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Anfang 1964 erhielt der Fotograf Harry Benson einen Anruf vom Bildredakteur des Londoner Daily Express, der Benson bat, eine Paris-Reise der Beatles zu dokumentieren. Dieser Auftrag war der Anfang der engen Beziehung zur Band, die Bensons Karriere begründete und aus der einige der intimsten Bilder entstanden, die je von den Beatles gemacht wurden.In Paris schoss Benson das berühmte Foto von den Fab Four bei einer Kissenschlacht im Hotel George V, ein Bild, das Benson selbst einmal als bestes seiner Karriere bezeichnete. Später im selben Jahr begleitete er mit der Kamera die erste US-Tour der Band, inklusive ihrem Auftritt in der Ed Sullivan Show, ihrer überraschenden Begegnung mit Cassius Clay und der Hysterie der New Yorker Beatlemania. Außerdem hielt er George Harrisons Flitterwochen auf Barbados für die Nachwelt fest. Er dokumentierte die Beatles bei den Dreharbeiten zu ihrem Debütfilm A Hard Day's Night und war bei der inzwischen berüchtigten Tournee von 1966 zugegen, auf der John Lennon behauptete, die Beatles seien "populärer als Jesus".In diesem Buch sind die besten von Bensons atmosphärisch dichten Schwarzweißbilder versammelt. Dazu gibt es Zitate und Zeitungsausschnitte aus der damaligen Zeit und eine Einleitung von Benson selbst, in der er seine persönliche Sicht auf die Aufnahmen darlegt, die Zeitgeschichte schrieben.

Eine Auswahl der besten Geschichten von Long John Silver, Henry Morgan und vielen anderen Piraten und Korsaren aus der großen Zeit der Seeräuberei, erzählt nach Klassikern des Genres wie Robinson Crusoe oder der Schatzinsel, dazu fesselnde Illustrationen großer amerikanischer Grafikkünstler wie Howard Pyle und N. C. Wyeth.

Eigentlich suchte der Australier Simon "Woody" Wood 2002 nur eine Möglichkeit, kostenlos an Turnschuhe zu kommen. Zwei Wochen später war er der stolze Verleger von Sneaker Freaker - und musste nie mehr barfuß gehen. Von seinen frühesten Ursprüngen als Fanzine im Punkstil bis zur heutigen Hochglanzaufmachung mit Onlineausgabe hat diese entschlossen unabhängige Zeitschrift jeden Collab-, Quickstrike-, Hyperstrike- und Tier-Zero-Sneaker, jede limitierte Ausgabe, Neuauflage und hippe Innovation der letzten 20 Jahre dokumentiert, vom klassischen adidas-Treter bis zum ultraluxuriösen Edelsneaker . Magische Produktbeschreibungen wie "Das Suede an Zunge und Ferse ist so dunkel und geheimnisvoll wie der Blick in einen bodenlosen Abgrund. Das Mintnubuk ist reines Dynamit, das graue Leder der Funke und die robuste Mesh-Toebox das Ausrufezeichen. Peng!" lassen erahnen, wie die Synapsen im Sneakerversum so geschnürt sind. Woodys ursprüngliche Vorgabe, dass Sneaker Freaker "zugleich lustig und ernst, sinnvoll und zweckfrei" sein solle, erfüllt The Ultimate Sneaker Book auf vorbildliche Weise : Auf über 500 mit Insiderwissen gespickten Seiten , die keine wahnwitzigen historischen Details auslassen und zahllose Fandevotionalien schnittig ins Bild setzen, werden hier Geschichte, Gegenwart und Zukunft von Footwear aus aller Welt dokumentiert, in Sneaker-Lingo kommentiert und mitgestaltet . Neben einem souveränen Marsch durch die Turnschuhgeschichte werden der Nike Air Max und Air Force, Adi Dassler, Converse, Dapper Dan, Dee Brown, und Michael Jordan - neben obskuren Schätzchen wie Troop, Airwalk und Vision Street Wear - ausführlich verhandelt. Dieser Band ist das definitive Nachschlagewerk für Sneakerheads, visuelles Manna und ein orgiastisch sprudelnder Quell des Treterwissens, kurz ... das Ultimate Sneaker Book !

Im November 2020 wurden Depeche Mode in die "Rock & Roll Hall of Fame" aufgenommen. Bei der Annahme der Ehrung sagte David Gahan: "Ich möchte mich bei Anton Corbijn bedanken, der Gott sei Dank zur richtigen Zeit zu uns stieß und uns tatsächlich cool aussehen ließ." Ebenfalls im Herbst 2020 brachte TASCHEN den limitierten und von Depeche Mode und Anton Corbijn signierten Band Depeche Mode by Anton Corbijn (81-18) heraus, der sich zu einer der am schnellsten verkauften Collector's Editions in der Geschichte des Verlags entwickelte. Diese günstige und aktualisierte Ausgabe im handlichen Hosen-TASCHEN-Format gibt Zeugnis von Corbijns einzigartiger Vision und ist in der Tat so "cool", wie Gahan in seiner Rede würdigte. In der reich illustrierten Geschichte erfährt man, wie Corbijn, der 1986 de facto Kreativdirektor der Band wurde, dazu beitrug, Depeche Modes Ruf als größter Kultband der Welt zu untermauern. Der Band enthält über 150 Fotos aus Corbijns umfangreichem Archiv, darunter sowohl offizielle als auch privatere Bandporträts, aufgenommen in Madrid, Hamburg, der Wüste Kaliforniens, Prag oder Marrakesch; dazu eine Vielzahl von spontanen, ungestellten Bildern und atemberaubende Live-Aufnahmen von sämtlichen Tourneen von 1988 bis 2023 . Entstanden in enger Zusammenarbeit mit der Band gewährt Depeche Mode by Anton Corbijn eine Vielzahl von Einblicken in die Arbeit mit Corbijn und zeigt auf eindrucksvolle Weise, wie die einzigartige Ästhetik eines Mannes, von dem sämtliche Fotografien, die meisten Musikvideos, Albumcover und Setdesigns stammen, die anhaltende Popularität der Band prägten. In der Einleitung erinnert sich Corbijn an seine vielschichtige Rolle bei Depeche Mode: "Vieles hing von mir ab. Ich wollte einfach der Richtige für sie sein, für sie mitdenken und aus mir das Allerbeste herausholen." Der Band zeugt von der Tiefe und Breite dieser Großartigkeit und feiert eine der kreativsten und beständigsten Kooperationen der Musikgeschichte.

Der Silver Surfer entwickelte sich schnell zu einem der stärksten Charaktere im Marvel-Universum, nachdem Stan Lee und Jack Kirby ihn erstmals in der Geschichte der Fantastic Four auftreten ließen. Dem Weltenzerstörer Galactus verpflichtet und dazu verdammt, das Universum für die nächste planetengroße Mahlzeit des Halbgotts zu durchforschen, war der Surfer eine tragische Figur. Und doch sah er mit seinem Board unglaublich cool aus. Bei den Fans war er ein Riesenerfolg und schnell schon ein regulärer Nebendarsteller der Fantastic Four, der inzwischen an ihrer Seite kämpfte. Auch Stan Lees Kreativität entzündete sich an ihm, er konnte es kaum erwarten, ein paar eigenständige Surfer-Stories zu erzählen. Nur das Timing musste stimmen. Im Frühjahr 1968 gab Stan Lee dem Helden das erste fortlaufende Doppelheft. Er rekrutierte dafür John Buscema, der seinen grandiosen Zeichenstift bis dahin den Avengers lieh. Zusammen entwickelten sie eine Reihe von legendären Geschichten, mit denen sich die Figur auf immer definierte. Der galaktisch große XXL-Wälzer versammelt sämtliche Geschichten der 18-teiligen Reihe des Silver Surfers von 1968-1970. Für unsere mit dem Eisner-Award prämierten Serie wurden in enger Zusammenarbeit mit Marvel und der Certified Guaranty Company makellose Originalausgaben reproduziert. Jede Seite wurde fotografiert, wie sie vor mehr als einem halben Jahrhundert gedruckt wurde und mit modernen Retusche-Techniken digital überarbeitet. Eventuelle Ungenauigkeiten der damals vorherrschenden Drucktechnik wurden auf diese Weise korrigiert, so als kämen die Comics frisch aus einer erstklassigen Druckmaschine der 1960er-Jahre. Um die Haptik der ursprünglichen Hefte zu simulieren, wurde eigens für unsere Marvel-Serie ein ungestrichenes Papier entwickelt. Texte des Kritikers und Autors Douglas Wolk sowie von Sal Buscema, seinerzeit selbst Zeichner bei Marvel, ergänzen die Reproduktionen, Fotografien und seltenen Erinnerungsstücke. Auch als Collector's Edition von 1.000 Exemplaren erhältlich.© 2023 MARVEL

"Les dîners de Gala ist einzig den Freuden des Gaumens gewidmet. ... Sollten Sie ein Jünger jener Kalorienwieger und -wäger sein, die die Freuden des Mahles in Strafen verwandeln, so schließen Sie dieses Buch sofort: Es ist viel zu lebendig, viel zu aggressiv und viel zu herausfordernd für Sie." - Salvador Dalí Essen und Surrealismus sind ideale Bettgesellen: Sex und Hummer, Collage und Kannibalismus, die Begegnung zwischen einem Schwan und einer Zahnbürste auf einem Tortenboden. Die opulenten Dinnerpartys, die Salvador Dalí (1904-1989) und seine Gattin und Muse Gala (1894-1982) gaben, waren legendär. Zum Glück für uns veröffentlichte Dalí 1973 das Kochbuch Les Diners de Gala, das verrückteste Kochbuch aller Zeiten, eine Synthese aus surrealistischem Witz und gehobenen und verschrobenen Gaumenfreuden. Diese gekürzte Neuauflage enthält 78 Rezepte in zwölf von Dalí eigens bebilderten Kapiteln mit Titeln wie "Weiche Uhren im Halbschlaf", "Sodomitische Zwischengerichte", "Monarchenfleisch" oder "Desoxyribonuklein-Atavismen". Saucen-Sottisen und Bouillon-Bonmots des Meisters à la "Der Kiefer ist unser bestes Werkzeug, um uns philosophisches Wissen anzueignen", oder "Den Elan meiner Eingeweide halte ich für den höchsten Wegweiser" geben zusätzliche Würze. All diese köstlichen Rezepte lassen sich zu Hause nachkochen, wenngleich einige etwas Übung, eine gut bestückte Vorratskammer und vielleicht auch eine spezielle neuronale Verschaltung voraussetzen. Dies ist Kochkunst alter Schule, von Dalí eingesammelt in Pariser Edelrestaurants. Les dîners de Gala ist zugleich Kunstwerk, Kochbuch und ein multisensorisches Abenteuer.

Mary McCartney ist Fotografin, Filmemacherin, TV-Köchin und Autorin. In Feeding Creativity verbindet sie ihre Passion für Fotografie und Essen und verrät uns 60 ihrer Lieblingsrezepte, die sie für Freunde, Familie, Musiker, Schauspieler, Künstler und Visionäre zubereitet. Sie überrascht ihre Gäste zu Hause oder im Studio mit einem eigenen Gericht. An diesen kulinarischen Begegnungen lässt sie uns hier mit Fotos, Rezepten, Anekdoten und Erzählungen teilhaben.Mary bewirtet in jeder Situation mit besonderer Finesse, sei es mit papierdünnen Frühstückspfannkuchen bei Cameron Diaz oder mit Artischocken als Vorspeise bei HAIM. Zum Lunch in David Hockneys Studio in L.A. bereitet sie eine Tarte mit Zwiebeln, Erbsen und Spinat und mit Woody Harrelson genießt sie zu Hause Hot Dogs. Nile Rodgers trifft sie bei einem Roast-and-Toast-Salat in den Abbey Road Studios, zum Tee mit Jeff Koons zaubert sie eine Regenbogen-Streuseltorte.  Feeding Creativity ist ein Toast auf eine unkomplizierte, köstliche vegetarische Küche und zelebriert kulinarische Geselligkeit.

Diese fotografische Liebesgeschichte führt ihre Betrachter durch 55 Jahre der Zusammenarbeit und Partnerschaft von June und Helmut Newton. Es ist die Chronik ihres gemeinsamen Lebens, die sie 1998 erstmals mit ihrem legendärem Gemeinschaftsprojekt Us and Them öffentlich dokumentierten.    ¿ Der erste Teil des Buches - das Us - zeigt persönliche Porträts voneinander sowie Selbstporträts voller Zuneigung und Intimität. Über mehrere Jahrzehnte hinweg entstanden, erzählt jede Fotografie von der zärtlichen Sehnsucht nach dem Damals. In diesem fotografischen Tagebuch richtet sich das Kameraobjektiv auf das gemeinsame Leben von Helmut und June Newton abseits der Öffentlichkeit.   Der zweite Teil - Them - ist eine glamouröse Reise durch die Zeit, bei der die Linse der Fotografen zahlreiche Protagonisten des kulturellen und gesellschaftlichen Jetsets in unvergleichlicher Ästhetik einfing. Catherine Deneuve, Anjelica Huston, David Hockney und Timothy Leary wurden dabei ebenso in Szene gesetzt wie Peter Beard, Yves Saint Laurent, Thierry Mugler, Jane Birkin oder Charlotte Rampling. Die von June und Helmut Newton in verschiedenen Fotoshootings aufgenommenen Porträts stehen sich jeweils paarweise gegenüber und offenbaren auf diese Weise zwei Facetten derselben Persönlichkeit. Ebenso eindeutig wie elegant präsentiert sich in diesem Band die faszinierende Melange von Leben und Werk beider Künstler, die sich perfekt ergänzten.

Als The Big Book of Breasts 2006 erschien, wurde es sofort zum Bestseller. Seine 396 Seiten machten mit den von der Natur üppig ausgestatteten wichtigsten Nacktmodellen der 1950er, '60er und '70er bekannt. Dazu gehörten Joan Brinkman, Virginia Bell, Roberta Pedon, Mary Waters, Margaret Middleton, Keli Stewart und viele mehr. Die einzige Kritik an dem Buch war, dass es keine biografischen Angaben zu den kurvigen Schönheiten gab und keine Listen ihrer Auftritte in Magazinen und Filmen, um ihnen noch näher kommen zu können. Das nahmen wir uns zu Herzen, und The Bigger Book of Breasts ist die Antwort. Es gibt jetzt nicht nur mehr Seiten mit völlig neuen Bildern Ihrer beliebtesten Busenstars aus den '50ern zu den '70ern. Sie alle haben nun auch ein persönliches Profil erhalten. Welches Model hat den Schauspieler Richard Pryor geheiratet? Wer inspirierte Russ Meyer zu seinem ersten Film? Wo sind diese Amateurfilme mit Mary Waters geblieben? Und ja, Roberta Pedon ist gesund und munter! Um dem Thema "Bigger Breasts" ein Update zu geben, haben wir zwölf der unglaublichsten und provokativsten Natur-Busenmodelle von heute dazu genommen. Aufgespürt hat sie quer über den Globus der Berliner Fotograf Bernd Daktari Lorenz. Und die Modelle Nadine Jansen, Milena Velba, Luna Amor, Valory Irene, Miosotis Claribel sowie die unglaubliche Hitomi Tanaka beweisen, dass Brüste größer denn je sind, und dass größer einfach schöner ist. Das gilt sowohl für Brüste wie für Bücher. Als Extra gibt es die atemberaubenden Fotos unseres exklusiven Covergirls Kelly Madison dazu und machen The Bigger Book of Breasts zu einem noch größeren Genuss für alle.

Wahre Schönheit mag von innen kommen, doch die Verpackung ist das, was überzeugt. Mit den Gewinnern der Pentawards 2021 und 2022 präsentiert The Packaging Design Book einmal mehr das eindrucksvolle Spektrum dieser besonderen Kunstform und rückt in seiner siebten Ausgabe erstmals die Wettbewerbsbeiträge der neugeschaffenen Kategorie "Nachhaltiges Design" in den Fokus. Branchenprofis und Newcomer aus über 60 Ländern sprengen mit ihren Entwürfen die Grenzen des klassischen Designs und vermitteln die Vision von Nachhaltigkeit und Vielfalt in der Verpackungsindustrie. Dieser Band wird so zum Showcase einer Disziplin, in der Schönheit und Integrität Hand in Hand gehen. Die 50-köpfige Jury repräsentiert 25 Brands und 25 Designagenturen, darunter Amazon, Mars Food, Vault49, Estée Lauder, Superunion, Coty, WWF und Stranger & Fremder. Sie wählt aus über tausend Einsendungen und zelebriert Verpackungsdesign auf der Höhe der Zeit: witzig, elegant und auf dem Weg dieser Branche in die Zukunft.

Von Edouard Manets Porträt des Schriftstellers Émile Zola, der inmitten seiner japanischen Kunstfunde hockt, bis hin zu Van Goghs akribisch gesammelten Hiroshige-Drucken - Pioniere der europäischen Moderne machten im 19. Jahrhundert kein Geheimnis aus ihrer Liebe zur japanischen Kunst. In all seiner sprudelnden Sinnlichkeit und Freizügigkeit schreibt man den Trend des Japonismus allein dem Holzschnitt zu, der zunächst Frankreich und später ganz Europa in seinen Bann zog - oft missverstandene, "exotische" Artefakte, die der westlichen Kreativität als Inspiration dienten. Tatsache ist, dass der japanische Holzschnitt ein Phänomen darstellt, zu dem es kein westliches Äquivalent gibt. Einige wegweisende Ideen der Moderne - darunter Karl Marx' Diktum, dass "alles, was fest ist, sich in der Luft auflöst" - wurden im Japan des 17. Jahrhunderts entwickelt und im frühen 19. Jahrhundert erstmals in den Werken von Meistern wie Hokusai, Utamaro und Hiroshige zum Ausdruck gebracht. Dieses Buch lüftet den Schleier dieser beliebten, aber wenig verstandenen Kunstform und präsentiert die außergewöhnlichsten japanischen Holzschnitte in ihrem historischen Kontext. Die hier versammelten Werke reichen von den Anfängen über den Höhepunkt der Entwicklung im Ukiyo-e, den "Bildern der schwebenden Welt", im 17. Jahrhundert bis zum Niedergang und späteren Wiederaufleben der Drucke im frühen 20. Jahrhundert. Dokumentiert wird nicht nur ein einzigartiges Genre der Kunstgeschichte, sondern auch die sich wandelnden Sitten und die kulturelle Entwicklung Japans. Wir entdecken die vier Säulen des Holzschnitts - Schönheiten, Schauspieler, Landschaften sowie Vogel- und Blumenkompositionen - neben Darstellungen von Sumo-Ringern, Kabuki-Schauspielern oder Edelkurtisanen - Popstars, welche die "schwebende Welt" bevölkerten und deren wachsende Anhängerschaft die explosive Produktion der Holzschnitte beflügelte. Wir tauchen ein in bedrohlich-obskure Szenen, in denen Dämonen und Geister Angst und Schrecken verbreiten und die japanische Mangas, Filme und Videospiele bis heute beeinflussen. Wir erleben, wie technische Meisterschaft und das unfehlbare Auge ihrer Schöpfer diese Werke in ihrer unglaublichen Breite - von Alltagsszenen über Erotik, Kampfkunst bis hin zur Mythologie - vereint und wie Verleger und Künstler mit enormem Einfallsreichtum und Augenzwinkern gleichermaßen darum gekämpft haben, die staatliche Zensur zu umgehen. Diese Ausgabe vereint die besten erhaltenen Drucke aus Museen und Privatsammlungen weltweit und bietet Beschreibungen, die uns durch diese rasante Periode der japanischen Kunstgeschichte führen.

Die Idee, einen Baum zu erklimmen, um Schutz zu suchen oder die Erde einfach nur aus einem anderen Blickwinkel zu betrachten, ist so alt wie die Menschheit selbst. Unternehmen Sie mit uns einen Ausflug zu den schönsten, einfallsreichsten und ungewöhnlichsten Wipfelparadiesen unseres Planeten. Von romantisch bis modern, von kernig-rustikal bis stylish finden Sie hier alle Spielarten von Baumbauten: vom Teehaus, Restaurant, Hotel und Spielhaus für Kinder bis zu schlichten Hochsitzen, auf denen man über das Leben nachdenken und die Aussicht genießen kann. Baumhäuser können so viele Formen annehmen, wie unsere Fantasie es zulässt. Mit einer Fülle prächtiger Fotos und Illustrationen ist dieser Band eine Ode an eine alternative Lebensart, bei der verspielte Vorstellungskraft auf umweltbewusste Finesse trifft.

"Wir sind unter schnell wachsenden Datenbergen begraben. Vor diesem Hintergrund soll das vorliegende Buch nicht zur Masse der Daten beitragen, sondern echtes Wissen bieten." -James Lovelock Wir Menschen sind außergewöhnliche Geschöpfe. Wir haben uns zur dominierenden Spezies auf dem Planeten entwickelt und ihn derart umgestaltet, dass viele schon von einem neuen Erdzeitalter sprechen, dem Anthropozän . Aber unser privilegierter Status eröffnet nicht nur immer neue Möglichkeiten, er nimmt uns auch in die Pflicht: Wie sollten wir durch das neue Erdzeitalter reisen? Welches Wissen sollten wir mitnehmen? Diese illustrierte Anthologie ist ein Reiseführer in die Zukunft für den Menschen des 21. Jahrhunderts . Nach einer Idee von James Lovelock (1919-2022), dem Urheber der Gaia-Theorie, ermuntert das Buch zu einem ganzheitlichen Verständnis unserer Lebenswirklichkeit. Ähnlich wie die Gaia-Theorie unsere Erde als lebendiges Ganzes betrachtet, so bringt Die Erde und ich eine Reihe renommierter Autoren aus dem gesamten Spektrum der Wissenschaft zusammen, um auf breiter Grundlage ein Verständnis davon zu vermitteln, wer wir sind und wo wir uns befinden . Wie alle guten Reiseführer zeigt Die Erde und ich sowohl komplexe Einzelheiten als auch übergeordnete Strukturen auf. In zwölf Kapiteln zoomen wir uns von Wissenschaft zu Wissenschaft aus unserem ewig expandierenden Universum hinein in unsere winzigen, aber mächtigen Zellen. Astronomie, Geologie, Neurowissenschaften und Wirtschaftstheorie: Wir sehen Sterne explodieren , betrachten die Schichten des Lebens unter unseren Füßen , rücken den Fakten hinter den Klimakontroversen zu Leibe und denken über unsere wachsende Vertrautheit mit der Technik . Zu unseren fachkundigen Reiseführern zählen die Quantenphysikerin Lisa Randall, der Astronom Martin Lord Rees, der mit dem Pulitzer-Preis ausgezeichnete Biologe Edward O. Wilson und der Nobelpreisträger und Neurowissenschaftler Eric Kandel . Ihre packenden Essays und Berichte geben - mit Werken des britischen Künstlers Jack Hudson anschaulich illustriert - neugierigen Lesern aller Altersgruppen einen Werkzeugkasten für eine aufgeklärte Zukunft an die Hand.

Seine Arbeit gilt zu Recht als außergewöhnlich. Mit einer weltumspannenden Karriere über sechs Jahrzehnte schöpft Norman Foster , einer der einflussreichsten Architekten unserer Zeit, aus dem Vollen: Für ihn gehören kreative Innovation und ein ganzheitlicher Ansatz untrennbar zusammen, wenn es darum geht, architektonische Wahrzeichen zu erschaffen. Der Apple Park im kalifornischen Cupertino, der Berliner Reichstag , der Innenhof des British Museum in London oder der Millau-Viadukt in Frankreich - die mit seinem Architekturbüro Foster + Partners entworfenen Werke beweisen nicht nur erfinderische Modernität, sondern auch Fosters ureigenes "nachhaltiges Konzept zur Gestaltung der gebauten Umwelt" . Erstmals offenbart Foster in einer umfassenden Gesamtschau seltene Einblicke in seinen kreativen Schaffensprozess . Der vielseitig interessierte Architekt schildert seine Arbeitsweise und schlägt den Bogen sowohl von der Kunst zur Architektur als auch von seinen Leidenschaften - beispielsweise für das Fliegen - zu seiner Arbeit. Die XXL-Monografie in zwei Bänden führt uns durch ein Leben voller Originalität und Schaffensdrang. Während das erste Buch Fosters architektonische Arbeit mit mehr als 2000 Fotos und Skizzen aus seinen persönlichen Archiven präsentiert, enthält das zweite neben fast 1000 weiteren Illustrationen acht Essays des Architekten zu den Quellen seiner Inspiration . Diese visuelle Erkundungsreise bringt uns nicht nur die außerordentliche Leistung, sondern auch das Genie Norman Fosters näher, zu dessen Auszeichnungen der Pritzker-Preis 1999, die Goldmedaille für Architektur des American Institute of Architects, die Royal Gold Medal for Architecture sowie die Goldmedaille der French Academy of Architecture gehören. Gemeinsam mit dem Autor und dem Designer schuf Norman Foster mit viel Leidenschaft ein wahres Gesamtkunstwerk . Auch erhältlich als Art Edition, limitiert auf 300 Exemplare. Mit einem signierten Kunstdruck einer Zeichnung des künftigen Innovations- und Begegnungszentrums InnHub La Punt in der Schweiz und einem maßgefertigten, zum Buchständer aufklappbaren Schuber.

Als Marvel-Verleger Martin Goodman den genialen Stan Lee bat, eine neue Comicreihe zu entwickeln, ahnte er nicht, dass er so etwas wie The X-Men bekommen würde. Niemand sah voraus, dass sich diese Superhelden zu einem wahren Phänomen der Popkultur entwickeln würden - nicht Goodman, nicht Lee, und nicht einmal der hellsichtige Futurist Jack Kirby. Von Lee und Kirby als Mutanten konzipiert, begannen sie als ein charmantes, bunt zusammengewürfeltes Team von Außenseitern. Sie waren Teenager mit "eX-tra"-Kräften, die sie bei ihrer Geburt erhielten und nicht etwa durch zufällige kosmische Strahlung oder eine Atomexplosion. Ausgebildet und angeführt von einem nüchternen Professor, waren die Helden imstande, die Welt vor Bedrohungen und Bösewichten zu bewahren.Die ersten Stories legten den Grundstein für vieles, das die X-Men zu einer Schnittstelle von Comics und Popkultur werden ließ. Von der Öffentlichkeit gefürchtet, missverstanden und verfolgt, führten die Mutanten ihren eigenen Bürgerrechtskampf. Ihren unterschiedlichen Superkräften zum Trotz, fanden die Außenseiter Cyclops, Marvel Girl, Angel, Beast und Iceman in ihrer Gemeinschaft Sicherheit. Professor Xavier stellte sich seinem Feind Magneto, der seinerseits eine Bruderschaft böser Mutanten versammelt hatte und gegen die ganze Menschheit kämpfte.Lee und Kirby waren davon beflügelt, die Comics in das Marvel-Zeitalter zu führen und erfanden eine ganze Schar von Schurken und Figuren die zu festen Bestandteilen der Marvel-Heldensagen werden sollten: die mit Superkräften ausgestatteten Geschwister Quicksilver und Scarlet Witch, den kollossalen Blob, den unaufhaltsamen Juggernaut, Ka-Zar, den Dschungelbewohner aus dem Wilden Land, den Halbgott The Stranger von den Sternen, und Bolivar Trask mit seiner Armee von Sentinels, die Mutanten jagten. Als Lee und Kirby neuen Talenten Platz machten, um sich anderen Gefilden des Marvel-Universums zu widmen, tat sich der Zeichner aus der Atlas-Ära Werner Roth mit dem aufstrebenden Autor Roy Thomas, der bald selbst eine Legende werden sollte, zusammen, um ihre langjährige Arbeit an den X-Men zu beginnen.Angelehnt an die Größe der Originalzeichnungen enthält diese Ausgabe im XXL-Format die ersten 21 Geschichten der sonderbaren Superhelden aus den Jahren 1963-1966. In enger Zusammenarbeit mit Marvel und der Certified Guaranty Company (CGC) wurden makellose Originalausgaben für die Reproduktion neu aufgenommen. Jede Seite wurde so fotografiert, wie sie vor mehr als einem halben Jahrhundert gedruckt wurde, und dann mit modernen Retusche-Techniken digital überarbeitet. Eventuelle Ungenauigkeiten der damals vorherrschenden Drucktechnik wurden auf diese Weise korrigiert, so als kämen die Comics frisch aus einer erstklassigen Druckmaschine der 1960er Jahre. Um die Haptik der ursprünglichen Hefte zu simulieren, wurde eigens für unsere Marvel-Serie ein ungestrichenes Papier entwickelt.In seinem Vorwort lässt der kreative Kopf hinter den modernen X-Men-Stories, Chris Claremont, die Blütezeit der Gründerjahre von Lee und Kirby noch einmal aufleben. Ein ausführlicher Essay des X-Men-Autors Fabian Nicieza sowie Originalzeichnungen, Fotos und Erinnerungsstücke begleiten uns in die frühen Jahre der X-Legenden.Auch als Collector's Edition von 1.000 nummerierten Exemplaren erhältlich© 2023 MARVEL

Das weibliche Bein ist ein erotisches Phänomen. Es ist kein Geschlechtsteil, es ähnelt seinem männlichen Gegenstück fast aufs Haar - warum sollte man es also sexualisieren? Und doch wurden quer durch fast alle Zeiten und Kulturen Frauenbeine bedeckt, versteckt und derart tabuisiert, dass sie sich in Objekte intensiver sexueller Obsession verwandelten. Unter Königin Viktoria war in der feinen britischen Gesellschaft schon das Wort "leg" (Bein) verpönt, da man befürchtete, allein sein Klang könne Männern vor Lust die Besinnung rauben. Und sogar heute, 100 Jahre nach der Enthüllung der Frauenbeine, üben sie noch immer eine starke erotische Anziehungskraft aus. Im dritten Band ihrer sensationell erfolgreichen Reihe über erotische Körperteile geht Dian Hanson der Frage nach, wie das Bein allmählich - von der Französischen bis zur sexuellen Revolution - zum zentralen Thema der Frauenbewegung wurde. Über 400 Fotos dokumentieren die ersten burlesken "Beinshows" des frühen 19. Jahrhunderts, die wilden Seidenstrumpfträgerinnen der 1920er, die Nylonmanie der 1940er, den punktierten Auftritt des Pfennigabsatzes in den 1950ern und schließlich das Goldene Zeitalter der Leg Magazines in den 1960ern. Der Beinliebhaber wird beglückt erfahren, wer als Erste hochhackige Schuhe trug, wie Nylonstrümpfe zu Kriegsgerät wurden, warum Betty Grable Millionen-Dollar-Beine hatte, wie bei Elmer Batters alles anfing und was eigentlich Füße so anziehend macht - all das illustriert durch Vintage-Fotografien von Altmeistern der Beinkunst wie Irving Klaw , Peter Gowland , Bunny Yeager , Batters und anderen.

Zwischen dem Deutsch-Französischen Krieg und dem Ersten Weltkrieg erlebte Frankreich ein goldenes Zeitalter von Frieden, Fortschritt und Wohlstand. Diese Ausgabe präsentiert Fotochrome, Vintage-Fotografien, Postkarten und Plakate aus der Zeit um 1900. Von den Pariser Boulevards bis zur Côte d'Azur zeigt sich die Belle Époque in schillernden Farben.

Spielend vereinigte André Butzer europäischen Expressionismus und amerikanische Popkultur und malte sich durch die künstlerischen und politischen Extreme des 20. Jahrhunderts. Mit weitreichenden Vorbildern wie Friedrich Hölderlin, Edvard Munch, Walt Disney oder Henry Ford entwickelte er ein fiktionales Universum, das um die Weltraumkolonie NASAHEIM kreist. Dort wohnt der Friedens-Siemens, ein freundliches Kopf-Wesen, das im Zeitalter des Massenkonsums utopische Ideen mit dem ökonomischen Denken verbindet, während Figuren wie der Wanderer romantische Projektionen und der Schande-Mensch Spiegelbilder der politischen Vergangenheit anbieten. Dieses Universum verleiht Butzers Bildern thematische Tiefe. Als "Hauptdarsteller" des Frühwerks umlagern die Charaktere das sogenannte N-Haus, das Zuhause aller Farben. Kurz nach der Jahrtausendwende befreien sich die Farben und entwickeln ein Eigenleben. Auf großen abstrakten Gemälden entfalten sie sich ungebunden und doch harmonisch ausgewogen. An den äußersten Grenzen der Sichtbarkeit und des Bildes erforscht Butzer in den vermeintlich tiefschwarzen N-Bildern ab 2010 die grundlegenden Dimensionen und Potenziale des malerischen Ausdrucks. Daran anschließend zieht er 2018 nach Kalifornien und malt ganzjährig unter freiem Himmel. Die neuen Gemälde besitzen eine strahlende Frische, umschließen sein gesamtes bisheriges Werk - Farben, abstrakte Formen und Linien, selbst wieder Figuren - und offenbaren ein gereiftes malerisches Denken. Dieses Buch umfasst zum ersten Mal die volle Bandbreite des Gesamtwerks von André Butzer zwischen 1999 und 2023. Dabei nimmt die Entwicklung der Arbeiten eine fast musikalische Dynamik an - von Entfaltung, Rückkehr und Neubeginn. Zwischen den Bildtafeln finden sich Aussagen des Künstlers, die den Hintergrund des Werks aus seiner unverwechselbaren Perspektive beleuchten, ergänzt um Fotografien aus Butzers Archiv. Der einführende Essay von Hans Werner Holzwarth untersucht die unterschiedlichen Phasen des Werks und stellt die Ideen des Künstlers in den größeren kunstgeschichtlichen Zusammenhang nach dem eigentlichen Ende von Abstraktion und Figuration. Vor allem aber bescheinigen die makellosen, großformatigen Abbildungen Butzers Gewandtheit als Kolorist, die ihn zu einem der weltweit anerkanntesten Kunstschaffenden seiner Generation macht.

Seit TASCHEN im Jahr 1996 The Great American Pin-up herausbrachte, hat diese genuin amerikanische Kunstform international stark an Reputation gewonnen. Die leicht geschürzten Mädchen, die ursprünglich als Kalendergirls und Seelentrost die Spinde von Soldaten und Arbeitern zierten, fanden damals lediglich das Interesse einiger fanatischer Sammler. Mittlerweile haben sie es in die angesehensten Museen der Welt geschafft. Bilder von Größen der Pin-up-Kunst wie Alberto Vargas, George Petty oder Gil Elvgren , die 1996 noch für 2.000 Dollar zu haben waren, kosten heute 200.000 Dollar und mehr. Allein schon aus Höflichkeit haben es sich die hübsch gemalten Mädchen auch auf ihrem Weg in die museale Anerkennung nicht nehmen lassen, bisweilen zu stolpern, um kurze Blicke auf ihre Höschen und damit ihr Kerngeschäft zu gestatten: ein wenig teasen , ein bisschen Bein zeigen und die Fantasie beflügeln - alles natürlich im halbwegs sittsamen Rahmen! Ausgehend von unserem gefeierten XXL-Kompendium The Art of Pin-up versammelt diese erschwinglichere Ausgabe die Top 10 dieser Kunstform in ausführlichen Einzelporträts. Jedes Kapitel dokumentiert den kreativen Prozess mit historischen Dokumenten - Fotos der Models, die als Vorlagen dienten, zeitgenössischen Drucken etc. -, von denen viele in der legendären Brown & Bigelow Calendar Company fotografiert wurden, die das weltweit größte Archiv an Vintage-Pin-up-Kalendern beherbergt.

Auf den ersten Blick erinnern Walton Fords großformatige, detailreiche Tieraquarelle an die Drucke der Illustratoren John James Audubon und Edward Lear aus dem 19. Jahrhunderts. Bei genauerem Hinsehen eröffnet sich jedoch ein komplexes und beunruhigend anthropomorphes Universum voller Symbolik , hintergründigem Humor und Anspielungen auf die "Opernhaftigkeit" traditioneller Naturkunde . In diesem beeindruckenden und zugleich unheimlichen visuellen Universum sind die Bestien nicht nur ästhetische Objekte , vielmehr dynamische Darsteller allegorischer Kämpfe : Ein wilder Truthahn zermalmt mit seiner Klaue einen kleinen Papagei; ein Trupp Affen verwüstet eine festlich gedeckte Tafel; ein Büffel ist von blutbefleckten weißen Wölfen umstellt. Diese Bilder in strahlenden Aquarellfarben fesseln nicht nur durch ihren verblüffenden Naturalismus , sondern auch durch die komplexen Geschichten , die sie erzählen. Diese aktualisierte Ausgabe von Pancha Tantra - die zunächst als signierte und limitierte Edition erschienen war - ist der bislang umfangreichste Überblick über Fords Werk mit über 20 neuen Arbeiten des Künstlers . Der Band bietet schillernde Details, eine eingehende Analyse seines Werks , eine vollständige Biographie und Auszüge aus Texten, die ihn inspirierten : von indianischen Volksmärchen über die Briefe von Benjamin Franklin und Das Leben des Benvenuto Cellini bis hin zu Audubons Ornithologischer Biographie .

Die japanische Architektur wird seit langem für ihre Extravaganz, Nachhaltigkeit und scheinbar unbegrenzte Kreativitä t gerühmt - nicht weniger als acht japanische Architektinnen und Architekten wurden mit dem Pritzker-Preis ausgezeichnet . Seit den experimentellen Kontruktionen der Expo '70 in Osaka hat Japan eine Schlüsselposition in der globalen Architektur , manifestiert in meisterhaften Betonkonstruktionen von Tadao Ando oder nachhaltigeren Ansätzen von Baumeistern wie Kengo Kuma , Shigeru Ban und Kazuyo Sejima . Jüngere Generationen entwickelten ihre Arbeit noch weiter im Einklang mit der Umwelt, Bautraditionen und verfügbaren Ressourcen, immer in Hinblick auf die besonderen Situation des Landes: hohe Bevölkerungsdichte, effiziente Wirtschaft sowie tragische Katastrophen wie Erdbeben. So unterscheidet sich die japanische Architektur im Kern von der europäischen und amerikanischen durch die Fähigkeit zu akzeptieren, dass die Welt so unvorhersehbar ist wie die Spiegelungen des Lichts in Sejimas Museumsbau in Kanazwa. Dieses Buch basiert auf der XL-Ausgabe und präsentiert 37 japanische Architektinnen und Architekten mit insgesamt 53 Projekten , von Tadao Ando s Shanghai Poly Theater, SANAA s Grace Farms, Fumihiko Maki s 4 World Trade Center bis hin zu Takashi Suo s nachhaltiger Zahnarztpraxis. Ein ausführlicher Essay verdeutlicht, dass ein Zusammenspiel von Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft das Fundament zeitgenössischer japanischer Baukunst bildet, wie es in keinem anderem Land möglich wäre.

Helmut Newton's lens captured the essence of elegance, power, and glamorous sexuality, showcasing the allure of women as never before. His photographs tell stories that evoke desire, intrigue, and empowerment, leaving an indelible mark on the art world.

Indem Max Ernst (1891-1976) sich vom eng gesteckten Kulturbegriff seiner Zeit befreite und dessen Grenzen stetig erweiterte, avancierte er zu einer der bedeutendsten Persönlichkeiten des Dadaismus und Surrealismus . Seine Entwicklung zum Pionier der Dada-Bewegung gilt als Gegenreaktion auf den Horror des Ersten Weltkriegs. Dass die berühmte Dada-Ausstellung in Köln wegen angeblicher "Obszönität" geschlossen wurde, brachte Ernst dazu, nach Paris auszuwandern, wo er mit den Surrealisten in Kontakt kam und seinen künstlerischen Horizont noch einmal erweiterte. Als herausragender Künstler zeichnete sich Ernst vor allem durch die Aneignung von unterschiedlichsten Stilen und Techniken aus und brachte dadurch ein OEuvre hervor, das neben Malereien, Zeichnungen und Skulpturen auch Texte, Bühnenbilder, Collageromane und die Entwicklung seiner eigenen "Frottage"-Technik umfasst. Während des Zweiten Weltkriegs wurde der Künstler wie viele seiner Kollegen in die Emigration gezwungen. Das hielt ihn jedoch nicht davon ab, nach dem Krieg wieder nach Frankreich zurückzukehren, wo er an seine jahrzehntelange Karriere anknüpfte und 1954 den Großen Preis für Malerei der Biennale in Venedig erhielt. Dieses Buch ist eine Reise durch magische, lebendige und fantasievolle Welten und bietet Einblick in den komplexen Geist und die unvergleichliche künstlerische Originalität von Max Ernst.

Im New York der Fünfzigerjahre, bevor er zu einem der bekanntesten Künstler des 20. Jahrhunderts wurde, war Andy Warhol ein geschätzter und erfolgreicher Gebrauchsgrafiker . In dieser Zeit schuf er, um Kunden zu gewinnen, Kontakte zu pflegen und Freundschaften aufzubauen, sieben handgefertigte Bücher mit eigenen Zeichnungen und skurrilen Texten, die unter anderem sein Faible für Katzen, Essen, Schuhe, hübsche Jungs und hinreißende Mädchen verrieten. Die in Kleinstauflage erstellten Bücher sind heute unerschwingliche Sammlerstücke. TASCHENs Reprint von sieben dieser Bücher im XL-Format gleicht Warhols Originalen im Detail. Mit Titeln wie Love Is a Pink Cake, 25 Cats Named Sam und À la recherche du shoe perdu offenbaren die Bände Warhols vollendete Zeichenkunst , seine grenzenlose Kreativität und seinen mit zahlreichen Anspielungen gespickten Humor. Dieser Band ist ein reizvolles Spiel mit Stilen und Gattungen ; so widmet A Is for Alphabet jedem Buchstaben des Alphabets eine eigene Seite, während die Illustrationen von holprigen Dreizeilern über merkwürdige Begegnungen zwischen Mensch und Tier begleitet werden. In the Bottom of My Garden ist Warhols Version eines Kinderbuchs und zugleich ein Bekenntnis zur homoerotischen Liebe. Bei Wild Raspberries hingegen parodiert er mit einem Füllhorn abenteuerlicher Rezepte ein Kochbuch. Dieses farbenfrohe Portfolio wird durch Essays ergänzt, in denen Warhols Illustrationen erläutert werden. Mit selten gesehenen Fotografien des Künstlers und Bildern seiner kommerziellen Auftragsarbeiten ordnen sie Warhols Kunst aus den fünfziger Jahren in einen größeren Zusammenhang ein und bietet Einblicke in seine frühe schöpferische Vorgehensweise. Diese wenig bekannten, aber sehr begehrten Frühwerke Warhols wirken heute noch ebenso anregend und originell wie in den seligen Zeiten der 1950er. Mit einem einführenden Essay der Warhol-Expertin Nina Schleif sowie zeitgenössischen Bildern und Fotos von Warhol zeigt dieser sorgfältige Nachdruck Warhol in dem Moment, in dem aus dem Gebrauchsgrafiker ein Künstler wird. © The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc.

In endlosen Oden an den weiblichen Körper ermalte sich Amedeo Modigliani (1884-1920) mit langgestreckten Körpern und Mandelaugen seinen Platz in der Kunstgeschichte. Seine aparten Frauenbildnisse, sinnlich und mit Schwanenhals, sind unverkennbar. Diese einzigartigen Figuren entsprangen dem persönlichen Schönheitsideal des Malers, der sich dabei jedoch von zahlreichen visuellen Quellen inspirieren ließ, darunter dem zeitgenössischen Kubismus, afrikanischen Holzschnitzereien, kambodschanischen Skulpturen und der italienischen Malerei des 13. Jahrhunderts . Obwohl vor allem für seine weiblichen Akte bekannt, wandte Modigliani denselben Stil auch auf Porträts männlicher Künstlerkollegen wie Pablo Picasso , Jean Cocteau und Chaïm Soutine an. Dieses Buch stellt einige der wichtigsten Werke Modiglianis vor und zeichnet seine kurze aber steile Karriere im Herzen der Avantgarde in Paris nach.