Bücher der Reihe Champs visuels

Les films de Russ Meyer sont représentatifs d¿une Amérique imaginaire dominée par la violence et la sexualité. Appartenant au genre cinématographique de la sexploitation, son cinéma allait à l¿encontre de la censure et des idées puritaines.  Par l¿esthétique et les thématiques abordées par le réalisateur, l¿Amérique cinématographique de Russ Meyer est à la fois critique et apologique des m¿urs américaines. Ses provocations filmiques furent sujettes aux controverses.La fiction, l¿imaginaire et les fantasmes présents dans ces films se font écho du monde américain des années 1960 aux années 1980. Comment les créations de Russ Meyer représentent la société américaine¿? Comment ces productions, en apparence triviales, évoquent des idées sociales, sociétales et politiques¿?

Sorti sur les écrans en 1964, Marnie (Pas de printemps pour Marnie) est un film dont l¿intrigue explore, parmi d¿autres, les voies de la psychanalyse. De cette exploration certains critiques, outre-Atlantique comme en France, tinrent rigueur à Alfred Hitchcock, estimant que l¿auteur s¿y adonnait à une analyse sans précautions et livrait avec son film une approche sommaire de la discipline.En réalité, bien loin de se contenter de tenter une illustration de la démarche psychanalytique, Hitchcock en interroge plus sûrement, et de manière très critique, les fondements aussi bien que les effets.Improbable (introuvable ?) romance amoureuse, Marnie se présente comme un objet sombre dans lequel le personnage-titre, lui-même objet d¿étude, se voit progressivement dépouillé des maigres, et souvent illusoires, résistances qüil tente d¿opposer à son environnement spatial autant qühumain.Dans la véritable entreprise de traque à laquelle elle est de fait soumise, Marnie verra son territoire, réel ou fantasmatique, aller s¿amenuisant, son espace physique autant que mental se réduire de façon drastique. C¿est à l¿étude de cet espace, considéré donc au regard de Marnie et de ses mouvements, que se consacre en large partie l¿étude.

Cet ouvrage comporte en sa première partie un essai paru en 1993, Federico Fellini ou la vision partagée, qui propose un voyage à Rome et surtout dans l¿¿uvre d¿un cinéaste majeur du XXe siècle qui a représenté la Ville dans plusieurs films, contribuant à enrichir sa mythologie à l¿égal de nombreux artistes importants de l¿histoire culturelle italienne. Ce texte envisage en outre les échanges qui se tissent entre la réalité et les rêves dans les films du réalisateur, ainsi que les résonances établies avec l¿imaginaire du spectateur. Mêlant analyse et impressions subjectives, il se veut aussi une réflexion sur les pouvoirs et les spécificités du cinéma dans sa représentation évocatrice du monde extérieur autant qüintérieur. La deuxième partie, intitulée Suite fellinienne, témoigne des échos persistants des films trente ans après la mort du cinéaste, explorant quelques aspects révélateurs de sa vision du monde. L¿ensemble se veut une synthèse de la relation passionnée de l¿auteur avec l¿¿uvre de Fellini.

On ne peut faire entrer un film dans le circuit de la publicité sans un titre. En tant qüunité pragmatique par excellence, l¿intitulation est minutieusement élaborée pour le public-spectateur. C¿est donc sa valeur commerciale qui la situe dans un circuit d¿échanges de biens de production. L¿opération du titrage filmique constitue un acte de langage qui engage non pas un énonciateur, mais plusieurs sujets participant à un « contrat de parole » (P. Charaudeau) au sein de la boîte de distribution. Jusqüà l¿heure actuelle, les études portant sur l¿intitulation cinématographique et sa traduction ont négligé la notion du « dédoublement » des instances participantes à cet acte de langage, dont les effets pragmatiques nourrissent la dimension de l¿altérité dans ce circuit d¿échanges. Située dans les paramètres de l¿analyse du discours, cette recherche est consacrée à la mise en scène du dédoublement de l¿énonciateur (titreur) participant au processus d¿interprétation du titrage cinématographique, ainsi qüau processus de production permettant sa traduction.

Les films de Bergman, huis-clos de l¿âme, sont examinés à la lumière des thèmes freudiens qui résonnent dans son ¿uvre. Conflits, sexualité, enfance, l¿omniprésence du féminin.  Persona en est la synthèse, métaphore de la relation analytique ouvrant à une esthétique où le naturalisme se désagrège. Mais où le tangible s¿affirme, dans les émotions du rêve condensées, solidifiées sur les visages, les corps, les objets. Freud et Bergman avouent l¿origine subjective de leur ¿uvre, les rêves. L¿appel des images, qui annonce la solidarité de sensorialité et esprit, pour l¿art et pour la science.