Bücher veröffentlicht von Steidl GmbH & Co.OHG

Jeden Tag, während Cushla Lavery ihrer alkoholkranken Mutter das Frühstück macht, sich im Garten mit dem Nachbarn unterhält, ihre Grundschüler unterrichtet oder in der Bar ihrer Familie aushilft, werden die Toten und die Verletzten gezählt. Es ist 1975, und in Belfast eskaliert der Bürgerkrieg. Die katholischen Laverys betreiben ihren Pub in einer überwiegend protestantischen Vorstadt. Sie müssen vorsichtig sein - ein falsches Wort, schon findet man sich auf einer Todesliste wieder. In diesem »Höllenloch« gibt es vieles, was man besser nicht tut. Sich in einen verheirateten Mann verlieben, der nicht nur ein wohlhabender, angesehener Prozessanwalt ist, sondern auch noch Protestant. Sich einmischen, wenn ein Schüler schikaniert und sein Vater fast totgeprügelt wird. Gegen jede Vernunft beginnt Cushla eine leidenschaftliche Affäre mit dem deutlich älteren Michael Agnew, gegen jede Vernunft setzt sie sich für den kleinen Davy ein - und bezahlt einen hohen Preis. Louise Kennedys international gefeierter Roman erzählt von einer tief gespaltenen Gesellschaft, von einem Konflikt, dessen Wunden bis heute nicht geheilt sind, von Menschen, die versuchen, inmitten täglich stattfindender Gewalt ein normales Leben zu führen. Ein herzzerreißendes, bittersüßes, unvergessliches Buch.

Die Zigarre in der Hand, lässig auf einem Freischwinger sitzend - fast alle kennen dieses Foto von Mies van der Rohe, einem der berühmtesten Architekten des 20. Jahrhunderts. Wie viele ikonische Fotografien sind von Architektinnen bekannt? Städte und bedeutende Bauwerke wurden jahrhundertelang für und von Männern geplant und gebaut. Es fehlt die weibliche Perspektive. Das gilt für die Planung von Städten wie für die Sichtbarkeit von Frauen in der Architektur. Dieses Buch versammelt Porträts von Frauen aus allen Bereichen der Architektur - sie sind Architektin mit eigenem Büro, Studentin der Architektur, verantworten Öffentlichkeitsarbeit und Kommunikation, arbeiten für Fachzeitschriften oder in der Verwaltung. Fotografien und persönliche Texte machen die Frauen sichtbar: welche Themen sie prägen, was sie antreibt, was sie in die Welt bringen. Alle Protagonistinnen in diesem Buch vereint das Bestreben, nachhaltig und ressourcenschonend zu bauen, bestehende Gebäude umzunutzen und vor allem gemeinsam an neuen zukunftsfähigen Lösungen zu arbeiten. In Anlehnung an ikonische Fotografien porträtiert Anke Illing die Frauen mit ausgewählten Accessoires, der Chaise Longue LC4 und dem Fauteuil Tournant LC7 von Charlotte Perriand (1903-1999) - und mit der Zigarre von Mies van der Rohes legendärem Foto. Das Buch resultiert aus der Zusammenarbeit hoch ambitionierter Frauen. Es wurde von Studentinnen der Fakultät Gestaltung an der HAWK in Hildesheim erarbeitet. Gemeinsam haben sie die Idee des an Baukörper erinnernden Textblocks entwickelt, um die Individualität der Protagonistinnen gestalterisch und typografisch zu übersetzen und hierfür die Schrift einer Frau, die Marguerite Grotesk von Charlotte Rohde ausgewählt.

Too Much But Not Enough is an avant-garde fashion publication by Yang Li and Antoine d'Agata, consisting of 23 LP album covers and booklets, visceral portraits of 23 women they encountered throughout China. Since launching his eponymous label in 2012, Li has drawn on underground and sub-cultural references to create a darkly romantic aesthetic. For his very first campaign he contacted photographer Antoine d'Agata, and together they shunned professional models, instead taking to the streets where they approached over 300 women from vastly different walks of life to capture their stories in image and word. "There were some really compelling moments," Li recalls, "and the tears and anguish you see in the images are totally real." The photographs vibrate with a confronting physicality; while the intimate texts, transcripts of the subjects' own voices, touch on themes of self-knowledge and beauty, love and disillusion, personal freedom and social constraint. The volumes are housed in a slipcase that has been distressed by hand with tape-a final expression of the individualist, counter-culture spirit of the project.Limited edition of 300Sprachen: Englisch, Chinesisch

Ralph Ellison (1913-94) is a foremost figure in American literature, hailed for his seminal novel Invisible Man (1952), a breakthrough representation of the American experience and Black everyday life. Lesser known, however, is his lifelong engagement with photography. Photographer is the first book dedicated to Ellison's extensive work in the medium, which spans from the 1930s to the '90s.Throughout his life, photography played multiple roles for Ellison: a hobby, a source of income, a note-taking tool and an artistic outlet. During his formative years in New York City in the 1940s, he keenly photographed his surroundings, with many images serving as field notes for his writing. In the last decades of his life, as he grappled with his much-anticipated second novel, Ellison turned inward, and he studied his private universe at home with a Polaroid camera. At all times his photography reveals an artist steeped in modernist thinking who embraced experimentation to interpret the world around him, particularly Black life in America. In a 1956 letter to fellow writer Albert Murray, Ellison underscored photography's importance to his creative process: "You know me, I have to have something between me and reality when I'm dealing with it most intensely." Accompanying the photographs in this book are several essays situating Ellison's work within his broader career as a writer, as well an excerpt from his 1977 essay "The Little Man at Chehaw Station: The American Artist and His Audience."Co-published with The Gordon Parks Foundation and the Ralph and Fanny Ellison Charitable Trust

Frames of Reference offers the first opportunity to view all of Lucinda Devlin's photographic series in a single volume. The nine thematic series reveal a remarkably consistent approach from the 1970s to the present; from her early work as an exponent of New Color photography to her focus on a wide variety of interiors, before expanding her scope in the 2000s to include exterior environments and landscapes. No people appear in these images, yet their influence is everywhere.Following the example of Walker Evans, Devlin is guided by specific phenomena of American culture and its developments, which she observes with a critical eye-from the early series "Pleasure Ground," offering glimpses into spaces of entertainment and diversion (discos, strip bars, fantasy hotels), to later images of treatment rooms, operating theaters, autopsy rooms, and execution chambers in American prisons in "The Omega Suites." In more recent works that are more subtle yet no less nuanced, Devlin examines the cultivation and management of landscapes in Indiana, the Midwest, the Carolinas and Arizona, as well as the changes in Utah's salt flats and Great Salt Lake. An enduring source of contemplation is the vast expanses of Lake Huron, to which she dedicated "Lake Pictures" between 2010 and 2019.Sprachen: Englisch, Deutsch

In 1990 Félix González-Torres encountered an artwork by Roni Horn called Gold Field (1980/82), a simple sheet of gold foil placed on the floor of the Los Angeles Museum of Contemporary Art. González-Torres was deeply moved and wrote to Horn, beginning an exchange between the artists that would last until González-Torres' passing in 1996. Félix González-Torres Roni Horn was created as a photographic essay with the intention of sharing the experiential qualities of the artists' work and the profound relationships underlying it. It explores four iconic works (among others)-"Untitled" (For Stockholm) (1992) and "Untitled" (Blood) (1992) by González-Torres, and Well and Truly (2009-10) and a.k.a. (2008-09) by Horn-and emphasizes notions of doubling, duality, repetition, and identity. Images of these pieces, taken on the occasion of a 2022 exhibition at the Bourse de Commerce-Pinault Collection in Paris, reveal both artists' radical visual vocabularies, as well their shared passion for language, writing and poetry. Their intention emerges as two-fold: to create a tension between artist, viewer and object; and to grasp the inexpressible, the immeasurable.

Koller ist nicht nur ein Name, sondern auch ein Zustand. Und der wird fast zum Dauerzustand, als Chris und Koller aufeinanderprallen: Koller will immer mit dem Kopf durch die Wand und denkt sowieso, alles sei ganz einfach. Chris denkt zu viel nach und spricht zu wenig aus. Chris weiß noch nicht einmal, wie Koller mit richtigem Namen heißt, da sitzen sie schon nebeneinander in einem klapprigen Polo II und fahren los. Was ein Kurztrip an die Ostsee werden soll, wächst sich zu einem Roadtrip aus, der sich gewaschen hat: über Ludwigsburg, das überflutete Ahrtal, das sagenumwobene Hannahhausen, den Acker eines blutrünstigen Treckerfahrers - bis die beiden schließlich das Kaff am Meer erreichen, das Kollers Refugium ist, und wo das Vorhaben, einen Fischteich neu anzulegen, gleichermaßen Scheitern und Erlösung verspricht.Koller ist keine Liebesgeschichte, aber eine Geschichte über Liebe. Über die Suche nach Zugehörigkeit, Freiheit und Selbstbestimmung. Rasant und mit entwaffnender Direktheit erzählt Annika Büsing von Menschen, die herausfinden müssen, was sie wirklich vom Leben wollen und warum sie den Erwartungen anderer entkommen müssen, um es zu erreichen.

Mortes presents Diana Michener's reflections on the mystery of death. In three visual chapters focused on different themes, Michener explores her complex relationship to her subject: one of terror and wonder, of scientific fact and the inexplicable, of reverence and acceptance. The first chapter "Heads" shows the heads of cows slaughtered at an abattoir. Fascinated by the ambivalent relationship between the body and spirit, Michener records the intense moment of death. In "Foetus" she documents a collection of deformed nineteenth-century foetuses preserved in formaldehyde in glass jars, capturing what she calls "a terrible beauty in their silence and stillness." In the final and most confronting chapter "Corpus," Michener turns her lens upon us, photographing human corpses during autopsy. She touches on our unease with the brute physicality of death while conveying her admiration for the human body as a magnificent construct, as impressive in life as in death.Printed in quadratone on 175gsm mold-made Somerset Book paper from St. Cuthberts Mill, UK

This book is Henry Leutwyler's meticulous photographic record of the treasures of the International Red Cross and Red Crescent Museum in Geneva. In his trademark style, Leutwyler does not merely document objects but creates portraits of them, conjuring up their past lives and imbuing the inanimate with character. Here he sifted through the nearly 30,000 objects in the museum, shaping a selection that most movingly conveys the vital functions of the Red Cross: to provide humanitarian protection and emergency aid, to deliver medical and community support, particularly for the poor and underprivileged. Among a variety of others, Leutwyler shows us objects famously symbolic of the Red Cross (first-aid kits, uniforms, armbands), confronting finds (amputation saws, a cannonball), as well as the unexpectedly beautiful: delicate beaded flowers made by a prisoner of war. His focus is on the details of objects, their imperfections, decay and often the damage they have endured: evocative of the people who put them to real humanitarian use.

Ein durstiger kleiner Schwamm saugt das tobende Leben eines ganz normalen Provinzkaffs im Harz in sich auf: die Natur, die illustre Gesellschaft, das Bildungsangebot von lahmarschigen und mitreißenden Lehrern. Mit Begeisterung blickt Sarah Kirsch auf ihre Kinder-und Jugendjahre. Das neugierige Kind entdeckt die Herrlichkeiten im Pfarrhaus seines Großvaters samt »Trubel und Schränke voller Bücher«. Nach Kriegsende geht die kleine Abenteurerin in ihrem »Trümmerparadies« auf Entdeckungsreise. Als herrlich erlebt sie nicht nur das Singen im Schulchor, sondern sogar das Aufsammeln der angeblich von den Amis abgeworfenen Kartoffelkäfer und das Hamstern von Proviant und Kohle.Sarah Kirsch hat eine liebenswerte Verklärung ihrer Kindheit geschrieben, die 2006 erstmal erschien. Dabei ignoriert sie keineswegs die harten Fakten einer Zeit voller Gewalt und Umbrüche, die Fliegerangriffe, das Einsickern der Ideologien, der Beginn des Arbeiteraufstands vom 17. Juni 1953, mit dem dieser Bericht endet. Von alldem erzählt die große Lyrikerin in einer kompakten, irisierenden Sprache.

Unter dem Titel 100 Jahre Gegenwart erscheint 2022 erstmalig eine Publikation zur Ausstellungsgeschichte des Museum Folkwang in Essen. Wissenschaftlich fundierte und reichhaltig bebilderte Texte stellen auf der Grundlage neuer archivalischer Funde ca. vierzig für die Geschichte des Hauses bedeutsame Ausstellungsprojekte vor. Sie werden ergänzt von Essays und einem Interview, die thematisch daran anschließen, indem sie einzelne übergreifende Aspekte der Ausstellungsgeschichte sowie der Museumsentwicklung in den Blick nehmen. Auf diese Weise wird der wiederkehrende kuratorische Anspruch des Museums an Innovation und Kreativität, an Authentizität und Intensität künstlerischen Schaffens nacherzählt und sichtbar gemacht.Die großzügige Bebilderung versammelt exemplarische Ausstellungsansichten, ausgewählte Werke der Malerei, Fotografie, Videos, Skulpturen und Plakate sowie historische Fotografien und seltene Dokumente aus dem »Maschinenraum« des Museum Folkwang.

Bewegungserforschung, Raumerkundung, Innerlichkeit, Konzentration und Klarheit zeichnen die Arbeit der Tänzerin und Pädagogin Christine Brunel aus. 25 Jahre lang hat sich der Fotograf Wilfried Krüger intensiv mit ihren Choreographien auseinandergesetzt. Mit der Gabe seines fotografischen Blicks versetzt uns Wilfried Krüger in die Lage, uns in die Kunst Brunels jenseits der Bühne und der Erinnerung einzufühlen. Auge und Augenblick gehen im Schaffen Krügers eine ganz eigene Beziehung ein. Seine Beobachtung Brunels entzieht sich allen bekannten Stereotypien der Tanzfotografie und entfaltet dabei einen visuellen Sog, dem wir uns bei der Betrachtung seiner Bilder nicht entziehen können. Je intensiver wir uns auf die Betrachtung einlassen, je geduldiger wir seinen Perspektiven auf Brunel und ihre Tanzkunst folgen, desto mehr erahnen wir vom Glück dieser Beziehung zwischen Tanz und Fotografie, die ein Leben für und durch den Tanz erfahrbar macht. Ein Glück, das über den Tod Christine Brunels im Jahr 2017 hinaus Bestand hat.

Licht fällt durch ein löchriges Blatt, ein Netz feinster, verzweigter Adern wird sichtbar. Eine Zitrone gleicht einem porösen Stein. Eine Frucht hüllt sich in zarte Fäden. Blütenblätter wellen sich zu erotischen Gebilden. Glattes verwandelt sich in vielfach Gefaltetes. Vergänglichkeit zeigt sich malerisch in phantasievollen Farben und mit einem ungeahnten Formenreichtum.Auch Herlinde Koelbls neue Arbeit ist eine Art Feldforschung, aber dieses Mal sind keine Menschen zu sehen. In Metamorphosen geht es um Schönheit. Eine andere Schönheit, die man nur erkennt, wenn man aufmerksam ist und so genau hinsieht wie die Fotografin. Die entsteht, weil alles Lebende sich ständig wandelt, immerzu in einen neuen, faszinierenden Seinszustand eintritt, für den Herlinde Koelbl uns die Augen öffnet.