Bücher veröffentlicht von Verlag Kettler

Wolfgang Schäfer ist in seinem Werk, das die Malerei ebenso einschließt wie die Performance, den Film und die Fotografie, auf der Suche nach einem Urmythos. Es ist die uralte Suche nach den letzten Dingen, die die Welt im Innersten zusammenhalten. Diese Suche führt den Künstler sowohl in die grenzenlosen Weiten des Universums, als auch in den Mikrokosmos und das Innerste der Dinge.Das Malen ist für Schäfer ein Ritual und das Bild weit mehr als reiner Selbstzweck. Immer wieder geht es in seinem Schaffen um das Einswerden mit der Natur, das Einswerden mit sich selbst und schließlich das Einswerden mit seinen Bildern und Perfomances.Die Publikation erscheint anlässlich der Ausstellungen im Stadtmuseum Düsseldorf (04.10-29.10.2013) sowie im Museum Goch (24.10.-12.11.2023) und gibt einen umfassenden Einblick in das über 40-jährige Gesamtoeuvre Schäfers.

Scheinbare Alltagsszenen erfasste Markus Fräger schnappschussartig. Doch entwickelten die abgebildeten Menschen in ihren Posen ein Eigenleben, wirken in ihren Gesten aus der Zeit gefallen. Die rätselhaften Szenerien, die der Künstler aus unterschiedlichen inhaltlichen und zeitlichen Ebenen collagiert, verwenden bildliche Zitate aus der Kunstgeschichte, zahlreiche eigene und gefundene Fotografien sowie Abbildungen aus Magazinen und Zeitschriften.Der Kölner Künstler und Musiker wurde 1959 in Hamm geboren. Bereits in seiner Jugend beschäftigte er sich mit Malerei, vermittelt durch seinen Vater, den Grafiker und Bildhauer Wolfgang Fräger (1923-1983), der im Kreis Unna wirkte. In den späten 1970er-Jahren sang er zunächst in einer aus Unna stammenden Rock 'n' Roll-Band 1979 besten er an der Hochschule für Bildende Künstler Braunschweig die Aufnahmeprüfung. In Unna gründete er aber 1980 mit seinem Bruder und einigen Musikern aus Dortmund die Rockabilly-Formation Alley Cats, die später als The Ace Cats mit diversen Singles und drei Alben bekannt wurde. Parallel dazu studierte Markus Fräger bis 1986 Kunstgeschichte und Archäologie an der Westfälischen Wilhelms-Universität Münster. Bereits 1985 verließ er The Ace Cats und wandte sich hauptsächlich der Malerei zu, inszenierte aber noch einige avantgardistische Popprojekte. In seiner Wahlheimat Köln hatte er zuletzt sein Atelier in einer ehemaligen Essigfabrik, in dem er bis zu seinem frühen Tod 2020 malte.Die Ausstellung im Schloss Cappenberg zeigt retrospektiv das malerische Werk von Markus Fräger. Er malte überwiegend figurativ, seine dichten Szenen von fast altmeistersicher Anmutung mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten spielen oft in Innenstädten und erinnern sowohl an die Tradition der Genremalerei als auch an kinematographische Filmstills. Ähnlich wie ein Regisseur setzt Markus Fräger seine Motive in Szene zusammen.. Die Komposition der Figuren sowie auch deren Gesten deuten eine Handlung an, die sich aber im Bildgefüge nicht schlüssig zusammensetzt, sondern eine Geschichte mit losen Enden bewusst auf verschiedenen Zeitebenen erzählt. Auch nach einer intensiven Betrachtung bleiben die Szenen rätselhaft, erscheinen manche formalen Elemente ebenso kryptisch wie die inhaltlichen - punktuell zeigen die Strukturen Auflösungserscheinungen und entziehen sich einer Interpretation. Markus Fräger lässt private und intime Momente unbedingter Schönheit und zärtlicher Verletzlichkeit entstehen, die an die Vergänglichkeit eines scheinbar festgehaltenen Moments erinnern.

They lie dormant in boxes, many of them hopelessly entangled. Some were hardly ever brought on stage, while others had a full, truly eventful puppet life. Reinhold Wittig, their creator, has built about two hundred puppets in over seventy years. Pieced together from solid metal, wood, and plastic parts, they were originally developed for scenic contexts, only to evolve over the years into sculptures in their own right - without a specific function and moving like mobiles.After initial performances in private settings, Reinhold Wittig had the courage to present his puppets to a larger audience in 1964: he founded the puppet theater Collegium magicum in Göttingen, which quickly gained national attention for its unconventional figures and experimental performances.For this publication, Wittig's son has unearthed his father's hidden treasures from bulky boxes and sailors' trunks. By joining together dramatically staged photographs, archival materials, newspaper clippings, diary entries, and eyewitness accounts, he brings the puppets to life, resurrecting his father's unique universe.

The inner cities have been built - but more and more houses in them are standing empty. Many of them shape the familiar face of the city or are even buildings. Demolition and new construction cannot be the solution to accommodate new functions beyond retail. Often, old buildings provide the atmosphere in which new things can take hold.For years, stores in city centers have been fighting for their existence. This trend has been accelerated by the lockdown phases during the pandemic. The consequences were and are closures of everything from large department stores to small privately run specialty retailers. Vacancies are spreading into first floor zones and eventually whole streets are threatened with neglect regardless of the character or even the heritage value of the buildings.For too long, the equation downtown equals stationary retail and the B-plans with use restrictions have been aligned with this. Now there is a growing realization that the monotony of the same retail zones is proving resistant to the crisis. New ideas and new concepts for mixed uses and more quality of stay in the city centers are being discussed. What role can the architectural heritage play in this context as a carrier of identification, so that inner cities once again become a meeting place for people? If the inner cities are to retain their face, the existing must be used in a new way.

A key theme pervading the work of Alex Müller (*1969) is her investigation of the complex phenomenon of time. Again and again, the artist finds impressive images representing time - both its progress as well as its relative nature. For Kunsthalle Nürnberg, Alex Müller has developed an exhibition that combines biographical allusions, cultural and art historical references. In eight chapters, the exhibition takes us on a journey through the artist's universe.Numerous everyday objects become charged with a specific meaning in Alex Müller's oeuvre. Any material can become an artistic material in her work. The artist underlines the open narratives of her art by cleverly playing with the boundaries of painting, drawing, sculpture, installation, film, sound, and performance.Stories are hinted at, but never fully told. The titles evoke associations with specific people, books, films, or events. Alex Müller's art always suggests something unspoken, encouraging further thought, and represents the perpetual search for the self as well as a varied exploration of transience.

If a political-critical function is ascribed to art, the question of its usefulness arises, i.e. its specific applicability. Can works of art serve as suitable media to implement, for example, ecological or social goals? Can artistic interventions and artifacts contribute to solving real problems? Using current examples, Larissa Kikol's essay argues for breaking free from the symbolic realm. She makes the case for a practical "utilization" of art - thus taking Beuys's theory of a social sculpture a step further.Larissa Kikol (*1986) studied at Kunsthochschule Berlin-Weißensee and earned her doctorate in art history at Karlsruhe University of Arts and Design. She works as a freelance art critic, writer, and publicist, e.g. for Kunstforum International, Die Zeit, art, or Monopol Online.This book is published as the first volume of a new publication series by LaB K. The Landesbüro für Bildende Kunst, which is part of Kunsthaus NRW, provides an information and discussion platform: it aims to act as an intermediary between artists, the state administration, and cultural policy.

In his works, Martin Schepers investigates what happens when a landscape is transformed into a laboratory for technological, research-related, and also artistic processes. Since 2020, the artist has been working on his project "Im Lithiumdreieck - Wir verdunsten" (In the lithium triangle - we are evaporating) which addresses one of the most controversial issues of our time: the mining of raw materials and its conditions and consequences. Schepers explores its impact on society, on people and their connection with landscape, and on the landscape itself and its ecosystems.Taking a look behind the scenes of the production of batteries in a transnational and participatory experiment, he artistically examines the mining of lithium in Chile and a German research institute that focuses on lithium as a raw material. By transferring technological and ecological processes into his art, it becomes a medium for making real interrelationships visible. In an impressive way, Schepers calls on us to view landscape as a place in which the Anthropocene manifests itself with all its consequences.

More than 180 people lost their lives in the flood of July 14-15, 2021. For numerous people, that night changed everything. In the aftermath of the flood, the general public became aware, perhaps for the first time, that climate change has arrived in Germany.The members of the DOCKS Collective set out on a journey to the Ahr valley on the day after the disaster. Their aim was to photograph the local situation and talk to those affected by the flood. Owing to their collective structure, the five photographers were able to work in several places at the same time.Over a period of two weeks, the five members took photos non-stop in the Ahr valley and in the regions hit by the waters. They documented their experience and people's stories, the unbelievable destruction and the great solidarity of the helpers.It rapidly became clear that the reconstruction of the destroyed areas would take a long time. When the media interest began to decline, the collective decided to continue visiting the region, the numerous helpers, firefighters, and victims. For a year, the members witnessed loss and immense grief, but also inspiring solidarity, an impressive willingness to help, and perseverance.

Nasan Tur (*1974) explores the political and social conditions of our time. His works are experiments that bring to light ideologies, social norms, and behavioral codes and open up new possibilities for individual action. To this end, the artist examines statements, gestures, and images that he finds in the media and in the public sphere. Tur transforms them into miniatures of current social crises and discourses. The question of how predetermined role models influence us is at the heart of his art: he investigates what drives us to cross boundaries when faced with oppression, powerlessness, and manipulation and to actively change the social order.The catalog is published to accompany the exhibition at Berlinische Galerie and presents new works addressing questions of power and its legitimacy. Why do human beings kill each other? What is the nature of the violence that we witness in ourselves and how and under what circumstances is it triggered? By arranging his works in a specific way, Tur creates images that express an ambivalent attitude towards death and life. The artist confronts us with our inner demons, asks hunters about the act of killing, and carefully arranges lifeless animals in the exhibition space.

Every year, the 100 Beste Plakate e. V. association awards prizes to the creators of the most innovative and groundbreaking poster designs from Germany, Austria, and Switzerland. The yearbook, which is developed by different graphic designers and design studios each year, presents all the winners and their designs in detail. It has become the key indicator of trends for creatives and advertisers alike.Studio lindhorst-emme+hinrichs has designed the current yearbook as an ever-changing, unique volume. Ten different colored papers are used in different combinations: as a result, the cover as well as the front and back endpapers never have the same color, and each copy is unique.The central focus of the book is on the poster designs for the art and culture center Neubad in Lucerne, some of which have reached an iconic status. Over the years, the Swiss province has become a hotbed of avantgarde design. More than 80 graphic designers have created around 550 posters for the Neubad to date; 23 of them have received awards in recent years, being ranked among the 100 best posters.

In einer Mischung aus Erinnerungen, Briefen, Gästebucheinträgen und Familienfotos berichtet Klaus Keil in der vorliegenden Publikation von seinem Onkel Emil Schumacher. In seiner Zusammenstellung gibt das Buch Einblick in den Familienmenschen Schumacher und versammelt anekdotische und private Momente, die eine bisher wenig bekannte Seite des Malers zugänglich machen.

Karl Ganser (1937-2022) decisively shaped the urban and regional development of North Rhine-Westphalia with his vision of an industrial cultural landscape and his thoughtful approach to urban renewal. As a kind of father of the new Ruhr area (according to former German President Johannes Rau in 1999), Ganser paved the way for numerous projects - especially as part of the Emscher Park international building exhibition - that continue to define the region and public perception of the Ruhr area to this day. This book examines and showcases the work of Karl Ganser. Well-known contemporaries provide insights into his professional career which included spells at the Technical University of Munich and at the city's department of urban planning, at the federal research institute for regional studies and planning in Bonn, at the ministry for regional and urban development (MLS/MSWV) in Düsseldorf and at the international building exhibition in Gelsenkirchen. An additional selection of Ganser's writings allows readers to discover his truly inter- and transdisciplinary way of thinking and acting as regards ecology, urban and regional planning, art, and culture. In this publication, a total of 42 authors from various disciplines explore Ganser's many ideas for sustainable urban and regional development as well as his lifelong commitment to the protection of nature and historical monuments.

Als traditionell ausgebildeter Schriftenmaler und Maler beginnt Josef Ebnöther sein künstlerisches Werk als Autodidakt. 1959 dann bricht er als 22-Jähriger auf, um sich an der Acade¿mie de la Grande Chaumie`re sowie an der E¿cole des Beaux-Arts in Paris weiter ausbilden zu lassen. Seine zunächst figürlichen Arbeiten wandeln sich zunehmend in abstrakte Bildwelten und münden Ende der 1960er-Jahre neben den Bildern und Grafiken s in großformatigen Wandgemälden, reliefs und -teppichen sowie in zahlreichen Raum und Kunst-am-Bau-Projekten.Ebnöthers Sujets, oft sind es Inspirationsquellen aus der Natur, finden in seinen Bildräumen radikal reduziert eine neue Gestalt, werden zu Zeichen von archaischer Kraft, die er gestisch auf den Bildgrund überträgt und in unergründbare Chiffren, Zeichen und eigentümliche Zeichenschriften überführt.Die Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung im Kulturraum RHYBOOT, Altstätten, Schweiz (14. April - 7. Mai 2023) und präsentiert neueste Arbeiten aus dem Spätwerk des Künstlers.

This publication is devoted to an extensive description of the pneumopteria which are also referred to as cloud whales or cloud sponges, and occasionally, in scientific language, as pneumospongia. Often, in older treatises, they have been termed celestial leviathans. These gigantic, cloud-like creatures, which seemed to float in the air without movement or stimulation, could reach several hundred meters in size. In all likelihood, they are extinct today. The species was, however, frequently observed in historical times and has been described by numerous cultures and in many different contexts.With his research findings, Roland Boden provides the first thorough introduction to the nature, appearance, and behavior of the pneumopteria and surveys the history of their exploration and description. In his treatise, defined as fictional research, Boden uses quotations, photographs, reproductions, reconstructive drawings, and computer-generated images, combining real scientific and historical facts with completely fictitious elements to create a parallel reality that cleverly and artistically questions contemporary perceptual processes.

A new beginning, transformation, revolution: society underwent major changes in the 1960s, and so did art. It moved into a radically new direction. The works that were created in the environment of ZERO or Op Art invited the public to participate. Fluxus and happenings attracted the public's attention through spectacular and provocative actions; they did not confine themselves to the space of the White Cube, but challenged its limits, and called for new ways of thinking and acting beyond the aesthetic experience.The catalog presents the Von der Heydt-Museum's entire collection of 1960s and 1970s art for the first time, revealing the institution's collecting and exhibition activities.Owing to its courageous acquisitions, it laid the foundation early on for a significant art collection that was continuously expanded in subsequent years through additional purchases and donations. In this context, the catalog also addresses the question of how to develop a modern museum that engages with social and political issues. This question was debated in Wuppertal at the time, and it is as relevant today as it was then.Including works byJoseph Beuys, Christo, Lucio Fontana, Jasper Johns, Donald Judd, Roy Lichtenstein, Nam June Paik, Otto Piene, Gerhard Richter, James Rosenquist, Dieter Roth, Jesús Rafael Soto, Jean Tinguely, Cy Twombly, Wolf Vostell, Andy Warhol und vielen mehr and many others

Architekten sollen vermitteln - zwischen Traum und Realität, zwischen dem Versprechen eines von Atmosphäre geprägten Stadtraumes und der Enttäuschung über behördliche Regulierungswut und Normierung.Kann Architektur gesellschaftliche Risse auflösen? Und falls ja, wie sollte die Architektur dies idealerweise leisten? Was vermag ein Bauwerk den Menschen zu erzählen, die es betrachten und bewohnen? Befreit vom oft komplexen und abstrakten akademischen Diskurs versuchen Architekt Christian Heuchel und Autor Daniel Khafif mit ihrem Buch einen dadaesken Dialog über die Zukunft der Baukunst zu eröffnen. In Form kurzer, fiktiver Gespräche mit seinem Alter Ego, der Puppe Van Heuchel, philosophiert Christian Heuchel über eine Reihe von Themen: sei es die Haustür, die Partizipation, die Hausbar, den Blick aufs Ganze, aufs Detail oder das Schlafen.Die Kapitel des Buches folgen dem Alphabet. Von A bis Z entsteht der Eindruck eines klassischen architektonischen Nachschlagewerkes, das der Leserin und dem Leser Orientierung bietet mit dem Ziel, für eine menschlichere, eine »bessere Architektur« zu werben, die den Zauber des Ungeregelten, des Unfertigen und Lebendigen anerkennt.

In den 1980er-Jahren begann eine junge Generation von Künstlern, der Gattung des Porträts neues Leben einzuhauchen, allen voran Thomas Ruff, der als Becher-Schüler im Umfeld der Düsseldorfer Kunstakademie nüchterne und gestochen scharfe Porträtaufnahmen schuf.Claudia van Koolwijk studierte zur gleichen Zeit an der Akademie, jedoch in den Malerklassen von Fritz Schwegler und Alfonso Hüppi. Unabhängig von Ruff und in historischer Gleichzeitigkeit begann auch sie in den 1980er-Jahren, Gesichter ihrer Künstlerfreunde, ihrer Familie und sich selbst zu fotografieren. Dabei haben ihre Aufnahmen seit jeher einen stark narrativen Charakter und changieren gekonnt zwischen Dokumentation und Inszenierung, Realität und Kunst. In zahlreichen Arbeiten verwebt van Koolwijk Bilder aus der Kunstgeschichte und der katholischen Religion mit ihrer eigenen Geschichte, indem sie Kostüme, in Falten drapierte Stoffe, gestaltete Hintergründe, Blumen oder Körperbemalungen verwendet.In ihren Motiven sucht van Koolwijk eine unverstellte Schönheit, die sie liebevoll und humorvoll wiedergibt und der sie stets eine gewisse Unvollkommenheit beimischt. So erscheinen die Menschen auf ihren Bildern als Vertraute, obwohl man sie gar nicht kennt; sie wirken trotz der Inszenierung ungekünstelt, unverstellt und wahrhaftig - dem Alltag entrückt und zugleich dem Betrachter ganz nah.

Seit Jahrzehnten pendelt der 1942 geborene Installationskünstler Georges Adéagbo zwischen Cotonou (Benin), Hamburg und Ausstellungsorten auf der ganzen Welt. In den 1990er-Jahren wurde die europäische Kunstszene auf ihn aufmerksam, heute zählt er zu den bedeutendsten Künstlern aus Afrika und gilt als Pionier einer selbstbewussten Kunst des »globalen Südens«.Die Arbeiten von Adéagbo sind raumgreifende Assemblagen, in denen kunstgewerbliche Gegenstände auf Alltagsobjekte aus verschiedenen Kulturen treffen. Jenseits westlich geprägter Ordnungsmuster und Wertehierarchien knüpft Adéagbo so ein dichtes Beziehungsnetz der Dinge, Bilder und Gedanken. Dabei sind seine Arbeiten so persönlich wie politisch. In ihren Arrangements verschränken sie die eigene Geschichte mit gesellschaftspolitischen Themen und Ereignissen von globaler Relevanz.In den letzten Jahren hat das Werk des Expressionisten Ernst Barlach (1870-1938) vielfältige Spuren im Schaffen Adéagbos hinterlassen. Aus Anlass seines 80. Geburtstags widmet ihm das Ernst Barlach Haus nun eine umfassende Einzelschau, in der Adéagbo existenzielle Themen Barlachs wie Krieg und Gewalt, Macht und Ohnmacht, aber auch Nächstenliebe, Achtsamkeit und Spiritualität aufgreift und mit eigenen Perspektiven verwebt.

Als Reaktion auf den ersten Corona-Lockdown im Frühjahr 2020 begann der Fotograf Ingmar Björn Nolting (*1995) einen Roadtrip durch Deutschland. Dieser führte ihn unter strengen Sicherheitsvorkehrungen über die Zeitspanne von einem Jahr rund 25.000 Kilometer durch das Land. Während dieser ungewöhnlichen Reisen fotografierte Nolting ein persönliches und umfassendes Dokument des Lebens in Zeiten des globalen Krisenzustands. Sein Fotoprojekt About the Days Ahead reflektiert die deutsche Gesellschaft zwischen kollektiver Isolation, Angst, Verzweiflung und der Sehnsucht nach einer improvisierten Normalität.Nolting beschreibt das Fotoprojekt als Konfrontationstherapie, als seinen Umgang mit der Ohnmacht und der Angst, die die Pandemie zu Beginn in ihm auslöste. Noltings Bilder sind still und distanziert. Mit reduzierter Farbigkeit und klaren Kompositionen fotografierte er Momente, die über den Schrecken der Pandemie hinaus von gesellschaftlichem Umgang und der Absurdität des Alltags erzählen. Im Zusammenspiel dieser verdichteten Momente entsteht ein komplexes Mosaik, eine Erzählung über eine sich verändernde Gesellschaft.

Kaum ein künstlerischer Karriereweg lässt sich heutzutage ohne ein Residenzstipendium beschreiten. Unzählige Aufenthaltsprogramme sind mit ihren individuellen Ausrichtungen über den gesamten Globus verstreut. Sie ermöglichen Künstler:innen von heute, im regionalen wie internationalen Raum neue Eindrücke zu sammeln und die Weiterentwicklung der eigenen Praxis voranzutreiben.Ausgangspunkt des vorliegenden Buches ist die Residency von Lukas Zerbst in der sogenannten Villa Minimo in Hannover. Zerbst betitelte seine Stipendiums-Ausstellung Space Invader und machte diesen Namen wortwörtlich zum Programm. Über die Dauer von knapp zwei Monaten eignete er sich die institutionellen Räume als Domizil und Atelier an und schuf eine ganze Reihe von ortsspezifischen Installationen. Vor den Augen der Besucher:innen formte sich die Ausstellung so stetig weiter und ermöglichte einen ungewohnten und nahen Einblick in alltägliche Vorgänge des Kunstschaffens.Die Publikation stellt Zerbsts Projekt vor und liefert mit Hilfe von Textbeiträgen aus unterschiedlichen Disziplinen einen vielstimmigen Beitrag zur kontinuierlichen Diskussion um Arbeitsbedingungen im Kunstbetrieb.

In ihren Arbeiten setzt sich die deutsch-senegalesische Künstlerin Jose¿phine Sagna mit der fehlenden Sichtbarkeit und der Selbstdarstellung von BIPoC-Personen (Black, Indigenous, and People of Color) und insbesondere von schwarzen Frauen in einer weißen Mehrheitsgesellschaft auseinander. Inspiration sind dabei neben den eigenen, ganz persönlichen Erfahrungen der Künstlerin auch politische und mediale Ereignisse sowie die geteilten Bilder und Erzählungen anderer BIPoC-Personen in Social-Media-Kanälen. In ihren explosiven, farbgewaltigen Bildern lassen sich Emotionen wie Wut und Aggression, aber auch Freude, Mut und Hoffnung nachspüren. Das Selbstbewusstsein und das Empowerment der dargestellten Personen sind erfahrbar. Jose¿phine Sagna hinterfragt Vorurteile, ohne je belehrend zu sein. Sie sieht ihre Kunst als ein politisches Statement für einen intersektionalen Feminismus und eine verbesserte Repräsentation der Belange von BIPoC-Personen. Der Katalog erscheint begleitend zur ersten institutionellen Einzelausstellung der Künstlerin und folgt dem Anspruch des Märkischen Museums Witten, künstlerische Positionen vorzustellen, die sich mit den derzeitigen Fragestellungen unserer Gesellschaft auseinandersetzen.

Die von der Hermann Reemtsma Stiftung herausgegebene Publikationsreihe Hefte zur Baukunst dokumentiert historisch bedeutende Bauwerke, deren Entstehungsgeschichte und sachgemäße Restaurierung. Der fünfte Band der Reihe widmet sich dem Hamburger Halbmondhaus,das sich aus der Reihe repräsentativer Villen entlang der vornehmen Elbchaussee hervorhebt: ein sichelförmiges, reetgedecktes ehemaliges Stallgebäude, das 1796 vom dänischen Landbaumeister und Klassizisten Christian Frederik Hansen (1756-1845) entworfen wurde. Mit seinen unkonventionellen Bauten für aufstrebende, zugezogene Kaufleute prägte Hansen die Landhaus-Architektur Altonas maßgeblich. Sein Stil, mit dem gleichermaßen höfischer Stolz, internationales Flair und kaufmännische Nüchternheit assoziiert wurde, bediente sich stilistisch an der italienischen Renaissance ebenso wie an der englischen Landhauskultur oder der französischen Revolutionsarchitektur. Während das Haupthaus des Halbmondhauses heute nicht mehr existiert, überstand der markante "Halbmond" unterschiedliche Funktionen und Veränderungen. Er wurde schließlich 2019-2021 denkmalgerecht hergerichtet und für eine nachhaltige Nutzung ausgebaut.

Als Speicher von Zeit und Wissen ist das Buch ein komplexes und symbolisch aufgeladenes System mit einer herausragenden gesellschaftlichen und kulturellen Bedeutung. Obwohl - oder gerade weil - es durch den Vormarsch des digitalen Zeitalters zunehmend an den Rand gedrängt wird, rückt das Buch in seiner ganzen Tragweite zunehmend zurück in das kollektive Bewusstsein.Die besondere Faszination des Buches überträgt sich auch auf die Orte, in deren Zentrum es steht. U¿ber Jahrhunderte hinweg galten Bibliotheken als magische Orte, als Kathedralen des Wissens, die nicht selten eine sakrale Feierlichkeit ausstrahlen. Dem gegenüber stehen aggressive Aktionen wie Verfemung und Bücherverbrennung bis hin zur Verfolgung und Ermordung gesellschaftskritisch oder politisch agierender Autorinnen und Autoren.Das Buch ist deshalb bis heute für viele Künstler Thema, Medium und Material. Der Katalog versammelt Gemälde, Zeichnungen, Fotografien, Filme, Buchobjekte, Künstlerbücher und Installationen, die sich der Magie und Ausstrahlung des Buches widmen.

Teheran und Tel Aviv zwischen 1930 und 1940: Das bedeutet zweimal Aufbruch in die Moderne, zweimal Auseinandersetzung mit den vielfältigen Impulsen des "International Style". Mit Irmel Kamp und Andreas Rost versammelt die Publikation zwei Fotokünstler verschiedener Generationen, die in sehr individuellen Ansätzen ihren Blick auf Bauwerke der Moderne im heutigen Iran und in Israel präsentieren.Die Publikation macht auf Gemeinsamkeiten und Unterschiede aufmerksam; sie will Klischees und vorgefasste Meinungen überwinden und dazu anregen, "Moderne" neu zu sehen. Anhand der fotografischen Inszenierung von mehr als 50 Bauten spüren Irmel Kamp und Andreas Rost historischen Zusammenhängen, kulturellen Kontexten und aktuellen Fragen nach.Die Begegnung zwischen Teheran und Tel Aviv thematisiert auch den aktuellen Umgang mit dem Erbe der Moderne. Ist das Tel Aviver Modell von Vermarktung und Weiterbau ein Vorbild zur Rettung der modernen Architektur in Teheran - und andernorts? In mancher Hinsicht erinnert der Zustand iranischer Bauten heute an die Situation der späten 1980er-Jahre in Tel Aviv: Besonderheit und Wert erkennen bisher nur ein kleiner Kreis von Fachleuten. Viele Häuser stehen leer und harren der Sanierung. Erst allmählich etabliert sich ein breiteres Bewusstsein.

Schulen, Bibliotheken, Hochschulen und Universitäten sind mehr als Wissensspeicher und Bauten für die Wissensproduktion und -weitergabe. Zusammen mit Rathäusern, Kultur- und Sakralbauten gehören sie zu den stadtbildprägenden und identitätsstiftenden Bauten einer Stadt.Auch wenn sich langsam ein Imagewandel des Ruhrgebiets hin zur "Wissensmetropole Ruhr" durchzusetzen beginnt, so ist es doch noch immer für Viele überraschend, wie zahlreich, vielfältig und engagiert gerade während der Industrialisierung sowie in der Nachkriegszeit Bauten für Bildung errichtet wurden. Oft prägen sie die Städte des Ruhrgebiets bis heute.Wie die beiden Bücher "Kultur@Stadt_Bauten_Ruhr" und "Religion@Stadt_Bauten_Ruhr" erzählt auch diese Publikation die Geschichten einzelner markanter Bauwerke, schildert in thematischen Essays übergreifende Aspekte von Bildungsbauten und nimmt die Bildungslandschaft Ruhrgebiet insgesamt in den Blick. Alle Bauwerke werden mit Plänen, Zeichnungen, Modellen und anderen Archivalien aus dem Baukunstarchiv NRW vorgestellt, die hiermit erstmalig der Öffentlichkeit präsentiert werden.