Experimenta als auch interessierte Zeitgenossen ist dieser Band ein Muss.
In Anthologie Landschaft geht der Soziologe Lucius Burckhardt von einem problematisierten Landschaftsbegriff aus. Er fragt: Wieso sehen wir überhaupt die Umwelt als Landschaft, und wann? Und wer sieht sie so?Das versammelte Material zu dieser Diskussion enthält dichterisch beschreibende wie analytische Texte, die Leserin oder der Leser merkt von selbst, wann direkt und wann auf der Meta-Ebene der Theorie gesprochen wird.Jedem der neun Kapitel stellt Lucius Burckhardt einen kurzen Einstieg voran. Darin fasst er seine Vorstellungen und Erkenntnisse zusammen, setzt die herangezogenen Quellen in Beziehung und legt seine Sicht der Dinge in konzentrierter Form dar, bevor die originelle Sammlung von Texten das Feld auf lustvolle und zum Teil überraschende Weise wieder öffnet.Lucius Burckhardts Landschaftsanthologie herauszugeben, gründet in der Überzeugung der Relevanz und Originalität seines Schaffens. Die ursprüngliche Fassung wurde mit Annotation, Paraphrasen, Randglossen und auch Widerspruch durch Personen aus mannigfaltigem Werkzusammenhang mit Lucius Burckhardt in die Gegenwart übertragen. Dies ermöglicht,die Texte aus heutiger Sicht zu lesen und produktiv zu nutzen.
Das «afrikanischste» der brasilianischen Dörfer im Süden des Bundesstaates Bahia trägt einen Schweizer Namen: Helvécia. Das Dorf wurde vor 200 Jahren von Schweizer und deutschen Kolonisten gegründet. Mit dem Kaffeeanbau auf ihren riesigen Ländereien gelangten sie bald zu grossem Wohlstand. Ohne Ausbeutung wäre dies nicht möglich gewesen: Mitte des 19. Jahrhunderts kamen auf 200 weisse Kolonisten 2000 versklavte Menschen afrikanischer Herkunft. Schwarze machen auch heute noch die Mehrheit der Bevölkerung aus; viele kennen die genauen Ursprünge ihrer Gemeinde nicht.Mit hohem Einfühlungsvermögen und im Dialog mit den Einwohner:innen begibt sich der Fotograf Dom Smaz auf die Suche nach Spuren der Vergangenheit und hält das Leben der Menschen vor Ort fest. Smaz' Bilder und die ergänzenden Textbeiträge, unter anderem von der international bekannten Postkolonialismus-Forscherin Shalini Randeria, erlauben einen neuen Blick auf die Geschichte und die Ursprünge des Schweizer Reichtums und offenbaren globale Verflechtungen und Machtverhältnisse der Vergangenheit, die bis in die Gegenwart reichen.
This publication explores a series of urgent questions addressing architecture's role in the welfare and everyday life of citizens, from the interdisciplinary perspectives of architecture, art history and anthropology. With Denmark as a case, it examines how the spatiality of the welfare system has transformed, since the end of the so-called "golden age of the welfare state" in the early 1970s until today. How have these spatial changes impacted upon the everyday lives and welfare experiences of citizens? What happens when long-standing institutions are restructured, dismantled or displaced elsewhere? How do emerging types of welfare space inform - or become informed by - changed understandings of the role of the welfare system in our everyday lives? Rather than unfolding a singular narrative of loss and nostalgia associated with welfare dismantlement - or one of triumphant humanization and restructuring of modernist planned environments - it describes shifting spatial materializations of welfare and the "good life" at the intersection of these two tendencies, under the influence of a Danish version of the neoliberal turn and other important societal transformations. A rich analytical sequence of drawn visualization supplements the book's textual and photographic descriptions of welfare space transformation.
Holz ist das Baumaterial des 21. Jahrhunderts. Den erneuerbaren Rohstoff und sein Potenzial zu verstehen, setzt voraus, ihn in seinen ökologischen, technologischen und kulturhistorischen Zusammenhängen zu erkennen. Diese werden in der Publikation erkundet und mit inspirierenden Beispielen vorgestellt - praxisnah und visionär.Auf dieser Grundlage wird die Verwendung von Holz in der Architektur augenscheinlich zu einem Gebot der Stunde und die führende Rolle der Schweiz in der Holzverarbeitung und Bauästhetik wird im internationalen Kontext unter Beweis gestellt. Autor:innen aus unterschiedlichen Fachbereichen schaffen den inhaltlichen Rahmen, in dem Holz sinnlich erfahrbar und seine Möglichkeiten und Grenzen diskutiert werden können. Touch Wood - Material, Architektur, Zukunft richtet sich an einengagiertes Publikum aus Fachleuten und Laien, die ihre Erfahrungen mit Wissen anreichern wollen und so Akteure in der Förderung von Holz in der Architektur werden. Die Publikation beleuchtet neben der Dokumentation beispielhafter Bauten in zugänglichen Texten und mit zahlreichen Abbildungen auch die vielfältigen Beziehungen, die den Menschen mit dem Material Holz verbinden.
Was wären Filmstars ohne charakteristische Kostüme und glamouröse Kleider? Von den 1920er- bis in die 1960er-Jahre zählte der Schweizer René Hubert zur Crème de la Crème unter den Kostümbildnern. Huberts Markenzeichen waren Opulenz und Glamour: Mit seinem Flair für Farben und Linien steigerte er den Marktwert der Stars, indem er sie auf der Leinwand umwerfend aussehen liess. Aufgewachsen und als Stickereizeichner ausgebildet in St. Gallen, verliess er die heimatliche Provinz als junger Mann in Richtung Paris. Der Mut des Emigranten wurde bald belohnt: Er wurde in den europäischen Metropolen ebenso engagiert wie in Hollywood und kleidete Berühmtheiten wie Ingrid Bergman, Marlene Dietrich und Gloria Swanson ein.Sein internationales Renommee verhalf ihm auch zu Aufträgen in der Heimat: für die Schweizerische Landesausstellung 1939, für Uniformen und Flugzeuginterieurs der Swissair sowie für verschiedene Theater und Textilunternehmen.Die reich illustrierte Publikation präsentiert erstmals René Huberts Lebenswerk. Sie zeigt seine Mode sowie Bühnen- und Filmkostüme zwischen Kunstgewerbe und Industrieproduktion: Entwürfe, Werkfotos, Filmbilder sowie für Werbezwecke inszenierte Bühnenfotos und Film-Stills geben Einblick in Arbeitsweisen und Resultate. Fachleute von beiderseits des Atlantiks reflektieren René Huberts vielseitiges Schaffen an seinen zahlreichen Wirkungsstätten in der Schweiz, in Europa und in den USA. Auszüge aus den Memoiren vermitteln einen persönlichen Blick auf sein Leben und den Glamour jener Zeit.
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