Bücher veröffentlicht von Spectormag GbR

Auto und Küche prallen in Lena Henkes Ausstellung "Good Year" im Museum Marta Herford aufeinander und stellen kleinbürgerliche Ideale, Markenversprechen und Heimatdefinitionen auf das Tablett. In der raumgreifenden Rauminstallation P7340LH adaptiert Henke eine von Poggenpohl in Kooperation mit Porsche-Design auf den Markt gebrachte Küche und presst Reifen in die Rasterordnung einer Küchenzeile.Als "Manual" erweitert der Künstlerkatalog die Bildwelten dieser Pole zwischen Lifestyleästhetik sowie Fragen von Prägung, Identität und Rollenbildern. Das produktive Arbeiten mit Recherchematerial und seine Umsetzung in Comics oder Collagen ist Teil von Henkes vielschichter Praxis, die sich von der Bildhauerei in weitere Dimensionen zieht und dabei stark vom räumlichen und umweltorientierten Denken geprägt ist.Lena Henke wurde 1982 in Warburg geboren, sie lebt und arbeitet in Berlin und New York. Sie ist die 5. Preisträgerin des Marta-Preis der Wemhöner Stiftung

"The Great Repair" is an oxymoron. The title captures the convergence of two seemingly contradictory principles: the revolutionary ambition for systemic change and the evolutionary act of repair. Despite the justified (postmodern) skepticism toward revolution as a concept of rupture, we must not abandon our aspiration to bring about profound transformation. The philosopher Eva von Redecker formulates this thought along similar lines in this issue:Two English language issues of ARCH+ Magazine for Architecture and Urbanism are published in collaboration with Spector Books to accompany the exhibition. The first issue (ARCH+ The Great Repair - Politics of the Repair Society, May 2023) serves as a theoretical introduction to the topic, while the second (ARCH+ The Great Repair - A Catalog of Practices) introduces practices of repair and will be published on the occasion of the exhibition's opening as a catalog.

Die Künstlerin Asta Gröting arbeitet seit über drei Jahrzehnten mit dem Medium des Bewegtbildes und der Skulptur. Sie produziert Videos über das Verhältnis zwischen dem menschlichen Körper und dem Raum, zwischen der Beziehung von Mensch und Tier sowie Tieren untereinander. Ihre Filme, Performances und Skulpturen richten den Blick auf Oberflächen, um zu ergründen, was sich dahinter verbirgt. Jedem Werk scheint die Frage zugrunde zu liegen: Was ist das Wesen von x? Was ist das Wesen von Wolf und Hund? In ihrer jüngsten Arbeit Wolf and Dog lässt Asta Gröting ihre aufgekratzte Australian-Shepherd-Hündin Laika auf einen entspannten Wolf treffen. Mit einer Ultrahochgeschwindigkeitskamera, die 1000 Bilder pro Sekunde aufnimmt, wird die gemeinsame Fütterung der Tiere gefilmt und extrem verlangsamt auf eine Leinwand projiziert. Hund und Wolf kommen sich bei der Verteilung von einem Stück rohen Fleisch nicht ins Gehege.Das Wesen von x erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Lindenau-Museum in Altenburg, das der Künstlerin den Gerhard-Altenbourg-Preis 2023 verliehen hat.Asta Gröting, geb. 1961 in Herford, lebt und arbeitet in Berlin. Sie studierte Bildhauerei an der Staatlichen Kunstakademie in Düsseldorf und lehrt seit 2009 an der Hochschule für Bildende Künste Braunschweig.

Style Congo: Heritage & Heresy untersucht die Politik der kulturellen Repräsentation und Aneignung anhand zeitgenössischer künstlerischer und architektonischer Interventionen und historischer Materialien, die hauptsächlich aus der CIVA-Sammlung in Brüssel stammen. Ausgehend von der gleichnamigen Ausstellung und beginnend mit dem Jugendstil wird in diesem Buch die Darstellung des Kongo in internationalen und kolonialen Ausstellungen in Belgien, Frankreich und dem Kongo zwischen 1885 und 1958 nachgezeichnet.

Style Congo: Heritage & Heresy untersucht die Politik der kulturellen Repräsentation und Aneignung anhand zeitgenössischer künstlerischer und architektonischer Interventionen und historischer Materialien, die hauptsächlich aus der CIVA-Sammlung in Brüssel stammen. Ausgehend von der gleichnamigen Ausstellung und beginnend mit dem Jugendstil wird in diesem Buch die Darstellung des Kongo in internationalen und kolonialen Ausstellungen in Belgien, Frankreich und dem Kongo zwischen 1885 und 1958 nachgezeichnet.

Das fotografische Werk von Ulrich Wüst kann aus verschiedenen Perspektiven wahrgenommen werden. Die Beobachtungen, die er in seinen Bildern festhält, mögen letztlich ihre Wurzeln in der deutschen Teilung und deren Überwindung haben. Sie betreffen jedoch immer auch universelle Phänomene gesellschaftlicher Wandlungen und deren materielle Erscheinungsformen. Die scheinbar lapidaren, höchst präzise komponierten Bilder sind Ergebnis langer visueller Wanderungen in gegenwärtigen Orten der jüngsten Geschichte.

Der Raum, in dem wir leben, ist von Strömungen, von Übergängen bestimmt. Wir sind allerdings sodaran gewöhnt, uns in dieser hypermodernen Welt zu bewegen, dass wir die Strömungen, die unserLeben ausmachen, gar nicht wahrnehmen. Sie sind unsichtbar, verborgen im Offenen - so lange,bis sie zusammenbrechen. Der Krieg in der Ukraine verhindert den Export von Weizen, Covid-19 undHolzmangel machen sich bei Bauvorhaben überall auf der Welt bemerkbar: Diese Geschehnissesind nicht nur menschliche Tragödien, sie erinnern uns auch in aller Dringlichkeit an globale Ab-hängigkeitsverhältnisse. Visible upon Breakdown untersucht die kulturellen, politischen und räum-lichen Dimensionen der Infrastruktur in einer transdisziplinären Diskussion zwischen Fotografie,Sozialwissenschaften und Architektur. Dabei geht es um das Verhältnis zwischen den materiellenElementen von Eisenbahnnetzen, Wasserversorgung und Kommunikationssystemen einerseits,und den diesen innewohnenden politischen und gesellschaftlichen Bedeutungen andererseits.Justinien Tribillon ist Urbanist, Autor und Wissenschaftler. Er forscht zu Infrastruktur, Kulturpolitik,Migrationen und der Politik technischer Artefakte. Offshore ist ein in Zürich und Eindhoven an-sässiges Designstudio, das von Isabel Seiffert und Christoph Miler gegründet wurde. Neben Auf-tragsarbeiten und Kollaborationen im kulturellen Bereich sind sie in der Designausbildung tätigund untersuchen in eigenen Projekten kritische Themen in den Feldern Gestaltung, Ökologie undGlobalisierung.

1988 fand im Bauhaus Dessau im Rahmen des UN-HABITAT-Programms ein Seminar statt, das sichmit Fragen des Wohnungsbaus in "Entwicklungsländern" beschäftigte. Hier wurde ein von DDR-Architekt·innen entwickeltes Fertigbausystem vorgestellt, das in einem Bildungs- und Entwicklungs-zentrum des African National Congress (ANC) in Dakawa, Tansania, erstmals zur Anwendung kam.Die im ländlichen Tansania seit den 1970er Jahren mit Unterstützung internationaler Solidaritäts-bewegungen entstandenen Bildungszentren waren Lern- und Lebensräume für Menschen, dievor dem brutalen Regime der Rassentrennung in Südafrika geflohen waren. Diese Zentren warenzudem einzigartige Orte transnationaler Begegnungen zwischen Ost und West im Kalten Krieg.Warum gerade Bildung den Schlüssel für den Aufbau einer neuen demokratischen Gesellschaftdarstellte, steht im Zentrum der Publikation.Igor Bloch, Doktorand Vrije Universiteit Brussels / Ghent University. Joyce Lam, Künstlerin und Fil-memacherin, Tokio. Essi K. Lamberg, Doktorandin, University of Helsinki. Esther Mbibo, Architektin,Daressalam. Nokubekezela Mchunu, Doktorandin, University College Dublin. Michalina Musielak,Wissenschaftlerin und Filmemacherin, Leipzig. Lucas Rehnman, Künstler und Wissenschaftler,Berlin. Jordan Rowe, Autor, Kurator und Wissenschaftler, London.

Ob sich Menschen heute noch über ihren Beruf definieren, wie es August Sander in den 1920erJahren für seine Porträts der Menschen des 20. Jahrhunderts voraussetzte? Sind unsere heutigenIdentitäten nicht viel komplexer oder gar multipolar? Nach der großen August Sander-Ausstellungim Sommer 2022 am Centre Pompidou lohnte es sich, die Kategorien und Filter des Kölner Foto-grafen hundert Jahre später auf die große Pariser Institution selbst anzuwenden. Dort gibt es nichtnur eine Vielzahl von Tätigkeitsfeldern, die Belegschaft stellt auch einen sozialen Querschnittdar: eine kleine Gesellschaft innerhalb der großen städtischen Gesellschaft. Dieses Anliegenshaben sich Andreas Langfeld (Fotografie) und Florian Ebner (Idee und Text) angenommen undgemeinsam eine Aktualisierung des Sander'schen Porträt-Atlas konzipiert. Es entstand ein Ge-sellschaftsporträt, das nicht die illustrative Entsprechung sucht, sondern gerade in seinen Unter-schieden und Widersprüchen ein Bildnis unserer 2020er Jahre zeichnet.Florian Ebner ist Fotograf und Kunsthistoriker. Seit Sommer 2017 leitet er die fotografischeSammlung des Centre Pompidou, Paris. Andreas Langfeld arbeitet mit Fotografie und Film imFeld des Dokumentarischen. Seine Arbeiten treibt ein Interesse für gesellschaftspolitische undmedienreflexive Fragen an.

The New Designer: Design as a Profession beschäftigt sich mit den Aufkommen des BerufsfeldsKünstler·in und Gestalter·in nach dem Ersten Weltkrieg und seiner Entwicklung im Umfeld indus-trieller Produktion. Der Band enthält Artikel über Lehrmodelle, die zunächst erprobt wurden anSchulen wie dem Design Laboratory, New York, der skola umeleckých remesiel (sUR), Bratislava,der Hochschule für Gestaltung (HfG) Ulm und der Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI), Riode Janeiro. Ergänzt werden diese Texte durch Essays und Gespräche über Programme, Praktikenund Selbstverständnis der Designpädagogik. Das Buch ist Teil der Reihe "Schools of Departure", zuder auch ein digitaler Atlas gehört, der experimentelle Ansätze der Kunst- und Designausbildungjenseits des Bauhaus verzeichnet.Yaa Addae, Kuratorin, Autorin und Künstlerin, London / Accra. Claudia Banz, Kuratorin für Design,Kunstgewerbemuseum Berlin. Shannan Clark, Associate Professor für Geschichte, Montclair StateUniversity. Alison J. Clarke, Professorin und Leiterin des Instituts für Theorie und Geschichte desDesigns, Universität für angewandte Kunst Wien. Martin Mäntele, Leiter des HfG-Archivs, Ulm.Catherine Nichols, Kunst- und Literaturwissenschaftlerin, Kuratorin und Autorin, Berlin. Lesley-AnnNoel, Assistant Professor für Design Studies, North Carolina State University. Marina Otero Verzier,Architektin und Leiterin des Master-Studienganges Social Design, Design Academy Eindhoven.Klára PreSnajderová, Autorin und Kuratorin am Slowakischen Designzentrum, Bratislava. OrbisRexha, Jurist, Forscher und Aktivist, Pristina. Ilana Schleich Tschiptschin, Forscherin und Grafik-designerin, Berlin.

Im Mittelpunkt von Anita Witeks künstlerischem Werk stehen unsere Sehgewohnheiten. VomMedium der Fotografie ausgehend hinterfragt sie nicht nur unsere Wahrnehmung, sondern auchden Wahrheitsgehalt von Bildern und Texten in Massenmedien. Unvorhersehbare Ereignisse isteine Serie von fotografischen Arbeiten, mit der Anita Witek im Jahr 2020 begonnen hat. Das Aus-gangsmaterial bilden Fragmente populärwissenschaftlicher Magazine aus den 1980er Jahren,in denen es vor allem um Debatten zu naturwissenschaftlichen und technologischen Themengeht. Die von Witek ausgewählten historischen Ausgaben widmeten sich spekulativen Visioneneiner künftigen Welt, die sich in ihren Collagen mit der unvorhersehbaren Gegenwart währendder Pandemie trafen.Anita Witek arbeitet mit Collage, Fotomontage und Fotoplastiken im Innen- und Außenraum. Siestudierte Fotografie am Royal College of Art, London, und Malerei an der Universität für AngewandteKunst, Wien. Joseph Constable studierte am Royal College of Art, London, war Associate Curatorbei den Serpentine Galleries, London, und ist aktuell Ausstellungsleiter im De La Warr Pavilion, UK.

Angesichts der gegenwärtigen geopolitischen Instabilität, der Migration, des Klimawandels und derKrise des Wohnungsmarkts wird in verschiedenen Disziplinen erneut die Frage nach der Integritätdes eigenen Handelns aufgeworfen. Vor diesen Hintergrund wird mit dieser umfangreichen Pub-likation die performative Forschung der Dialogue Concerts mit den darin aufgeworfenen Fragenins Buchformat übersetzt. Der reich bebilderte Band enthält Vorträge und das visuelle Material,auf das sich diese beziehen, Diskussionen, Installationsansichten und neue theoretische Texte,die neben die ursprünglichen Positionen treten. Das Buch, das prominente Vertreter·innen ausden Bereichen Musik und Architektur zusammenbringt, zeigt anschaulich, wie Architekt·innen,Stadtplaner·innen, Komponist·innen und Musiker·innen einen weitreichenden gesellschaftlichenWechsel befördern können, indem sie die Schwerpunkte ihrer künftigen Praxis neu bestimmen.Christopher Dell, * 1965, lebt als Theoretiker in den Bereichen Stadtentwicklung und Architektur,als Musiker, Komponist und Künstler in Berlin.

Wer nach Vorbildern für eine gelungene Wohnbaupolitik sucht, landet über kurz oder lang im "RotenWien". Sein Mythos ist ungebrochen und verdankt sich der fortwirkenden politischen Einsicht derWiener Kommune, dass Wohnen eine gesellschaftliche Aufgabe ist und nicht allein dem Marktüberlassen werden darf. Im Laufe eines bewegten Jahrhunderts hat die Wiener Wohnbaupolitiktrotz dieses Grundkonsenses viele Häutungen und Wandlungen durchlaufen und ist dabei durch-aus auch marktförmiger geworden. Doch zwei entscheidende Dinge hat sie nie aus dem Blickverloren: die Notwendigkeit des Aufbaus und Unterhalts eines Wohnraumbestands und seiner dau-erhaften sozialen Bindung sowie die Bodenbevorratung. Vor diesem Hintergrund und angesichtsdes enormen Bevölkerungswachstums in der österreichischen Hauptstadt, mit dem aktuell einerege Bau- und Entwicklungstätigkeit einhergeht, wird in dieser Publikation am Beispiel Wien derStatus quo des Wohnbaus thematisiert. Wenn heute Wohnraum bauen, dann wie? Entsprechenmonofunktionale Typologien und die funktional-räumliche Trennung von Leben und Arbeitennoch unseren Lebensrealitäten? Wie sozial ist sozialer Wohnungsbau?ARCH+ ist die führende diskursive Zeitschrift für Architektur und Urbanismus im deutschsprachi-gen Raum.

Seit seiner Gründung im Jahr 2015 hat das Centre for Research Architecture (CRA) Goldsmiths, Uni-versity of London, eine bunt gemischte Gruppe von Architekt·innen, Künstler·innen, Urbanist·innen,Geograf·innen, Jurist·innen, Naturwissenschaftler·innen, Journalist·innen und Aktivist·innen ver-sammelt, um Forschungsmethodiken und investigative Techniken zu entwickeln, mit denen sichdie zeitgenössische Raumpolitik adressieren lässt. Die Leser·innen der CRA-Reihe sind eingeladen,an diesem sich stetig weiterentwickelnden pädagogischen Zusammenhang teilzuhaben.Militant Media, der zweite Band der Reihe, widmet sich den ethischen und politischen Implikationenvon Medien und Technologie in zeitgenössischen Kämpfen und Konflikten. Reflektiert wird auch dieveränderte Rolle von Medien in Justiz- und Menschenrechtskampagnen, wobei ein breites Spektrumvon Themen untersucht wird - vom Einsatz von Bildern in Kampagnen bis hin zur potenziellen Be-weiskraft digitaler Materialien in einer Untersuchung. Vielfältige Beiträge zeigen, wie Medien undTechnologie Handlungsmacht und Kontrolle ermöglichen, zugleich aber auch einschränken können.Neben kritischen und theoretischen Betrachtungen präsentiert Militant Media eine Vielzahl praxis-basierter Projekte, die widerständige Formen der Repräsentation und neue ästhetische Strategienund Tools entwickelt haben. All diese Beiträge zielen darauf, bestehende Machtstrukturen infragezu stellen und neue Formen politischer Solidarität zu ermöglichen.Das Herausgeber·innenteam besteht aus Mitarbeiter·innen und Forscher·innen am Centre forResearch Architecture (CRA), das durch seine gemeinsamen Erkenntnisse und Interessen jedemBand der Reihe eine Richtung gibt. Riccardo Badano ist Architekt, Wissenschaftler und Heraus-geber. Er arbeitet am Royal College of Art und promoviert am CRA. Tomas Percival ist Künstlerund Forscher. Er unterrichtet Research Architecture am Goldsmiths, University of London. SusannSchuppli ist Künstlerin, Forscherin und Autorin. Sie ist Direktorin des CRA und leitet den Beirat vonForensic Architecture.

Von menschlichen Siedlungen auf dem Mond bis zur Gewinnung seltener Mineralien und Metalle ausAsteroiden - die wilden Vorstellungen, die aus der Idee eines extraktiven Wachstums hervorgehen,machen an den Grenzen des Planeten Erde nicht halt. Diese Verlagerung des Ressourcenabbaus,fort von der erschöpften Erde, hin zu ihrem "unsichtbaren" Hinterland - dem Mond, Himmelskörpern,schließlich anderen Planeten - verlangt dringend nach einer Debatte darüber, was eine solcheVerschiebung für unser Verständnis von Land, Ressourcen und Gemeingütern bedeutet.Staging the Moon: Resource Extraction Beyond Earth ist eine Publikation des Luxemburger Pavil-lons bei der 18. Internationalen Architekturausstellung der Biennale von Venedig. Sie untersuchtdas Space-Mining-Projekt kritisch mit Blick auf die Ressourcen und lädt dazu ein, den Mond aufeine Weise zu betrachten, die die gegenwärtigen Perspektiven des Anthropozäns hinter sich lässt.Francelle Cane ist Architektin, Forscherin und Kuratorin. Armin Linke arbeitet als Künstler mitFotografie und Film. Marija Mari ist Architektin, Forscherin und Kuratorin.

In den 1920er Jahren produzierten die Brüder Camillo, Cezaro und Alfonso Bialetti in ihren Werkstät-ten in Norditalien Haushaltsgegenstände. Alfonsos Sohn Renato übernahm den Familienbetriebund industrialisierte in den frühen 1950er Jahren die Herstellung von Espressokannen, von denen erweltweit rund 300 Millionen verkaufte. Der umstrittene Unternehmer stellte immer neue Kopien seinesProdukts her, um die Konkurrenz zu schlagen, und zeigte wenig Interesse, Aufzeichnungen, Proto-typen und weiteres Archivmaterial aufzubewahren. Angesichts dieser Lücke machte sich der Künst-ler David Bergé daran, im Umfeld der ehemaligen Fabrik, auf Flohmärkten und in Flagship-StoresBialetti-Kannen zusammenzutragen. Mit diesem Buch legt Bergé seine Vorstellung eines mögli-chen Bialetti-Katalogs vor. Es gibt Einblick in die feinmechanischen Herstellungsprozesse, wobeies sich auf die Stimmen von Mitgliedern der Industriellenfamilie als auch auf die von früherenFabrikarbeiter·innen, Sekretär·innen und Gewerkschaftsvertreter·innen stützt. Bialetti, eine Ikonedes 20. Jahrhunderts, die heute nicht mehr in jeder Küche zu finden ist.Die Publikation wird gefördert von: The Museum of Anthropocene Technology (MAT), Flanders Stateof the Art, Platform 0090, Design Museum Gent, and Photographic Expanded Publishing Athen.David Bergé, Künstler, lebt in Athen und Brüssel. Seine Arbeiten sind Einladungen an das Publikum,in Form hybrider und postdigitaler Formate an einer Reise teilzuhaben, an stummen "Walk Pieces",zeitbasierten Installationen und Schreibprojekten (in gesprochener wie schriftlich-veröffentlichterForm).

Als Insiderin des weithin opaken Kunstmarktes reflektiert Sasa Hanten-Schmidt scharf und unter-haltsam ihre fundierten Einsichten zum Sammeln und zur Aufgabe, eine Sammlung von einerGeneration zur nächsten zu übertragen. Dass der Umgang mit Kunst dem Leben Einsicht, Über-schwang und spielerische Fülle verleihen kann, ist nach Dekaden des Investmentsammelns unddes Hangs zum repräsentativen privaten Museum neu zu entdecken. Spiel mit mir entwirft das Bildeiner lebendigen Kunstsammlung, eines Lebens mit und in der Kunst. Deshalb ist das Buch vielesgleichzeitig: Verhaltenslehre des Sammelns ebenso wie autobiografische Skizze, karnevaleskeTour durch die Soziotope der zeitgenössischen Kunstwelt, Selbstversuch - und nicht zuletzt eineLiebesgeschichte.Sasa Hanten-Schmidt ist Rechtsanwältin und Sachverständige für zeitgenössische bildende Kunst.Ihr Spezialgebiet ist die Bewertung von Künstlernachlässen und Sammlungen. 2019 gab sie denBand Der Faktor Mensch. Wie gelingt der Generationsübergang mit Kunst? heraus.

Tief in den Wäldern der schwedischen Region Dalarna, versprengt zwischen Stümpfen und jüngerenBäumen stehen jahrhundertealte Kiefern - dick, knorrig und überzogen von Einritzungen. DieBotschaften, die in die Stämme geritzt wurden, stammen von Hirtinnen, die vom 17. bis ins frühe20. Jahrhundert ihre Dörfer verließen, um gemeinsam auf dem fäbod (Sommerhof) zu leben undzu arbeiten und die Rinder der Familie weiden zu lassen. Auf dem Weideland hinterließen diesejungen Frauen - viele waren noch Teenager - das Datum, ihre Initialen und Botschaften füreinanderauf den Baumstämmen, ein gekritzeltes Zeugnis jugendlichen Ungestüms, eine Rückversicherungder eigenen Existenz: HIER ZEICHNEN WIR MIT UNSEREN NAMEN. Die Künstlerin Elina Birkehaghat sich mit ihrer Kamera in den Wald begeben und die Bäume gesucht. Sie hat die Markierungenfotografiert, die die jungen Frauen in der Rinde hinterlassen haben. Ihr Buch setzt uns mit denHirtinnen in Verbindung und ermöglicht uns, die Bäume zu "lesen".Mit Beiträgen von Amelia Groom & M. Ty, Quinn Latimer, Meg Miller, Jungmyung Lee, MatildaKenttä & Linnea Rutz und Jennie Tiderman Östberg.Elina Birkehag ist Künstlerin, sie beschäftigt sich mit Inschriften und deren Verhältnis zum Körper,zur Technologie und zur Zeit.

Die Publikation When the Sun Is Low - The Shadows Are Long gibt einen Einblick in das undurch-sichtige historische, politische und phänomenologische Territorium namens Belarus. Sie zeigt dasWechselspiel zwischen einer Neigung zur Tradition, zum Archaischen, zur Kosmologie einerseits,einem Streben nach einer möglichst reinen Form der modernistischen Avantgarde andererseits.Theoretische Texte, Gedichte und Interviews rahmen 20 Positionen belarussischer Künstler·innen.Sie reflektieren verschiedene Formen des Widerstands gegen repressive Systeme - etwa dieAneignung ritueller Praktiken, künstlerischen Ausdruck in Form einer Amateur-Kosmologie oderdie Erfindung einer neuen Sprache, eines neuen Spiels. When the Sun Is Low - The Shadows AreLong beruht auf einer Gruppenausstellung, die unter demselben Titel 2022 in der Arsenal Galleryin Bialystok und in der Galerie für Zeitgenössische Kunst in Leipzig gezeigt wurde.Anna Karpenko, *1985 in Minsk (Belarus), lebt als Kuratorin und Autorin in Leipzig. In ihrer kurator-ischen Praxis und Forschung geht es um die Verbindungen zwischen archaischen und zeitgenös-sischen Existenzformen.

Das Werkverzeichnis des Düsseldorfer Malers, Fotografen und Objektkünstlers Achim Duchow(1948-1993) lädt ein zur Wiederentdeckung eines komplexen OEuvres. Im spielerischen Umgangmit Autorschaft, Subjektivität und Medien, dem unmittelbaren Zugriff auf alle ihn bewegendenThemen ist ein Werk entstanden, das auch heute noch seine Wirkung entfaltet. In chronologischerFolge, unterbrochen von einzelnen Essays verzeichnet die Publikation als eine über 400-seitigeListe alle Phasen des Werks: Duchows Zusammenarbeit mit Sigmar Polke in den 1970er Jahren,seinen zweieinhalbjährigen Aufenthalt in Japan, seine Rückkehr 1981 in eine Kunstszene, die sichrasant in Richtung Marktgängigkeit verändert hatte, seine Arbeit an einem neuen Selbstver-ständnis als Künstler und Kulturarbeiter, seine malerische Auseinandersetzung mit deutscherGeschichte und Politik, mit Kolonialismus und Wiedervereinigung, aber auch mit dem Informel unddem Konstruktivismus. Das Werkverzeichnis katalogisiert alle auffindbaren Arbeiten sowie Textevon Duchow selbst. Weggefährt·innen und Historiker·innen geben einen Einblick in den radikalenKontext seines Lebens.Achim Duchow (1948-1993) war ein deutscher Maler, Bildhauer und Fotograf, lebte und arbeitetein Düsseldorf.

Der Künstler Adrian Sauer beschäftigt sich mit den Folgen und Veränderungen, die die Digitali-sierung für die Fotografie mit sich bringt: Unter Zuhilfenahme von selbstgeschriebenen Comput-erprogrammen untersucht er die fotografische Funktionalität und fragt, inwiefern die Fotografienoch als ein verlässliches und unvoreingenommenes Abbild der Wirklichkeit gelten kann. Dieszeigt er auch in seinem Projekt Truth Table: Es ist angelehnt an die in der Mathematik verwendetenWahrheitstabellen, die den Wahrheitsgehalt von logischen Aussagen überprüfen. Truth Table spieltauf eine binäre Denkstruktur an, bei der Informationen in einander ausschließende Kategoriensortiert werden - ähnlich dem Binärcode, bei dem es nur die Optionen 0 und 1 gibt, aber nichtsdazwischen. Mithilfe von Binärcodes werden Informationen digital abgebildet und verarbeitet.Für sein fotografisches Werk wird Adrian Sauer im Herbst mit dem renommierten SPECTRUM -Internationaler Preis für Fotografie der Stiftung Niedersachsen geehrt, den vor ihm u. a. RinekeDijkstra, Boris Mikhailov und Marta Rosler erhielten.Adrian Sauer, *1976 in Berlin, ist bildender Künstler und unterrichtet Fotografie und generativeBildsysteme an der Hochschule Bielefeld. Lavinia Francke ist Generalsekretärin der Stiftung Nied-ersachsen, die den SPECTRUM - Internationaler Preis für Fotografie vergibt. Steffen Siegel ist Pro-fessor für Theorie und Geschichte der Fotografie an der Folkwang Universität der Künste, Essen.

Image Ecology gibt einen Überblick zu neuen Ansätzen in der Landschafts- und Umweltfotografie.Die in der Ausstellung gezeigten Arbeiten treten an, die systemischen Ursachen der Klimakrisezu dokumentieren, indem sie ihre eigenen materiellen und gesellschaftlichen Bedingungen er-kunden. Die Ausstellung begreift Fotografie als ökologische Praxis: ein Medium, das durch dieMaterialien, die Arbeitskraft und die Energie, die bei seiner Produktion und Zirkulation verbrauchtwerden, und die Abfälle, die dabei entstehen, nicht minder bestimmt wird als durch das, was eszur Darstellung bringt. Der Katalog mit einem umfangreichen Essay des Umwelthistorikers JasonW. Moore und Beiträgen von einem Dutzend internationaler Autor·innen legt auch seinen eigenenProduktionsprozess offen: Lieferketten der verwendeten Materialien, Arbeitsbedingungen, Ver-packung und Versand. Ermöglicht durch die Crespo Foundation.Boaz Levin lebt als Autor und Kurator in Berlin. Er betreut das Kiosk-Format des Magazins Cabinet.Kathrin Schönegg ist Fotohistorikerin. Sie ist arbeitet als Programmleiterin und Kuratorin bei derStiftung C/O Berlin.

Wild Windows ist eine aktuelle Untersuchung zur brasilianischen Moderne in Form eines Künstler-buchs. Der Titel bezieht sich auf das Das wilde Denken von Claude Lévi-Strauss und auf die mehrals 20-jährige Recherche Veronika Kellndorfers zur bildlichen Bedeutung von Fensteröffnungen.Die Bauten von Lina Bo Bardi und Burle Marx' Landschaften versteht Kellndorfer als fragile Monu-mente einer vergangenen Aufbruchsstimmung. Einen großen Teil des Buchs widmet sie ihrenfotografischen Quellen: eine Folge von Bildern, die Analogien zwischen Pflanzen, Architektur undöffentlichem Raum zeigen. Mit diesen verwebt sie Ansichten ihrer Ausstellungen zu Lina Bo Bardiund Burle Marx, in denen sie die jeweilige Besonderheit der Räume mit Destillaten aus ihrem Archivkurzschließt. Städte gehören nie nur den Menschen. Wild Windows reflektiert Architekturen desZusammenlebens und den aktuellen Diskurs zum vernakulär geprägten Umgang mit Pflanzenund Ressourcen.Veronika Kellndorfer ist bildende Künstlerin, lebt in Berlin. Aktuell arbeitet sie an einer Einzelausstel-lung im VDL Neutra House, Los Angeles. Mark Wigley ist Architekt, Autor und emeretierter Dekan derColumbia University. Beatriz Colomina ist Architekturtheoretikerin und Professorin für Geschichteund Theorie der Architektur in Princeton.

Nach dem Fall der Mauer besuchte die britische Künstlerin und Autorin Monica Ross die DresdnerGemäldegalerie, wo sie vom Anblick der "Sixtinischen Madonna" von Raffael hingerissen war.Daraufhin begann sie eine Recherche zur Rezeption des Bildes. valentine ist eine Annäherung andie Madonna "als eine Abfolge sich überlagernder Augenblicke, in denen sich Zeitlichkeiten ver-weben und wiederkehren" (Lisa Panting). Ross verknüpft in ihrem Buch persönliche Erinnerungenmit einer kunsthistorischen Analyse des Bildes, das sie auf andere Spuren bringt, u.a. zum FallDora bei Freud, den sie einer feministischen Kritik unterzieht, zur Relektüre von Walter BenjaminsAufsatz "Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit" sowie den Balkan-kriegen in den 1990er Jahren.Das englische Original entstand 2000 in Zusammenarbeit mit der Londoner Galerie MILCH unddem Grafiker Markus Dreßen. Das Buch liegt nun erstmals in deutscher Übersetzung vor.Monica Ross (1950 - 2013) war eine britische Künstlerin und Kunstdozentin, die mit Video,Zeichnung, Installation, Text und Performance arbeitete. Ihre Werke befassen sich mit Fragender Repräsentation, Erinnerung und Geschichte.

Als Insiderin des weithin opaken Kunstmarktes reflektiert Sasa Hanten-Schmidt scharf und unter-haltsam ihre fundierten Einsichten zum Sammeln und zur Aufgabe, eine Sammlung von einerGeneration zur nächsten zu übertragen. Dass der Umgang mit Kunst dem Leben Einsicht, Über-schwang und spielerische Fülle verleihen kann, ist nach Dekaden des Investmentsammelns unddes Hangs zum repräsentativen privaten Museum neu zu entdecken. Spiel mit mir entwirft das Bildeiner lebendigen Kunstsammlung, eines Lebens mit und in der Kunst. Deshalb ist das Buch vielesgleichzeitig: Verhaltenslehre des Sammelns ebenso wie autobiografische Skizze, karnevaleskeTour durch die Soziotope der zeitgenössischen Kunstwelt, Selbstversuch - und nicht zuletzt eineLiebesgeschichte.Sasa Hanten-Schmidt ist Rechtsanwältin und Sachverständige für zeitgenössische bildende Kunst.Ihr Spezialgebiet ist die Bewertung von Künstlernachlässen und Sammlungen. 2019 gab sie denBand Der Faktor Mensch. Wie gelingt der Generationsübergang mit Kunst? heraus.

Let's Pretend None of This Ever Happened dokumentiert Neon-, LED- und sonstige Textarbeitendes britischen Künstlers Tim Etchells. Das Buch gibt einen stringenten und umfassenden Über-blick über seine Projekte im öffentlichen Raum und in Galerien mithilfe beeindruckender farbigerBilder von zentralen Werken, die in verschiedenen Teilen der Welt ihren Ort gefunden haben.Neben dem breiten bildlichen Überblick enthält Let's Pretend None of This Ever Happened eineEinführung und ein ausführliches Gespräch, das die Direktorin des Kunstvereins Braunschweig JuleHillgärtner mit dem Künstler geführt hat. Durch diesen Überblick über das gesamte Spektrum unddie verschiedenen Ansätze in Etchells skulpturaler Arbeit mit Text entwickelt Let's Pretend Noneof This Ever Happened einen Dialog zwischen Werken aus 16 Jahren und erkundet das komplexeVerhältnis zwischen den einzelnen Werken und den unterschiedlichen Kontexten, in denen sie inden letzten Jahrzehnten zu sehen waren.Tim Etchells, *1962 in Großbritannien, ist ein Künstler und Schriftsteller, dessen Werk sich zwischenSkulptur, Zeichnung, Installation, Performance, Video und experimenteller Erzählung bewegt. Seit1984 ist er der künstlerische Leiter der experimentellen Theater- und Performancegruppe ForcedEntertainment mit Sitz in Sheffield. Jule Hillgärtner ist seit 2014 Direktorin des Kunstvereins Braun-schweig. Ihr geht es darum, die Wahrnehmung zu öffnen, um eine umfassendere Perspektive zugewinnen.

Das Regal ist nicht einfach eine Form der Präsentation - in der Arbeit von Bruther wird es zu ei-nem eigenständigen organischen Wesen. Es legt Kunde ab von der Vergangenheit des Studios,zugleich aber enthält es einen Vorrat an "Setzlingen", die der Praxis experimenteller Architekt·innenzugutekommen und auf künftige Werke der Architektur verweisen. Bruther werfen keinen retro-spektiven Blick auf ihre Praxis, sondern setzen eine fortlaufende Befragung ihres Werks in Gang,durch die ein Buch in Form eines Stapels entsteht. Jede Seite ist eine Komposition und lädt zumvisuellen Spaziergang durch zeitliche und formale Spiele der Stratifikation und Sedimentation.Für die Architekt·innen ist es wichtig, immer wieder darauf zu blicken, denn sie wollen von ihreneigenen Formen überrascht werden.Stéphanie Bru und Alexandre Theriot haben das Büro Bruther 2007 in Paris gegründet. BruthersProjekte führen das Design aufs Wesentliche zurück, wobei sie sich den Feldern der Architektur,des Urbanismus, der Landschaft, der Forschung und der Lehre widmen.

Ein Querverweis-Buch mit Informationen über ästhetische Ränder: bestehend aus einer Bibliografie mit Text, Kunstwerken, kritischen Essays, Dokumenten, chronologisch arrangiert und konzentriert auf sogenannte "greatest hits" und konzeptuelle Poetik unter Erwähnung so vage ausgewiesener Bereiche wie Appropriation, Post-naiv, Unboring Boring, Entwendung, Objet Perdu und Löschungspoesie oder Writing Through, auftretend jetzt in der Arbeit von Michalis Pichler (mit gelegentlichen politischen Obertönen).Die erste Monografie über die Arbeit von Michalis Pichler enthält elf Essays verschiedener Autoren, einen umfangreichen Abbildungsteil, ein Gespräch des Künstlers mit John Stezaker sowie eine Auswahl eigener Schriften. Das Buch liest sich als solide Einführung in konzeptuelle Poetik.

Autor Boy Vereecken setzt sich mit der Gestaltung und dem Design von Büchern auseinander.

Das Thema Urbanität, das Spannungsverhältnis von Gebautem und Gewachsenem steht im Mittelpunkt meiner künstlerischen Arbeit. Im engeren Sinne setze ich mich mit STADT auseinander, neben Berlin, meinem Lebensmittelpunkt mit Metropolen wie Rom, Istanbul und London. Dabei geht es mir um die fotografische Transformation meines Erlebens, meiner Erfahrungen. Die Großen Städte sind Zentrifugen der Beschleunigung in der Moderne und versinnbildlichen die großen Themen unserer Zeit.Berlin ist mein Lebensmittelpunkt und die Stadt des für mich sichtbaren permanenten Wandels. Seit den 1980er Jahren habe ich mehrere Werkgruppen über diese Stadt erstellt beginnend mit "inter esse", 1985-87 und nun "JETZT, BERLIN", 2013-16-(2022) die auch Bezüge meiner Lebensumstände, meiner Erfahrungen aufweisen. Sie sind in sich abgeschlossene Arbeiten, die den jeweiligen Zeitraum beschreiben."JETZT, BERLIN", 2013-16-(2022) knüpft an der Auseinandersetzung mit dem Phänomen Stadt an und zeigt die Essenz des historischen Momentes der Stadt. Gerade in den letzten Jahren hat sich Berlin nicht nur im Erscheinungsbild stark gewandelt, hier findet auch ein sozioökonomischer Strukturwandel statt, der die Lebensform und das Lebensgefühl im Mikroklima stark verändert und auch mich betrifft. Jedes Bild steht für einen spezifischen städtischen bzw. gesellschaftlichen Bereich z.B. Stadtansicht, Alltag, Migration, Tourismus, Gentrifizierung. Der Moment wird Zitat, entrissen aus dem JETZT.