Bücher veröffentlicht von Hirmer Verlag GmbH

Eine Halle der Kunst mitten in der Natur, getragen von 121 individuell gestalteten Säulen, geschaffen von renommierten Künstlerinnen und Künstlern aus aller Welt: Diese Idee und ihre Verwirklichung verfolgt Bernd Zimmer seit über 30 Jahren. Reich bebildert dokumentiert der Band die Entstehung und zeigt alle Künstlersäulen in detailreichen Einzelaufnahmen.Bereits 1990 auf einer Reise durch Südindien und inspiriert durch die Säulenvorhallen der hinduistischen Tempel kam dem Maler Bernd Zimmer die Idee zu dem Vorhaben, das nun als STOA169 und permanente Kunstinstallation in Polling, Bayern realisiert ist. Kunstschaffende aller Kontinente wurden eingeladen, Pfeiler zu gestalten, die zusammen ein Dach tragen. Gemeinsam bilden die Säulen ein Kunst-Universum, welches für Solidarität, Völkerverständigung und Achtung der Natur steht.

Der Olympiapark in München zählt zu seinen bekanntesten Projekten, sein gesamtes Werk ist richtungsweisend und zeitlos: Der Landschaftsarchitekt Günther Grzimek (1915 - 1996) engagierte sich für eine neue Form des städtischen Grüns in Deutschland, nämlich eines "demokratischen Grüns". Zugleich setzte er sich für eine praxisorientierte Ausbildung in der Landschaftsarchitektur ein.Grzimeks Biografie ist Quelle zahlreicher Entdeckungen, führt durch die bundesdeutsche Geschichte, ebenso wie durch seine "Collaborationen" mit namhaften Architekten, Stadtplanern und Designern, darunter Otl Aicher, der den grundlegenden Entwurf für diese Publikation zusammen mit Grzimek in den 1980er-Jahren entwickelte. Mit Plänen, Bildern, Texten und Originalzitaten eröffnet der Band einen neuen Blick auf diesen herausragenden Lehrmeister und beleuchtet die bewegte Geschichte der Landschaftsarchitektur in Deutschland von den 1930er-Jahren in Berlin bis in die 1990er in München.

Nach gängiger Vorstellung erhielt Picassos Schaffen mit jeder neuen Muse in seinem Leben einen stilistischen Impuls. Nicht seine Vita oder Stilphasen sind jedoch Thema, sondern die Einzelschicksale der ihn prägenden Frauen. Persönlichkeiten wie Françoise Gilot oder Dora Maar u. a. werden mit ihrem gesamten Leben und Schaffen gewürdigt und nicht nur mit den an Picassos Seite verbrachten Jahren.Das Buch skizziert das Leben von zehn Frauen im Leben des spanischen Künstlers. Seine Mutter, deren Mädchennamen Picasso als Künstlernamen wählte, warnte, er werde zeitlebens mit der Malerei verheiratet sein, als er die russische Balletttänzerin Olga Chochlowa heiraten wollte. 1935 trennte sich das Paar - Grund war die junge Muse Marie-Thérèse Walter, ebenfalls bald von Dora Maar entthront. Durch Trennungen verschwanden auch Frauen wie die junge Künstlerin Françoise Gilot von Picassos Leinwand, doch nicht aus dem Leben. Ihnen allen wird in diesem Buch eine Hommage dargebracht.Die Frauen seines Lebens:Doña María Picasso LopezMaría Dolores Ruiz PicassoGertrude SteinFernande OlivierEva GouelOlga ChochlowaMarie-Thérèse WalterDora MaarFrançoise GilotJacqueline Roque

Fast alle Menschen tun es: Sie schreiben Einkaufslisten auf die eine oder andere Weise. Die Wiener Künstlerin Laura Nitsche (*1977) liebt diese Zeugnisse menschlichen Daseins, die sie in Einkaufswagen, auf der Straße und vor Supermärkten findet, und übersetzt diese malerisch in altmeisterliche Stillleben.Kann man anhand von Waren eine Gesellschaft beschreiben? Wie lassen sich Müll und Lebensmittelverschwendung vermeiden? Geht die Handschrift als Kulturgut verloren und wird der Küchenvorrat in Zukunft ausschließlich Kühlschrank-Apps überlassen? Diesen Fragen geht Laura Nitsche in ihrem Werk nach. Beiträge von Autorinnen und Autoren aus unterschiedlichsten Bereichen wie Kunstgeschichte, Grafologie, Statistik, Müllmanagement, Nachhaltigkeit oder Zukunftsforschung beleuchten das Phänomen Einkaufsliste mal poetisch, mal wissenschaftlich, mal augenzwinkernd.

Warum stellten die Künstler aus Renaissance und Barock sich so oft als Zielscheibe des Neides dar? Der Band hinterfragt die geläufige Idee, sie seien dem Laster besonders verfallen gewesen, und legt die rhetorischen Strategien ihrer Neidklagen offen, die vor allem auf die Steigerung des eigenen Ruhmes zielten.Wie kein anderes Laster wurde invidia, der Neid, in der frühneuzeitlichen Kunst und Kunstliteratur zum »Künstlerlaster« schlechthin stilisiert. Der Band beleuchtet die ikonographischen Visualisierungsstrategien des Neids in den allegorischen Selbstinszenierungen der Maler, Bildhauer und Architekten wie auch seine zentrale Rolle als Kategorie im zeitgenössischen Kunstdiskurs. Im Fokus stehen dabei das komplizierte Wechselverhältnis von Topos und sozialer Wirklichkeit sowie das wirkmächtige Bezugsfeld von Kreativität, Moral und Kunst.

Heinz Macks Sahara-Projekt ist legendär. 1968 installierte er erstmals in der tunesischen Wüste Lichtstelen von bis zu 11 Metern Höhe, die das gleißende Sonnenlicht reflektierten, brachen, spiegelten. Natur und Objekt verschmolzen zu einem Kunstwerk von atemberaubender Schönheit. Der umfassende Band zeichnet Geschichte und Ideen dieses spektakulären Projekts über vier Jahrzehnte nach.Sophia Sotkes eingehende Darstellung spannt den Bogen von der Konzeption des Projektes 1958/59 über den sensationellen Film "Tele-Mack" (1968) und die 1976 in Algerien und Grönland erfolgte »Expedition in künstliche Gärten« bis hin zu den künstlerischen Experimenten, die Mack 1997 in der Wahiba-Wüste im Oman durchführte. Die Frage nach dem Stellenwert des Sahara-Projekts in Macks Schaffen wird ebenso unter die Lupe genommen wie seine Rolle bei der Entstehung der Land Art. Bislang unveröffentlichte Fotos der Expeditionen in Wüste und Arktis geben neue Einblicke.

Frauen im Fokus: Der Band präsentiert 42 faszinierende Künstlerinnen, die in der namhaften Sammlung des Bröhan-Museums vertreten sind. Von den Malerinnen der Berliner Secession über die Frauen der Wiener Werkstätte bis zu Metall-, Keramik-, Möbel- und Textildesignerinnen der Bauhauszeit zeigt sich ein breites Panorama weiblicher Gestaltung.Mit der beginnenden Emanzipationsbewegung um 1900 finden immer mehr Frauen ihren Weg in kreative Berufe, als bildende Künstlerinnen oder Designerinnen im angewandten Bereich. Trotz gesellschaftlicher Hürden sind sie präsent in avantgardistischen Zirkeln, Ausbildungsstätten und Produktionsgemeinschaften und leisten wichtige Beiträge zur Kunst- und Designgeschichte. Doch warum sind so viele von ihnen heute vergessen? Der Band lädt zu einer Wiederentdeckung ihrer beeindruckenden Werke und Biografien ein.Künstlerinnen:Ilse BingAnna BobergHedwig BollhagenLotte Calm-WierinkHildegard DeliusUrsula FescaAnne-Marie FontaineMarguerite FriedlaenderFanny GardeEffie Hegermann-LindencroneMargarete Heymann-LoebensteinDora HitzMarianne HøstMargarete JungeAugusta KaiserGertrud KleinhempelKäthe KollwitzErna KoprivaGertrud KrautMarta LutzHedwig MarquardtGrete Neuwalder-BreuerChana OrloffTrude PetriGeneviève RaultAnni RawitscherKitty RixEmmy RothHilda Schmid-JesserSusi Singer-SchinnerlMarie SchulzMargarete Schütte-LihotzkyJutta SikaMaria SlavonaPaula StrausSylvia StaveEva Stricker-ZeiselTherese TrethanMarthe und Juliette VesqueVally WieselthierJulie WolfthornErna Zarges-Dürr

Die Erfolgsausstellung aus Canberra kommt nach Berlin: Entdecken Sie den Ursprung Australiens anhand einer seiner zentralen Schöpfungsgeschichten aus erster Hand! Konzipiert und realisiert von einem Indigenen Kuratorium in Zusammenarbeit mit dem National Museum of Australia und der Australian University, entführt uns der Band in die beeindruckende Welt der Songlines.Als kulturelle Routen durchziehen Songlines ganz Australien. In Geschichten, Gesang, Zeremonien oder Felsmalereien erzählen sie von der Sage der Sieben Schwestern, die auf ihrer Reise das Land erschufen. Sie spiegeln sich in Landschaft und Sternenkonstellationen und sind Träger überlebenswichtiger Kenntnisse Indigener Kultur. Der reich bebilderte Band erzählt am Beispiel der Songlines der Sieben Schwestern lebendig von den Regeln des Zusammenlebens, der Kartierung von Rechten Indigener Australier*innen wie auch von der Verantwortung für ihr Land.

Heinrich Vogeler zählt zu den bedeutendsten Künstlern des deutschen Jugendstils. Die opulente Monografie beleuchtet das Leben und vielschichtige Gesamtwerk des Mitbegründers der Worpsweder Künstlerkolonie: von den Anfängen mit romantischen Jugendstilarbeiten bis hin zu seinem in der Sowjetunion entstandenen Spätwerk der 1920er- und 30er-Jahre.Ein Mann mit beeindruckenden Facetten: Heinrich Vogeler (1872-1942) war Maler, Designer, Architekt, Schriftsteller und Sozialrevolutionär. In der Gegenüberstellung seines OEuvres mit seinen Träumen, Idealen und politischen Visionen wird ein außergewöhnlicher Mensch und vielseitiger Künstler sichtbar. Sein kreatives Schaffen war stets Ausdruck seiner persönlichen Überzeugung und Auseinandersetzung mit zentralen gesellschaftspolitischen Fragen. Die Suche nach dem irdischen Paradies spiegelt sich in all seinen Werken und in seinem wechselvollen Leben.

Die Zeit um 1980 war eine Phase tiefgreifender Umbrüche. Globales Wettrüsten, grassierende Umweltzerstörung und steigende Arbeitslosigkeit befeuerten eine allgemeine Untergangsstimmung, sorgten jedoch auch für einen Kreativitätsschub. Punk und Pop trieben wilde Blüten und beeinflussten die künstlerische Avantgarde. Eine bunte Jugendkultur behauptete sich als Motor feministischer wie homosexueller Emanzipation.In sieben fotografischen Positionen nähert sich der Band einer bewegten Zeit: Die Teilung Deutschlands und der Welt in Ost und West sowie das vom Wettrüsten heraufbeschworene Szenario eines Atomkriegs riefen die Friedensbewegungen in beiden deutschen Staaten auf den Plan. Bis in die Gegenwart aktuelle Themen rückten in den Fokus, etwa die Gleichstellung der Frau oder der Kampf für Umwelt und Klimaschutz. Fotografinnen und Fotografen blicken als freie Akteure, Reportagefotografen oder Fotokünstler auf die Entwicklungen und zeigen das facettenreiche Bild einer vergangenen Epoche, die bis heute nachwirkt.Fotograf*innen:Mahmoud Dabdoub | Gerd Danigel | Barbara Klemm | Hans-Martin Küsters | Martin Langer | Angela Neuke | Ingolf Thiel

»Was ist schön?« ist eine der meistgestellten Fragen der Kunst. Mit Meisterwerken der Jahrhundertkünstler Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) und Auguste Rodin (1840-1917) zeigt die Publikation den Paradigmenwechsel in der Skulptur der Moderne. Anlässlich des 100. Todestages von Wilhelm Lehmbruck gibt der Band einen Überblick über alle Schaffensperioden der beiden Künstler. Er zeigt, wie beide auf unterschiedliche Weise eine neue Idee von Schönheit prägen, die das Menschenbild der Moderne bis heute bestimmt. In großformatigen Abbildungen entfalten die Werke eine begeisternde visuelle Kraft.

Im Laufe der 1920er Jahre entfaltet sich in Italien eine eigenständige Strömung, die lange mit der Neuen Sachlichkeit gleichgesetzt wurde. Der von Franz Roh geprägte Begriff »Magischer Realismus« vermittelt die Widersprüchlichkeiten der Bildwelten. Realistisch gemalte Szenen mit rätselhaftem Inhalt, eigenartiger Lichtstimmung und oft beklemmender Atmosphäre faszinieren und verunsichern den Betrachter. Der Band stellt die in Deutschland bisher wenig bekannte Kunstrichtung am Beispiel von 90 Gemälden in opulenten Tafeln und anschaulischen Bilderläuterungen umfassend vor. Hauptwerke der Protagonisten Ubaldo Oppi, Antoni Donghi und Felice Casorati treten mit Werken von Giorgio de Chirico oder Giorgio Morandi in Dialog.Künstler:BACCIO MARIA BACCIEDITA BROGLIOMARIO BROGLIOCAGNACCIO DI SAN PIETROMASSIMO CAMPIGLICARLO CARRÀFELICE CASORATIBRUNO CROATTOGIORGIO DE CHIRICOASTOLFO DE MARIAANTONIO DONGHLEONOR FINIACHILLE FUNIVIRGILIO GUIDIMARIO LANNESCARLO LEVIGIAN EMILIO MALERBAPIERO MARUSSIGDAPHNE MAUGHAM CASORATICESARE MONTIGIORGIO MORANDIARTURO NATHANUBALDO OPPIBORTOLO SACCHICARLO SBISÀGEGORIO SCILTIANGINO SEVERINICARLO SOCRATECESARE SOFIANOPULOVITO TIMMELMARIO TOZZI

Kleidung gehört zum persönlichsten Besitz eines Menschen - nichts ist uns (körperlich) näher. Die Publikation richtet den Fokus auf sieben modebewusste Frauen, die vom beginnenden 19. Jahrhundert bis heute gelebt haben. In deren Garderobe eingeschrieben sind Körper und Gebrauchsspuren, Zeitgeschmack und persönliche Vorlieben sowie individuelle und kollektive Erinnerungen.Wer trägt was? Was trennt und was verbindet die Diplomatengattin, die Galeristin und die Punkmusikerin? So unterschiedlich wie die Lebensläufe der Protagonistinnen ist auch deren Stil: Accessoires, Haute Couture, Alltags-, Protest- und Avantgardemode. Anne Schönharting hat eine Auswahl der Kleider fotografisch eindrucksvoll interpretiert. Acht Autorinnen aus Wissenschaft, Museumspraxis und Journalismus widmen sich den Garderoben-Biografien und öffnen den Blick auf Mode als Ausdruck der Persönlichkeit und als gesellschaftlicher Seismograf. A U S W A H L V O N D E S I G N E R N , C O U T U R I E R S / C O U T U R I È R E S , M O D E H Ä U S E R N:Azzedine AlaïaArquillièreGeorges DoeuilletAlberta FerrettiJohn GallianoRei Kawakubo/Comme des GarçonsKarl Lagerfeld/ChanelAlice LanotEmilienne ManasséMartin MargielaAlessandro MendiniIssey MiyakeRick OwensMiuccia PradaSavardeixDries Van NotenGianni, Donatella VersaceViktor & RolfJunya WatanabeWorthYohji YamamotoYoshiki HishinumaYves Saint Laurent

Minimal Art entstand in den frühen 1960er-Jahren in den USA. Wichtige Vertreter wie Carl Andre, Dan Flavin oder Donald Judd gehören zu den großen und bis heute populären Künstlern des 20. Jahrhunderts. Der Einsatz meist geometrischer Formen und oft seriell komponierter Fertigelemente aus Stein oder Metall sowie von Objekten wie Neonröhren zielen auf eine unmittelbare ästhetische Wirkung ab.Durch eine reduzierte Formensprache, den Einsatz neuartiger, industriell gefertigter Materialien und ein hohes Maß an Oberflächenästhetik revolutionierten die Künstler und Künstlerinnen der Minimal Art den Kunstbegriff. Das Spiel mit der Wahrnehmung im Raum durch Bewegung, Lichtstimmungen und raumgreifende Objekte stehen für einen künstlerischen Ausdruck, bei dem Form und Inhalt eins sind. Der Minimalismus wird neben den amerikanischen Vertretern durch Arbeiten deutscher Künstler wie Imi Knoebel oder Charlotte Posenenske eindrucksvoll in Szene gesetzt.Künstler*innen:Carl Andre | Dan Flavin | Jeppe Hein | Donald Judd | Imi Knoebel | Sol LeWitt | Gerold Miller | Robert Morris | Frank Gerritz | Charlotte Posenenske

Die Jahrhundertwende ist die Blütezeit der polnischen Kunst. Der Band zeigt Meisterwerke der Malerei dieser Epoche zwischen Dekadenz und Aufbruchsstimmung und beleuchtet ihre Wurzeln in der polnischen Geschichte, Kultur und Natur ebenso wie die engen Verflechtungen mit dem europäischen Kunstgeschehen.Die polnische Malerei um 1900 entführt in eine Welt der Mythen und Legenden, in träumerische Landschaften, in alte Traditionen und Bräuche, in die Tiefen der menschlichen Seele. In einer Nation ohne eigenen Staat - Polen war bis zu seiner Unabhängigkeit 1918 zwischen Russland, Preußen und Österreich-Ungarn aufgeteilt - trat eine junge Künstlergeneration an, die Malerei zu erneuern. Sie stiftete damit eine gemeinsame Identität, schloss aber gleichzeitig auch an die europäischen Avantgarden an.Künstler*innen:Teodor Axentowicz, Olga Boznanska, Józef Chelmonski, Wladyslaw Czachórski, Julian Falat, Wojciech Gerson, Aleksander Gierymski, Gustaw Gwozdecki, Vlastimil Hofman, Wladyslaw Jarocki, Konrad Krzyzanowski, Jacek Malczewski, Jan Matejko, Józef Mehoffer, Edward Okun, Józef Pankiewicz, Wladyslaw Podkowinski, Witold Pruszkowski, Ferdynand Ruszczyc, Kazimierz Sichulski, Wladyslaw Slewinski, Kazimierz Stabrowski, Jan Stanislawski, Henryk Szczyglinski, Wlodzimierz Tetmajer, Wojciech Weiss, Stanislaw Witkiewicz, Witold Wojtkiewicz, Leon Wyczólkowski, Stanislaw Wyspianski

Mary Bauermeister (* 1934) gilt als »Mutter« der Fluxusbewegung. In den 1960er-Jahren eroberte sie mit ihren Linsenkästen und Steinspiralen von den USA aus die Kunstwelt. Ihre Werke sind in zahlreichen großen Museen wie dem MoMa und dem Guggenheim Museum in New York oder im Museum Ludwig in Köln vertreten. Der prächtige Band präsentiert ihre kunstvoll-verwunschene Wirkstätte in der Nähe von Köln.Über viele Jahre hinweg dokumentierte der Fotograf Thomas Köster das Anwesen Mary Bauermeisters in Rösrath bei Köln, das die Künstlerin mit Hütten, Türmen, Zirkuswagen, eigenen und fremden Werken fast 50 Jahre lang als eine Art magische Wunderkammer konzipiert hat. So entstand eine einzigartige Dokumentation, die Haus und Garten Bauermeisters als jenes Märchenreich zeigen, als das es ihr Ex-Mann, der Komponist Karlheinz Stockhausen, in den 1980er-Jahren bereits erkannte

Die tschechische Künstlerin TOYEN (1902-1980) arbeitete im Herzen des Surrealismus. Pionierin innerhalb der Avantgarde ihrer Heimatstadt Prag wie ihres Pariser Exils, schuf sie ebenso poetische wie provokante Bilder, die mit Realität und Imagination, Verführerischem wie Abgründigem spielen. Einzigartig und farblich virtuos prägen sich ihre Werke tief ins Gedächtnis ein.Die in Prag geborene Marie Cermínová, genannt TOYEN von französisch »Citoyen« (Bürger) schuf ein einzigartiges Werk jenseits gängiger Stile, Themen, Techniken und Geschlechterrollen. Ihr außergewöhnliches Leben und Schaffen trifft im fundiert erzählten, opulenten Band auf Werke und Texte von Weggefährten wie André Breton, Salvador Dalí, Jindrich Heisler, Jindrich styrský oder Yves Tanguy. Mit ihrem beeindruckenden OEuvre gilt sie als Ausnahmeerscheinung des internationalen Surrealismus und der Nachkriegskunst sowie als bedeutendste tschechische Künstlerin des 20. Jahrhunderts.

Keine andere deutsche Künstlerin der Klassischen Moderne hat einen solchen mythischen Status erreicht wie Paula Modersohn-Becker (1876-1907). 120 Werke aus allen Schaffensphasen wie Themenbereichen geben einen Überblick über ihr eigenständiges und selbstbewusstes Werk, das der frühen Vertreterin der Avantgarde in Deutschland schon zu Beginn des 20. Jahrhunderts und vor dem Expressionismus zu ihrer Sonderrolle verhalf.Wie und warum hat Paula Modersohn-Becker zu ikonenhaften Bildern gefunden, die bis heute berühren und faszinieren? Die außerordentliche Radikalität ihrer Haltung und ihrer Arbeiten, stilistische Modernität wie quasi fotografische Ausschnitthaftigkeit zeigen sich in prägnanten Serien und Bildmotiven, ihrem individuellen Umgang mit Farbe und Form wie ihrem Malduktus. Die Bandbreite ihres opulent präsentierten, in nur einem knappen Jahrzehnt entstandenen OEuvres reicht von Selbstporträts, frühen Akten, Porträts, Kinderbildnissen, Mutter-und-Kind- bis hin zu Bauerndarstellungen, Stillleben und Landschaften, die in ihrer zeitlosen Direktheit beeindrucken.

Amedeo Modigliani (1884-1920) zog als 22-jähriger Kunststudent nach Paris und gilt wohl als letzter echter Bohemien des Montmartre. Der anlässlich seines 100. Todestages erscheinende Ausstellungskatalog zeigt ihn erstmals als einen führenden Avantgardisten, der die Revolution des Primitivismus bis weit ins 20. Jahrhundert hineintrug.Modiglianis berühmten Akten, außergewöhnlichen Porträts und einzigartigen Skulpturen werden Werke von Pablo Picasso, Constantin Brâncusi und André Derain gegenübergestellt, ebenso wie Artefakte prähistorischer, außereuropäischer - afrikanische oder ägyptische - Kunst. Damit legt der Band besonderes Augenmerk auf Modiglianis lebenslange Auseinandersetzung mit der Kunst des Primitivismus, die bereits seine ihn beeinflussenden Künstlerfreunde wahrnahmen. Gezeigt werden rund 150 Werke - davon zahlreiche Hauptwerke Modiglianis - aus den größten Museen sowie bedeutendsten Privatsammlungen von Amerika bis Asien.

Eine Szene voller Anmut, Eleganz und kultivierter Geschäftigkeit: Mit Antoine Watteaus (1684-1721) "Ladenschild des Kunsthändlers Gersaint" zog 1746 nicht nur eines der ungewöhnlichsten Gemälde des 18. Jahrhunderts, sondern auch die Vorliebe für die verfeinerte Kultur Frankreichs in Preußen ein. Die vielfältigen Konsequenzen für Kunst, Luxusgüter und Handwerk untersucht dieser erlesene Band.Wie kein anderes Bild ist das "Ladenschild" von 1721 zum Symbol für den hoch entwickelten Kunstmarkt des 18. Jahrhunderts geworden. Einst als Werbetafel und »Fingerübung« Watteaus für einen Händler auf der Notre-Dame-Brücke in Paris gemalt, ist es auch ein Sinnbild für den Handel mit den Werken des einzigartigen Künstlers selbst. Das fundierte, reich illustrierte Buch schildert, wie Watteau durch die Begeisterung Friedrichs II. stilbildend für die kulturelle Entwicklung in Preußen werden konnte.