Bücher veröffentlicht von Verlag Kettler

In ihrem neuesten Buch spielt Elisabeth Brockmann kontrapunktisch mit Wort und Bild. Einerseits schreibt sie über die Kunstszene, über ihre Reisen, das Tauchen, aber auch über den Tod ihres Vaters. Alles so gnadenlos präzise, dass die Erlebnisse unwirklich ,schillern'. "Die scharfe Beobachtungsgabe der Malerin und Fotografin zeichnet auch ihre Erzählung aus", so die Frankfurter Rundschau.Und der Philosoph Bernhard Waldenfels schreibt über das zweite Thema des Buches, die Träume, die ,Wodka für die Seele sind': "Brockmanns Träume sind voll von szenischer Farbigkeit, von Unheimlichem, von schwarzem Humor, dazu merkt man ihnen an, dass sie eine Künstlerin bleibt, wenn sie träumt, und umgekehrt merkt man, welches Maß an künstlerischem Potential Träume enthalten können."Zusätzlich zum geschrieben Wort ,leuchten' auf den Seiten des Buches 22 farbige Abbildungen von ,lüsternen Visagen, die dem Treiben ein Gesicht verleihen'.

The way to the heart is through the stomach - and perhaps this also applies to intercultural understanding. Most of Julia Goodman's ancestors were Eastern European Jews who emigrated to the USA at the beginning of the 20th century. Gabriele Edlbauer on the other hand grew up on an organic farm in the predominantly Catholic Mühlviertel region of Upper Austria. While gnawing on chicken bones together, the two women came to chat about the significance of certain foods in relation to their own identity. After all, chickens feature in Julia's most important life memories. Since her family always had a chicken recipe at hand for every holiday, including the weekly Shabbat, it was no surprise that the bird eventually became Julia's favorite dish. Gabi's most prominent childhood memories of chickens are less culinary: the hens on the family farm mainly served an economic purpose.Through sharing their stories, they both soon realized that their connections with chicken and their respective artistic approaches were entangled in strange ways. In the process of cooking together, they developed a fascination with the idea of how certain dishes can convey or trigger very specific feelings. The result is a humorous, artistic attempt to expose complex feelings and hard truths in chicken recipes. This book is filled with emotional recipes - accompanied by creative serving suggestions - and invites you to express yourself through chicken.

Marco Stanke (*1987) wurde 60 Jahre nach Alf Lechner (1925-2017) geboren. Trotzdem weisen ihre künstlerischen Positionen vielschichtige Bezüge auf. In Stankes Malereien ist die Leinwand nicht bloß ein Bildträger. Seine Arbeiten sind vielmehr räumliche Gebilde aus Nessel, Keilrahmen und Farbe. Stanke faltet, schneidet, biegt, stapelt und durchbohrt die Leinwände und erprobt die körperlichen Grenzen des Bildes, das er in den Raum ausdehnt. Seine Werke sind teils Bild, teils Relief oder Skulptur, und erst im Zusammenspiel dieser unterschiedlichen "Teile", wie Stanke selbst sie nennt, ergibt sich am Ende das vollständige Bild.Hierin besteht die vordergründigste Verbindung zu Lechner, dessen Skulpturen ebenfalls als Fragmente eines kontinuierlichen Arbeitsprozesses betrachtet werden müssen. Zentral hierfür ist seine Praxis der Teilung, in deren Folge räumliche Beziehungen zwischen den Fragmenten und den Betrachter*innen erforscht und materialbezogene Herstellungsprozesse offengelegt werden können, ganz im Sinne seiner Maxime: "Durch Teilen ist es möglich, mehr über das Ganze zu erfahren."Dieser Ansatz klingt im Titel der Kataloges teil's teil's wider, der als Aufforderung zu verstehen ist, tiefer in Materien einzutauchen. Darüber hinaus suggeriert der Titel auch, dass etwas nicht klar zuordbar ist und verweist so auf die Zusammenstellung von Stankes und Lechners Arbeiten und die gemischte Natur des Ausstellungskonzepts.

Die Publikation präsentiert Skulpturen, Videos, Leinwände und Teppiche von Halil Altindere und erscheint anlässlich seiner Einzelausstellung in der Pilot Galerie in Istanbul (23.11.2023 - 20.01.2024).Halil Altindere (*1971 in Mardin/Türkei, lebt und arbeitet in Istanbul) setzt sich in seinen Arbeiten häufig mit konkreten politischen Inhalten auseinander, auch mit Bezug auf seine kurdischen Wurzeln und der Multikulturalität in der türkischen Gesellschaft. In seinen Werken beschäftigt er sich mit einer Vielzahl an Fragestellungen und beleuchtet Methoden des Widerstands gegen Macht und Unterdrückung, wobei er sich mit Themen wie Subkulturen, Geschlechterrollen, Popkultur oder der Struktur und Macht von Kunst- und Finanzsystemen beschäftigt.Die Publikation versammelt Arbeiten der letzten drei Jahre, in denen zunehmend die Grenzen zwischen Kunst und Leben Altinderes verschwimmen. Die Folgen der Pandemie, die die Welt erschütterte, finden ebenso Widerhall in seinen Werken wie die neue Vater-Rolle des Künstlers. Darüber hinaus macht Altindere zunehmend von den Möglichkeiten künstlicher Intelligenz Gebrauch und setzt KI-Technologie als eine Art persönlichen Assistenten ein, der eine aktive Rolle im Produktionsprozess seiner Werke einnimmt.

In einer Malerei, die sich zweifelsfrei als solche zu erkennen gibt, erfindet Sen Chung seit vielen Jahren immer wieder neue Konstellationen von Zeichen, die von großer Ökonomie gekennzeichnet sind. Es ist eine Malerei der Linie, des Pinselstrichs, auch der Farbtropfen, bei der Materie mit Materie sichtbar in Berührung kommt. Der permanente Wechsel zwischen fernöstlichen und europäischen Prägungen spielt dabei selbstredend eine lebenslang bestimmende Rolle.Der Künstler selbst hat seine Malerei einmal als ,gemalte Philosophie' bezeichnet. Sehen, Wahrnehmen, Fühlen, Verinnerlichen: das ist der adäquate Modus im Umgang mit den Arbeiten von Sen Chung, und wer ihn beherzigt, spürt eine beglückende Freiheit jenseits von Sachzwängen, düsteren Prognosen und einem katastrophalen Weltlauf.

Nordischer Folklore zufolge deutet ein bläulicher Schein oder ein Irrlicht auf den Ort, an dem Feengold verborgen ist. Dieses mysteriöse, mythische Phänomen, das vermutlich seinen Ursprung im natürlichen Schauspiel des Nordlichts hat, fasziniert Lisa Rosenmeier seit ihrer Kindheit in Dänemark.Heute steht blaues Licht für die Strahlung, die von unzähligen Computer- und Handy-Bildschirmen ausströmt. Blaues Licht illuminiert die Gesichter derer, die ganz in ihre elektronischen Geräte versunken sind. Und die oft derart im Zauberbann ihrer technischen Geräte gefangen sind, dass sie ihre "realen" Umgebungen gar nicht mehr wahrnehmen. Die elektrische blaue Lumineszenz der digitalen Ära verschluckt und überblendet so die konkrete Präsenz privater und öffentlicher Räume und verspricht grenzenlosen Zugang zu den unendlichen Welten hinter und jenseits unserer eigentlichen Welt.In ihrem vielgestaltigen Werk, das in Fotografie wurzelt und auch die Medien der Bewegung und des Lichts in verschiedenen Manifestationen und Dimensionen umfasst, untersucht Rosenmeier genau diese Oszillationen zwischen Realität und Virtualität, Faktizität und Illusion, die unsere gegenwärtige Existenz durchwirken, sowie die komplexen Interrelationen zwischen den natürlichen und technologischen Domänen.

Das Buch, das zugleich als Dokumentation der gleichnamigen Ausstellungspräsentation im Haus Mödrath dient, präsentiert frühe Arbeiten aus der Privatsammlung Wilhelm Otto Nachf. Gezeigt werden vor allem Werke solcher Künstlerinnen und Künstler, die in den späten 1980er- und frühen 1990er-Jahren im Rheinland arbeiteten, als Köln neben New York das weltweite Zentrum der zeitgenössischen Kunst war.Über die Jahre formte sich bis heute eine Sammlung, die einen subjektiven Einblick in die damalige Kölner Kunstlandschaft liefert und erstmalig in dieser Form in Haus Mödrath zu sehen ist.Ergänzt werden Ausstellung und Katalog um Künstler und Kunstwerke, die sich diesem Kölner Zeitabschnitt unmittelbar anschlossen und einen wichtigen Schwerpunkt der heutigen Sammlung bilden.Mit Arbeiten von: Albert Oehlen, Andreas Schulze, Anna und Bernhard Blume, Antony Gormley, Blalla W. Hallmann, Christopher Wool, Fischli/Weiss, Georg Herold, Gregor Schneider, Günther Förg, Hiroshi Sugimoto, Isa Genzken, Jochen Lempert, John Bock, Joseph Beuys, Jürgen Klauke, Kai Althoff, Katharina Sieverding, Marcel Odenbach, Peter Duka, Rob Scholte, Roman Signer, Rosemarie Trockel, Siegfried Anzinger, Sigmar Polke, Thomas Zipp, Walter Dahn

Die Künstler:innen Anna-Maria Bogner und SiniSa Kandic hinterfragen in der Ausstellung MATCH:ENDLICHKEIT (Künstlerhaus Dortmund, 09.12.2023 - 21.01.2024) die Prinzipien der Sehwahrnehmung. Ihre Werke fordern dazu auf, die eingefahrenen Sehtraditionen zu durchbrechen und die Komplexität unserer Raumwahrnehmung zu erforschen. Hierbei spielen sie geschickt mit den Grenzen und Möglichkeiten unserer Sinneseindrücke und eröffnen uns dergestalt einen Blick auf die ungesehenen Dimensionen des Raums und die Verwandlung von Bildräumen zu Raumbildern.Begleitet wird ihre Ausstellung von Performances der Abramovic-Schüler*innen Eleonora Arnold, Gloria Carobini, Camillo Guthmann, Anna Veronika Hargitai und Julian Mattlinger. Mit ihren performativen Darbietungen setzen sie die Erforschung der Wahrnehmungsgrenzen fort und erweitern das Spektrum der Ausstellung.

Seit Beginn seines Künstlerlebens hat Jürgen Köhler (* 1954) sich ganz auf das Zeichnen fokussiert. In seinen figurativen, situativen und gegenstandsfreien Bilderfindungen greift der Künstler regelmäßig auf einschlägige Motive der Kunstgeschichte und ihre ikonographischen Rahmenthemen zurück, um auf diese Weise sein Verhältnis zu Zeit und Welt zu illustrieren.Seine Zeichnungen ähneln in ihrem Fantasiereichtum häufig den Arbeiten von Kindern oder sogenannten Outsidern, auch wenn sie inhaltlich von Mythen, Religiosität, Erotik und Sexualität geprägt sind. Sie zeigen Zeichen, Figuren, eisige Natur und technoide Geometrien, beschwören unsere verborgenen und verschütteten Erinnerungen und Gedanken und eröffnen erratische Räume, gefüllt mit Metaphern und Allegorien.Seine Figuren kommen nicht ausschließlich aus dem europäischen Bildverständnis, sie kennen das faszinierende Fremde japanischer Holzschnitte, die Maskeraden geheimnisvoller Rituale oder Szenen aus dem uns unbegreiflichen No-Theater. Dabei haben seine Zeichnungen nichts Ideologisches, keine vorausgedachte Programmatik, keine Botschaft, sie sind den Abgründen des Unbewussten auch da noch verpflichtet, wo sie die sogenannte Wirklichkeit in den Blick nehmen.Der Katalog erscheint anlässlich der gleichnamigen Ausstellung im Leonhardi-Museum Dresden (20.01.-24.03.2024).

US artist Heather Sheehan, who has lived in Cologne since the mid-1990s, combines elements of performance, textile sculpture, installation and video art, analog black and white photography, poetry and narrative in her work to explore and present individual mythology.For her project Sylta, the whaler's widow who cries (2020-2024), the artist combined a sequence of 40 black and white self-portraits, a short story and the costume she sewed herself into a visual and verbal narrative. Isolated with an analog camera and typewriter in a thatched house on the coast of an island in the Wadden Sea of the North Sea, Sheehan felt herself transported into the role of a pregnant widow of a whaling captain. In the short story Ich bin Sylta, she reveals the startling synchronicity of experiencing fiction during the creative process.

Mit ihrem Buch Fragile as Glass präsentiert Sitara Thalia Ambrosio einen einfühlsamen und aufrüttelnden fotografischen Essay, der die Schicksale verschiedener queerer Menschen in der Ukraine dokumentiert. Das Langzeitprojekt schafft Raum für Bilder und Gedanken, die in Krisen- und Kriegszeiten zunehmend ins Hintertreffen geraten.Seit dem Überfall Russlands auf die Ukraine am 24. Februar 2022 ist die mit dem Euromaidan eingeleitete politische und gesellschaftliche Reformation des Landes auf dem Prüfstand. Prioritäten haben sich verschoben, sind in den Hintergrund getreten oder stehen mehr denn je im Fokus. Der vom Krieg überschattete Alltag, die von Russland ausgehende homophobe und transfeindliche Propaganda und die Verfolgung queerer Aktivist*innen bedrohen die schwierige Lage der Community. Das Buch erzählt beispielhaft ihre Geschichten. Zitate und Interviews begleiten die dokumentarischen Fotos aus dem Leben der fünf Protagonist*innen. In intimen, kraftvollen und bewegenden Porträts und Statements wird ihre fragile Situation sichtbar gemacht und deutlich, wie der Krieg ihr Leben, ihr Umfeld, ihre Identität und Sexualität beeinflusst.

The book documents the German climate movement in an era in which the global climate crisis is an ever-present topic. It tells the story of people who put their ideals first and cross moral and legal boundaries to campaign for more climate protection.For this project, photographer Tenzin Heatherbell delved deep into the world of climate activists: he participated in events, attended court hearings, met the activists in private during their preparations and after their actions. With his camera, Heatherbell was there every step of the way, becoming part of the inner circle while remaining a detached observer. He witnessed how more than 3,000 police officers removed climate protesters from Lützerath who had been occupying the village to prevent the expansion of the nearby open-cast mine. The photographer captured over forty of the Last Generation's highly controversial actions staged at museums, on highways, bridges, and airports.Supplemented by personal impressions and essays, Heatherbell has created a photographic portrait that provides insights into a world that is inaccessible to many people. His intimate look behind the scenes of the climate movement allows us to see other images than those supplied by the mass media. He explores the activists' motives and their rage at what they regard as the inertia of politics and society.

What kind of world do we want to bequeath to our children? What planet, what future do we want to pass on to them? In his latest book, Cyril Christo poses the most fundamental of all questions. Together with his wife Marie Wilkinson and their son Lysander, Christo has been seeking out the wonders of this world for more than 40 years and across all continents. During their travels to the Inuit or the first peoples of Africa, they come into contact with communities who seem to have everything that modern, technological society has lost: time, family, and an almost inexhaustible kindness towards strangers.The photographers present the wonder of unspoilt nature in their book, captured in powerful duotone images that provide a fascinating glimpse into the beauty of life. With a fighting yet sensitive spirit, they share how their experiences and encounters have guided their son's development and how nature can serve as a teacher to all children with their irrepressible yearning for wonder. The world's greatest classroom, nature as the school of life, is threatened as never before by climate change and the continuous loss of habitat. Christo and Wilkinson regard their book as a manifesto and a warning, because »without wonder we are lost.«

Launched in 2009 as the first festival of its kind in Germany, Queer Festival Heidelberg has evolved into a notable fixture in the queer scene (and well beyond). As a platform for queer culture celebrating sexual and gender diversity, its mix of concerts, art shows, performances, readings, film screenings, and panel discussions attracts more than 10,000 visitors from across Germany and Europe every year. Since 2021, Germany's largest and oldest queer festival has enjoyed the support of the city of Heidelberg in the context of its membership in the Rainbow Cities Network.A comprehensive book on the annual photo competition that is held alongside the festival will be published this year to mark the event's fifteenth anniversary. It includes an extensive range of pictures and brief portraits representing a selection of the best entries of recent years. Thanks to the competition's changing focus and international appeal, the book offers a culturally and thematically unusual spectrum of photographic positions and perspectives that transcend established norms, codes, and visual imageries.

Irmgart Wessel-Zumloh (Lennestadt 1907-1980 Iserlohn) war eine der führenden deutschen Künstlerinnen der Nachkriegszeit. Durch die Fusion von abstrakten und organischen Elementen entwickelte sie eine markante künstlerische Sprache zwischen gegenstandsloser informeller Kunst und rigoros figurativen Motiven. Sind ihre Ölgemälde ab den 1930er-Jahren noch neusachlich und der klassischen Landschaftsmalerei zuzuordnen, weisen spätere Arbeiten eine gesteigerte Expressivität auf.Die Publikation stellt die Künstlerin und ihr Schaffen, als auch das Thema des Stilllebens und die Ästhetik des Alltags in den Vordergrund. Darum gruppieren sich insbesondere Gemälde von 1945 bis 1975, die chronologisch wie auch thematisch vorgestellt werden.Der Katalog erscheint begleitend zur Ausstellung im Museum Schloss Cappenberg in Selm ((22.10.2023 bis 07.04.2024).

Der vorliegende Katalog erscheint zur umfangreichen Ausstellung im Von der Heydt-Museum - die erste Retrospektive nach dem frühen Tod der Düsseldorfer Künstlerin im Oktober 2021.König bearbeitete Gebrauchs- und Alltagsgegenstände durch skulpturale und malerische Eingriffe. Die vorgefundenen Dinge - Objekte und Materialien - sind Ausgangspunkte für neue Sichtweisen, die sich in ihrer Kunst auf sensible Art entfalten. Durch ihre Bearbeitung und Kombinationen verwandelte die Künstlerin sie in Skulpturen, Objektbilder oder Installationen. Hierbei arbeitete sie assoziativ, ohne Deutungsvorgaben. So werden ausrangierte Kinostuhllehnen zur Maske, ein Reifen wird zur goldgerahmten Blume und das Palästinensertuch zum Malgrund.Erinna König, geboren 1947 in Warstein, studierte an der Düsseldorfer Kunstakademie bei Dieter Roth und Joseph Beuys und blieb nach ihrem Studium in Düsseldorf. In den 1960er- und 1970er-Jahren, zu Königs Studienzeit, wurde die Frage, ob abstrakt oder gegenständlich zu arbeiten sei, an den Akademien kontrovers diskutiert. Entschlossen, sich diesem Denken in Gegensätzen zu entziehen, ging sie ihren eigenen Weg und entwickelte eine komplexe künstlerische Strategie: Sie untersuchte sowohl Formen als auch Materialien um ihrer selbst willen, jedoch ohne Motive und Inhalte dabei zu vernachlässigen.

This publication is the first comprehensive and authorized chronicle of the Buchinger Wilhelmi family. In unprecedented detail and openness, both the family history and details of the emergence of modern therapeutic fasting are presented in an informative and entertaining way.Modern therapeutic fasting had a shadowy existence at the beginning of its application by Otto Buchinger. Not least due to years of scientific research by the Buchinger Wilhelmi family, it has become an indispensable part of modern lifestyle. At its two locations in Überlingen (Germany) and Marbella (Spain), Buchinger Wilhelmi offers its guests an internationally recognized therapy and fasting concept with the aim of bringing body and soul into harmony.The book provides an instructive introduction to the company's history and therapy components. Large-format photographs (photographed by Olaf Heine, among others) look behind the scenes and provide unpublished insights into the extraordinary world of Buchinger Wilhelmi.

Peter Schmersal und Raimund van Well waren Freunde seit Kindertagen, in der gleichen Stadt aufgewachsen und später jeder auf seine Art der Kunst zugewandt. Dabei verband die beiden keine herkömmliche Künstlerfreundschaft, denn dass sie einmal Künstler sein würden, wussten sie am Beginn ihrer Freundschaft nicht.Trotz ihres jahrzehntelangen engen Austauschs, blieben sie uneins darüber, wie sich Kunst zeigen sollte, in welchen Formen und Medien sich individuell authentisch und gesellschaftlich relevant zeitgenössische Kunst zu präsentieren habe.Der Katalog vereint erstmals Arbeiten beider Künstler und macht so die profunden, ideologisch unterfütterten Gegensätze, die stilistischen Nichtvereinbarkeiten und die offensichtlichen Unvergleichbarkeiten der Kunst Schmersals mit der van Wells sichtbar. Es ist zugleich eine Hommage Schmersals an seinen verstorbenen Freund und ein Denkmal für ihre 50-jährige Verbundenheit.

The Anahuacalli Museum in Mexico City, a pyramid-shaped structure of volcanic stone, was intended to be the final mansion of Diego Rivera and his wife, Frida Kahlo. Today, it houses Rivera's vast collection of pre-Columbian art. Unlike typical museums, the building's galleries resemble religious or ceremonial chambers, and the corridors are dramatic and cavernous.In 2022, artist Robert Janitz (b. 1962 in Alsfeld, Germany), who had recently moved to Mexico City from New York, was invited to exhibit his work at Anahuacalli. This catalog documents this extraordinary dialogue between pre-Hispanic and contemporary aesthetics. As an outsider, Janitz was free to respond to what he found compelling at Anahuacalli: the colors, the textures, the visionary architecture. Throughout the museum's three floors, Janitz installed large-scale paintings on the walls, even the ceiling and floor, to amplify and distort Rivera's almost ubiquitous decorative program. His paintings of tubular structures, halfway between hieroglyphs and shapes, were spotlit against the heavy, dark stone walls, giving them a jewel-like luminosity and creating an almost metaphysical and spiritual experience. Conceptually and chromatically, Anahuacalli seemed the perfect home for Janitz's extravagantly colored silhouettes.

Nicht vielen Malerinnen oder Malern ist eine derart lange Schaffenszeit gegeben wie Rolf Rose (geb. 1933 in Halberstadt), der auf weit mehr als 60 Jahre künstlerischer Arbeit zurückblicken kann. Die Publikation richtet den Blick auf ein Werk, das über Jahre im Umfeld des Radical Painting und der Farbmalerei angesiedelt war. Lange Zeit baute Rolf Rose seine Bilder polychrom in Schichten auf, was zur Empfindung einer frappierenden Farbtiefe führte. Er experimentierte mit Malgründen, Pigmenten, Wachs und Grafit. Stets geht es ihm um die Farbe als Material, das er mit unterschiedlichsten Werkzeugen bearbeitet.Parallel zur Arbeit auf Leinwand, Holz oder Aluminium schuf er in all den Jahrzehnten auch unzählige Arbeiten mit Acryl, Grafit oder Aquarell auf Papier; außerdem entstanden dutzende Skizzenbücher. In einem gestrafften Überblick wird die Kontinuität dieses Künstlers von den 1970er-Jahren bis hin zu den farblich expressiven Äußerungen des aktuellen Spätwerks gezeigt.Der Katalog erscheint anlässlich des 90. Geburtstages des Künstlers sowie begleitend zur Ausstellung im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach (29.10.2023 - 03.03.2024).

When the group Rrose Irwin Sélavy was founded in Yugoslavia in 1983, its members DuSan Mandic (1954, Ljubljana), Miran Mohar (1958, Novo Mesto), Andrej Savski (1961, Ljubljana), Roman Uranjek (1961, Trbovlje, +2022, Ljubljana) and Borut Vogelnik (*1959, Kranj) were aged between 22 and 29. They all came from the punk and graffiti scene of Ljubljana. Together with the music group Laibach, the theater of the sisters Scipio Nasicas, and the designers from Neuer Kollektivismus (New Collectivism), IRWIN is still one of the main groups of the artists' collective Neue Slowenische Kunst (New Slovenian Art), founded in 1984.This volume is published to mark the 40th anniversary of the artists' collective and to accompany the exhibition at HMKV Dortmund. Since 1983, IRWIN has been investigating the art history of Eastern Europe, especially the ambivalent legacy of the historical avant-garde and its totalitarian successors, i.e. the dialectic of avant-garde and totalitarianism. Since the 1990s, the focus of the group has been on challenging the art history of "Western Modernism" in a critical and iconoclastic way. The artists playfully and darkly contrast it with the "retro avant-garde" and an "Eastern Modernism".The book, which can be read from both sides, is made up of two parts: the first chapter explores the black humor that is a consistent element in IRWIN's work. The second chapter examines issues relating to the state - and how IRWIN uses them to comment on current topics such as migration.

Fünf Jahre sind seit der Eröffnung des Baukunstarchivs NRW am 4.November 2018 vergangen: Mit überregional beachteten Ausstellungen, einer Fülle unterschiedlichster Veranstaltungen rund um die Baukultur und einer umfassenden Sammlung hat sich das Haus unter dem Motto »bewahren - erforschen - ausstellen« als lebendiger Kulturstandort im Herzen Nordrhein-Westfalens etabliert.Anspruchsvolle Ausstellungen sind inzwischen eine Visitenkarte des Hauses. Zunächst als Schaufenster der Sammlung konzipiert, die inzwischen weit über 100 Vor- und Nachlässe bedeutsamer Bauschaffender aus ganz NRW enthält, hat sich das Portfolio mit der Zeit deutlich erweitert. Inzwischen spannt sich der Bogen von der Baukunst über das Ingenieurwesen und das Design bis hin zur bildenden Kunst.Von Anfang an war das Baukunstarchiv mehr als ein Ausstellungshaus oder ein Heim für die wachsende Sammlung: Es ist auch ein Ort des baukulturellen Austauschs. Hier finden alle Belange und Fragen der Baukultur ihren Platz, sei es in Form von Podiumsdiskussionen, Fortbildungsveranstaltungen oder Feierlichkeiten.Die vorliegende Publikation möchte zum Jubiläum einen Überblick geben - über fünf Jahre Baukunstarchiv NRW und all die Facetten, die das Haus heute ausmachen. Neben einer Übersicht aller Ausstellungen, werden wichtige Neuzugänge der Sammlung präsentiert, die Bedeutung des Hauses für die Route Industriekultur beleuchtet und Einblicke in Forschung und Lehre eröffnet.

To mark the centenary of Antoni Tàpies and the 130th birthday of Joan Miró, Kunstmuseum Pablo Picasso Münster is staging a major special exhibition. The works of the two most important Catalan artists of the 20th century are set in an intriguing dialogue with each other. Despite their great age difference, the two artists were close friends and drew inspiration from each other's art.This publication focuses on the graphic work of Antoni Tàpies and Joan Miró, which is fundamental to the oeuvre of the two Catalans. In their graphic prints, both artists developed novel ways of expression and an independent graphic style characterized by the depiction of strokes, dots, letters and symbols: there seem to be no more boundaries between painting, drawing and writing. In this context, the title World on Paper has an ambiguous meaning. On the one hand, it alludes to specific real-world references in the work of both artists, i.e. objects such as items of clothing, found pieces of wood, or even newspaper clippings; on the other hand, it addresses the historical time frame. The work of Tàpies and Miró is closely linked to the history of Spain, the opposition to the Franco regime, and the quest for Catalan identity.

Wer baut, was, für wen und wo? Beeinflusst durch die Architekturgeschichte erkundet MaruSa Sagadin (*1978) die einem Gebäude oder Ort zugrunde liegenden sozialen Aspekte. Ihre künstlerische Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle von privatem und öffentlichem Raum und vereint Elemente aus Architektur, Skulptur und Malerei. Sagadin nutzt Humor und Übertreibung in ihrer Formensprache und in der Verwendung von Farben, um Ein- und Ausschlussmechanismen aufzudecken und mit etablierten Codes der Kunstbetrachtung zu brechen. Spielerisch-subversiv verweisen ihre Arbeiten auf Elemente der Pop- und Subkultur und der angewandten Kunst. Im Zusammenspiel von Gender, Sprache und Skulptur unterwandern sie bestehende Normen und thematisieren Bildhauerei als eine Form des Sichtbarmachens. Anlässlich des Ehrengastauftritts Sloweniens auf der Frankfurter Buchmesse 2023 realisierte die Künstlerin in der Rotunde der SCHIRN neue Arbeiten, die auf die spezifische Beschaffenheit des halböffentlichen Raumes eingehen.Der Katalog erscheint begleitend zur Ausstellung in der SCHIRN und stellt Sagadins Installation ausführlich vor (21.09.2023 bis 14.01.2024).

It is hard to define what an art scene actually is. With a sense of irony and plenty of self-confidence, Gregor Guski (*1981 in Olsztyn, Poland) has titled his book "Die Szene" (The Scene), as if there were only one. He is in fact referring to the Düsseldorf art scene, or more precisely, to those artists whose works are currently setting trends and whose personalities have a decisive influence on events in the city. Aside from the big names, graduates of the Düsseldorf Art Academy, and up-and-coming newcomers, Guski presents the Düsseldorf fringe scene in all its variety. His photographs are not documentary, but radically experimental.In close communication with the artists, Guski's photo shoots take place in the protagonists' studios or in environments that shape their art. The photographs become works of art in their own right - flamboyantly decorated theatrical stages in which the sitters are the performers."Die Szene" is an attempt to portray the current artists and trends of the Düsseldorf art scene. Almost 100 artists from all artistic genres are presented.

Nach ausführlichen Studien an unterschiedlichen deutschen Hochschulen, arbeitete Gerhard Uhlig (Leipzig 1924-2015 Münster) zunächst als Kunsterzieher und später als Fachbeauftragter für Kunsterziehung beim Regierungspräsidenten in Münster. Aus der abstrakten Moderne heraus entwickelte er seine eigene breit aufgestellte grafische und malerische Formensprache, die vielfältigen Stilrichtungen zuzuordnen ist und sowohl an konkrete Kunst als auch an die OP-Art anknüpft. Sie zeigen seine komplexe Herangehensweise, die sich auch in seinen kunstdidaktischen Schriften widerspiegelt. Sein Werk reflektiert die ständige Suche nach neuen Wahrnehmungen und daraus folgend neu ausformulierter Gestaltung.Der Katalog erscheint begleitend zur Ausstellung im Museum Haus Opherdicke in Holzwickede (24.09.2023 - 25.02.2024).

Mechtild Frisch (geb. 1943) ist als Bildhauerin und Malerin bekannt, die sich in den 1970er- und 1980er-Jahren Kartonröhren, Verpackungen und Kartonplatten zuwandte, um den Blick ins Innere oder das "Dahinter" zu eröffnen. Dort lauerten andersfarbige Oberflächen, denen durch Aufbrechen und Durchlöchern beizukommen war. Die Auflösung von Innen und Außen, deren Durchdringung sowie das sich daraus ergebende Spiel von Licht und Schatten standen fortan im Mittelpunkt.Mitte der 1980er-Jahre entdeckte die Künstlerin das intime Format für sich. Auf der Grundlage von Bildpostkarten entstand ein umfangreiches OEuvre, das sich von der Kunstgeschichte bis zu touristischen Motiven erstreckt. Was als spielerisches Experiment begann, sollte ihr Werk über drei Jahrzehnte entscheidend prägen und die Arbeit im Großformat begleiten.Die Transformation eines alltäglichen Gegenstandes oder gar Abfallproduktes aus Karton oder Kunststoff bildet nun bereits seit über 40 Jahren den Kern des bildhauerischen Denkens von Mechtild Frisch. Der Katalog stellt Arbeiten aus allen Schaffensphasen der Künstlerin vor und erscheint begleitend zur Ausstellung im Kunstmuseum Villa Zanders in Bergisch Gladbach (04.06. - 08.10.2023).

With his first photographic album, Christian Heymann embarks on an emotional and personal journey. In dark, melancholic and beautiful shots, the photographer processes the failed relationship with his girlfriend.Faced with the desire for an open relationship, Heymann found himself in a calamitous situation, which was quickly characterized by envy and jealousy and subsequently developed a disturbing dynamic. The waning love, the appearance of other partners, and the constant struggle for affirmation left Heymann feeling numb. His book shows the complicated process of mutual alienation and is simultaneously an attempt both to come to terms with what he and his girlfriend experienced and to find each other in a new way.Photographs marked by vulnerability and emotional froideur mix with sensitive still lifes and threatening landscape scenes to create a poignantly atmospheric narrative that reveals a deep and intimate view into the state of mind of those portrayed.

Wolfgang Schäfer ist in seinem Werk, das die Malerei ebenso einschließt wie die Performance, den Film und die Fotografie, auf der Suche nach einem Urmythos. Es ist die uralte Suche nach den letzten Dingen, die die Welt im Innersten zusammenhalten. Diese Suche führt den Künstler sowohl in die grenzenlosen Weiten des Universums, als auch in den Mikrokosmos und das Innerste der Dinge.Das Malen ist für Schäfer ein Ritual und das Bild weit mehr als reiner Selbstzweck. Immer wieder geht es in seinem Schaffen um das Einswerden mit der Natur, das Einswerden mit sich selbst und schließlich das Einswerden mit seinen Bildern und Perfomances.Die Publikation erscheint anlässlich der Ausstellungen im Stadtmuseum Düsseldorf (04.10-29.10.2013) sowie im Museum Goch (24.10.-12.11.2023) und gibt einen umfassenden Einblick in das über 40-jährige Gesamtoeuvre Schäfers.

Scheinbare Alltagsszenen erfasste Markus Fräger schnappschussartig. Doch entwickelten die abgebildeten Menschen in ihren Posen ein Eigenleben, wirken in ihren Gesten aus der Zeit gefallen. Die rätselhaften Szenerien, die der Künstler aus unterschiedlichen inhaltlichen und zeitlichen Ebenen collagiert, verwenden bildliche Zitate aus der Kunstgeschichte, zahlreiche eigene und gefundene Fotografien sowie Abbildungen aus Magazinen und Zeitschriften.Der Kölner Künstler und Musiker wurde 1959 in Hamm geboren. Bereits in seiner Jugend beschäftigte er sich mit Malerei, vermittelt durch seinen Vater, den Grafiker und Bildhauer Wolfgang Fräger (1923-1983), der im Kreis Unna wirkte. In den späten 1970er-Jahren sang er zunächst in einer aus Unna stammenden Rock 'n' Roll-Band 1979 besten er an der Hochschule für Bildende Künstler Braunschweig die Aufnahmeprüfung. In Unna gründete er aber 1980 mit seinem Bruder und einigen Musikern aus Dortmund die Rockabilly-Formation Alley Cats, die später als The Ace Cats mit diversen Singles und drei Alben bekannt wurde. Parallel dazu studierte Markus Fräger bis 1986 Kunstgeschichte und Archäologie an der Westfälischen Wilhelms-Universität Münster. Bereits 1985 verließ er The Ace Cats und wandte sich hauptsächlich der Malerei zu, inszenierte aber noch einige avantgardistische Popprojekte. In seiner Wahlheimat Köln hatte er zuletzt sein Atelier in einer ehemaligen Essigfabrik, in dem er bis zu seinem frühen Tod 2020 malte.Die Ausstellung im Schloss Cappenberg zeigt retrospektiv das malerische Werk von Markus Fräger. Er malte überwiegend figurativ, seine dichten Szenen von fast altmeistersicher Anmutung mit starken Hell-Dunkel-Kontrasten spielen oft in Innenstädten und erinnern sowohl an die Tradition der Genremalerei als auch an kinematographische Filmstills. Ähnlich wie ein Regisseur setzt Markus Fräger seine Motive in Szene zusammen.. Die Komposition der Figuren sowie auch deren Gesten deuten eine Handlung an, die sich aber im Bildgefüge nicht schlüssig zusammensetzt, sondern eine Geschichte mit losen Enden bewusst auf verschiedenen Zeitebenen erzählt. Auch nach einer intensiven Betrachtung bleiben die Szenen rätselhaft, erscheinen manche formalen Elemente ebenso kryptisch wie die inhaltlichen - punktuell zeigen die Strukturen Auflösungserscheinungen und entziehen sich einer Interpretation. Markus Fräger lässt private und intime Momente unbedingter Schönheit und zärtlicher Verletzlichkeit entstehen, die an die Vergänglichkeit eines scheinbar festgehaltenen Moments erinnern.