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La experiencia americana de Ercilla le inspiró su poema épico La Araucana, escrito en octavas reales y dividido en tres partes (1569, 1578 y 1589). Es uno de los libros salvados en el capítulo VI del Quijote y el primer texto poético europeo en el que América es un tema literario. Ercilla relata las cruentas luchas sostenidas en Chile entre araucanos y españoles, y describe el lugar y las costumbres de los indígenas. La narración impresiona por la precisa descripción de paisajes y batallas, y los certeros retratos de los jefes araucanos. Se intercalan digresiones, según un procedimiento habitual en la lírica culta: relato de las batallas de Lepanto y San Quintín, descripción de ciudades famosas, la leyenda de Dido o una justificación política de las pretensiones de Felipe II a la corona portuguesa. Aunque Ercilla afirma ser testigo de las escenas que cuenta, el relato histórico muestra con frecuencia la influencia de las lecturas épicas del autor, con formación literaria. La obra tiene varios protagonistas, Lautaro y Caupolicán entre los indígenas araucanos, y Pedro de Valdivia, García Hurtado de Mendoza, Pedro de Villagra o el propio Ercilla por el lado español. Sin embargo, se da más relieve individual y heroico a los primeros, y se destacan sus virtudes por encima de sus adversarios.

La sombra es una breve novela de Pérez Galdós. Fue publicada primero por entregas en noviembre de 1870 y entre febrero de 1872 y noviembre de 1873 en La Revista de España.Fue escrita en Madrid y en una larga estancia veraniega en Canarias. La sombra es un ensayo narrativo del joven Galdós. Es un relato filosófico y fantástico lleno de referencias fáusticas y cervantinas, contiene además los elementos literarios que habían influido en la formación intelectual de Galdós: los demonios de Balzac, las fantasías de los cuentos de Hoffmann, los relatos de Edgar Allan Poe, los cuentos de brujas de su infancia y, de forma muy directa la novela de Cervantes El celoso extremeño, cuyo protagonista, Anselmo, se llama como el personaje principal de La sombra.Estos son los materiales que sirven a Galdós para concebir a su alucinante doctor Anselmo, especie de Fausto, cuya obsesión -los celos- se materializa en una sombra. En este experimento literario (del personaje protagónico y de su autor) se mezclan mitos, costumbrismo, nociones de neurología y arte, en una alambicada secuencia de peripecias.

"El capitán Montoya" es una obra de José Zorrilla que se adentra en el misterio y lo sobrenatural. La historia se centra en Montoya, un personaje atormentado por visiones y experiencias que desafían la realidad. La obra inicia con una escena enigmática en un olivar, donde dos jinetes avanzan hacia destinos inciertos.Hay una ambientación oscura y misteriosa, característica del género gótico. La descripción del olivar en la noche, con la aparición de la cruz del hierro, establece el tono sombrío de la historia. La narrativa lleva al lector a través de un camino donde se entrelazan lo real y lo sobrenatural, generando una atmósfera de incertidumbre y suspenso.El encuentro con la muerte del capitán Montoya es un momento clave que revela su estado mental confuso y perturbado. La interacción con Ginés, quien encuentra a Montoya sin conocimiento, añade un elemento de intriga y misterio.Zorrilla utiliza un estilo narrativo que mezcla lo dramático con lo poético. Sus descripciones vívidas y su habilidad para crear una atmósfera tensa y misteriosa son destacables. El uso del diálogo y la narración en verso fortalecen la intensidad emocional de la obra.La obra de José Zorrilla es significativa por su contribución al género gótico en la literatura española. "El capitán Montoya" destaca por su habilidad para fusionar elementos dramáticos con el misterio gótico, creando una experiencia literaria única.

La Constitución de los Estados Unidos de América es la ley suprema de ese país. Se adoptó en su forma original el 17 de septiembre de 1787 por la Convención Constitucional de Filadelfia. Luego el pueblo la ratificó en convenciones en cada estado, bajo el célebre Nosotros el Pueblo (We the People).Esta Constitución tiene un lugar central en el derecho y la cultura política estadounidense y es la segunda constitución más antigua en vigor en todo el mundo. La firmaron George Washington y William Jackson, como presidente y secretario respectivamente, junto con los delegados de los distintos estados. Entre los elementos que la distinguen cabe destacar que:Contiene las leyes fundamentales de la nación.Establece la forma del gobierno nacional y define los derechos y libertades del pueblo estadounidense.Expone también los objetivos del gobierno nacional y los métodos para alcanzarlos.Antes de ella, los dirigentes de la nación habían concertado una alianza entre los estados bajo el nombre de Artículos de la Confederación. Sin embargo, el Congreso creado por los Artículos carecía de autoridad para hacer que los estados actuasen en forma conjunta a la hora de resolver los problemas nacionales.Era necesario un documento constitucional que regulase la actuación y los principios de unidad entre los Estados Unidos de América estableciendo un sistema federal por medio de la división de poderes entre el gobierno federal y los gobiernos estatales.En términos formales esta Constitución se compone de un preámbulo, siete artículos y 27 enmiendas. Se instituye también un gobierno federal equilibrado, separando los poderes entre tres ramas independientes: la ejecutiva, la legislativa y la judicial.La rama ejecutiva, el Presidente, hace que las leyes nacionales sean cumplidas;la rama legislativa, el Congreso, elabora las leyes nacionales;y la rama judicial, la Corte Suprema y otros tribunales federales, aplica e interpreta las leyes cuando resuelve las disputas legales en los tribunales federales.

El primer relato autobiográfico de la condesa de Merlin se publicó en francés en 1831. Más tarde lo tradujo al español Agustín de Palma, en 1838. En Mis doce primeros años relata, con tono nostálgico, su infancia, su reclusión en un convento habanero, sus intentos de fuga del mismo entre otras diversas peripecias adolescentes.También encontramos descripciones de la vida colonial entre los horrores de la esclavitud y la ociosidad de la clase pudiente.Estas memorias son asimismo un libro de viajes a través del Atlántico, Cádiz, Sevilla, Aranjuez y Madrid. Ciudad en la que la condesa de Merlin vivió rodeada de las figuras más relevantes de la España de entonces. Así se aprecia en este pasaje de Mis doce primeros años:Una noche era muy numerosa la reunión. Se acababan de formar las partidas de juego. El tresillo y los dados tocaron a los jugadores serios. El bullicioso chaquete se había enviado a la pieza inmediata, según costumbre. Diversos grupos acá y allá, se entretenían alternativamente de política, de literatura, o de aquellas bagatelas que ponen muchas veces en el mismo nivel a un hombre de talento y a un tonto. Mi hermana y yo estábamos colocadas junto a una mesa ocupadas con algunas amigas en hacer varios juegos de paciencia, en mirar caricaturas y aun tal vez en hacerlas. Todo era movimiento y placer en derredor nuestro. La alegría, los chistes que salían de nuestra mesa, atraían como un imán a unos, y a otros para donde estábamos. Repentinamente se anunció la llegada de Goya, y salió una exclamación de nuestra mesa. Aquel pintor ingenioso, añadía a su raro talento, la gracia de hacer excelentes caricaturas; y nuestra mesa era comúnmente el teatro donde se ejercitaba su malignidad. Mi madre se aprovechaba de sus visitas para enseñarle nuestros trabajos, y aquel día le esperábamos con impaciencia para mostrarle dos dibujos que habíamos concluido; el uno era una cabeza de Santa Teresa, y el otro una Magdalena. A una de nuestras amigas le ocurrió confundirlos para que los juzgase con imparcialidad; aplaudimos esta idea, y pasados los primeros cumplimientos, se expusieron nuestras obras sobre la mesa. Advertido Goya secretamente por nuestra amiga Nieves, los examinó y dejó acercar los curiosos. V... que se preciaba de inteligente, fue uno de los primeros.María de las Mercedes Santa Cruz y Montalvo Cárdenas y O'Farrill nació en La Habana, en 1789, y murió en París, en 1852. Fue autora de una obra variada y rica, escrita en francés. Sin embargo, llegó rápidamente a la notoriedad. La casi totalidad de su obra se tradujo al español y se hizo célebre en Cuba y España.

La Historia de las Indias de Bartolomé de las Casas relata tres de los viajes de Colón a la Indias, así como otras expediciones de descubrimiento y conquista. Aunque Las Casas admiraba a los descubridores, no elude la responsabilidad de estos en la destrucción del Nuevo Mundo. Su rigor histórico resulta tan notable como su sensibilidad humana.El lector advertirá aquí la obra de un hombre que, además de ser parte y testigo de la Conquista, procuró ser un cristiano consecuente. Por ello consagró una parte importante de su vida y su capacidad intelectual a la defensa de los derechos de los indios.Las Casas fue con Cristóbal Colón en el segundo viaje a América. Llegó a la Isla de La Española en 1502 y, aunque se estableció allí como colono y encomendero. En 1511 un sermón de fray Antonio de Montesinos le hizo cambiar de vida: en 1515 se incorporó a la orden de los dominicos. Desde entonces, se convirtió en el primer y más feroz crítico del colonialismo español.En 1542 escribió Brevísima relación de la destrucción de las Indias. En ella denunció la esclavitud a que se sometía a los indios. Puso, además, en evidencia que la evangelización de los colonos se había convertido en un genocidio. Más tarde, entre 1552 y 1561, escribiría esta Historia de las Indias.La presente selección, basada en la edición de Aguilar, reúne diversos capítulos del texto original. Los cinco tomos de la Historia de las Indias están también disponibles en esta colección.

Hemos elegido El jorobadito y Las fieras para el tomo dedicado a Roberto Arlt en nuestra serie Dos relatos. En ella hemos venido publicando libros breves compuestos siempre de dos narraciones.En El jorobadito (1933), su primer libro de cuentos, Roberto Arlt trata temas oscuros. Aquí se habla del crimen, la traición, la hipocresía y la crítica a la moral burguesa.El narrador está encerrado en un calabozo por haber estrangulado a Rigoletto, el jorobadito que da título al texto. La sociedad ve su crimen como la consecuencia de su locura y lo encierra en la cárcel.La confesión sobre el estrangulamiento, escrita en la cárcel, intenta justificar el asesinato como una especie de higiene social. La maldad del jorobado y la perversas relaciones familiares del asesino, son las razones que utiliza el narrador-asesino para justificar su bajeza moral.Los diversos y exagerados rumores desparramados con motivo de la conducta que observé en compañía de Rigoletto, el jorobadito, en la casa de la señora X, apartaron en su tiempo a mucha gente de mi lado.Sin embargo, mis singularidades no me acarrearon mayores desventuras, de no perfeccionarlas estrangulando a Rigoletto.Retorcerle el pescuezo al jorobadito ha sido de mi parte un acto más ruinoso e imprudente para mis intereses, que atentar contra la existencia de un benefactor de la humanidad.Se ha echado sobre mí la policía, los jueces y los periódicos. Y ésta es la hora en que aún me pregunto (considerando los rigores de la justicia) si Rigoletto no estaba llamado a ser un capitán de hombres, un genio, o un filántropo. De otra forma no se explican las crueldades de la ley para vengar los fueros de un insigne piojoso, al cual, para pagarle de su insolencia, resultaran insuficientes todos los puntapiés que pudieran suministrarle en el trasero, una brigada de personas bien nacidas.En Las fieras, Robert Arlt explora otro territorio. Se acerca con más intensidad al género negro. A través de un largo monólogo ante el fantasma de su mujer ya fallecida. A quien explicar el proceso de envilecimiento y degeneración en que ha ido cayendo.El jorobadito y Las fieras tienen un elemento en común. Son contados por un mismo criminal idealizado, que se responsabiliza siempre de todos sus propios actos malévolos. Así estas narraciones son confesiones íntimas que intentan quizá redimir al criminal, a través de la higiene social o la memoria de un amor perdido.

El filibusterismo es la segunda novela de José Rizal y está dedicada a la memoria de los Mártires de 1872, Francisco Gómez, José Burgos y Jacinto Zamora. Es una continuación de Noli me tangere y está ambientada trece años después de los acontecimientos descritos en aquella. Rizal empezó a escribir su novela en 1887. El manuscrito se terminó el 29 de marzo de 1891, en Biarritz. Los pocos ejemplares que llegaron a Filipinas fueron interceptados por la censura. Luego, a su regreso a las islas en junio del año siguiente, a Rizal lo acusaron de promover la causa separatista. Este libro trata sobre el regreso a Filipinas del principal personaje de la novela Noli me tangere, Crisóstomo Ibarra. Regresa convertido en el rico y famoso joyero Simoun. Desilusionado por los abusos de los españoles, Ibarra convence a Basilio para que detone una bomba en una reunión social, señalando el principio de una revolución. La novela muestra un dilema, vivido por el propio Rizal. ¿La violencia puede ser la solución a la injusticia o es posible conseguir cambios sociales mediante posiciones pacifistas? La obra de Rizal inspiró la revolución filipina de 1896 y representó el primer paso hacia las reformas. Estas finalmente desembocaron en la independencia del país. Noli me tangere y El filibusterismo son obras no solo de valor literario, son cimientos de la formación del carácter nacional filipino.

Félix Azara realizó el Diario de reconocimiento de guardias y fortines que guarnecían la línea de frontera de Buenos Aires a pedido de Melo de Portugal, con quien había mantenido una buena relación durante su larga estancia en el Paraguay cuando éste era por entonces su gobernador.La máxima autoridad del virreinato del Río de la Plata, por medio del oficio del 29 de Febrero de 1796, exponía los motivos de la misión y las plazas que componían la expedición:...procédase a hacer un prolijo reconocimiento de toda la frontera y sitios más adecuados a fundar las poblaciones según lo mandado por Su Majestad, a cuyo fin comisiono, con todas las facultades respectivas, al Capitán de Navío de la Real Armada, don Félix de Azara, en calidad de Comandante General de esta expedición...Concretamente, la expedición duró desde el 17 de marzo al 24 de abril de 1796, o sea, cuarenta y cuatro días, e hizo el periplo siguiente: Buenos Aires (puente de Márquez, San Isidro), Guardia de Luján-Fortín de Areco, Guardia de Salto-Fuerte de Rojas-Fortín de Mercedes (Cabeza de Tigre, Santa Fe), Fortín de Melincué (Santa Fe) y de allí durante dieciocho días siguiendo casi siempre la línea del río Salado hasta la Guarda de Chascomús para seguir el derrotero hasta la Guardua de Ranchos-Guardia del Monte Fortín de Lobos y por último el Fortín Navarro.En el Diario de reconocimiento de guardias y fortines Azara señalaba que la política en relación a la frontera debía ir de la mano de una política de poblamiento para que de esa manera, con una eficaz defensa de los aborígenes de la región, fuera aprovechable la riqueza de la campaña, la protección de las haciendas y de la capital del virreinato rioplatense.

Los Relatos de Julio Garmendia, aquí recogidos, representan una ruptura respecto a la corriente literaria predominante de la época. Muestran el desapego del autor a las formas y temáticas propias del criollismo y el modernismo.La obra de Julio Garmendia puede considerarse como una de las primeras manifestaciones que anuncian un cambio en la literatura de Venezuela. Garmendia se anticipa a las voces de los artistas vanguardistas.Hasta entonces la literatura venezolana estaba anclada en el drama social y el indigenismo. Fue necesario que pasara un cierto tiempo para que nuevos preceptos literarios, que tenían como pilares la fantasía y la imaginación, empezaran a ocupar un espacio en la narrativa del país.Esta selección de Relatos de Julio Garmendia muestra su temperamento de escritor atípico. Un autor reacio a pertenecer a ninguna casta literaria, que nos legó uno de los estilos más propios y novedosos de la época.

Sofronía es una obra romántica del célebre poeta y dramaturgo español José Zorrilla. Este relato se centra en la figura de Sofronía, una joven cristiana que vive bajo el régimen del emperador bizantino Majencio.En la obra, Zorrilla muestra el martirio que Sofronía sufre a manos de Majencio debido a su fe cristiana. Su tormento se convierte en una poderosa representación de la lucha entre el bien y el mal, la fe y la opresión, temas comunes en la literatura romántica.Zorrilla, conocido por su maestría en la construcción de personajes fuertes y vívidos, presenta a Sofronía como una figura de virtud y fortaleza, cuya devoción a su fe es inquebrantable a pesar de las pruebas que enfrenta. Su historia es un recordatorio de la capacidad del espíritu humano para resistir la opresión y mantenerse firme en sus creencias.Sofronía es un ejemplo sobresaliente de la obra de Zorrilla, que a menudo exploró temas como la fe, amor y sacrificio. Al igual que en otras de sus obras, Zorrilla emplea un lenguaje poético rico y evocador para contar la historia de Sofronía, creando una narrativa que es tan conmovedora como emocionalmente resonante.

José Zorrilla (Valladolid, 1817-Madrid, 1893). España.Tras estudiar en el Seminario de Nobles de Madrid, fue a las universidades de Toledo y Valladolid a estudiar leyes y poco después abandonó los estudios y se fue a Madrid. Las penurias económicas le hicieron a vender a perpetuidad los derechos de Don Juan Tenorio (1844), la más célebre de sus obras. En 1846, viajó a París y conoció a Alejandro Dumas, padre, George Sand y Teophile Gautier que influyeron en su obra. Tras una breve estancia en Madrid, regresó a Francia y de ahí, en 1855, marchó a México donde el emperador Maximiliano lo nombró director del teatro Nacional. Publicó un libro de memorias a su regreso a España.

Los Tellos de Meneses es una obra teatral significativa que forma parte de la vasta producción del prolífico dramaturgo español Lope de Vega. Publicada en la Parte XXI en 1635, después del fallecimiento del poeta, esta comedia junto a su continuación Valor, fortuna y lealtad destaca como un ejemplo único de dípticos dramáticos creados por Lope de Vega. Estas obras representan acercamientos interesantes a la materia histórica-genealógica y resaltan entre sus últimas creaciones como dramaturgo.La trama de Los Tellos de Meneses se basa en una leyenda que circulaba en la época sobre el origen del linaje de los Téllez de Meneses. La historia sigue a la infanta Elvira, quien huye del palacio ante la propuesta de matrimonio concertada por su padre, el rey Ordoño, con el rey moro de Valencia. En su huida, Elvira se convierte en criada en la casa de los Meneses, una familia de ricos e hidalgos labradores montañeses. La obra se centra en las relaciones entre Elvira y los dos Tellos de la familia: el patriarca Tello, un anciano avaro pero bondadoso, y su joven y ambicioso hijo también llamado Tello.La pieza aborda temas de honra villana, identidad y ambiciones en la corte. El conflicto gira en torno a las aspiraciones de los personajes, sus decisiones y su búsqueda de identidad. La trama culmina con la reconciliación de Elvira y su padre, y con la bendición real al amor entre la infanta y el joven Tello. Esta unión matrimonial simboliza el ascenso social de los Meneses y la reivindicación de sus orígenes rurales.La creación de Los Tellos de Meneses se enmarca en el contexto de los últimos años de Lope de Vega como dramaturgo. Aunque no se conservan manuscritos originales, la primera parte se incluyó en la edición póstuma de sus comedias, mientras que la segunda fue publicada en varias sueltas. La autoría de ambas partes se atribuye con seguridad a Lope de Vega, destacando su habilidad para tejer tramas históricas y genealógicas en el escenario.En esta obra, Lope de Vega presenta una historia cargada de elementos cómicos y dramáticos. La comicidad se manifiesta a través de personajes como el anciano Tello, cuyas acciones exageradas generan situaciones humorísticas. Sin embargo, la comedia también se encuentra en otros aspectos de la trama y en la interacción entre los personajes.Los Tellos de Meneses y su continuación Valor, fortuna y lealtad conforman un díptico dramático que explora temas de identidad, ambición y relaciones humanas en el contexto histórico-genealógico. Estas obras destacan como ejemplos valiosos de la habilidad de Lope de Vega para mezclar elementos cómicos y dramáticos en sus creaciones teatrales, dejando un legado que sigue resonando en la escena literaria y teatral.

La prueba de los amigos es una comedia escrita en 1604 por el célebre dramaturgo español Félix Lope de Vega. La obra se abre con una escena en la que los personajes principales, incluido Feliciano, quien lleva un luto por la pérdida de su padre, discuten sobre cómo abordar la situación emocionalmente cargada. La conversación entre ellos no solo establece la atmósfera de duelo sino también introduce el tema de la amistad y la lealtad, que se desarrollará a lo largo de la obra.Los personajes Fabio, Fabricio, Tancredo y Fulgencio intentan encontrar las palabras adecuadas para consolar a Feliciano. Aquí, Lope de Vega muestra habilidosamente la dificultad de tratar con la pena, incluso entre amigos cercanos. La incomodidad de los personajes al intentar ofrecer palabras de consuelo pone de manifiesto las complejidades humanas en momentos de crisis.La obra también parece abordar cuestiones más amplias de moralidad y ética, especialmente a través del personaje de Galindo, descrito como un alcahuete bellaco y Pármeno fiel, lo que sugiere que podría tener un papel más complejo o incluso manipulador en la trama.Aquí destaca la maestría de Lope de Vega para capturar la tensión emocional de una situación mientras introduce sutiles elementos de comedia a través de los personajes de Tancredo y Fulgencio. La dualidad del tono, que mezcla el luto y la comedia, es un testimonio del talento del autor para equilibrar temas pesados con ligereza y humanidad.El lenguaje utilizado es poético y lleno de imágenes simbólicas, como cuando Fabio compara al fallecido padre de Feliciano con las celestes lumbres (luces celestiales), lo que añade una capa de complejidad y riqueza a la obra.La prueba de los amigos explora la fragilidad y complejidad de las relaciones humanas en tiempos de duelo y crisis. Es una pieza que invita a la reflexión sobre la naturaleza de la amistad y las dificultades inherentes a la condición humana.

La buena guarda es una obra de teatro escrita por Félix Lope de Vega en 1610, que ofrece una mirada compleja y matizada sobre la religión, el amor y el deber. Originalmente inspirada en la vida de doña Clara, una abadesa que abandonó su convento para fugarse con su amante, la obra sufrió revisiones significativas por parte de Lope de Vega que cambiaron su tono y contexto.Entre esas modificaciones, Lope de Vega trasladó la acción de Ciudad-Rodrigo a un lugar sin nombre en Italia y transformó a doña Clara de una monja en una doncella en recogimiento. Estos cambios pueden interpretarse como un intento de desacralizar la obra, eliminando elementos que podrían haber sido considerados demasiado provocativos o blasfemos para la audiencia de la época.La Jornada primera nos introduce en un ambiente de piedad y expectación religiosa, aunque entremezclado con las preocupaciones amorosas y matrimoniales de los personajes. Leonarda y doña Luisa, las damas, conversan sobre llegar tarde a la misa, mientras que Don Juan y Don Luis, los galanes, discuten sobre la naturaleza del matrimonio como sacramento y cómo esto les permite mirar a las mujeres que desean como esposas.La obra plantea preguntas éticas y morales sobre la religión y el amor romántico, explorando la tensión entre los deberes espirituales y los deseos terrenales. A través de la trama y los personajes, Lope de Vega examina la complejidad de las emociones humanas y las decisiones éticas que estas pueden suscitar, ofreciendo un telón de fondo para el debate y la reflexión.Es especialmente notable la habilidad de Lope de Vega para capturar los matices de la condición humana, utilizando el diálogo y la interacción entre los personajes para ilustrar los conflictos internos y externos que enfrentan. Los personajes son multidimensionales y sus diálogos reflejan una profundidad psicológica que enriquece la obra.La buena guarda es, en resumen, una obra que invita a la reflexión sobre la complejidad de nuestras elecciones vitales, especialmente en lo que respecta a la interacción entre los imperativos religiosos y los impulsos del corazón. Es un estudio de personajes que ofrece una ventana a las preocupaciones sociales y morales de su tiempo, pero que también resuena en la actualidad debido a su tratamiento atemporal de temas universales.

Félix Lope de Vega y Carpio (Madrid, 1562-Madrid, 1635). España.Nació en una familia modesta, estudió con los jesuitas y no terminó la universidad en Alcalá de Henares, parece que por asuntos amorosos. Tras su ruptura con Elena Osorio (Filis en sus poemas), su gran amor de juventud, Lope escribió libelos contra la familia de ésta. Por ello fue procesado y desterrado en 1588, año en que se casó con Isabel de Urbina (Belisa).Pasó los dos primeros años en Valencia, y luego en Alba de Tormes, al servicio del duque de Alba. En 1594, tras fallecer su esposa y su hija, fue perdonado y volvió a Madrid. Allí tuvo una relación amorosa con una actriz, Micaela Luján (Camila Lucinda) con la que tuvo mucha descendencia, hecho que no impidió su segundo matrimonio, con Juana Guardo, del que nacieron dos hijos.Entonces era uno de los autores más populares y aclamados de la Corte. En 1605 entró al servicio del duque de Sessa como secretario, aunque también actuó como intermediario amoroso de éste. La desgracia marcó sus últimos años: Marta de Nevares una de sus últimas amantes quedó ciega en 1625, perdió la razón y murió en 1632. También murió su hijo Lope Félix. La soledad, el sufrimiento, la enfermedad, o los problemas económicos no le impidieron escribir.

El inobediente o la ciudad sin Dios es una obra dramática escrita por Félix Lope de Vega, uno de los autores más prolíficos y célebres del Siglo de Oro español. En esta pieza, Lope de Vega narra la historia del profeta bíblico Jonás, conocida por su desobediencia a los mandatos divinos y las consecuencias que esto acarrea.En la Biblia, la historia de Jonás se encuentra en el Antiguo Testamento. Dios ordena a Jonás ir a la ciudad de Nínive para advertir a sus habitantes sobre un castigo divino si no se arrepienten de sus pecados. Sin embargo, Jonás se niega y huye, pero durante su huida, una gran tormenta provoca que los marineros del barco en el que viajaba lo arrojen al mar, donde es tragado por una gran ballena o un gran pez.Dentro del vientre del pez, Jonás ora y promete obedecer a Dios si logra salvarse. Finalmente, el pez lo escupe en tierra y Jonás cumple con la misión que Dios le encomendó.En El inobediente o la ciudad sin Dios, estos eventos se dramatizan de manera emocional y poderosa, destacando el tema del arrepentimiento, la obediencia a Dios y el poder redentor de la fe. Lope de Vega, a través de su tratamiento de la historia de Jonás, invita a los espectadores a reflexionar sobre la importancia de la obediencia y el arrepentimiento en la vida cristiana.

Antonio Mira de Amescua (Guadix, Granada, c. 1574-1644). España.De familia noble, estudió teología en Guadix y Granada, mezclando su sacerdocio con su dedicación a la literatura. Estuvo en Nápoles al servicio del conde de Lemos y luego vivió en Madrid, donde participó en justas poéticas y fiestas cortesanas.

La Constitución de El Salvador de 1996 es el resultado de la historia reciente de El Salvador. El 16 de enero de 1992, se firmó en el castillo de Chapultepec (México), el texto completo de los acuerdos entre el gobierno de El Salvador y el Frente Farabundo Martí para la Liberación Nacional (FMLN) en el que pusieron fin a doce años de guerra civil en el país.El cumplimiento de los acuerdos estaba bajo la tutela especial de las Naciones Unidas y supuso la reforma de la Carta magna salvadoreña. Este texto constitucional de El Salvador contiene, además, sucesivas reformas que empiezan en 1982 y llegan en la presente edición hasta 1996.

La obra teatral de Antonio Mira de Amescua Las desgracias del rey don Alfonso el Casto relata la vida de Alfonso II, quien fue nombrado rey de Asturias tras la muerte de Silo. Para evitar los continuos ataques de sus adversarios, tuvo contactos diplomáticos con los reyes de Pamplona, Carlomagno y su sucesor, Ludovico Pío. El sobrenombre de el Casto se debió a su renuncia a las mujer.

En Los carboneros de Francia y reina Sevilla Antonio Mira de Amescua pone en escena del siglo XVII una leyenda carolingia de las chansons de geste francesas. Se trata del Noble cuento del emperador Carlos Maynes, de Rrotna, y de la buena emperatriz Sevilla, su mujer.La trama de la obra es la siguiente: Durante el viaje en que el noble Arnesto lleva a la reina Sevilla ante su esposo, el emperador Carlomagno, le pide su amor. Tras ser rechazado, le dice al emperador que Sevilla lo engaña con un criado. En venganza Arnesto mata al criado en los aposentos de la Emperatriz, adonde lo hace ir con un pretexto falso.En castigo Carlomagno envía a Sevilla, preñada, de vuelta a Grecia, su patria y todos creen que su navío ha naufragado. Sin embargo, Sevilla aparece quince años después, con Luis, su hijo, y trata de vengarse de Arnesto. El emperador Carlomagno tiene que defenderse contra una invasión griega, destinada a vengar a Sevilla y esta ejerce sus oficios diplomáticos, impidiendo una guerra inminente.Al final de Los carboneros de Francia y reina Sevilla Sevilla y Luis hieren de muerte a Arnesto, quien confiesa su traición a Carlomagno.

En su obra La mesonera del cielo y ermitaño galán, Antonio Mira de Amescua fusiona elementos de la comedia y el drama religioso para revivir la leyenda del ermitaño Abraham y su encuentro con tres ángeles. Esta pieza es un destacado ejemplo del teatro del Siglo de Oro español, donde Mira de Amescua utiliza el escenario como un medio para explorar temas de ascetismo, fe, y el constante conflicto entre los deseos terrenales y las aspiraciones espirituales.La obra se desenvuelve en un juego de dualidades donde la devoción y el amor terrenal luchan por la supremacía en el corazón de los personajes. A través de diálogos agudos y una trama que se balancea entre el fervor religioso y las tensiones humanas, Mira de Amescua despliega su maestría en el arte dramático. En particular, la figura de Abraham se alza como un símbolo de la lucha interna, representando la tensión entre la vida de ermitaño dedicada a la divinidad y los lazos mundanos que lo atan a la tierra.El texto, rico en lenguaje metafórico y con una estructura que permite profundas reflexiones filosóficas, también sirve como crítica a las contradicciones de la sociedad de su tiempo. A través de esta narrativa, el autor invita al espectador a reflexionar sobre la verdadera esencia de la fe y la redención.La mesonera del cielo y ermitaño galán es, en su esencia, una obra que desafía al público a considerar la posibilidad de una existencia más elevada más allá de los placeres terrenales, haciendo eco de los dilemas eternos que enfrentan todas las sociedades. Con su capacidad para entrelazar lo cómico con lo trascendental, Mira de Amescua asegura que su mensaje perdure en el tiempo.