Bücher veröffentlicht von Verlag Kettler

Victor Tuxhorn (1892-1964) begann seine künstlerische Ausbildung an der Handwerker- und Kunstgewerbeschule in Bielefeld und studierte von 1921 bis 1923 an der Kunstakademie in Dresden bei Otto Gussmann, Oskar Kokoschka, Robert Sterl und als Meisterschüler bei Richard Dreher.Beeinflusst von den Malereien von Vincent van Gogh und Paul Cézanne schuf Tuxhorn ein bedeutendes Werk mit lokalem Bezug zu Ostwestfalen. 1909 gründete er mit Peter August Böckstiegel, Heinz Lewerenz, Ernst Sagewka und Max Westhäuser die Künstlervereinigung Rote Erde. Wichtige Motive in seiner Kunst sind Stadtansichten von Bielefeld und seiner Umgebung, Reisemotive, Porträts und Darstellungen seiner Familie. Neben Ölgemälden entwickelte er ein umfangreiches grafisches Werk, welches vor allem Holzschnitte umfasst.Die Publikation erscheint zur gleichnamigen Ausstellung im Museum Haus Opherdicke in Holzwickede (09.10.2022 bis 19.02.2023) anlässlich des 130. Geburtstags des Künstlers und setzt sich kritisch mit seiner künstlerischen Entwicklung und seinem gespaltenen Verhältnis zur Nazidiktatur auseinander.

Kaum ein künstlerischer Karriereweg lässt sich heutzutage ohne ein Residenzstipendium beschreiten. Unzählige Aufenthaltsprogramme sind mit ihren individuellen Ausrichtungen über den gesamten Globus verstreut. Sie ermöglichen Künstler:innen von heute, im regionalen wie internationalen Raum neue Eindrücke zu sammeln und die Weiterentwicklung der eigenen Praxis voranzutreiben.Ausgangspunkt des vorliegenden Buches ist die Residency von Lukas Zerbst in der sogenannten Villa Minimo in Hannover. Zerbst betitelte seine Stipendiums-Ausstellung Space Invader und machte diesen Namen wortwörtlich zum Programm. Über die Dauer von knapp zwei Monaten eignete er sich die institutionellen Räume als Domizil und Atelier an und schuf eine ganze Reihe von ortsspezifischen Installationen. Vor den Augen der Besucher:innen formte sich die Ausstellung so stetig weiter und ermöglichte einen ungewohnten und nahen Einblick in alltägliche Vorgänge des Kunstschaffens.Die Publikation stellt Zerbsts Projekt vor und liefert mit Hilfe von Textbeiträgen aus unterschiedlichen Disziplinen einen vielstimmigen Beitrag zur kontinuierlichen Diskussion um Arbeitsbedingungen im Kunstbetrieb.

In ihren Arbeiten setzt sich die deutsch-senegalesische Künstlerin Jose¿phine Sagna mit der fehlenden Sichtbarkeit und der Selbstdarstellung von BIPoC-Personen (Black, Indigenous, and People of Color) und insbesondere von schwarzen Frauen in einer weißen Mehrheitsgesellschaft auseinander. Inspiration sind dabei neben den eigenen, ganz persönlichen Erfahrungen der Künstlerin auch politische und mediale Ereignisse sowie die geteilten Bilder und Erzählungen anderer BIPoC-Personen in Social-Media-Kanälen. In ihren explosiven, farbgewaltigen Bildern lassen sich Emotionen wie Wut und Aggression, aber auch Freude, Mut und Hoffnung nachspüren. Das Selbstbewusstsein und das Empowerment der dargestellten Personen sind erfahrbar. Jose¿phine Sagna hinterfragt Vorurteile, ohne je belehrend zu sein. Sie sieht ihre Kunst als ein politisches Statement für einen intersektionalen Feminismus und eine verbesserte Repräsentation der Belange von BIPoC-Personen. Der Katalog erscheint begleitend zur ersten institutionellen Einzelausstellung der Künstlerin und folgt dem Anspruch des Märkischen Museums Witten, künstlerische Positionen vorzustellen, die sich mit den derzeitigen Fragestellungen unserer Gesellschaft auseinandersetzen.

In seinen Gemälden bedient sich Heiner Meyer bei der trivialen Welt des Comics ebenso wie bei der schillernden Welt des elitären Konsums. Stil-Ikonen der Gegenwart dominieren seine Bildpanoramen genauso wie jene aus der Hollywood-Traumfabrik. Dabei nutzt Meyer in seinen Bildkompositionen ein raffiniertes Spiel aus Bildzitaten und -verweisen, die gleichsam nahtlos ineinander überzugehen scheinen und sich dennoch den Regeln der klassischen Bildkomposition bedienen. Bildzitate und eigenständige Bildelemente verschmelzen zu einer neuen Einheit, aber oftmals so pointiert überspitzt, dass alles ins offenkundig Ironische kippt.Die umfangreiche Publikation bietet auf annähernd 400 Seiten einen detaillierten Einblick in Heiner Mayers Schaffen und stellt neben Gemälden auch zahlreiche skulpturale Arbeiten vor.

Die von der Hermann Reemtsma Stiftung herausgegebene Publikationsreihe Hefte zur Baukunst dokumentiert historisch bedeutende Bauwerke, deren Entstehungsgeschichte und sachgemäße Restaurierung. Der fünfte Band der Reihe widmet sich dem Hamburger Halbmondhaus,das sich aus der Reihe repräsentativer Villen entlang der vornehmen Elbchaussee hervorhebt: ein sichelförmiges, reetgedecktes ehemaliges Stallgebäude, das 1796 vom dänischen Landbaumeister und Klassizisten Christian Frederik Hansen (1756-1845) entworfen wurde. Mit seinen unkonventionellen Bauten für aufstrebende, zugezogene Kaufleute prägte Hansen die Landhaus-Architektur Altonas maßgeblich. Sein Stil, mit dem gleichermaßen höfischer Stolz, internationales Flair und kaufmännische Nüchternheit assoziiert wurde, bediente sich stilistisch an der italienischen Renaissance ebenso wie an der englischen Landhauskultur oder der französischen Revolutionsarchitektur. Während das Haupthaus des Halbmondhauses heute nicht mehr existiert, überstand der markante "Halbmond" unterschiedliche Funktionen und Veränderungen. Er wurde schließlich 2019-2021 denkmalgerecht hergerichtet und für eine nachhaltige Nutzung ausgebaut.

Als Speicher von Zeit und Wissen ist das Buch ein komplexes und symbolisch aufgeladenes System mit einer herausragenden gesellschaftlichen und kulturellen Bedeutung. Obwohl - oder gerade weil - es durch den Vormarsch des digitalen Zeitalters zunehmend an den Rand gedrängt wird, rückt das Buch in seiner ganzen Tragweite zunehmend zurück in das kollektive Bewusstsein.Die besondere Faszination des Buches überträgt sich auch auf die Orte, in deren Zentrum es steht. U¿ber Jahrhunderte hinweg galten Bibliotheken als magische Orte, als Kathedralen des Wissens, die nicht selten eine sakrale Feierlichkeit ausstrahlen. Dem gegenüber stehen aggressive Aktionen wie Verfemung und Bücherverbrennung bis hin zur Verfolgung und Ermordung gesellschaftskritisch oder politisch agierender Autorinnen und Autoren.Das Buch ist deshalb bis heute für viele Künstler Thema, Medium und Material. Der Katalog versammelt Gemälde, Zeichnungen, Fotografien, Filme, Buchobjekte, Künstlerbücher und Installationen, die sich der Magie und Ausstrahlung des Buches widmen.

Teheran und Tel Aviv zwischen 1930 und 1940: Das bedeutet zweimal Aufbruch in die Moderne, zweimal Auseinandersetzung mit den vielfältigen Impulsen des "International Style". Mit Irmel Kamp und Andreas Rost versammelt die Publikation zwei Fotokünstler verschiedener Generationen, die in sehr individuellen Ansätzen ihren Blick auf Bauwerke der Moderne im heutigen Iran und in Israel präsentieren.Die Publikation macht auf Gemeinsamkeiten und Unterschiede aufmerksam; sie will Klischees und vorgefasste Meinungen überwinden und dazu anregen, "Moderne" neu zu sehen. Anhand der fotografischen Inszenierung von mehr als 50 Bauten spüren Irmel Kamp und Andreas Rost historischen Zusammenhängen, kulturellen Kontexten und aktuellen Fragen nach.Die Begegnung zwischen Teheran und Tel Aviv thematisiert auch den aktuellen Umgang mit dem Erbe der Moderne. Ist das Tel Aviver Modell von Vermarktung und Weiterbau ein Vorbild zur Rettung der modernen Architektur in Teheran - und andernorts? In mancher Hinsicht erinnert der Zustand iranischer Bauten heute an die Situation der späten 1980er-Jahre in Tel Aviv: Besonderheit und Wert erkennen bisher nur ein kleiner Kreis von Fachleuten. Viele Häuser stehen leer und harren der Sanierung. Erst allmählich etabliert sich ein breiteres Bewusstsein.

Schulen, Bibliotheken, Hochschulen und Universitäten sind mehr als Wissensspeicher und Bauten für die Wissensproduktion und -weitergabe. Zusammen mit Rathäusern, Kultur- und Sakralbauten gehören sie zu den stadtbildprägenden und identitätsstiftenden Bauten einer Stadt.Auch wenn sich langsam ein Imagewandel des Ruhrgebiets hin zur "Wissensmetropole Ruhr" durchzusetzen beginnt, so ist es doch noch immer für Viele überraschend, wie zahlreich, vielfältig und engagiert gerade während der Industrialisierung sowie in der Nachkriegszeit Bauten für Bildung errichtet wurden. Oft prägen sie die Städte des Ruhrgebiets bis heute.Wie die beiden Bücher "Kultur@Stadt_Bauten_Ruhr" und "Religion@Stadt_Bauten_Ruhr" erzählt auch diese Publikation die Geschichten einzelner markanter Bauwerke, schildert in thematischen Essays übergreifende Aspekte von Bildungsbauten und nimmt die Bildungslandschaft Ruhrgebiet insgesamt in den Blick. Alle Bauwerke werden mit Plänen, Zeichnungen, Modellen und anderen Archivalien aus dem Baukunstarchiv NRW vorgestellt, die hiermit erstmalig der Öffentlichkeit präsentiert werden.

Beim ersten Blick könnte man meinen, dass Olaf Unverzart hier die Bildersammlung eines Weitgereisten präsentiert. Aufgenommen über drei Jahrzehnte und auf fünf Kontinenten, lassen seine Bilder anfänglich an eine ethnografische Dokumentation denken. Betrachtet man die Arbeiten aufmerksamer, zeigt sich jedoch, dass etwas anderes auf dem Spiel steht. Trotz ihres Oberflächenwertes fehlen in Unverzarts Aufnahmen die üblichen Merkmale von Reisebildern,von "Bildern aus aller Welt", sind diese doch gerade nicht an den vermeintlich authentischen geographischen und kulturellen Signaturen der bereisten Gegenden interessiert, den Besonderheiten der Landschaften und Artefakte.Die bewusste Unachtsamkeit gegenüber dem Spektakulären - gegenüber Objekten, Personen und Darbietungen, die vorgeben, Autochthonie zu verbürgen - unterstreicht diesen Eindruck. Die Bilder haben nichts Schaulustiges, zeigen sich unbeeindruckt von all dem, was als Event daherkommt. Es geht ihnen nicht um das, was los ist,was passiert und so ins Auge springt, sondern vielmehr um das, was nicht in dieser Weise geschieht, was nicht gleich Ereignis ist

In diesem Buch kommen alle zu Wort.Zeichnungen und Malereien von zehn Künstler*innen, welche selbst nicht schreiben und auch nur wenig sprechen können, dienten als Anregung zum Schreiben von Texten. Auf dieganz unterschiedlichen Bildsprachen haben sich Menschen mit kognitiver Beeinträchtigung, hochbetagte Menschen, bekannte Schriftsteller*innen, Menschen mit Migrationshintergrundsowie junge und alte Menschen, die Freude am Kreativen Schreiben haben, eingelassen. So entstand eine höchst anregende Mischung von Gedanken, Gedichten, Geschichten. Texte zum Lachen und Texte zum Weinen. Beim Lesen ist man fasziniert, wird irritiert, verbleibt berührt. Das Buch eröffnet neue Sichtweisen auf Bilder, auf Sprache, auf Menschen, auf die Welt.

House plants have made a comeback in recent years, serving as a ersatz garden for urbanites. The mother-in-law's tongue, for instance, long spurned as a symbol of the petit bourgeoisie, is experiencing a renaissance and has long found its way from the stuffy offices of public-sector employees to hipsters' living rooms.For her project entitled botanica, which she began in 2012, Gerlinde Miesenböck has been photographing house plants against the backdrop of a white linen sheet. Taken with a large-format camera, her snapshots of this domesticated part of nature that she found in her friends' homes are reminiscent of historical glass plate negatives that were used by the scientists and botanists of yore to document their discoveries and cultivated species.Their plain setting recalls the aesthetics of Neue Sachlichkeit with its reflective approach in terms of subject matter, form, technique, and tools, as exemplified by Karl Blossfeldt's numerous plant photographs. Through her thematic and formal focus and her skillful play with the anachronistic refraction of the images, Miesenböck manages to create a peculiar effect, not least because her treatment of the motif constitutes a typology of sorts.

Heinrich Graf Luckner (1891-1970) war Professor an der Hochschule für Bildende Künste Berlin (West) und schuf bedeutende Porträts in den Nachkriegsjahren. Gemälde des Bundespräsidenten Theodor Heuss und namhafter Künstler:innen der damaligen Zeit wie Max Pechstein, Renée Sintenis und Hans Scharoun verdeutlichen den hohen Stellenwert Graf Luckners.Die Ausstellung zeigt die Entwicklung des Künstlers und visualisiert die Vielfalt seiner Bildmotive von frühen mythologischen Figurationen zu farbig expressiven Kompositionen in seinem Spätwerk. Ein besonderer Fokus der Retrospektive liegt auf der Beziehung des Künstlers zur Familie des Grafen von Kanitz und den im Schloss erhaltenen Wandmalereien.

It is one of the most iconic places in Germany: in recent years, the Hambach Forest has become a symbol not only of the protest against the anachronistic use of lignite, but also of the fight against the various forms of oppression and destruction inherent in capitalism. As a result, the Hambach Forest is a treasure trove of stories that are both beautiful and sad; it is a historic place, a unique natural habitat, a haven that must be preserved complete with all of its stories.That is exactly what this book aims to achieve. It brings together pictures taken by 17 different photographers who have witnessed and documented the occupation of the forest over the past decade. By combining artistic and activist positions, photographs, original records, and archival material, it tells the stories of those who have stood up for the preservation of the Hambach Forest. This publication serves as a chronological account, as a warning, and as a tribute to the numerous activists who have fought to uphold their convictions, to build a diverse community in a spirit of solidarity, and to make the world a better place to live in.With photos by Thekla Ehling, Sophie Reuter, Todde Kemmerich, Hubert Perschke, Tim Wagner, Paul Kröfges, Matthias Jung, Fabian Weiss, Andi Heuser, David Klammer, Achim Mohne¿, Daniel Chatard, Michael Goergens, Neha Hirve, Steffen Meyn, Angie, and Jennifer Lost.

In ihren Arbeiten beschäftigen sich Katja Stuke und Oliver Sieber mit Fragen nach den Strukturen von Städten und dem Zusammenhang zwischen städtebaulichen und sozialen Grenzen. In ihren Fotografien zeigt sich ein besonderes Interesse an marginalisierten oder in der kollektiven Wahrnehmung stigmatisierten Regionen und Stadtteilen. Dabei ist ihre Arbeit weniger dem Einzelbild verpflichtet. Stuke und Sieber arbeiten vielmehr in Serien und Sequenzen; sie schichten, mischen und verknüpfen Material, um so vielschichte Assoziationen zu schaffen.Ihre neueste Arbeit setzt die französische Hauptstadt in Bezug zum Ruhrgebiet und seinem imaginären Zentrum, der oft als "Eiffelturm des Ruhrgebiets" bezeichneten Zeche Zollverein. Dabei sind weder Eiffelturm noch Zeche im Blickpunkt ihrer Aufnahmen. Vielmehr haben Stuke und Sieber in ihrer Versuchsanordnung den Aufnahmen, die entlang der Pariser Périphérique entstanden sind, jeweils Plätze zur Seite gestellt, die auf das Ruhrgebiet referieren.Die aufgesuchten Orte in diesem System sind scheinbar willkürlich gewählt und zeigen gerade deshalb in ihrer randomisierten, fragmentarischen Anordnung unerwartete Schnittmengen und erkenntnisreiche Verknüpfungen zwischen geografisch und zeitlich disparaten Orten, Handlungen, Ereignissen und Akteur:innen auf.

Fehler sind sympathisch. Fehler können weitreichende negative Folgen haben. Fehler führen zu Überraschungen und neuen Wegen. Fehler sind ärgerlich. Fehler möchte man vermeiden. Fehler sind unvermeidbar. Fehler sind peinlich. Fehler können lustig sein. Fehler sind menschlich.Das Fehlerhafte ist oft spannender als das Makellose. Aus dieser Erkenntnis heraus hat Ingke Günther Freundinnen und Freunde, Kolleginnen und Kollegen aus dem Kunstbereich gebeten, ihre Statements und Gedanken zum Thema "Fehler" zu schicken. Das Buch versammelt Beiträge von 44 Autorinnen und Autoren, die mit Fotos von kleinen, hilfreichen Objekten kombiniert werden, die sich über die Jahre angesammelt und schon rechtschaffen um einige Fehler gekümmert haben: Radiergummis.

Entstehungsgeschichte, Interpretationen und Variationen eines MultiplesBeuys-Jahr 2021Das Multiple "Intuition" von 1968 - eine kleine Kiste aus Fichtenholz, die Joseph Beuys Stück für Stück per Hand beschriftete - gehört sicherlich zu den bekanntesten Editionen des Künstlers. Insgesamt entstanden rund 12.000 signierte und auf das Jahr 1968 datierte Exemplare. Bei gleicher Konzeption hat jedes Exemplar Unikatcharakter - was seinen Reiz und seine Beliebtheit bei Sammlern erklärt. Aber welche Mitteilung transportiert diese Intuitions-Kiste? Und was bedeutete sie für Beuys selbst? Warum unterzog er sich dieser immensen Arbeit?Das Buch gibt Einblick in die Entstehungsgeschichte, Deutungsmo¿glichkeiten und Variationen des Multiples durch Beuys wie auch durch andere Künstler und untersucht in der Folge das Motiv der "leeren Kisten" im Werk des Künstlers sowie seine Bedeutung für Beuys' transformative Krise Mitte der 1950er-Jahre.Statements von Sammlern, Galeristen, Künstlern und Kunstkritikern sowie bisher unveröffentlichte Auszüge aus Beuys' Briefen an seine Eltern eröffnen eine Vielzahl weiterer Aspekte zur Rezeption des Multiples.