Bücher veröffentlicht von Steidl GmbH & Co.OHG

Ward 81, photographed in 1976, was Mary Ellen Mark's first independent long-term project. Mark and writer Karen Folger Jacobs set out to document the lives of the women in this locked ward at the Oregon State Hospital in Salem-the only one in the state. Every day for five weeks, Mark photographed and Jacobs interviewed the women on Ward 81. At night they slept in an empty adjacent ward.Ward 81: Voices, an expanded edition of the original 1979 book, includes previously unpublished photographs, excerpts from interviews with patients and recorded conversations between Mark and Jacobs, as well as new essays examining the influence of their project. Ward 81 has always been considered one of the best examples of Mark's ability to portray subjects living on the edges of society with compassion. The inclusion of the women's voices gives invaluable insight, not only into the lives of the patients, but also into Mark and Jacobs' experiences and the challenges they faced during their collaboration.

American Gothic, Gordon Parks' 1942 portrait of government worker Ella Watson, is among the most celebrated photographs of the twentieth century. Created as part of an extensive collaboration between the photographer and his subject, it is at once a record of one woman's position within the racial, professional and economic hierarchies that stratified the nation's capital and Parks' visual reckoning with the realities of living in racially segregated Washington, D.C. Through his work with Watson-a custodian in the government building where he worked-Parks composed an intimate portrait of Black life by focusing on everyday activities, from work routines to family meals and church services. The resulting photographs trace a remarkably intimate portrait of Watson as a multidimensional figure, cherished by her community and vitally important within the civic sphere. American Gothic. Gordon Parks and Ella Watson provides a comprehensive overview of this pivotal series of photographs, including more than 50 images, some never published before, and additional archival material.Co-published with The Gordon Parks Foundation and the Minneapolis Institute of Art

Originally published in 1971, Gordon Parks' Born Black was the first book to unite his writing and his photography. It was also the first to provide a focused survey of Parks' documentation of a crucial time for the civil rights and Black Power movements. Today, more than 50 years later, this expanded edition of Born Black illuminates Parks' vision for the book and offers deeper insight into the series within it. The original publication featured nine articles commissioned by Life magazine from 1963 to 1970-some never-before published-supplemented with later commentary by Parks and presented as his personal account of these important historical moments. Born Black includes the original text and images, as well as additional photographs from each series, spreads from the 1971 book, early correspondence, reproductions of related Life articles, and new scholarly essays. The nine series selected by Parks for Born Black-a rare glimpse inside San Quentin State Prison; extensive documentation of the Black Muslim movement and the Black Panthers; his commentaries on the deaths of civil rights leaders Malcolm X and Martin Luther King, Jr.; intimate portrait studies of Stokely Carmichael, Muhammad Ali and Eldridge Cleaver; and a narrative of the daily life of the impoverished Fontenelle family in Harlem-have come to define his legendary career as a photographer and activist. This reimagined, comprehensive edition of Born Black highlights the lasting legacy of these projects and their importance to our understanding of critical years in American history.Co-published with The Gordon Parks Foundation

Joel Sternfeld entwines two personal stories in this book that together reveal the roots and evolution of color theory in his work over the past five decades. In the summer of 1975, facing surgery with a risk of paralysis, Sternfeld went in search of a last idyll-and found it in Nags Head on North Carolina's Outer Banks. From June to August he photographed the seaside town floating in time, capturing a dreamlike sense of solace. Sternfeld's images show beachgoers of all ages in various scenes of leisure and recreation in this, his first body of work addressing a season. At the time, Sternfeld was already committed to color as the basis of photographic expression and fascinated by Josef Albers' Interaction of Color: "Any time that I saw a color phenomenon in the landscape that somehow coincided with an Albers-type exercise in the perceptual properties of color, I made a photograph."Yet this summer sojourn was tragically broken by the death of Sternfeld's brother; the photographer returned to New York, never to go back to Nags Head. Eventually Sternfeld resumed working and one day headed to Rockaway Beach, Queens. Here he took a picture in which "All at once the ugly scene appeared beautiful to me"-the hues of sand, apartments and sky fused into a cohesive whole: finally, content had been transcended through color. This photo, made in despair and with its perceptual foundation in the Nags Head series, would lead, a few years later, to the color structures of Sternfeld's magnum opus American Prospects, his ambitious realization of what he had always wanted to do: follow the seasons across America.

Renowned for his depictions of self, which early in his career were often purely symbolic-most famously in the form of a bathrobe or a set of tools-Jim Dine reveals in Last Year's Forgotten Harvest another portrait of sorts, providing the viewer both with insight into his deep commitment to drawing and to the individuals in his orbit who have helped shape him. Presenting nearly seven decades of drawing, from 1957 to the present, Last Year's Forgotten Harvest demonstrates the deep fusion between Dine's practice and those who have long been part of his world. In the artist's words: "Besides being a diary, having the quality of a diary, the exhibition is essentially about drawing." Present here, then, are members of Dine's family. His wife photographer Diana Michener appears in multiple, heavily worked portraits. Images of close friends and fellow creatives move throughout the publication, including drawings of artist Susan Rothenberg, printer Aldo Crommelynck, poet Robert Creeley, and printer and publisher Gerhard Steidl, with whom he created this book. The blemishes, wrinkles and even stains that imprint themselves upon skin similarly appear upon the surfaces of Dine's drawings as he encounters and grapples with his subjects over time. Providing a poignant reflection upon a career characterized by digesting the world through making, Dine concludes: "This is what I'm left with. I'm left with drawing."Co-published with the Bowdoin College Museum of Art, BrunswickExhibition: Bowdoin College Museum of Art, Brunswick, 7 December 2023 to 2 June 2024

Bis in das 20. Jahrhundert hinein blieb vielen Menschen das Reisen verwehrt, es galt als elitäres Vergnügen. Das Fernweh wurde mit Hilfe von Bildern und Reiseberichten gestillt, touristische Plakate wurden für die meisten Menschen zu Sehnsuchtsflächen. Das vorliegende Buch versammelt rund 300 dieser Plakate - ergänzt um zahlreiche Photochrome, Postkarten und Stereodias, die um 1900 in einem Kaiserpanorama genutzt wurden. Eine Begleitung schreibt die Schriftstellerin Felicitas Hoppe. Für jedes der acht Kapitel verfasst sie literarische Miniaturen, die ein neues Licht auf das Thema »Reisen im Kopf« werfen.Die zahlreichen Abbildungen in Ferne Länder, ferne Zeiten zeigen eine umfängliche Kulturgeschichte des Reiseplakats von den Anfängen bis in die Gegenwart. Mit erläuternden Texten von Julia E. Beelitz, Jan Borreck, Martin Breuer, Peter Gorschlüter, René Grohnert, Stefan Hermes, Felicitas Hoppe, Annelen Karge und Susanne Müller.

Oskar Negt hat Glück gehabt. Sein Leben könnte als Erfolgsgeschichte erzählt werden: Als jüngstes von sieben Kindern auf einem Kleinbauernhof ohne Bildungsgüter im ostpreußischen Kapkeim aufgewachsen, wurde er zum Repräsentanten der Frankfurter Schule, zum anerkannten, in der ganzen Welt geehrten Philosophen und Soziologieprofessor. Doch Negts Kindheit und Jugend war von schmerzhaften Erfahrungen und Erlebnissen geprägt, von der Flucht mit zwei halbwüchsigen Schwestern in die »Totenstadt« Königsberg und über die Ostsee nach Dänemark, wo er jahrelang in Internierungslagern lebte bis die Familie nahe Ostberlin wieder zusammengeführt wurde. Und dann erneut flüchtete, diesmal Richtung Westen. Erst 1955, zehn Jahre nach dem Aufbruch aus Ostpreußen, fühlt er sich angekommen. Negt nimmt seine individuelle Geschichte zum Anlass, grundsätzliche Fragen zu stellen: über das autobiographische Schreiben, über gesellschaftliche Orientierung und persönliche Identität. Seine autobiographische Spurensuche weist weit über das eigene Schicksal hinaus.

Wenn man die Stille zu Hause nicht mehr aushält, geht man in Gorbach auf ein Bier ins »Kippchen«. Oder zum Büdchen um die Ecke. Hier prallen sie aufeinander, am Rand der großen Stadt: Buchhalter, Lehrer, Musikerinnen, Schlachter, Junkies, Lkw-Fahrer, Polizistinnen. Es stellt sich die Frage, ob die Menschen den Ort machen, oder der Ort die Menschen. Der irre Ele, an seine Wohnung und den Rollstuhl gefesselt, erinnert sich an seine ruhmreiche Vergangenheit als stadtbekannter Kleinkrimineller. Filiz hat einen Mitschüler krankenhausreif geprügelt, weil der ihre Mutter beleidigt hat. Eine Radiomoderatorin schließt sich im Studio ein und rechnet on air mit ihrem Chef ab. Dass es zornig und laut zugeht, ist unvermeidlich. Zerbolesch aber findet die leisen und zartfühlenden Zwischentöne, erzählt von Empathie und Hoffnung zwischen Perspektivlosigkeit und alltäglicher Gewalt.

»Die Fabriken und Stahlwerke sind mein erweitertes Atelier.« Mit diesen Worten verweist der amerikanische Bildhauer Richard Serra auf die Prozesse, die zur Entstehung seiner oft großformatigen Skulpturen erforderlich sind. Ebenso wie seine häufig im öffentlichen Raum installierten Werke das Museum als alleinigen Ausstellungsort verlassen, verlagert sich die höchst aufwendige Produktion der Skulpturen vom Atelier in die Stahlwerke. An die Stelle einsamer künstlerische Handarbeit tritt ein komplexer, energieintensiver und arbeitsteiliger Prozess in der Schwerindustrie. Aus industrieller Zusammenarbeit gehen jeweils einzigartige Kunstwerke hervor, und nicht selten führt die Auseinandersetzung mit den industriellen Arbeitsweisen zu neuen Werken: work comes out of work.Der Fotograf Dirk Reinartz hat über viele Jahre hinweg im Auftrag von und in Zusammenarbeit mit Richard Serra die Entstehung und den Aufbau von dessen Skulpturen fotografisch begleitet. Dabei entstanden Bilder, die weit über eine reine Dokumentation hinausgehen und eine eigene Bildqualität entwickeln. Reinartz' subtil graduierte Schwarz- Weiß-Fotografie fängt die besondere Atmosphäre im Walzwerk, in der Schmiede und in der industriellen Weiterverarbeitung ein, ohne auf vordergründige Effekte zu zielen. Sowohl die Produktion der einzelnen Skulpturenelemente als auch die fertig installierten Werke hält Reinartz in eindrücklichen Aufnahmen fest, gleichermaßen zurückhaltend und souverän.Sprachen: Deutsch, Englisch

Eine unerwartete Erbschaft, zwei Säcke randvoll mit Steinen, katapultiert Iggy zurück in eine Kindheit voll Alkoholmissbrauch, körperlicher Gewalt und bizarrer DDR-Obsession. Es sind die Steine eines abgeschlagenen Wandgemäldes. Als Iggy in ihrer Genter Dachgeschosswohnung das sechs mal drei Meter große Bild zusammenfügt, stellt sich heraus, dass einige Steine fehlen. Iggy, die ihr eigenes Leben nur mit Mühe zusammenhält, tritt die Flucht nach vorn an. Gemeinsam mit ihrer Ex, der Künstlerin Luka, macht sie sich auf die Suche nach den fehlenden Puzzleteilen und der Wahrheit. Die Suche führt sie nach Berlin, wo Iggy der größten Lüge ihres verstorbenen Vaters auf die Spur kommt, eine Reise, die ihr Leben verändert. Immer an ihrer Seite, die wahre Heldin und treue Seele: Mopsdame Kuro.Backstein ist ein aufwühlendes Buch über das Aufwachsen in einer Familie, in der nichts sicher ist, außer, dass es niemanden etwas angeht. Ein beißender, feinfühlig geschriebener Entwicklungsroman mit Blick für die Möglichkeiten menschlicher Resilienz.

Häufig nehmen Künstlerinnen und Künstler in ihrer letzten Schaffensphase eine neue Kurve, ihre Sprache und ihre Haltung verändert sich, andere Themen und Motive rücken in den Vordergrund. Der Schweizer Fotograf Jakob Tuggener dagegen blieb sich und seinem Schaffen in fast schon irritierender Weise treu. Nachdem er bereits während der 1940er Jahre vier Buch-Unikate zu den Themen Frühling, Sommer, Herbst und Winter komponiert hatte, schuf er 1973 und 1974, im Alter von fast 70 Jahren, ganz neue Versionen dieser »Bauernbücher« unter dem Titel Die 4 Jahreszeiten. Sie widmen sich dem einfachen Leben auf dem Land, widerspiegeln in sensibel beobachteten, atmosphärisch aufgeladenen, dabei jedoch nie pittoresken Aufnahmen den immer wiederkehrenden Zyklus der Natur und sind gleichzeitig eine Reflexion über das menschliche Leben und die Vergänglichkeit.Während sich die Welt und die Gesellschaft zwischen 1940 und 1970 fundamental veränderten - das Leben auf dem Land nicht weniger als das Leben in der Stadt -, erlaubte sich Tuggener, Aufnahmen aus dieser ganzen Zeitspanne zu einem neuen, ganz persönlichen Epos zusammenzufügen. Gerade die Konstanz in Tuggeners Arbeit, dieses unbeirrbare Vertrauen in die Kraft der Bilder, gehört zu den besonderen Qualitäten von Die 4 Jahreszeiten.

Freitag, der 29. Juli in Dublin. Das Wetter ist wie vorhergesagt, die Stadt vor Cathals Bürofenster liegt in gleißendem Sonnenschein. Nach einem scheinbar ereignislosen Tag mit Budgetlisten und Bürokaffee nimmt Cathal den Bus nach Hause. Die Landschaft zieht an ihm vorüber, die waldigen Hügel, auf denen er noch nie gewesen ist, und er denkt an Sabine. Die ein bisschen schielt und die gut kochen kann, die auch im Winter barfuß am Strand spazieren geht, die die Hügel besteigt. Die zu viel Geld ausgibt und zu viel Raum einnimmt und zumindest über die Hälfte von allem bestimmen will. Die Frau, mit der er hätte sein Leben verbringen können, wäre er ein anderer Mann gewesen.In dieser kleinen Geschichte eines gescheiterten Paares erzählt Claire Keegan vom großen Thema Misogynie. Und wie sie das tut: kein Wort überflüssig, jeder Satz von durchscheinender Klarheit. Meisterhaft!

Nur wenige Stunden nachdem der württembergische Regent Carl Alexander 1737 ganz plötzlich verstirbt, wird sein Geheimer Finanzrat Joseph Süßkind Oppenheimer verhaftet. Die Anklage: Landesverrat. Die Behörden haben Mühe, Belege für Vergehen zu finden, der Prozess zieht sich elf Monate in die Länge, endet aber unumstößlich mit dem Todesurteil. Schon zu Beginn des Prozesses ist die Versteigerung von Oppenheimers Hausrat in vollem Gange: Die besten Schmuckstücke sichert sich der Staat, die schönsten Kleider seiner Geliebten Luciana bringen die ehrbaren Stuttgarter Damen an sich. Aus dem stolzen, selbstbewussten Mann, der an ein rechtsstaatliches Verfahren glaubt, wird in der Haft zunehmend ein Getriebener, der verzweifelt um sein Leben kämpft.Raquel Erdtmann hat für ihre historische Spurensuche acht Meter Archivbestand akribisch durchgesehen und nimmt uns mit in die deutsch-jüdische Vergangenheit. Sie erzählt die Geschichte des Schauprozesses um Joseph Süßkind Oppenheimer so spannend und berührend, dass einem der Atem stockt. Sie erzählt aber auch, wer der Mensch Joseph Oppenheimer war, bevor er zur literarischen Figur bei Lion Feuchtwanger und zum propagandistischen Feindbild der Nazis wurde. Und wie nebenbei leuchtet sie kenntnisreich das Leben der deutschen Jüdinnen und Juden im 18. Jahrhundert aus.

Beginning in 1972, Richard Serra has made over 320 print editions at the Los Angeles artists' workshop and fine-art publisher Gemini G.E.L.-more than any other artist. Gemini co-founder Sidney B. Felsen has had the good fortune and privilege of witnessing the birth of each and every of these editions, camera in hand. Early on, Felsen realized there was an intrusive element to photographing someone engaged in the private, meditative moments of making art, and his ally became the close friendships with artists he developed throughout the decades, along with his subtle manner: "Taking photographs," says Serra, "is Sidney's way of watching over not watching us." Although sculpture is the most public aspect of Serra's practice, drawing and printmaking play crucial roles, both as independent pieces and in working towards sculpture. Richard Serra at Gemini presents a selection from nearly 3,000 photos by Felsen, revealing ways in which Serra has remade the conventions of printmaking, and celebrating 50 years of ongoing friendship and collaboration.

This book celebrates Juergen Teller's long-term collaboration with creative director Dennis Freedman for W magazine and later for luxury department store Barneys in New York. Between 1999 and 2016 the pair created a sweep of iconic series, all captured in Teller's trademark realistic style. In his photographs for W, Teller consistently went against the grain, resisting large-budget shoots and seeking out authentic, anti-commercial narratives and pared-down locations-as in his unforgettable first editorial in 1999 which features Stephanie Seymour, Shalom Harlow and Naomi Campbell (among other supermodels) as office workers at the magazine. Seen as a whole, Teller's W commissions reveal the evolution of his creative freedom, from shooting Haute Couture clients, Kate Moss at the Monaco Grand Prix and Tilda Swinton as a socialite collector, to portraits of William Eggleston and Roni Horn.Teller and Freedman's work for Barneys catalogues between 2011 and 2016 epitomizes their risk-taking approach in unusual fashion locations such as Belgrade, Panama City and Tirana. The resulting images show playful juxtapositions and unexpected scenarios, as models and actors explore their environments in comic poses, producing a kind of non-conformist advertising. Throughout Fashion Photography for America 1999-2016 Teller has photographed original W magazines and Barneys catalogues from his archives, a low-fi method that emphasizes the physical process of looking over his past work and allows us to share in the surprises of his retrospection.

The infamous Hill of Crosses is a pilgrimage and tourist site near siauliai, Lithuania, which originated after the November Uprising of 1830-31, an extensive yet unsuccessful attempt to overthrow Russian rule. Crosses is Juergen Teller's intimate response to this place of remembrance, which he visited with his Lithuanian wife Dovile Drizyte and her parents in autumn 2022. With his ever curious, surveying eye, Teller captures the intense spirituality of this sacred destination. Responding to over 100,000 crucifixes within just one acre, his images embody this tangled web of religious iconography, including a dense multitude of crosses, stone sculptures of Jesus Christ draped in rosary beads, and large wooden carvings. Teller singles out details of small effigies of Christ and other emblematic features, deftly framing them against the landscape in an act of candid self-reflection. The series takes on an even deeper personal significance in the context of the 2022 passing of fashion designer Vivienne Westwood, with whom Teller had collaborated since 2007, and his gallerist since 2013 Suzanne Tarasieve. He embeds portraits of these powerful yet vulnerable women into his collection of symbolic images, a compelling tribute to two personalities who continue to inspire his work.

This revised and expanded edition of Juergen Teller's bestselling Handbags features a careful selection of images from the original 2019 book, alongside his favorite photographs made since. As before, Teller's advertising campaigns for distinguished brands such as Coach, Dolce & Gabbana, Loewe, Saint Laurent and Vivienne Westwood are shown with images of handbags deftly styled for fashion editorials-all worn by celebrities and models or photographed as still-life objects. Teller acknowledges the visible shift towards celebrity endorsement in recent years, which has led to exciting new encounters with a multitude of actors, musicians, artists, writers and filmmakers.In his unmistakable subversive, raw style, Teller presents the ultimate fashion accessory as an everyday item rather than as a glamorized commodity, often in surprising contexts (a handbag perched atop supermarket vegetables) or with humorous intent (a bag sitting on a taxidermy crocodile). This time around, More Handbags has the compact size of a handbag itself, making it more accessible and tactile-and aptly more affordable for all of us who might not be able to buy the real thing.

Eat More Plants. A Chef's Journal is a collection of Daniel Humm's drawings and handwritten thoughts charting the re-imagination of his acclaimed three-Michelin-Star restaurant Eleven Madison Park as wholly plant-based in 2021. Shaped by the seasonality underlying Humm's cooking, the book is structured into a section each for spring, summer, fall and winter. His drawings are spontaneous and painterly, celebrating the bounty of predominantly local fruits and vegetables that inspires his creations-from familiar characters such as the carrot and cherry to the more exotic elderflower and matsutake mushroom. On the back of the drawings Humm has written notes on the ideas, beliefs and uncertainties behind his decision to re-invent (and risk) the 25-year story of Eleven Madison Park: "Our cooking should not conform to society, it should be a resolution / Most days we see endless possibility, some days fear clouds our vision / This isn't just an artistic experiment, it's our livelihood." The result is a revealing visual diary of a chef dedicated to pro-planet values as the basis of fine dining, and the liberating realization that following traditions had been his greatest limitation.

STEIDL-WERK No.31: GHOSTS IN THE MACHINE is Theseus Chan and Gerhard Steidl's latest adventure in redefining what constitutes a book. The normal starting-point for any book is blank sheets of paper, yet for STEIDL-WERK No.31 that is not the case. Instead, Chan and Steidl have taken already printed "make-ready" sheets from a recent Steidl book-the sheets produced on press while the printing plates build up the right levels of ink to deliver optimal results. Each make-ready sheet shows a different collection of inks and they are normally discarded; here they are the very heart of the book. On top of these sheets (fed into the press in a random order) is printed a new series of Chan's ink drawings-shifting, bleeding, abstract forms or "ghosts," which interact with the underlying images and texts in unpredictable ways. The result is an experiment with technical and optical accidents; each book in the edition, like Chan's drawings, is unique. Presented in a cardboard box with ten posters, ten postcards and a zine, as well as a copy of Steidl Magazine No.7 edited by Chan, STEIDL-WERK No.31 is a treasure trove of offset innovation.Limited edition of 500

Zu Hause oder auf Reisen, Sarah Kirsch schrieb Tagebuch. Früh morgens, zwischen fünf und sechs, kocht sie sich »Koffie« und füllt ihre Kladden, berichtet Persönliches und Politisches, Triviales und Tragisches. Das Radio bringt die Nachrichten ins schleswig-holsteinische Idyll am Eiderdeich - in dem Kirsch seit 1983 mit Sohn, Partner, Hund, Katzen, Esel und einigen Schafen lebt - und veranlasst die Dichterin zu schonungslosen und besorgten Kommentaren. Sie hält fest, was in der Welt und in der Natur vor ihrem Fenster los ist: Frost im Frühling, grasende Ringeltauben, eilig fahrende Wolken bei Windstärke 6, Ausschreitungen in Rumänien, die Unabhängigkeitsbestrebungen Litauens, die Regierungsbildung in der DDR, das Fährunglück zwischen Dänemark und Norwegen. Misteldrosseln und Militärkolonnen - auch hier gilt, was Iris Radisch über Sarah Kirschs Wendetagebuch Ich will nicht mehr höflich sein schrieb: »steht das große Welttheater gleichrangig neben dem kleinen Provinztheater in Tielenhemme«.

Zwischen 2020 und heute haben Pandemie und Krieg auch die gesellschaftliche Wahrnehmung von Bildern verändert. Ihre Funktionen sind gerade heute wieder einem starken Wandel unterworfen. Wir beobachten, wie verschiedene Gruppen die Zirkulation von Bildern zu fördern oder zu behindern versuchen. Ihre Verbreitung zielt heute darauf ab, nicht nur zur objektiven Meinungsbildung und Information beizutragen, sondern auch Haltungen auszurichten und zu steuern und Interessen zu dienen.Die »Foto Wien 2023« repräsentiert alle Partnerinstitutionen, Galerien, Projekträume, Museen etc. des Fotomonats und untersucht das Thema »Photography Lies - die Lügen der Fotografie«. Zusätzlich werden Bilddistribution und -zir-kulation anhand des Kriegsgeschehens in der Ukraine in den Blick genommen.

Eines Nachts verlassen kostbare Möbel ein Herrenhaus: Schränke, Spiegel, Stühle, Betten - fassungslos beobachtet der Hausherr vom Park aus das seltsame Geschehen. Keine Diebe in Sicht. Monate später findet er Einzelstücke bei einem Händler in Rouen. Was ist passiert? Ein Jurastudent prahlt vor seinen Freunden mit dem Erwerb der abgeschlagenen, fachmännisch mumifizierten Hand eines Verbrechers - bis sie ihm an die Gurgel geht. Besitz macht offenbar nicht glücklich. Noch Übleres widerfährt dem Protagonisten in »Der Horla«, der von einem unerklärlichen Wesen gleichen Namens langsam besessen, ausgesaugt und seiner selbst enteignet wird. (Diese berühmte Geschichte in Tagebuchform regte Bram Stoker zu seinem Vampirroman »Dracula« an.)Doch was wäre ein Band mit Nocturnes von Maupassant ohne die Liebe? So kommt auf den Schwingen des Mondlichts die Leidenschaft über eine junge Frau: Clair de Lune. Unsere Auswahl klingt aus mit einer der bewegendsten Novellen, die Maupassant geschrieben hat: Das Kind. In der Hochzeitsnacht erfährt der Bräutigam, dass seine ehemalige Mätresse mit einem Kind niedergekommen ist und im Sterben liegt. Er bricht auf und kehrt noch in der gleichen Nacht mit dem Neugeborenen zu seiner Braut zurück ...

Am 16. Juni 2023 wird der amerikanische Künstler Jim Dine 88 Jahre alt. Kaum vorstellbar, denn er wirkt deutlich jünger und strotzt vor kreativer Schaffenskraft. Im Alter von 16 Jahren hatte Dine sein erstes Kunstwerk geschaffen: eine Druckgrafik - eine seiner wichtigsten künstlerischen Ausdrucksformen. Er gilt als Mitbegründer der Pop Art und ist bis heute einer ihrer berühmtesten Vertreter. Dine hat es in vielen künstlerischen Bereichen zur Meisterschaft gebracht: Druckgrafik, Zeichnung, Malerei, Skulptur, Prosa und Lyrik, Performance und - für Jim Dines ebenfalls ein besonders wichtiges Medium - dem Buch. Gedruckte Bücher sind in Dines Werk nicht allein begleitende Ausstellungskataloge oder gelegentliche Nebenprodukte. Seine Bücher sind eigene Kunstwerke, Multiples, in Format, Ausstattung, Gestaltung jeweils verschieden und immer in sich besonders. Mit Storm of Memory macht Jim Dine nun sich selbst und uns allen ein solch besonderes Geschenk zu seinem 88. Geburtstag: eine Werkschau, ein spannender Einblick in alle Bereiche seines umfangreichen Schaffens, mit Begleittexten, die Aufschluss über diese einzigartige künstlerische Biographie geben.Ausstellung: 17. Juni bis 17. September 2023im Kunsthaus Göttingen

Caleb Williams, ein einfacher Bauernsohn, erhält nach dem Tod seines Vaters die Chance, als Sekretär für den angesehenen Gutsherren Ferdinando Falkland zu arbeiten. Caleb ist außergewöhnlich belesen, feinsinnig und hat eine vielversprechende Zukunft vor sich. Doch seine Wissbegierde führt dazu, dass er eines Tages das Geheimnis seines Herren lüftet. Von nun an ist Caleb seines Lebens nicht mehr sicher. Er wird erbarmungslos gejagt, denn Falkland ist jedes Mittel recht, um ihn zum Schweigen zu bringen.Mit seinem 1794 veröffentlichten Roman über Flucht, Verfolgung und Gefangenschaft hat Godwin ein frühes Meisterwerk der Kriminalliteratur geschaffen. Und gleichzeitig greift er damit hart die Strafgesetzgebung jener Zeit an. Caleb Williams steht exemplarisch für die Opfer eines Systems, in dem »der Mensch zum Zerstörer des Menschen« wird. Seine Zeitgenossen hat dieses eigensinnige Werk zutiefst erschüttert und bis heute hat Godwins Roman über einen zu Unrecht Gepeinigten seine Anziehungskraft nicht verloren. In einer brillanten Neuübersetzung von Alexander Pechmann.

Heidrun Sandbichler hat in den letzten Jahrzehnten ein konzentriertes OEuvre geschaffen, das auf poetische und berührende Art und Weise die Verletzungen des Einzelnen ebenso wie kollektive Wunden der Gegenwart zum Ausdruck bringt. Und doch ist ihre politisch engagierte Arbeit stets leise. Sie deutet an, schreit nicht, und entspringt einer ästhetischen Haltung, die jenseits von plakativen Aussagen steht. Die Arbeiten von Heidrun Sandbichler sind formal auf ein Minimum reduziert, ein wesentliches Merkmal ist ihr Material. So verwendet sie Tinte, die nicht nur zum Zeichnen, sondern auch als Objekt eingesetzt wird. Tiefschwarz verweist sie auf Leben und Tod, lässt Assoziationen mit Blut und Lava aufkommen und markiert die schmerzhafte Schwelle, an der ihre Kunst (ent-)steht. Die Arbeiten von Heidrun Sandbichler handeln von Disziplinierung und Strafe, von Krieg, Migration und Vertreibung, ebenso wie von der Hoffnung und den Möglichkeiten der Heilung, die der Kunst innewohnen. Diese Werke erzählen jedoch keine Geschichten, hier vollzieht sich die zeitliche Komponente nicht in der Narration, sondern in der konzeptuellen Ausdehnung der Zeit, die es braucht, um sie zu begreifen. Sandbichlers erste umfassende Monografie ist schwarz und karg wie ihre Arbeit. Die Texte aus unterschiedlichen Wissensgebieten eröffnen neue Perspektiven auf das für ihr Werk zentrale Themenspektrum: Mittelalterliche Buchmalerei, die Geschichte der Tinte, Theorien historischer Disziplinierung und Überwachung ebenso wie philosophische Aspekte begleiten die Kunst von Heidrun Sandbichler.Ausstellung: Museum VILLA STUCK, München 28. Juni bis 1. Oktober 2023

Dies ist die Geschichte eines behüteten Mädchens, das unbequeme Fragen stellt, die Geschichte einer mutigen, tapferen Frau, die früh verwitwet ihre fünf Kinder allein durchbringt. Es ist die Geschichte von Emmeline Pankhurst (1858-1928), die sich so gründlich über die Verhältnisse in ihrem Land empörte, dass sie zur bekanntesten und radikalsten der »Suffragetten« wurde. Diese Frauen kämpften vor dem Ersten Weltkrieg für ihr Wahlrecht und versetzten damit nicht nur die englischen Männer in Angst und Schrecken. 1903 gründete Pankhurst die radikal-bürgerliche Woman's Social and Political Union (WSPU) und schlug von da an in der bisher so friedlichen wie erfolglosen Frauenbewegung neue Töne an. Frauen organisieren Blockaden, ketten sich an Zäune und Gebäude, und die Obrigkeit reagiert mit Gewalt: Demonstrantinnen werden verprügelt und verhaftet, es kommt zu Hungerstreiks und Zwangsernährung, im Gegenzug werfen die Anhängerinnen Pankhursts Bomben und legen Brände.

Tempelhof ist ein vieldeutiger Ort. Heute gehen die Leute auf dem stillgelegten Tempelhofer Feld spazieren, fahren Fahrrad, betreiben Urban Gardening oder lassen Drachen steigen. Gegründet 1923 entsteht zwischen 1936 und 1941 nach den Plänen von Ernst Sagebiel der größte Zivilflughafen Europas und das bis dahin größte Gebäude der Welt. Bis heute wurde das inzwischen größte Baudenkmal Europas nicht zu Ende gebaut. Erst Ausdruck nationalsozialistischen Größenwahns, wurde der Flughafen durch die Luftbrücke 1948/49 auch zum Symbol der Freiheit. Aber schon seit 1884 war das Tempelhofer Feld der zentrale Berliner Ort für Pionierleistungen und Weltrekorde bei der Überwindung der Schwerkraft. Die Air Force verlässt erst 1993 das Gelände und Tempelhof bleibt ein Ort ewiger Improvisation, des Unfertigen, ein Ort für Träumer und Pioniere, Entdecker und Experimentierfreudige. Mathias Gatza nähert sich in seinem Buch dem Phänomen Tempelhof in einer historischen Spurensuche. Es geht ihm dabei jedoch nicht um eine weitere »Geschichte des Fliegens« oder »des Gebäudes«. Viel eher geht es darum, die DNA des Ortes, die Typologie der Menschen, die den Ort prägten, die vergangenen Hoffnungen, Utopien und ihre Entgleisungen auf eine erzählerische Bühne zu bringen. Dabei wird viel unbekanntes, manchmal bizarres Material aus den dunkelsten Ecken von Archiven gehoben.

Bis zu seinem Tod im April 2015 lebte und arbeitete Günter Grass südlich von Lübeck im ländlichen Schleswig-Holstein. Nur wenige Schritte vom Wohnhaus entfernt befand sich seine Werkstatt: ein ehemaliges Stallgebäude mit zwei Etagen. Hier waren Bücherregale, das Stehpult, an dem er mit der Hand und mit der Reiseschreibmaschine Olivetti schrieb, die Pinnwand für Arbeitspläne und Skizzen, die Töpferscheibe, die Werkbank fürs Lithografieren und Skulpturenformen vereint. Grass arbeitete nicht im Atelier und nicht in einer Bibliothek, sondern ausdrücklich in »meiner Werkstatt«.Nach seinem Tod 2015 blieb hier alles unverändert an seinem Platz. In einer präzisen und nüchternen visuellen Bestandsaufnahme hat der Fotograf Hans Grunert eine Archäologie von Günter Grass' Arbeits-Alltag betrieben. Entstanden sind dabei Einblicke in eine Wunderkammer der kleinen Dinge, aus und mit denen Grass große Kunst machte. Dazu gehören Objekte, die er als Zeichenvorlage nutzte: eine Kochmütze, ein Schneckenhaus, Schere und Nägel, Versteinerungen und getrocknete Frösche, Pilze und Vogelfedern. Dazu gehören auch die vielen Werkzeuge, zum Schreiben und Radieren, zum Aquarellieren und Drucken, zum Töpfern. Dazwischen findet sich Alltägliches: eine Arbeitsjacke, Brillen, Feuerzeuge, ein alter Personalausweis und - wie sollte es anders sein - Tabak, Streichhölzer und Pfeife. Hans Grunerts Bilder entdecken diese Dinge neu, wie die Hinterlassenschaften einer fremden, faszinierenden Kultur.