Bücher veröffentlicht von Verlag Kettler

Wolfgang Schäfer ist in seinem Werk, das die Malerei ebenso einschließt wie die Performance, den Film und die Fotografie, auf der Suche nach einem Urmythos. Es ist die uralte Suche nach den letzten Dingen, die die Welt im Innersten zusammenhalten. Diese Suche führt den Künstler sowohl in die grenzenlosen Weiten des Universums, als auch in den Mikrokosmos und das Innerste der Dinge.Das Malen ist für Schäfer ein Ritual und das Bild weit mehr als reiner Selbstzweck. Immer wieder geht es in seinem Schaffen um das Einswerden mit der Natur, das Einswerden mit sich selbst und schließlich das Einswerden mit seinen Bildern und Perfomances.Die Publikation erscheint anlässlich der Ausstellungen im Stadtmuseum Düsseldorf (04.10-29.10.2013) sowie im Museum Goch (24.10.-12.11.2023) und gibt einen umfassenden Einblick in das über 40-jährige Gesamtoeuvre Schäfers.

They lie dormant in boxes, many of them hopelessly entangled. Some were hardly ever brought on stage, while others had a full, truly eventful puppet life. Reinhold Wittig, their creator, has built about two hundred puppets in over seventy years. Pieced together from solid metal, wood, and plastic parts, they were originally developed for scenic contexts, only to evolve over the years into sculptures in their own right - without a specific function and moving like mobiles.After initial performances in private settings, Reinhold Wittig had the courage to present his puppets to a larger audience in 1964: he founded the puppet theater Collegium magicum in Göttingen, which quickly gained national attention for its unconventional figures and experimental performances.For this publication, Wittig's son has unearthed his father's hidden treasures from bulky boxes and sailors' trunks. By joining together dramatically staged photographs, archival materials, newspaper clippings, diary entries, and eyewitness accounts, he brings the puppets to life, resurrecting his father's unique universe.

A key theme pervading the work of Alex Müller (*1969) is her investigation of the complex phenomenon of time. Again and again, the artist finds impressive images representing time - both its progress as well as its relative nature. For Kunsthalle Nürnberg, Alex Müller has developed an exhibition that combines biographical allusions, cultural and art historical references. In eight chapters, the exhibition takes us on a journey through the artist's universe.Numerous everyday objects become charged with a specific meaning in Alex Müller's oeuvre. Any material can become an artistic material in her work. The artist underlines the open narratives of her art by cleverly playing with the boundaries of painting, drawing, sculpture, installation, film, sound, and performance.Stories are hinted at, but never fully told. The titles evoke associations with specific people, books, films, or events. Alex Müller's art always suggests something unspoken, encouraging further thought, and represents the perpetual search for the self as well as a varied exploration of transience.

Livin' in the Hood berichtet von den persönlichen New-York-Erlebnissen der beiden Fotografen Jürgen Bürgin und Jörg Rubbert und nimmt den Leser mit auf eine visuelle Zeitreise zurück in die Jahre 1990 und 2013/14. Der Bildband dokumentiert prägende Ereignisse und berichtet von inspirierenden Begegnungen aus einer Stadt, die sich in dieser Zeitspanne grundlegend verändert hat. Dabei zeigt das Buch nicht nur Bilder der beiden Straßenfotografen, sondern teilt persönliche Anekdoten und Geschichten sowie weitere Texte und Informationen.Insgesamt bietet es einen tiefen Einblick in die Lebenswirklichkeit im New York der Jahre 1990 und 2013/14. Es vermittelt dem Leser einen Eindruck davon, wie sich New York in jenen Jahren "anfühlte", und zieht Vergleiche zu den gesellschaftlichen und politischen Veränderungen jener Zeit.

If a political-critical function is ascribed to art, the question of its usefulness arises, i.e. its specific applicability. Can works of art serve as suitable media to implement, for example, ecological or social goals? Can artistic interventions and artifacts contribute to solving real problems? Using current examples, Larissa Kikol's essay argues for breaking free from the symbolic realm. She makes the case for a practical "utilization" of art - thus taking Beuys's theory of a social sculpture a step further.Larissa Kikol (*1986) studied at Kunsthochschule Berlin-Weißensee and earned her doctorate in art history at Karlsruhe University of Arts and Design. She works as a freelance art critic, writer, and publicist, e.g. for Kunstforum International, Die Zeit, art, or Monopol Online.This book is published as the first volume of a new publication series by LaB K. The Landesbüro für Bildende Kunst, which is part of Kunsthaus NRW, provides an information and discussion platform: it aims to act as an intermediary between artists, the state administration, and cultural policy.

In his works, Martin Schepers investigates what happens when a landscape is transformed into a laboratory for technological, research-related, and also artistic processes. Since 2020, the artist has been working on his project "Im Lithiumdreieck - Wir verdunsten" (In the lithium triangle - we are evaporating) which addresses one of the most controversial issues of our time: the mining of raw materials and its conditions and consequences. Schepers explores its impact on society, on people and their connection with landscape, and on the landscape itself and its ecosystems.Taking a look behind the scenes of the production of batteries in a transnational and participatory experiment, he artistically examines the mining of lithium in Chile and a German research institute that focuses on lithium as a raw material. By transferring technological and ecological processes into his art, it becomes a medium for making real interrelationships visible. In an impressive way, Schepers calls on us to view landscape as a place in which the Anthropocene manifests itself with all its consequences.

More than 180 people lost their lives in the flood of July 14-15, 2021. For numerous people, that night changed everything. In the aftermath of the flood, the general public became aware, perhaps for the first time, that climate change has arrived in Germany.The members of the DOCKS Collective set out on a journey to the Ahr valley on the day after the disaster. Their aim was to photograph the local situation and talk to those affected by the flood. Owing to their collective structure, the five photographers were able to work in several places at the same time.Over a period of two weeks, the five members took photos non-stop in the Ahr valley and in the regions hit by the waters. They documented their experience and people's stories, the unbelievable destruction and the great solidarity of the helpers.It rapidly became clear that the reconstruction of the destroyed areas would take a long time. When the media interest began to decline, the collective decided to continue visiting the region, the numerous helpers, firefighters, and victims. For a year, the members witnessed loss and immense grief, but also inspiring solidarity, an impressive willingness to help, and perseverance.

Nasan Tur (*1974) explores the political and social conditions of our time. His works are experiments that bring to light ideologies, social norms, and behavioral codes and open up new possibilities for individual action. To this end, the artist examines statements, gestures, and images that he finds in the media and in the public sphere. Tur transforms them into miniatures of current social crises and discourses. The question of how predetermined role models influence us is at the heart of his art: he investigates what drives us to cross boundaries when faced with oppression, powerlessness, and manipulation and to actively change the social order.The catalog is published to accompany the exhibition at Berlinische Galerie and presents new works addressing questions of power and its legitimacy. Why do human beings kill each other? What is the nature of the violence that we witness in ourselves and how and under what circumstances is it triggered? By arranging his works in a specific way, Tur creates images that express an ambivalent attitude towards death and life. The artist confronts us with our inner demons, asks hunters about the act of killing, and carefully arranges lifeless animals in the exhibition space.

Every year, the 100 Beste Plakate e. V. association awards prizes to the creators of the most innovative and groundbreaking poster designs from Germany, Austria, and Switzerland. The yearbook, which is developed by different graphic designers and design studios each year, presents all the winners and their designs in detail. It has become the key indicator of trends for creatives and advertisers alike.Studio lindhorst-emme+hinrichs has designed the current yearbook as an ever-changing, unique volume. Ten different colored papers are used in different combinations: as a result, the cover as well as the front and back endpapers never have the same color, and each copy is unique.The central focus of the book is on the poster designs for the art and culture center Neubad in Lucerne, some of which have reached an iconic status. Over the years, the Swiss province has become a hotbed of avantgarde design. More than 80 graphic designers have created around 550 posters for the Neubad to date; 23 of them have received awards in recent years, being ranked among the 100 best posters.

Since 1997, the Mart Stam Society - the non-profit association supporting the Weißensee Kunsthochschule Berlin - has awarded the Mart Stam Prize every year. The winners are chosen by an independent jury for the best final projects at the academy of art. Thus, the society provides assistance to young artists and designers during their studies and helps them start their professional careers.The publication features texts and images presenting all the 2022 award winners in detail. Their works reflect the issues that are currently moving the generation of 20- to 30-year-olds. By investigating the pressing problems of our time and current discourses, they develop the themes of their art. Their own mental state is examined and artistically processed. Dreams and fears, body shame, experiences of exclusion due to mental illness are addressed; but there are also works that openly criticize everyday racism or urban development which ignores the needs of the city's inhabitants.With works by: Milan Bergheim, Kaja Busch, Ju Hyun Hwang, Nina Pläs¿kovä, Sabine Richter, Alexandra Ruppert, Vaia Tatopoulou, Lor Willkomm, and Jakob Wirth.

Die vorliegende Publikation, die begleitend zur gleichnamigen, multimedialen Ausstellung im HMKV Dortmund erscheint, vollzieht einen radikalen Perspektivwechsel: Sie betrachtet die Welt aus der Sicht nicht-menschlicher Organismen, denen wir üblicherweise kein Bewusstsein zusprechen. Diesen Wesen und Dingen geben Kerima Stolzer und Lex Rütten eine Stimme: Sie artikulieren sich durch die sieben fiktionalen Charaktere Micro, Xtract, Pionea, Azolla, Symbiotechnica, Extinct und Hydra. Mit ihrer Hilfe spekulieren die Künstler:innen über vergangene, gegenwärtige und kommende Symbiosen zwischen Mikroorganismen, Pflanzen, Tieren, Bakterien, Pilzen und technischen Objekten. Es geht um neuartige Kreisläufe und Allianzen in der Natur - im Zeitalter des Anthropozäns und weit darüber hinaus.Die fiktiven Wesen, die den Besucher:innen in bunten, comichaften Video-, VR- und Soundinstallationen begegnen, wecken ob ihrer Winzigkeit und ihres kindlichen Gesangs auf subtile Weise die Beschützerinstinkte und Empathie der Betrachtenden. Die Publikation enthält neben einer Fotodokumentation der Ausstellung einen neuen Essay von Salome Rodeck sowie kurze enzyklopädische Texte bzw. Textauszüge zu den sieben Charakteren.

In einer Mischung aus Erinnerungen, Briefen, Gästebucheinträgen und Familienfotos berichtet Klaus Keil in der vorliegenden Publikation von seinem Onkel Emil Schumacher. In seiner Zusammenstellung gibt das Buch Einblick in den Familienmenschen Schumacher und versammelt anekdotische und private Momente, die eine bisher wenig bekannte Seite des Malers zugänglich machen.

At the beginning of the 1950s, the city of Giessen built emergency accommodation in an area known as "Auf dem Eulenkopf" for people without fixed abode. Socially underprivileged families were thus separated from the city's middle-class society. Living conditions were accordingly difficult, and social problems and violence soon followed.In the 1970s, students began to address the problems and tried to create a decent neighborhood together with the residents. They found a prominent advocate in Horst-Eberhard Richter, the director of the local psychosomatic clinic. In 2020, fifty years after the foundation of the initiative, Richter's granddaughter Merle Forchmann embarked on a photographic exploration of today's Eulenkopf housing estate.Over a period of two years, Forchmann repeatedly traveled to Giessen. She established contact with the social workers, got to know the residents, talked to the people, and started to photograph everyday life in the estate from within. With authentic, powerful images and intense recordings of conversations, she has created an impressive portrait of the neighborhood and its residents.

Karl Ganser (1937-2022) decisively shaped the urban and regional development of North Rhine-Westphalia with his vision of an industrial cultural landscape and his thoughtful approach to urban renewal. As a kind of father of the new Ruhr area (according to former German President Johannes Rau in 1999), Ganser paved the way for numerous projects - especially as part of the Emscher Park international building exhibition - that continue to define the region and public perception of the Ruhr area to this day. This book examines and showcases the work of Karl Ganser. Well-known contemporaries provide insights into his professional career which included spells at the Technical University of Munich and at the city's department of urban planning, at the federal research institute for regional studies and planning in Bonn, at the ministry for regional and urban development (MLS/MSWV) in Düsseldorf and at the international building exhibition in Gelsenkirchen. An additional selection of Ganser's writings allows readers to discover his truly inter- and transdisciplinary way of thinking and acting as regards ecology, urban and regional planning, art, and culture. In this publication, a total of 42 authors from various disciplines explore Ganser's many ideas for sustainable urban and regional development as well as his lifelong commitment to the protection of nature and historical monuments.

Als traditionell ausgebildeter Schriftenmaler und Maler beginnt Josef Ebnöther sein künstlerisches Werk als Autodidakt. 1959 dann bricht er als 22-Jähriger auf, um sich an der Acade¿mie de la Grande Chaumie`re sowie an der E¿cole des Beaux-Arts in Paris weiter ausbilden zu lassen. Seine zunächst figürlichen Arbeiten wandeln sich zunehmend in abstrakte Bildwelten und münden Ende der 1960er-Jahre neben den Bildern und Grafiken s in großformatigen Wandgemälden, reliefs und -teppichen sowie in zahlreichen Raum und Kunst-am-Bau-Projekten.Ebnöthers Sujets, oft sind es Inspirationsquellen aus der Natur, finden in seinen Bildräumen radikal reduziert eine neue Gestalt, werden zu Zeichen von archaischer Kraft, die er gestisch auf den Bildgrund überträgt und in unergründbare Chiffren, Zeichen und eigentümliche Zeichenschriften überführt.Die Publikation erscheint anlässlich der Ausstellung im Kulturraum RHYBOOT, Altstätten, Schweiz (14. April - 7. Mai 2023) und präsentiert neueste Arbeiten aus dem Spätwerk des Künstlers.

SEE! besteht aus den Choreographinnen/Künstlerinnen SE Struck und Alexandra Knieps, die in Kooperation mit einem festen Team von Musiker:innen, Tänzer:innen und Künstler:innen anderer Sparten eine Gruppe bilden, um mit Performances und Live-Installationen Räume zu besetzen. Die von der Gruppe exklusiv für einen Ort entwickelten Szenarien sind performative Handlung, präzise Choreographie und skulpturale Installation zugleich.Das Buch dokumentiert eine von SEE! für den Kunstverein Ruhr konzipierte Arbeit. Hierfür wurden der Boden und die Wände des Kunstvereins mit indigoblauem Teppich ausgelegt und anschließend von vier Performer:innen unterschiedlichen Alters und unterschiedlicher Herkunft bespielt. Die Zuschauer:innen waren durch ein Schaufenster von den Akteur:innen getrennt und betrachteten das Geschehen mit Distanz von der Straße aus.Mit ihrer Arbeit thematisierten SEE! auf eindrückliche Weise den schmalen Grat zwischen Öffentlichkeit und Privatheit, zwischen aktiver Vorführung und passivem Konsum sowie - letztendlich - zwischen Kunst und Alltag.

This publication is devoted to an extensive description of the pneumopteria which are also referred to as cloud whales or cloud sponges, and occasionally, in scientific language, as pneumospongia. Often, in older treatises, they have been termed celestial leviathans. These gigantic, cloud-like creatures, which seemed to float in the air without movement or stimulation, could reach several hundred meters in size. In all likelihood, they are extinct today. The species was, however, frequently observed in historical times and has been described by numerous cultures and in many different contexts.With his research findings, Roland Boden provides the first thorough introduction to the nature, appearance, and behavior of the pneumopteria and surveys the history of their exploration and description. In his treatise, defined as fictional research, Boden uses quotations, photographs, reproductions, reconstructive drawings, and computer-generated images, combining real scientific and historical facts with completely fictitious elements to create a parallel reality that cleverly and artistically questions contemporary perceptual processes.

1966 in Bad Langensalza geboren, begann Jan Stieding 1990 sein Studium an der Hochschule für Bildende Künste in Dresden und wechselte anschließend an die Kunstakademie Düsseldorf. Hier studierte er zunächst in der Klasse von Hubert Kiecol und daraufhin bei Jörg Immendorff, der ihn kurze Zeit später zu seinem Meisterschüler ernannte.Der Katalog erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Museum Ratingen (31.03.-30.07.2023) und präsentiert etwa 40 Arbeiten, darunter Bilder, Papierarbeiten und Materialzusammenstellungen. Gezeigt wird so ein komprimierter Überblick über das komplexe Werk des Künstlers, der in seinen Werken sowohl gesellschaftliche, als auch individuelle Themen verhandelt. Die distanzierte und stille Beobachtung des Malers sowie das Forschen im eigenen Archiv scheinen ein immer wieder neuer Antrieb für Stiedings Kunst zu sein.Das Verarbeiten von privaten fotografischen Vorlagen, Abbildungen aus Zeitschriften und Zufallsfunden aus dem Netz bildet dabei eine Konstante. Als Archiv und Materialsammlung begleitet das Material die Bilderproduktion. Alltägliches, Gesehenes, Kleinbürgerliches, Dinge, die Ehrlichkeit, Geborgenheit, aber auch Heimweh und Erinnerung versprechen, werden so zum Fundus für Jan Stiedings Malerei.

1976 in Offenburg geboren, studierte Steffen Lenk an der Außenstelle Freiburg der Staatlichen Akademie der Bildenden Ku¿nste Karlsruhe. Seine Arbeiten sind geprägt von einer fulminanten Farbigkeit und einem experimentellen malerischen Duktus. Lenk arbeitet prozessual und vornehmlich abstrakt. Dabei erinnern seine sich pastos überlagernden Farbschichten, die viele seiner Bilder prägen, an zeitgeno¿ssische Bildwelten der elektronischen Medien, welche die Welt beständig neu fluten. Die Publikation stellt Arbeiten der letzten zehn Jahre vor.

Aziz Hazara (*1992) bedient sich in seinen Werken einer Vielzahl von künstlerischen Medien: von partizipatorischen Installationen bis zu Klanglandschaften, von Video bis Fotografie, von Text bis zu programmierten Sprachen. Sein Interesse an Fragen der Erinnerung, des Archivs, der Überwachung, des Panoptikums und der Politik der Repräsentation ist tief in der Geopolitik und dem nicht enden wollenden Konflikt verwurzelt, die sein Heimatland Afghanistan bis heute prägen. Seine Arbeiten, die die Beziehung zwischen unterschiedlichsten Dichotomien wie Nähe und Distanz, Migration und Erinnerung, Leben und Tod, Realität und Fiktion oder Krieg und Frieden thematisieren, versuchen die geografischen Besonderheiten zu überwinden, um so allgemeingültige Metaphern der Gegenwart zu schaffen.Die Publikation stellt aktuelle Arbeiten des Künstlers vor, darunter auch seine hochgelobte Video-Installation ¿Bow Echö, die fünf Jungen in einer Landschaft nahe Kabul zeigt, die gegen starken Wind versuchen, in eine Spielzeugtröte zu blasen, während immer wieder die Geräusche von sich nähernden Drohnen zu hören sind.

A new beginning, transformation, revolution: society underwent major changes in the 1960s, and so did art. It moved into a radically new direction. The works that were created in the environment of ZERO or Op Art invited the public to participate. Fluxus and happenings attracted the public's attention through spectacular and provocative actions; they did not confine themselves to the space of the White Cube, but challenged its limits, and called for new ways of thinking and acting beyond the aesthetic experience.The catalog presents the Von der Heydt-Museum's entire collection of 1960s and 1970s art for the first time, revealing the institution's collecting and exhibition activities.Owing to its courageous acquisitions, it laid the foundation early on for a significant art collection that was continuously expanded in subsequent years through additional purchases and donations. In this context, the catalog also addresses the question of how to develop a modern museum that engages with social and political issues. This question was debated in Wuppertal at the time, and it is as relevant today as it was then.Including works byJoseph Beuys, Christo, Lucio Fontana, Jasper Johns, Donald Judd, Roy Lichtenstein, Nam June Paik, Otto Piene, Gerhard Richter, James Rosenquist, Dieter Roth, Jesús Rafael Soto, Jean Tinguely, Cy Twombly, Wolf Vostell, Andy Warhol und vielen mehr and many others

Architekten sollen vermitteln - zwischen Traum und Realität, zwischen dem Versprechen eines von Atmosphäre geprägten Stadtraumes und der Enttäuschung über behördliche Regulierungswut und Normierung.Kann Architektur gesellschaftliche Risse auflösen? Und falls ja, wie sollte die Architektur dies idealerweise leisten? Was vermag ein Bauwerk den Menschen zu erzählen, die es betrachten und bewohnen? Befreit vom oft komplexen und abstrakten akademischen Diskurs versuchen Architekt Christian Heuchel und Autor Daniel Khafif mit ihrem Buch einen dadaesken Dialog über die Zukunft der Baukunst zu eröffnen. In Form kurzer, fiktiver Gespräche mit seinem Alter Ego, der Puppe Van Heuchel, philosophiert Christian Heuchel über eine Reihe von Themen: sei es die Haustür, die Partizipation, die Hausbar, den Blick aufs Ganze, aufs Detail oder das Schlafen.Die Kapitel des Buches folgen dem Alphabet. Von A bis Z entsteht der Eindruck eines klassischen architektonischen Nachschlagewerkes, das der Leserin und dem Leser Orientierung bietet mit dem Ziel, für eine menschlichere, eine »bessere Architektur« zu werben, die den Zauber des Ungeregelten, des Unfertigen und Lebendigen anerkennt.

In den 1980er-Jahren begann eine junge Generation von Künstlern, der Gattung des Porträts neues Leben einzuhauchen, allen voran Thomas Ruff, der als Becher-Schüler im Umfeld der Düsseldorfer Kunstakademie nüchterne und gestochen scharfe Porträtaufnahmen schuf.Claudia van Koolwijk studierte zur gleichen Zeit an der Akademie, jedoch in den Malerklassen von Fritz Schwegler und Alfonso Hüppi. Unabhängig von Ruff und in historischer Gleichzeitigkeit begann auch sie in den 1980er-Jahren, Gesichter ihrer Künstlerfreunde, ihrer Familie und sich selbst zu fotografieren. Dabei haben ihre Aufnahmen seit jeher einen stark narrativen Charakter und changieren gekonnt zwischen Dokumentation und Inszenierung, Realität und Kunst. In zahlreichen Arbeiten verwebt van Koolwijk Bilder aus der Kunstgeschichte und der katholischen Religion mit ihrer eigenen Geschichte, indem sie Kostüme, in Falten drapierte Stoffe, gestaltete Hintergründe, Blumen oder Körperbemalungen verwendet.In ihren Motiven sucht van Koolwijk eine unverstellte Schönheit, die sie liebevoll und humorvoll wiedergibt und der sie stets eine gewisse Unvollkommenheit beimischt. So erscheinen die Menschen auf ihren Bildern als Vertraute, obwohl man sie gar nicht kennt; sie wirken trotz der Inszenierung ungekünstelt, unverstellt und wahrhaftig - dem Alltag entrückt und zugleich dem Betrachter ganz nah.

Seit Jahrzehnten pendelt der 1942 geborene Installationskünstler Georges Adéagbo zwischen Cotonou (Benin), Hamburg und Ausstellungsorten auf der ganzen Welt. In den 1990er-Jahren wurde die europäische Kunstszene auf ihn aufmerksam, heute zählt er zu den bedeutendsten Künstlern aus Afrika und gilt als Pionier einer selbstbewussten Kunst des »globalen Südens«.Die Arbeiten von Adéagbo sind raumgreifende Assemblagen, in denen kunstgewerbliche Gegenstände auf Alltagsobjekte aus verschiedenen Kulturen treffen. Jenseits westlich geprägter Ordnungsmuster und Wertehierarchien knüpft Adéagbo so ein dichtes Beziehungsnetz der Dinge, Bilder und Gedanken. Dabei sind seine Arbeiten so persönlich wie politisch. In ihren Arrangements verschränken sie die eigene Geschichte mit gesellschaftspolitischen Themen und Ereignissen von globaler Relevanz.In den letzten Jahren hat das Werk des Expressionisten Ernst Barlach (1870-1938) vielfältige Spuren im Schaffen Adéagbos hinterlassen. Aus Anlass seines 80. Geburtstags widmet ihm das Ernst Barlach Haus nun eine umfassende Einzelschau, in der Adéagbo existenzielle Themen Barlachs wie Krieg und Gewalt, Macht und Ohnmacht, aber auch Nächstenliebe, Achtsamkeit und Spiritualität aufgreift und mit eigenen Perspektiven verwebt.

Als Reaktion auf den ersten Corona-Lockdown im Frühjahr 2020 begann der Fotograf Ingmar Björn Nolting (*1995) einen Roadtrip durch Deutschland. Dieser führte ihn unter strengen Sicherheitsvorkehrungen über die Zeitspanne von einem Jahr rund 25.000 Kilometer durch das Land. Während dieser ungewöhnlichen Reisen fotografierte Nolting ein persönliches und umfassendes Dokument des Lebens in Zeiten des globalen Krisenzustands. Sein Fotoprojekt About the Days Ahead reflektiert die deutsche Gesellschaft zwischen kollektiver Isolation, Angst, Verzweiflung und der Sehnsucht nach einer improvisierten Normalität.Nolting beschreibt das Fotoprojekt als Konfrontationstherapie, als seinen Umgang mit der Ohnmacht und der Angst, die die Pandemie zu Beginn in ihm auslöste. Noltings Bilder sind still und distanziert. Mit reduzierter Farbigkeit und klaren Kompositionen fotografierte er Momente, die über den Schrecken der Pandemie hinaus von gesellschaftlichem Umgang und der Absurdität des Alltags erzählen. Im Zusammenspiel dieser verdichteten Momente entsteht ein komplexes Mosaik, eine Erzählung über eine sich verändernde Gesellschaft.